(完整版)美术基础教程教案(第2版)

喀什大学教案

（2016至2017学年第二学期）

学院：人文学院授课对象：小学教育课程：美术基础教程授课地点：新428教室授课时间：周四5-6节任课教师：易善炳

第一章素描基础教案

教学目的：美术初学者入门训练应从素描入手，素描是造型的基础，工具材料简单易掌握，所学知识也相对简单。学习本章节主要是对素描的工具材料、造型的基本规律、基本技法等特征进行了解。

教学重点：素描造型的基本规律

教学难点：素描造型的基本方法与步骤

教学方法：讲授法

教学过程：

第一节素描的工具和材料

工具准备：画板、画架、凳子、铅笔、炭笔、木炭、炭精条、橡皮、橡皮泥、纸、刀子等。（1）铅笔

初学绘画一般先用铅笔。因为铅笔较易修改，易固定，色调层次丰富而细腻，有利于深入刻画。

铅笔有软硬之分，一般情况下分为8b、7b、6b、5b、4b、3b、2b、b、hb、h、2h、3h、4h、5h、6h等。b的型号越大铅笔就越软，h的型号越大就越硬。越软的铅笔画出的线条就越深，越硬的铅笔画出的画出的线条就越浅。在用铅笔上调子的时候要注意用笔的先后次序，一般情况下先软后硬、先钝后尖。就是先用软铅笔后用硬铅笔，先用未削尖的笔后用削尖的笔。因为铅笔上调子，颜色的深浅需要层层叠加，很多遍才能达到所要的深度。而硬铅笔和削的太尖的笔画几遍之后容易打滑，不好往里画了，容易“腻”。

（2）橡皮

橡皮质地柔软富有弹性，既能擦掉笔迹，又不损伤画面。用来擦掉画坏的部分，用时可以将橡皮从中间割开留一个相对尖的角，用起来更方便。作画时尽量少用橡皮，以免将纸表面擦毛弄花。另外橡皮作为工具皴擦画面，可丰富层次感。

（3）纸

绘画所用的纸张品类繁多，不同的纸表面纹理、薄厚不同。初学者一般采用150克到200克素描纸为宜。铅笔画用纸一般应以纸质密实，纸面纹理较粗糙的为好。纸质密实，能多次擦拭修改，不易起毛，不留笔道痕迹。纹理较粗糙，易显现线条笔触及深浅轻重的色调变化，利于深入刻画形象。

（4）炭笔

炭笔的笔芯较粗，其质地较铅笔软，颜色深重浓黑，附着力强，难于用橡皮擦净，不易修改，且易弄污画面。由于笔芯较粗，线条粗细不易控制，在基础素描训练的初始阶段不宜采用。

（5）炭精条

炭精条分黑色和棕色两种，一般为方条形，特点是既可进行较细致的刻画，又便于大面积涂抹，不可表现丰富的浓淡层次。黑色炭精条颜色深黑浓重，棕色炭精条颜色较为柔和。炭精条与炭笔一样，难于用橡皮擦净，不易修改，容易弄污画面，初学者不易掌握。

（6）木炭条

木炭条一般以柳条烧制而成。质地松软，颜色浓黑，使用方便，表现力强。即可表现强烈的黑白对比，又可表现柔和的色调，既适合表现以线为主的结构造型，也适合表现层次丰富的明暗光影。木炭条是基础训练和素描创作普遍采用的工具，一般选用质地较结实，平直均匀，粗细适中的为宜。但是木炭条的颜色附着力不强，极易脱落而损污画面，为便于保存，必须喷上定画液。

（7）画板、画架

用于固定画纸，利于作画时线条直；固定与写生实物的位置，不移位；好观察画面效果。

第二节素描造型的基本规律

一、美术的概念

（1）美的艺术的简称

（2）造型艺术，既造型艺术是指占有一定的空间，构成一定美感形象，并通过视觉来欣赏的形象艺术。它包括绘画，雕朔，建筑等

（3）专指绘画。

二、素描

用单色来画的意识。素，指单色的意识，描；指画的意识。

三、几何形体

由平面和曲面所围成，占有一定空间的多种立体图形。如正方体、长方体、圆柱体等等。

四、比例

比例是绘画因素寻找可比参照物进行可比因素的比较，比较的内容为长度、宽度、高度、角度、距离。比较的程序是先整体，后局部。（比例有整体比例和局部比例）

五、素描调子

是指涂明暗的意识。所描绘的物体，在光源的照射下形成的明暗关系。在有明暗的前提下，形体才能有一定的空间关系，远近关系，虚实关系等。

六、形体结构

在素描训练中形体结构是素描训练的核心。形，指物体的基本形状,这个形状一般指外部轮廓和外部轮廓内的形体位置安排。体，一般指在外部形状表现完成以后，对形状体积的表现，体积一般是指形状所占空间的面积，既不同的面形成一定的体积，但要先有形而后考虑体积的问题。体积是依附在形体的基础之上的空间因素。结构，在绘画上，结构一词是借用建筑的名词，意识的组合与连接的意识，在绘画上，结构一般有内部结构和外部结构，从人物分析的角度来考虑的话，内部结构一般指人物内部的骨骼肌肉连接与组合后所形成的外在结构形式和起伏形式。外在结构指一个形体是由若干个局部所组成的，而这些局部在形成一个整体的时候，所体现出来的局部与局部之间的连接形式和组合形式,就是外部结构。形体结构是素描的训练重点，是素描的核心理论，在素描的训练上如果把结构的基本理论理解和掌握的话，那在素描的基础理论上就可以过关了。

