如何拍摄晚会照片

如何拍摄晚会照片

1、选择正确的拍摄位置

拍摄舞台照时，拍摄位置非常重要，拍摄戏曲时，最好选择第一排正中偏左一点的位置。因为一般戏曲演出演员都是左进右出，而且主角出场后往往都有“亮相”动作，这正是拍摄的大好时机；

拍摄芭蕾舞剧，应在第六至十排左边靠走道的位置。在这些位置上，可以清晰地拍摄到演员舞蹈时精彩的足尖动作，而你蹲在走道上拍摄那些腾空而起的舞蹈动作，能增添高耸凌空之感；

拍摄民族舞剧或是交响音乐会，那么剧场二楼的一排正中的位置是最理想的拍摄点，在这里可以居高临下进行俯拍，可以摄到雄伟壮观的舞台场面！

2、掌握舞台现场光线的特性

舞台的光线概括起来说可以称之为“暗弱、多变、反差大”。舞台灯光是很弱的，而且由于演员是一直处在不停的动态，所以要想获得清晰的照片，最好选用大口径的镜头和适当的高感光度。这样可以有效地改善舞台光线的反差过大，影响层次单调的不良现象。舞台灯光不同于正常照明，往往随着剧情的展开不断变换，其明暗往往相差数倍，而且各种色光混合，使感光带十分复杂。因此在实际拍摄时要随机应变，要分析对各种色光的感受能力。当无法全面记录舞台景物的情况下，可采取“弃卒保车”的办法，参照主体的亮度来曝光！

3、选择好适当的ISO

用于舞台摄影的感光度，一般ISO800以上的感光度就够了，过高的ISO会带来明显的噪点。

4、不能全信测光表

拍摄时，由于距离舞台较远，测光表测出的数值为整个舞台的平均亮值（按程序式曝光）。而拍摄的内容往往是舞台上的一个局部或某个人物，所以说势必会造成曝光过度的现象。同样道理，当拍摄对象处于深暗区域时，就会出现曝光不足的情况。所以说，在拍摄时，要根据当时的情况酌情增减曝光量，这样才能拍出正确曝光的片子。

5、捕捉好瞬间

抓拍瞬间是舞台摄影的一大特点。要想把艺术性的舞台上的精彩瞬间记录，首先摄影者要了解剧情的发展，要知道一些表演的基本规律。只有这样，才能不失时机地抓住瞬间即逝的高潮。

（一）拍摄场地固定：

差不多所有演出均在一个比较固定的场地内进行。表演者的表情、动作、位置以及配乐、灯光、服装、布景等，都经过精心设计及妥善安排。而演出的时候，表情者按照一定的程序，有计划地演绎每一首歌的意境。凡此种种，均经过[艺术加工]和[包装]，不同于现实生活中的一般场景，特别是高潮时刻，更是主题突出、形象鲜明，富有感染力。幸好这些时刻变化的画面，均在同一场地出现，所以，拍摄者只须安坐在同一位置，把相机向着同一方向，便可拍出所要的画面，但亦因为如此，往往令摄影者有所疏忽，错过重要时刻，此点要特别留神。

（二）固定拍摄角度：

由于舞台是固定的，观众席也是固定的，因此摄影的拍摄角度就比较固定，不须前后、左右、上下来回奔走以选择合适的角度。而在演唱会途中亦不容你走来走去。一般而言，前排中间的位置是拍摄舞台剧照比较理想的角度，但却是最难买的贵票！当然，如果你是特许拍摄的记者，则可以变换拍摄角度，走来走去选择较高较远的拍摄位置。

（三）使用固定镜头：

由于演唱会场地固定，歌星在台上的活动区域也有限，一般不超过舞台的范围。因此拍摄距离也相对固定，除了个别特写镜头外，在拍摄过程中几乎不必转换镜头。一般而言，若需要用多过一款焦距，若可以多带一部机身，那便不用换镜头了。目前，比较流行的是用300MM F/2.8或400MM F2.8之类的大光圈镜头拍摄，如果没有此种[大炮]，则可用任何200MM以上的镜头，配的高速菲林，如ISO400、800之类的，自然便为方便。如用80200 F/4，100300 F/5.8之类的镜头，则一定要用高ISO了。另外一提，一枝坚固的单脚架上必须的，不妨先购一枝，以备需要。