第三节素描的基本方法与步骤

一、轮廓素描造型

素描时候，首先要观察，再次就要开始动手了，动手之前，就要考虑好构图，其次就是打轮廓了。画轮廓的方法有几种：从整体到局部，先说从整体到局部，这种作画的方式，是很多的老师给学生做范画的时候画的，大多都是这样。这种做法，我个人感觉也不太好，属于看是整体，其实不怎样。因为只要把笔画向画的时候，物体的位置就开始因你的笔受限制了，最后做出来的画，不会出太大的问题，但是你总是看这不够细腻，特别是刚学习的同学，他们没有整体控制能力，更容易发生这样的问题。

从局部到整体，从局部到整体，是很多高手作画的动作，他们是心中整体，眼放局部，这样的画，画的一漂亮，整体，出了画的时候，纸面上不会留下一些残留的败笔痕迹。很多素描高手、老手，特别是突破了思维框框的那些艺术家，他们都如此作画。

二、结构素描造型

素描中的形体，主要指物像的外形特征，结构则主要指物像的内部构造和组合关系。形体与结构是外观与内涵的关系。结构是形成物像外贸的内在依据，不了解它，就无法准确把握物像的一系列外表特征。

在素描中，结构包含两方面内容：一是解剖结构或构成结构；二是形体结构人体和动物

的骨骼、肌肉所构成的解剖关系，是解剖结构。熟悉了解解剖，是人物造型的基础。其他物体的内部构成框架及其构成关系称构成结构，是物像形体的内在依据。绘画中对物体的结构关系的把握，主要在于用面体现其基本形体特征，这样便于理解和把握复杂的结构关系，有利于形象体积的塑造。对结构的这一形体化的概念，我们称为形体结构或几何结构。立体是面的集合体，这是现代绘画表现立体和空间的基本观点。因此，素描中对立体形象的把握通常是从分面开始的，分面是对物像形体的概括，是对结构的分析。面的概括构成了物像的立体框架。圆或接近圆的形体，也可以用概括的面来塑造。方的面更能准确地把握圆的整体关系。所谓造型中宁方勿圆也就是为了概括地、准确地塑造立体形象。

三、光影与明暗造型

光线与明暗是创造画面效果的一个重要因素，也是绘画表现的一个主要方面。明暗的产生来自于光线和物体结构变化两方面的因素。不同的光线角度和不同的结构变化都会带来不同的明暗效果。光线赋予物体明暗，而我们通过画面的明暗来表现空间、体积、结构，同时也表现了一种光感。

现实生活中的光线往往是复杂而多变的，而我们在素描训练中则需要一个稳定的光源，便于观察和深入研究光线与明暗变化的规律，培养明确的光线意识。常见的光线角度一般有顶光、侧光、逆光、顺光等，在平时的训练中应该对这几种光线变化有所把握，这样在光线条件较差的情况下也能够主动把握住画面的光线与明暗。

明暗变化的规律主要就是“三大面”和“五大调子”。

“三大面”是物体的基本黑白灰关系，物体受光角度的不同直接体现着黑白灰的变化，受光是“白”，背光是“黑”，侧受光是“灰”。当然，物体结构的微妙变化会直接体现为黑白灰的多种层次。

“五大调子”则是物体从受光面到背光面的基本变化规律。五大调子包括高光、亮灰、明暗交界线、暗部、反光。其中明暗交界线是受光和背光的转折线，是明暗变化中最重的部分。明暗交界线和轮廓线是形体表现上的两条生命线。暗部要比明暗交界线稍暗一些，在表现中要透气，在暗部里离交界线较远的部分会有一些反光，在表现中要注意适度，不要过亮。灰部与暗部则要保持一定的对比尺度，不要混淆。

第四节室内静物写生作业点评

作业点评主要从构图、色彩、形式美感等因素进行展开，并对每一位学生的作品提出改进的措施与方法。

作业布置：

选择个人所喜欢的静物，用素描的方法把它画出来。

第二章素描表现

教学目的：是把传统美术教学对学生写实能力的培养和锻炼对形式、构成、个性、风格的表现和研究。表现素描的学习有助于学生的多元素视角体验来面对自我的设计实践，为个人的艺术潜能、设计修养的提高开拓一个较为宽广的艺术平台。

教学重点：室内陈设与建筑局部表现、建筑风景素描

教学难点：素描表现的方法和技巧

教学方法：讲授法；练习法

教学过程：

室内陈设与建筑局部表现

一、室内陈设表现

室内设计表现图是室内设计整体工程图纸中的一种；它是通过绘画手段直观而形象地表达设计师的构思意图和设计最终结果的。绘制室内表现图应遵循的三个原则：（一）真实性：就是表现的效果必须符合设计环境的客观真实。真实性是效果图的生命线。表现图与其它图纸相比更具有说明性，而这种说明性就寓于其真实性之中。

（二）科学性：为了保证效果图的真实性，避免绘制过程中出现的随意或曲解，必须按照科学的态度对待画面表现上的每一个环节。都必须遵从透视学和色彩学的基本规律和规范。科学性既是一种态度也是一种方法。建筑表现绘画中十分强调的稳定性也属于科学性的范畴。

（三）艺术性：表现图既是一种科学性较强的工程施工图，也能成为一件具有较高艺术品位的绘画艺术作品。一幅表现图艺术性的强弱，取决于画者本人的艺术素养与气质。

二、建筑局部表现

视手法代表了一个新的普遍性观点，一个先验观点，即通过理智可以理解并控制空间。因此，文艺复兴建筑结构素描在表达意图的构思上更为清晰，其对空间的处理，是被期望从设定的方向去理解。透视能够最大限度的模拟真实的场景，因为其不仅仅能够用来描述建筑结构素描师的观点，还允许他们通过图像去预测现实中人们对建筑结构素描的体验。

室内陈设与建筑局部作业点评

一、室内陈设与建筑局部写生作业点评

（1）画面整体效果

（2）画面的空间构成

（3）画面的形式

（4）画面的美学特征

二、室内陈设与建筑局部写生作品范例

选出学生创作的较好作品，对作品进行展示，同时指出其中的优缺点。

建筑风景素描、钢笔风景速写

取景与构图

在风景写生的过程中，首先碰到的问题是：如何在连绵不断的视野中截取最理想的部分，使之成为一张画的画面，以及怎样进行画面的安排，这就是取景构图。风景写生教学涵盖着取景构图、色调选定、塑造、修改等众多过程的训练，而取景构图处于最前端，又可以将取景溶入构图的内容，也就是解决：怎样收集最理想的景色进行最理想的安排这一问题。

二、常见自然景物的表现方法

明暗调子的表现方法

线面结合的表现方法

线描的表现方法

速写的表现方法

三、房屋建筑的表现技法

建筑表现技法同一般绘画不同，风格较为理性，不过很多时候运用一些绘画笔法，会使得画面更为灵动，这需要看具体情况来决定。一般是建筑物的线条比较清晰，构图严谨；而作为配景的树木等较为风格化。所需材料一般是美工笔、水彩颜料、马克笔、油画棒等，水粉不是很常用，因为不是很容易控制，在短时间内没有办法快速表现建筑画大都是钢笔淡彩，所以需要一支美工笔。签字笔和针管笔也行，看风格决定。没有色彩的建筑画，就完全看的是钢笔的技术了。

建筑风景素描的作画步骤

透视图

1、一点透视适合表现建筑的庄重、肃穆的气氛：纪念建筑，行政建筑，室内(纵深感)

2、两点透视容易表现建筑物的体积感，具有较强的明暗对比关系：建筑表现图广泛应用。

3、三点透视强烈的透视感：大型建筑物或强烈的透视感以及高层建筑物。

工具

水彩纸；羊毫大白云、小白云、小狼毫（笔锋吸水后能够收拢成尖状）；水彩颜料以及调色盘、吸水布。

临摹与研习

1、要点

兼顾素描关系与建筑表现技巧；建筑表现技巧色彩因素

先从素描明暗塑造这一角度入手，用明暗方法表现出建筑形象的主要方面，然后再通过一定色相的色水渲染，获得一个统一的基本色调;在此基础上，通过各种方法和色彩对比的变化来丰富画面色彩效果。

方法：渲染为主，某些部位采用不规则湿接法或其他技法。

建筑风景素描、钢笔风景速写作业点评

建筑风景素描作业点评

钢笔风景素描作业点评

建筑风景、钢笔风景速写作品范例

作业布置：

请你根据生活中常见的建筑，画出一幅速写作品。

第三章色彩基础

教学目标：色彩是造型语言的基本要素之一，色彩基础的训练对培养学生的色彩观察能力和色彩表现能力起着重要作用。色彩基础课程的教学目的不仅在于帮助学生掌握色彩表现技法与培养色彩表现能力，更重要的是让学生在掌握色彩表现技法的同时，提高视觉审美修养和色彩的创造性应用能力，并使这种能力与其所学专业有机结合起来，从而成为学生创造性思维的组成部分。

教学重点：色彩常识、色彩表现

教学难点：色彩关系

教学方法：讲授法；练习法

教学过程：

第一节色彩常识

一、色彩的形成

色彩是通过眼、脑和我们的生活经验所产生的一种对光的视觉效应。人对颜色的感觉不仅仅由光的物理性质所决定，比如人类对颜色的感觉往往受到周围颜色的影响。有时人们也将物质产生不同颜色的物理特性直接称为颜色。

二、色彩混合的两种形式

色彩有两个原色系统：色光的三原色、色素的三原色。色彩有三种混合方式：加法混合、减法混合、中性混合。

色彩系统

色彩分类

色彩分为无色彩与有色彩两大范畴。

（1）无色彩指无单色光，即：黑、白、灰；

（2）有色彩指有单色光，即：红、橙、黄、绿、蓝、紫；

色彩的三要素

（1）明度：在无色彩中，明度最高的色为白色，明度最低的色为黑色，中间存在一个从亮到暗的灰色系列。在彩色中，任何一种纯度都有着自己的明度物特征。例如：黄色为明度最高的色，紫色为明度最低的色。明度在三要素中具有较强的独立性，它可以不带任何色相的特征而通过黑白灰的关系单独呈现出来。色相与纯度则必须依赖一定的明暗才能显现，色彩一旦发生，明暗关系就会出现。我们可以把这种抽象出来的明度关系看作色彩的骨骼，它是色彩结构的关键。

（2）色相：是指色彩的相貌。如果说明度是色彩的骨骼，色相就很像色彩外表的华美肌肤。色相体现着色彩外向的性格，是色彩的灵魂。色相环：在从红到紫的光谱中，等间的选择5个色，即红（R）、黄（Y）、绿（G）、蓝（B）、紫（P）。相邻的两个色相互混合又得到：橙（YR）、黄绿(GY)、蓝绿(BG)、蓝紫(PB)、紫红（RP），从而构成一个收尾相交的环，被称为孟赛尔色相环.