（四）复杂灯光难处理：

演出中，当根据节奏的需要，用不同光源的光线，来渲染不同的气氛。不仅光线的色光成分变化多端，而且时明时暗，十分难捕捉。加上一些彩色光源比较弱，特别是对一般ISO 100-200的情况来说，感觉到这些光线的能力较差。另外，灯光中又有一部分是聚光灯，使整个舞台的照明强弱悬殊，容易出现主体亮，背景暗的情况，这对拍摄工作是一个不利的因素。如使用自动相机，遇上此情况，不妨改用手动曝光，并依据测光表减一级至二级曝光，以免主体曝光过度。

（五）拍摄时注意要点：

每个演唱会都有不同的情况，拍摄时应按实际情形考虑，但以下一些要点，亦有其参考价值：.拍摄以35MM器材为主，大型相机不适用。.采用200MM以上的镜头，才有把握把主体拍得清楚。.镜头的光圈愈大愈佳，如300MM，起码要有F/4光圈，200MM，以F/2.8者为佳。.拍摄时，最好以单脚架支持，手持容易受震。不可用闪光灯，因为闪光灯一般不够光亮度足以由座位射到舞台，再者，很多演出明文不准使用闪光灯拍摄特别是电视现场直播或有录影的节目。不宜在镜头前加上不必要的滤镜。光圈应开至最大，而快门则尽可能快一些。

舞台摄影包括的范围很广，有戏剧、舞蹈、音乐、曲艺、杂技等多方面内容。舞台演出的形式又是丰富多样、风格各异。所以在拍摄前，要熟悉各种艺术的特点，便于拍摄到理想的画面。

舞台摄影有以下几个特点:

1、光线较暗变化大

舞台摄影的照明主要来自舞台灯光，它比外界自然光要暗得多。而各个剧场的灯光情况并不一样，因而亮度也不同。有些剧种如京剧、地方戏、曲艺、音乐等，光线比较明亮，变化不大，而话剧、歌剧舞蹈等光线亮度变化大，因为它常常需要随着剧情的发展而变化。有时，灯光渐变时，因人眼有适应能力，常常觉察不到光线的细微变化，以致造成曝光的失误。

2、拍摄的位置与拍摄的角度受限制。

在剧场拍摄时，除了特殊情况允许随意更换位置外，一般都只能是坐在固定的位置上拍摄。因而，在选择拍摄角度时受到很大的限制。

3、从演出效果考虑，舞台灯光一般多照射在主要演员身上.所以,在主角与配角、主角与背景之间都会出现明显的亮度差,拍出的底片反差大。

拍摄时，要注意以下几点:

1、掌握正确的曝光。

拍舞台照片时，用闪光灯拍摄比较方便，但使用闪光灯会影响观众。另外，闪光灯正面照射，也会破坏舞台上的现场灯光气氛，所以一般多利用舞台的灯光。拍摄前，要用测光表测出准确的曝光数字。从台下向舞台上测光时，如果舞台上的灯光明亮、均匀，可以得到准确的数字。如果主体光强，背景天幕过暗时，按测光表测出的平均光值曝光，常常会出现主体感光过度的现象。所以应选用小角度测光的测光表或镜头后的中央重点测光表为好。测出光值后，还要根据整个舞台的光线情况加以调正。拍摄时要以主要人物为感光标准，随时注意灯光变化，调整光圈、快门数字。

2、拍摄时因座位相对固定，所以应在事先选择好拍摄点。

一般以侧面位置较好，因为正中位置拍摄，前后人物容易重叠，又不容易拍摄到演员进出场的画面。在第一排的位置上拍摄时，角度容易过仰，以四、五排至十排位置为好。如需要拍摄大场面全景时，可坐在楼上第一排，或爬上舞台一侧的灯光调动工作台来俯拍。

3、拍摄舞台照片，多选用ISO 400以上的感光度。

可用更高的ISO感光度的办法，提高拍摄的速度。

4、使用单镜头反光相机时，因为按快门与快门实际打开有一段时间，所以在拍摄极快的舞蹈动作时，必须考虑到这一实际情况。

拍摄时要掌握“提前量”，提前按动快门。这样，快门实际打开时，才能抓取到理想的拍摄时机。

5、拍摄舞台照片时，有时为了表现演员的动态，常常要保留一定的模糊感。

在选择快门时，不可一味追求高速度。

6、因为光线暗，使用大光圈，景深短，所以一定要准确的对焦。

在演出前，可先测量出舞台两边、中间以及背景的距离数字，作到心中有数。拍摄时，即可根据人物的活动，以已知的距离数字作为使用时的参考。

舞台摄影有如下一些特点：

一、舞台艺术种类繁多，表演方法各异，摄影者很难通晓所有的舞台艺术种类；

二、表演舞台大多光线暗弱，而且随着剧情和场景的改变而不断变化；

三、表演动作稍纵即逝，如果对剧情不熟悉则很难捕捉到精彩瞬间。

一般拍摄舞台照片主要应掌握好以下几点：

●选择器材

舞台摄影一般以适于“抓拍”舞台动作的单反照相机较为适宜，镜头可选用24～70mm的广角变焦镜和70～200mm的长变焦镜各一只。其次还可适时选用一些辅助器材，如多影镜，星光镜，柔光镜等特殊效果滤光镜，以丰富画面效果。

拍摄舞台照最好使用舞台灯光，这样既符合剧情，又有独特的舞台照明效果。但是，由于舞台灯光较暗，必须使用ISO400以上的感光度才能用足够的快门速度，以现场光捕捉到快速变化的舞台动作，同时也由于舞台灯光色温低，必须使用灯光类的白平衡。

如果在座位上用长焦距镜头拍摄，需要使用三脚架。闪光灯用于抓取舞台瞬间动作非常有效，但缺点是失去了舞台灯光效果，人物缺乏立体感，并且很多演出禁止使用闪光灯。

●了解剧情

熟悉剧情是获得好作品的一个前提。作为专业舞台摄影工作者，还应通晓各种舞台艺术的程式和表演方法，这对熟悉剧情，掌握剧情高潮是必不可少的。

对于一般的文艺表演，往往在节目开始和结束的时候有优美的造型动作，是拍摄的好时机。

●选择拍摄位置

舞台摄影的拍摄位置有几种选择，如选择前4～6排中间的位置，架上三脚架用变焦镜头拍摄。根据剧情要求，你也可到前台中间和两侧选择拍摄位置，或到楼上观众席的两侧或中间俯拍舞台，以取得不同的画面效果。一般独舞宜在前台中间仰拍，群舞宜在舞台两侧拍摄，或在二楼观众席上俯拍。

●准确测光

舞台摄影多使用舞台灯光。在演出之前可到舞台中心用测光表测量手背的光值，而舞台四个角的亮度一般比舞台中心的亮度差1～1．5级光圈，所以，要随演员在表演中的位置变化随时调整光圈或快门速度。

作舞台摄影最好选用有中央重点平均测光的照相机。只要把测光点对在被摄对象上，就能拍出曝光准确的照片。但如果是在观众席上对舞台中心测光，则要对测光值进行修正，一般应把照相机所测定的曝光量减少1～2级，才能使舞台中心的演员准确曝光。这是因为舞台的中央亮度大于舞台四角，中央平均测光照相机在测光时常将舞台四角较暗的部分也纳入测光范围，使所测平均光值偏高。用这一光值拍摄舞台中心亮度较高的人物时就会曝光过度。

●快速调焦

对于相对静止的剧目可以采用定点聚焦，而对舞蹈等活动范围大的剧目，可用目测调焦的方法测距。例如你可以利用照相机上的测距装置（有的相机没有），事先测好舞台中心、舞台前沿、舞台深处、台角等不同位置的距离，记在心中，根据演出时所处位置，快速调好照相机镜头上的标尺迅速抓拍。

使用自动聚焦照相机时，要用取景器追踪移动中的演员，同时半按快门，便可始终保持焦点准确对在演员上，当剧情和动作达到高潮，便可随时按下快门。

●表现方法

对于动作变化迅速的舞台表演，如舞蹈、杂技等，可用高速快门将舞台动作清晰凝固；也可用慢速快门将舞台动作局部虚化，以表现动感；动作变化迅速的舞台表演也有动作暂时静止的亮相动作，这时也是抓拍的好时机。

对于动作变化不大的舞台表演，如曲艺、话剧、演唱等，主要是抓取演员的面部表情和肢体动作，以及剧情等等。

补充几点：

1、数码单反相机考虑使用ISO800甚至1600，如果你不想把舞演员蹈拍的太虚，就该这样做。在ISO800的噪点可以接受，宁可清晰有噪点，也不要不必要的模糊。想拍动感模糊时，降低快门速度并缩小光圈就行了。

2、位置，演员往往喜欢踢右脚，或伸出右手，从面对舞台的左边拍摄，就往往会拍到腿脚或手挡住脸，因而位置要灵活。

3、舞台摄影还是有很多不方便，我们不能挡住观众，中间过道左边或右边一点，就有这个问题。不站起来拍，就只能坐在第一排，但是位置会太近，角度往往又太低。怎么办？所以摄影师还是选中间过道，退后几排，使用长镜头，或者到最右边的舞台边沿（这里的右，是指从观众角度说）。好的舞蹈摄影，往往是演员专门为摄影安排时间拍出来的，并不是现场抓拍，因为现场灯光亮度不够，灯光角度