（3）纯度：纯度指的是色彩的鲜浊成度。混入白色，鲜艳度降低，明度提高；混入黑色，鲜艳度降低，明度变暗；混入明度相同的中性灰时，纯度降低，明度没有改变。不同的色相不但明度不等，纯度也不相等。纯度最高为红色，黄色纯度也较高，绿色纯度为红色的一半左右。纯度体现了色彩内向的品格。同一色相，即使纯度发生了细微的变化，也会立即带来色彩性格的变化。

三、色性

现实生活中的色彩千变万化，把色彩分为冷暖两大对立系统，依据来比较冷暖倾向，就能够寻找到展现在我们眼前的任何一种复杂而微妙的色彩。色彩的冷暖感觉在视觉上还能产

生距离感，称为色彩的透视。它在风景写生中尤为重要。同一色彩距离我们远时，对比弱，增强冷色感觉。距离近时，对比强，增强暖色感觉。

色彩的配合

在现代化的生活中，人们除了关注建筑的质量以外，对于建筑的美观度也具有更加严格的要求，这就要求在形态以及光线的搭配还有色彩运用上进行合理的搭配，这样才能满足建筑外观以及质量的双重要求。通过对色彩搭配以及光线、形态运用等方面的问题进行介绍，希望能够对建筑设计师提供更加开放性的思维，采用更为创新性的设计理念应用在当前的建筑设计中。

色彩关系

色彩的变化规律

光色是一种物理现象。我们知道，是英国科学家牛顿用三棱镜把光分离成红、橙、黄、绿、青、蓝、紫等色彩光谱，并把阳光分解成光谱的现象称之为光的色散。现代科学证实，光是一种以电磁波形式存在的辐射能，具有波动性及粒子性。色彩世界的本质是一种光波运动，缤纷的色彩是光线辐射的结果，而不同物体对吸收和反射光波的情况是有差异的，如我们看到的绿色树叶，它是吸收了光线中的其他色彩，从而将绿色的光波反射出来。黄色、红色、蓝色的色彩显现也都是基于同样的道理。至于白色，则是反射了所有的光线，而黑色则把光线全部吸收了。

我们在进行色彩写生之前一定要先了解色彩是如何变化的,受那些因素影响,这样才能做到心中有数,准确表现.色彩作品不外孚这么几大类:写生色彩、装饰色彩、表现色彩，后面两种色彩表现形式都是较为主观地表现作者对色彩的独特感受和表达，这里我们暂不作讨论，下面我们主要就写生色彩进行研究，写生色彩是按照色光变化的科学原理进行的，首先必需要在光源固定、物体固定、环境固定这三个基本前提下才能进行，否则画面的色彩关系将是杂乱无章的。

色彩的观察方法

树立正确的色彩观察方法是一幅色彩写生作品成败的关键。正确的观察方法应是整体的观察和比较的观察即整体观察同时比较，我们做画，不是在画单块的色彩而是在画一组色彩相互之间的关系，一块颜色画的好不等于整张好，整个画面色彩组织的好才是真的好。（1）所谓整体观察主要是对描绘对象整体色调的认识。黄、红、高、低、冷暖调，初学者可采用小色稿的办法来训练自己把握色调的能力。（2）所谓比较观察是在整体统帅下的物体个性色彩的观察，它是观察色彩的重要手段之一。色相的比较：相同，不同色相的比较。明度的比较：明与明、暗与暗、明与暗的比较。纯度的比较：纯与灰、纯与纯、灰与灰比较。冷暖的比较：冷与暖、冷与冷、暖与暖。（3）只有经过比较才能形成判断，只有通过比较才能找到画面正确的关系。严格的讲，一切色彩的变化都是比较出来的，没有比较就没有色彩。尽量把准备画进画面的景物同时收入眼底，避免长时间把目光只盯在局部，如若死盯住某处，只追求片面的绝对的标准却就必然会排除条件色的景色的影响而导致色彩的简单画。这是绘画最忌纬的一种观察方法。

色彩的对比与调和

色彩间的差异与对比，在色彩现象与色彩艺术中最具有普遍性，没有色彩的对比就没有色彩的视觉效应，人的视觉只要能感觉到眼前的物象，就意味着色彩的差异与色彩对比关系的存在。色彩的对比总是在同一范畴、同一性质或者同一发展阶段内进行的色彩的调和实际上是色彩对比的妙用，处理好对比和调和就能造成和谐的效果。

“对比”不等于“不安定”，“调和”也不等于“和谐”色彩的运用关键就在如何处理好色彩的对比与调和的关系。

色彩表现

以“抽象”色块为主的表现方式。这种表现具有主动、显露、抒发、随机的意味。与以往被动的、临摹的、写实的方法不同，它富有朝气，充分引发师生之间的互动，从而使学生获得更多的独立思考和独立想像空间，大胆地进行创意性的色彩表现。书中内容主要有概论（抽象、近现代色彩特征、个性）、色彩感受（色相、三种归纳）、经营位置（主题突出、层次、形的构成）、创作意象（主题与素材、想像的动力、有感而发）及表现手法（肌理、笔触、调色）等。

色彩基础作业点评

构图

2.表现形式

3.整体美感

作业布置：

画出一个色环，并比较不同色系色彩给你的感受。

第四章水粉画

教学目标：通过对水粉画的基本知识学习，指导学生能够独立运用于水粉画创作中。

教学重点：水粉画的写生技法

教学难点：水粉画的基本技法

教学方法：讲授法；练习法

教学过程：

一、水粉画的概念

水粉画就是用水调合粉质颜料来作画的一种绘画形式。水粉画是以水作为媒介，是以水加粉的形式来出现的，干湿变化很大。所以，它的表现力介于油画和水彩画之间。水彩画的特点是颜色透明，通过深色对浅色的叠加来表现对象。而水粉画的表现特点是处在不透明和半透明之间。

二、水粉画的起源

水粉画的起源很早,这可以从使用水溶性质颜料作画的中外古代壁画中得到见证.如我国北魏时期的敦煌石窟壁画,元朝的永乐宫壁画,传统的工笔重彩画,以及古代民间绘画等都是

用水粉色,古罗马地下墓室中壁画也大都使用胶或蛋清与颜料粉调和制成的胶粉画,实际上都是早期的具有水粉艺术特点的绘画,意大利文艺复兴时期美术大师们留下的壁画原作,也是使用水粉色绘制的,由此可见中外水粉画颜料的产生与使用历史悠久。

水粉画的色彩效果以鲜艳、华丽、柔润、明亮浑厚为特点，画面具有独特的美感，适宜于表现简明概括、鲜明强烈的画面效果，因此多选用其绘制各种装饰风格的绘画。它的应用范围也较广，可以绘年画、招贴宣传画、图案设计画、建筑设计效果图及用于绘景等。

三、水粉画的特点和使用工具

水粉与水彩有相似之处，都是用水来调和颜料的。也有不同的地方，水彩的深浅基本上是靠水分的多少来决定的，而水粉则可利用白色来使颜料变浅，也可以调出其它较浅的颜色来提高明度。水粉画的最主要特点是颜料的含粉性质和不透明性，水粉颜料容易被水溶解，是一种覆盖力较强的、且有粘着性的不透明颜料。也就是说，水粉颜料色层能够紧密盖住底子和下面的色层，而且水粉颜色干透以后非常结实，表面呈现出无光泽的天鹅绒般的特有美感。

由于水粉颜色含有一定分量的白粉，使色彩干湿之间有明显的差别，即湿时色彩较暗，干后白粉色浮现在表面，明度比湿时要强，而色彩鲜明度减弱。这一状况，使水粉画在制作中掌握色彩干湿变化时增加了难度。画家只有在实践中，逐步积累经验，才能取得预期的效果。水粉画使用的工具、材料和操作都比较简单：毛笔：水粉画的用笔随意，笔的种类也较多，比如：水粉笔、水彩笔、油画笔、国画笔、化妆笔、刮刀和自制笔等，可以针对自己的作画习惯以及对笔的不同喜爱，有选择合理使用。一般水粉画的笔要求笔锋要求有圆、方、尖集扁以及大小之别，便于表现任何刻画对象。

纸张：水粉画用纸比较随便，一般较硬较厚的都可用来画水彩画，甚至连报纸、白板纸裱在板上也可以画风景画或广告画。而松软的纸易打皱，太硬脆的纸容易断裂，油画纸及双胶纸根本不吸水也难挂色，这些纸都不宜画水粉画。严格讲，画好和保存一张好的水粉画，最好还是选用水粉、水彩、卡片等纸、他们既方便又好用，其画面效果能长期保存。

颜料：目前市场经常见到的水粉颜料有：钛白、柠檬黄、淡黄、中黄、深黄、士黄、桔红、朱红、大红、夕阳红、暑红、深红、桃红、玫瑰红、紫罗兰、青莲、群青、深蓝、普蓝、翠绿、草绿、淡绿、熟褐、深褐色、褐色、黑等。

清理工具：做画时需准备一个合适的洗笔筒，如小塑料桶、大的罐头瓶。一般口要大一些，便于在紧张作画时快速在水中涮笔。另外做画时还要准备一个海棉或找一块吸水性较强

的布作为清理工具。它有两个方面的作用：（1）当清洗笔时笔头总是戴上很多水，有这个工具就可用笔往上轻轻一抹，可吸取笔尖上多余的水。（2）当调色过稀或笔头着色过多时，也可在上面控制笔头的水分及颜色的多少，尤其在画面需要干画法时，这种清理工具就显得很重要。此外做完后，还能用抹布清理调色板，保持作画工具整洁。

水粉画基本技法

因水粉颜料是以水为媒介，以粉为材料的水性原料，调色时加入不同量的水分，出来的效果是不一样的。画法大致可分为三种：干画法（厚涂法）、湿画法（薄涂法）、干湿结合法。1、干画法和湿画法干画法是一种多层画法，用色较厚，反复修改并塑造形体，这有点类似于油画的表现方法。用层涂的方法在干的底色上着色，不求渗化效果，可以比较从容地一遍遍着色，较易掌握，适于初学者进行练习。表现肯定、明晣的形体结构和丰富的色彩层次，是干画法的特长。在作画时要注意，水粉毕竟是粉质原料，颜色太厚，修改遍数太多，底色就容易泛上来，会出现“脏”和“腻”的问题。干画的用笔一定要一笔一笔地往画面上放，不可反复擦、蹭。干画法容易掌握，是适初学同学使用的表现方法干画法可分层涂、罩色、接色、枯笔等具体方法。层涂：即干的重叠，在着色干后再涂色，一层层重叠颜色表现对象。在画面中涂色层数不一，有的地方一遍即可，有的地方需两遍三遍或更多一点，但不宜遍数过多，以免色彩灰脏失去透明感。层涂象有色下班重叠，事先预计透出底色的混合效果，这一点是不能忽略的。实际上也是一种干的重叠方法，罩色面积大一些，譬如画面中几块颜色不够统一，得用罩色的方法，蒙罩上一遍颜色使之统一。某一块色过暖，罩一层冷色改变其冷暖性质。所罩之色应以较鲜明色薄涂，一遍铺过，一般不要回笔，否则带起底色会把色彩搞脏。在着色的过程中和最后调整画面时，经常采用此法。接色：干的接色是在邻接的颜色干后从其旁涂色，色块之间不渗化，每块颜色本身也可以湿画，增加变化。这种方法的特点是表现的物体轮廓清晰、色彩明快。枯笔：美术家论笔头水少色多，运笔容易出现飞白；用水比较饱满在粗纹纸上快画，也会产生飞白。表现闪光或柔中见刚等效果常常采用枯笔的方法。干画法不能只在“干”字方面作文章，画面仍须让人感到水分饱满、水渍湿痕，避免干涩枯燥的毛病。湿的重叠：将画纸浸湿或部分刷湿，末干时着色和着色末干时重叠颜色。水分，时间掌握得当，效果自然而圆润。表现雨雾气氛、湿润水汪的情趣是其特长，为某些画种所不及。湿的接色：邻近末干时接色，水色流渗，交界模糊，表现过渡柔和色彩的渐变多用此法。接色时水分便函用要均匀，否则，水多向少处冲流，易产生不必要的水渍。画水彩大都有干画、湿画结合进行，湿画为主的画面局部采用干画，干画为主的画面也有湿画的部分，干湿结合，表现充分，浓淡枯润，妙趣横生。