单一，摄影师又有太多的限制。

4、色温，这是什么时代了，胶卷的不方便在这里时时表现出它的短处。舞台灯光常常使用高色温聚光灯，其他时候又是低色温的，胶卷怎么可能换得过来？况且如今灯光型反转片想买都不好买到了！数码相机的自动白平衡是比较方便的，它有一定的自动调整范围，如果舞台灯光比较稳定，使用“自定义色温”比较好（但是比较麻烦，要在演出前跑到舞台上去，在灯光师的配合下拍几张不同色温的白纸存在卡里）。如果图方便，聚光灯时使用自动白平衡，其他情况用白炽灯色温基本可以。

拍摄舞台演出，是大家所喜爱的摄影活动。演员们动人的表演，舞台上美妙的场景，剧作中典型的情节，常使摄影者受到深深的感染。在观看演出的同时，用相机把它们拍摄下来，是一种很好的艺术享受。

舞台摄影的方法总的说来有两种：

一种是在演出过程中抓拍，一种是在非演出的时候专门组织拍摄。对于摄影者来说，在这两种方法中，有需要解决的共同性的问题，也有根据不同的拍摄方法应掌握的独特技巧。下面加以概略地介绍。

一、预先了解剧情：

不论是演出中抓拍或专门的组织拍摄，对于舞台摄影来说，预先了解剧情都是必不可少的重要环节。摄影者要在正式拍摄之前，利用一切可以达到的途径，预先对剧情进行了解和研究，掌握情节的发展，找出应当重点拍摄的场景，为实拍做好必要的准备。

摄影者对剧情的了解，只掌握剧情发展的情节是远远不够的，还必需在视觉上有形象的了解，即摄影者的脑子里要有非常具体的画面，不仅仅剧情内容发展到何时拍摄，而且主要演员的位置、具体动作，都要尽可能在事先做到心中有数，拍摄时才能从容不迫，掌握好适当的瞬间。所以，摄影者应当尽量争取多看几次演出。如无这种条件，或者多看看排练，尤其是彩排。通过预先的了解，主要解决三方面的问题：

１、确定拍哪些场面，在什么瞬间拍。

２、预先选好拍摄角度，在所要求的瞬间出现之前，你可以站在理想的位置等待它的到来。假如在演出过程中临时寻找拍摄角度，就一定来不及。当然，如果剧场内不允许你来回走动，则只能在固定的位置拍摄。

３、通过观看演出或彩排，事先了解拍摄技术上的问题，做好准备。如舞台上的照明情况如何，演员动作速度的快慢，应该选用多长焦距的镜头等等。

二、选用的器材：

１、照相机：

如果在剧场内你可以自由行动，拍摄舞台演出最常用的是标准镜头和中长焦距镜头。可以主要依靠标准镜头拍摄有情节的全景或中景场面，而用中长焦距镜头为辅，拍摄演员的单人舞蹈、独唱、独奏或者近景等。假若使用３５毫米小型照相机，一般说来在离台口１０米左右的位置上，用焦距为１３５毫米的镜头，能把单人表演拍满画面。但是，如果演员的表演动作大时，要用８０毫米或５０毫米的镜头拍摄，以免动作出画面。定焦镜头虽然不如变焦镜头使用方便，单定焦镜头的有效孔径较大，对舞台摄影也有有利的方面。广角镜头在舞台摄影中一般说来用处不大。因为，假若用广角镜头拍摄，往往在画面里包括的边幕太多，构图不够简练。如果需要拍摄较大的演出场面，可以用标准镜头退后一点拍摄。

２、胶片：

舞台演出的照明灯光较弱，当用色光照明时，它的亮度更低。毫无疑问，适合选用感光度高的快片，

如ＩＳＯ４００的胶片。尤其在手持照相机拍摄或用长焦距镜头、变焦镜头拍摄时，为了保持影像的清晰度，不能使用太慢的快门速度，在这种情况下，使用比ＩＳＯ４００更高的快片也是必要的。但是，如果没有快片，普通的ＩＳＯ１００中速胶片也可以使用。在照明情况良好的剧场里，用中速胶片，１／６０秒，f／２.８拍摄，底片上也可以有足够的密度。舞台的照明灯多是钨丝灯光，倘若拍摄彩色片，宜选用灯光型的。