2、水分的掌握水分的运用和掌握是水彩技法的要点之一。水分在画面上有渗化、流动、蒸发的特性，画水彩要熟悉“水性”。充分发挥水的作用，是画好水彩画的重要因素。掌握水分应注意时间、空气的干湿度和画纸的吸水程度。进行湿画时间要掌握得恰如其分，叠色太早太湿易失去应有的形体，太晚底色将干，水色不易渗化，衔接生硬。一般在重叠颜色时，笔头含水宜少，含色要多，便于把握形体，以可使之渗化。如果重叠之色较淡时，要等底色稍干再画。空气的干湿度：画几张水彩就能体会到，在室内水分干得较慢，在室外潮湿的雨雾天气作画，水分蒸发更慢。在这种情况下，作画用水宜少；在干燥的气候情况下水分蒸发快，必须多用水，同时加快调色的作画的速度。画纸的吸水程度：要根据纸的吸水快慢相应掌握用水的多少，吸水慢时用水可少，纸质松软吸水较快，用水需增加。另外，大面积渲染晕色用水宜多，如色块较大的天空、地面和静物、人物的背景，用水饱满为宜；描写局部和细节用水适当减少。

“留空”的方法

与油画、水粉画的技法相比，水彩技法最突出的特点就是“留空”的方法。一些浅亮色、白色部分，需在画深一些的色彩时“留空”出来。水彩颜料的透明特性决定了这一作画

技法，浅色不能覆盖深色，不象水粉和油画那样可以覆盖，依靠淡色和白粉提亮。在欣赏水彩作品时留意一下，会发现几乎每一幅都运用了“留空”的技法。

恰当而准确地空白或宛浅亮色，会加强画面的生动性与表现力；相反，不适当地乱留空，易造成画面琐碎花乱现象。着色之前把要留空之处用铅笔轻轻标出，关键的细节，即或是很小的点和面，都要在涂色时巧妙留出。另外，凡对比色邻接，要空出对方，分别着色，以保持各自的鲜明度。有的初学者把不必要的空的形状空了出来，然后顺沿轮廓涂描颜色，还有的把该空的地方顺沿轮廓空得很死、太刻板，失去生动感。空的既准确又生动，是技巧熟练的体现。在实践中反复练习，就会熟能生巧。

4、笔法

笔法即用笔的方法。用笔与用水、用色是紧密相关的，作画时每一笔均含水与色，或水多色少，或色多水少，或水色适中。笔在纸上运动会出现笔痕，就是我们通常所说的“笔触”从笔触可以看出作画时的笔法。画纸的粗细，画笔的硬软，运笔的快慢，根据物体的结构，笔法变化多端，有点有线，刚柔渴润，从表现物象的形与色出发，恰当地用笔增强塑造性和画面生动性。

水彩画面积较大的涂色，水分的渗化将笔触隐没，趁湿重置色彩笔触感觉含蓄，较干时作画，笔触清晰可见。着色过程中一刻也离不开用笔，越是接近完成用笔越重要，其笔触不再被覆盖，暴露无遗地展现给欣赏者

五、构图的基础知识

1.构图的概念

构图是绘画艺术技巧的一个组成部分，又是创作过程中的一个环节，更是将作品各个部分组合成一个整体的一种形式。构图的形态要服从作品内容和作者内心的感受，并根据构图形式美的法则来决定。

2.构图的基本法则

首先要选定写生的角度和适当的视点。这个选定的角度和试点，应该能使观察到的对象主体突出、主次分明、布局稳定、光线集中，色彩丰富统一。

其次，要确定桌线在画面的位置。桌线就是桌面背景的交接线。此线在画面上或高或低，与视平线高低是统一的。

第三，应该考虑你所画的空间大小。描绘的空间大，物体就要小，物体画的越大，画面体现的空间越小。

第四，一个画面的构图结构，应是既有变化又有统一的整体，应当利用形体、明暗、线条、色彩等因素的对比谐调规律，以及空间处理，体积结合、节奏韵律等手段，使作品形式新颖生动，并具有最强的艺术表现力。

第五，在落幅时应先把描绘的所有景物概括成一个很简明的几何形状，这个形状是将这组物体最靠边的突出点联系起来而形成的，能看到这个形状，就说明知道从整体去看对象的方法了。

第六，作品尺寸的大小，应配合它的内容；画幅的长宽比例应服从构图的需要，使构图更加完美。

线条是构图中重要的形式因素。中国传统绘画的线描是造型的基础，线成为传统绘画的艺术特征之一，这些主要是指线在造型上的应用。至于线在画面构图中的作用，则更为广泛。线可以达到引导观众视线集中到作品主题中心去的目的，线条本身也具有自己的表现力和美感，将线加以组织，可以具有构图形式上的韵律和节奏感。线条可以分为许多类：

(1)直线，即本身就具有存在价值的线。直线具有表示力量、稳定、生气、刚强、静穆、严肃等感情因素。垂直线，在构图中往往很有吸引力。直线有垂直线、水平直线和倾斜直线之分。垂直线具有严肃、庄重、和平、希望等感情因素；水平直线具有安详、宁静、舒展和