３、三脚架：

拍摄舞台演出，常常会用到三脚架，但是有些剧场不允许使用三脚架。所以，最好携带一只轻便的独脚架，给你的拍摄带来帮助。

４、测光表：

剧场的演出很少有适合使用一般的测光表进行平均测量的均匀照明。剧场的照明一般是有的区域很亮，而其它区域则很暗。在这种情况下，若使用一般的测光表进行测光，不论是相机"内装式"的还是手持的"分离式"的测光表，都很难得到准确的测光结果，因为这类测光表的"受角"太宽，会测量到周围一些很暗的区域，导致演员曝光过度。

为克服这一不足，有以下办法

１、使用１度测光表。这种测光表的受角极窄，尽管从远距离上测光，也能准确地计量出个别演员面部的亮度，可以获得十分准确的曝光。

２、使用窄角附件。有的测光表有５度及１０度的测光附件，如果摄影师距离演员不太远，使用这种窄角附件可以获得精确的曝光读数。不过，必须准确地仅仅计量明亮的部位，不要包括暗影。

３、使用长焦距镜头。当你没有１度测光表与窄角附件时，也可以使用照相机的"内装式"测光系统测光，不过，要使用一只长焦距镜头。可以预先用长焦距镜头测光，根据测得的读数确定曝光，然后换上焦距适当的镜头拍摄。每当舞台上的亮度发生变化时，便换上长焦距镜头测光。

４、使用入射光测光表。使用手持的分离式测光表对舞台测光，测量投射光是一个好办法（当然，你的测光表要有测入射光的性能）。当你获得允许之后，你可以站在舞台上，用入射光测光表对准照明舞台的灯光进行测光。要分别测量舞台中心部位、舞台四角、靠近边幕的部位、靠近舞台纵深的部位的照度，推算出曝光组合，记在心中，作为实际曝光的参考。当舞台的亮度有变化时，再做适当的调整。

正式演出的灯光都会很注意造型和气氛，所以不用太多考虑光线，用平均测光足矣。胶卷方面推荐用400或者800的，因为你有个F2.8光圈的镜头，告诉胶卷可以让你有够快的快门速度（可能是1/125秒）去凝固动作，也可以让你有足够的景深包括前后所有的演员。不推荐使用闪灯，一来破坏现场灯光营造的气氛，二来影响演员表演。先看一遍彩排是很重要的，可以让你先了解那些地方将会出现"高潮"，比如亮相、定格，或者腾空。独角架比三脚架方便。

一、相机问题

1、ISO：

一般情况下ISO400足够。。如考虑拍摄特殊效果可以适当调低或调高。。以便配合光圈快门得到合适的曝光组合

2、拍摄模式：

一般可以用M（手动）模式或A V（光圈优先）模式。。根据现场拍摄情况更改曝光组合或曝光补偿

3、光圈：

有大光圈镜头固然好。。一般镜头也可以拍摄。。根据现场适当收缩光圈保证足够的景深范围和清晰度

4、快门：

高速快门可以凝固演员的动作。。慢速快门可以拍摄有意境的图片。。根据需要与光圈和ISO组合使用

5、色温：

这个比较重要。。即使用RA W模式拍摄。。也要注意色温。。这个直接影响到拍摄图片的信息采集。。

6、脚架：

只要现场允许。。就可以带着。。

二、舞台灯光问题

1、常规灯光：

回光灯、PAR灯、AC灯、成像灯、天地排灯等等。。。都属于底色温灯具。。一般使用卤素灯泡。。色温3200-3400K但这些灯光用于逆光、侧光、耳光、面光等。。一般不会开足。。所以实际演出中色温会有所下降。

2、特种灯光：

电脑灯、染色灯等。。。属于高色温灯具。。。高压放电发光灯管。。。色温一般6000K左右。。。这些灯光一般用于现场气氛渲染。。多为逆光或地面。。。

3、追光灯：

这是经常作为定点使用的灯具。。。也是高压放电灯管。。。但是使用中为了和面光平衡大多加上色温滤纸雷登85

三、拍摄问题

1、了解剧情或观看彩排

这可以让你了解演出内容。。安排好拍摄的主要点。。。了解台上的高潮点。。做到心中有数。。

2、注意舞台节奏

这个和上条结合。。。注意演出的音乐。。舒、缓、激、昂。。。注意演员的动作节奏亮相、跳跃、造型。。在这些过程中演员会有一些好的动作可以拍摄

3、对于动态

连续多对焦。。或使用人工伺服对焦。。。设置连拍方式。。。对演员的旋转和跳跃等动作连续抓拍

4、测光方式

用什么测光方式都可以。。。关键是如何表达现场的光影气氛。。。