稳定感，可以用来象征地面的深远与辽阔。倾斜直线，在画面中是常见的线条，它具有兴奋、行动、动荡、不稳定等感情因素。

(2)物体形状的轮廓线，这类线有直线、曲线，或两者结合的线。轮廓线越单纯明确，就越醒目强烈。如版画中的黑白木刻。

(3)一些很窄的物体，也具有线状效果。如视点很低时的地面、海面、道路、电线杆、树干等。

(4)水平线、垂直线、倾斜线。

(5)起伏不平的线条(如建筑群与背景交接的轮廓线、丛树与天际的交接线等)。

(6)曲线：水平曲线、垂直曲线、其他曲线。曲线有垂直曲线、水平曲线、无规律曲线之分。曲线给人有女性的联想，柔和、优美而流畅曲线使用不当，会使构图显得不稳定、软弱而缺乏力量。垂直曲线如火焰，表示一种活力；水平曲线如水波或远处山峦的起伏等，具有亲切优美和缓慢的运动感。

(7)地平线(地平线在画面中十分重要，与构图关系非常密切)。

六、色彩写生用笔方法

一幅优秀的水粉静物写生，画面中的各类物体的形色关系通常是以富有表现力的用笔来塑造对象的。的确，如何用笔去表现对象，对画面所产生的最终效果和感染刀都具有非常直接的影响和作用。不同的用笔方法和不同的笔触特点是形成不同画面风格的主要因素之一。用笔方法：笔触是塑造形体、处理画面的基本手法，不同干湿浓淡，不同轻重缓急的笔触会带给观者以不一样的感觉。作画时，笔法的变化较多，常用的大致有以下几种：摆：也叫摆色块。用画笔调好颜色，一笔一笔地往上放，用大小不一方向不同的笔触来塑造物体。要点：下笔要肯定，用笔要顺着形体走，尤其在面与面的转折处，用色块接好刷：也叫涂，用大号笔把颜色加水稀释，饱蘸颜色来回涂到画面上。此方法宜画大面积的背景投影及暗面不清晰部分。此法要求运笔要块，颜色要薄，画的遍数要少，适合表现大关系、大色块。

擦：也叫飞白，用干笔把少而厚的颜色擦在画面上。此方法适合表现蓬松效果以及物体高光、反光，也可作为面与面的过渡河局部修改之笔法。要点：笔要干，一般用扁头笔，拿着笔的后端，运笔要快速从纸的后端扫过，效果是前实后虚。

勾线：一般画物体的结构（如树枝、柳条）以上物象形体轮廓，作画起形等等。注意勾线要有虚实粗细变化，笔可用圆头笔或扁头点：此方法多用于画花卉、树叶以及物体的细节。要点：点出的形要有大小虚实变化。画花、叶子时注意要有前后重叠和疏密。

作业布置：

创作一幅水粉画作品。

第五章水彩画

教学目的：水彩画是一种轻便、使用广泛，艺术性很强的画种，同时又是研究色彩较为理想的画种之一。因此，常被列为美术专业的色彩基础课。通过色彩景物课程的学习，可使学生获得色彩的基础知识和水彩画的基础技法，而且训练学生以色彩塑造形体的能力和审美的能力。

教学重点：在水彩画的教学中，应看重使学生尽快掌握水彩画的特性和基本技法，充分了解水彩画与其他画种的区别。提高学生对水彩画的欣赏水平。

教学难点：本课的教学难点在于使学生学会掌握“水”和“彩”的具体运用，突显水彩画的特点和材料的特性。

教学方法：运用传统教学方式与现代多媒体教学相结合，采用讲授法、示范法、讲评法、作品欣赏法、具体辅导法，秩序渐进因材施教。

教学过程：

教学过程为4个阶段：第一阶段：通过多媒体手段的结合实例进行讲授第二阶段：结合写生对象进行具体方法步骤的讲授，并示范。边画边讲解。第三阶段：针对每个学生进行具体指导。第四阶段：作业讲评，总结出学生作业的优缺点。评定出每个学生作品的成绩。

教学内容：

水彩画的发展概况

水彩画技法在绘画技法中式最古老的一种方法。古埃及时代就有人们以水为煤剂调和颜料在草纸上作画（PAPYRVSROLLS），中世纪的欧洲人使用类似的方法，绘制祭祀用的手抄经本里的插图，这就是水彩画的雏形。

据史载最早出现的英国水彩画，可追溯到16世纪后期，距今约四百年历史。

使水彩画发展成为独立画种，应归功于18至19世纪英国水彩画家的不懈努力。英国水彩画有自己的传统，从16至17世纪以来风行一种记录性的地形风土画（TOPOGR-APHY）。英国（水彩）资产阶级革命促进了经济、政治、文化的发展。随着海外扩张，旅游的开展，地形景物图的绘制，使人们对自然景物审美兴趣也增长了，简便而又使用的水彩画在英国迅速传播。艺术效应增强，技法不断提高，充分发挥了水和色的作用。例如保罗·桑德比(PAVL SANDBY 1725-1809),人也在颜料的制作和绘制技法方面，作了不断的尝试。他把地形画向前推进了一步。他是最早转入水彩风景画的人，因而有“水彩画之父”的称号。

18世纪后半期到19世纪前半期，是英国水彩画光辉灿烂的时期，几乎所有的杰出水彩画家都产生在这一时代，在欧洲艺坛上放出光彩。如：亚历山大·科仁斯（ALEXANDER COZENS 1717-1786），首创“泼色法”，与中国画的“泼墨法”相类似，有异曲同工之妙。作品富有浪漫主义色彩，《群山》、《湖光山色》、《罗马神殿》等。威廉·透纳（JOSEPH MALLORD WILLIAMTVRNER 1775-1851），是英国最著名的画家之一，他创作了大量优秀的水彩画，给英国艺坛带来了巨大的活力。他大胆地用丰富的色彩来表达光的效果，是水彩画发生了深刻的变化，导致了法国和英国印象派的发展。《战舰》、《廷尼湖风景》等。波宁顿（RICHARD PARKES BONINGTON 1802-1828），年轻夭折，仅活了26岁，但成就甚高，对绘画技巧的革新，作了大胆尝试，取得了卓越效果。德洛克洛亚赞扬他的水彩画“运用水彩之精妙，令人称绝”。如《崖下》、《威尼斯风景》等。（见图）1804年，英国成立了水彩画协会（老协会），历时4年，至1808年又成立了水彩画家联合协会（成新协会）。到维多利亚时代，改称皇家水彩画协会和皇家水彩画学会。

水彩画在欧洲其他国家，岁没有像英国那样系统发展且画家众多，但亦不乏杰出画家。俄国的水彩画蓬勃发展与19世纪到20世纪初。19世纪末成立了俄罗斯水彩画协会。如列

宾，格拉西莫夫，杰伊涅卡等。美国的水彩画家，大部分是新一代的水彩画家，风格多样。他们吸收了别的国家的优秀经验，创造了自己的面貌。

罗伯维基（ROBERT VICKEVRY），是国际著名的蛋彩画先驱画家，赋予技巧与幻想力。如作品《倒影的倒影》。

我国同西方文化艺术交流的历史较早。18世纪初，意大利画家，耶稣会员郎世宁（Giuseppe Castiglione 1688-1766）来到北京，常使用水彩工具作画，使中西绘画技法溶为一炉；之后，法国也派擅长水彩画的传教士蒋友亿来北京。西洋的水彩画形式传入中国，并在中国得以发展，约有百余年历史。

1895-1900，产生了变法维新运动，随着“废科举，兴学校”，我国出现了仿西方美术教育的学校。

1906年南京两江优级师范学堂（中央大学艺术系前身）。

1912年创办了上海图画美术院（上海美专前身）。

1918年北京大学成立艺术学院（后改为北平艺专）。

1920年成立武昌美术学校。

1922年成立苏州美术专科学校。

1928年杭州成立园立艺术院（浙江美术学院级中国美院交身）。这些学校都相继开设水彩画课程。

建国后，在“双百”方针的指导下，水彩画得到了迅速的发展。

1954和1958年，中国美协先后在北京举办了《全国水彩、速写展览》和《全国水彩画展览》。

1963年，英国水彩画首次访华，扩展了水彩画家的视野。

1982年，英国水彩画大二次来华展出。

1986年和1992年中国美协先后在杭州和徐州举办了《全国水彩水粉画展》。

从1988年起每届举办一次《中国水彩画大展》。

2005年第七届全国水彩水粉画展在河南郑州举行。

我国著名的水彩大师李剑晨，是河南人。梁思成，杨运宝是老一代优秀的建筑师，也是出色的水彩画家。景物创作作品在老一辈水彩画家中有好的表现。如：孙青羊，潘思同，张充仁，王肇民等。

建国以来，在我国高等建筑院校及美术院校中，一直把水彩画列为各必修课程。

（二）水彩画的特点及绘画语言特质

（1）水彩画特点极其明显。它是用水作为媒介来调色，通过“水”和“色”的相互作用，是花面具有透明、轻快、滋润、流畅等特点，能获得特殊韵味的效果。

19世纪英国著名水彩画家和理论家拉斯金曾做过如下描述：“水彩在画家的处理下，水地和他明快性质所形成的幻想与在华，渐泼的痕迹，凝结的色块，以及斑斑的粒状虽然对于画面的表现没有什么意义，但由它偶然产生的梦境似的造化，清新的趣味，明丽的色调与松柔的感觉，是其它材料所没有的。”这正好阐明了水彩画特点。水彩画三要素：水分、时间、颜色。

水彩画的艺术特点：透明清秀、流畅洒脱、滋润空灵。（2）水彩画的绘画语言特质：

水彩画要体现出水色淋漓、滋润流畅的独特的艺术语言。要从水味，彩味，笔味，韵味，透明味等诸方面俩具体表现。

水味：水彩画是以水为媒介，调和透明的水性颜料来作画，水与色的相互融合，产生清新、明快、空灵、滋润的迷人视觉效果。“水味”是水彩画的灵魂。

水的作用：“水哦”不仅起调节“浓淡”的作用，还起着湿润、衔接、冲化、洗涤等

功能。

彩味：水彩画的色彩着眼点是注重大的色彩关系，色调特点，色彩感受，分析构成画面的只要色彩倾向，讲究概括提炼，使其呈现出单纯又不失丰富的颜色效果。要画出彩的隽永亮丽，绚丽多姿之感受。

笔味：水彩画的作画过程中用笔的好味，直接关系到作品的优劣。用笔，要针对物象的质感和体面关系顺势而成，以表现对象的感受为出发点，概括、简介、有力、灵活。做到流畅中见沉着，沉着中有流畅。

水彩画的工具材料

水彩颜料、水彩纸、水彩笔、调色盒、盛水器、画夹、画凳、海绵等。

1.水彩颜料：

从原料上分为动物、植物、矿物、化学合成。分为锡管装与干块状两种。常用水彩颜料有下列几种，按顺序排列：柠檬黄、中黄、朱红、深红、玫瑰红、青莲、群青、普蓝、黑、中黄、桔黄、土红、赭石、熟褐、茶褐、草绿、翠绿、深绿

水彩纸：

它是一种专用纸，分为粗纹、细纹和各种大小厚薄不同的规格。较为理想的水彩纸以洁白、坚实、纯净不过分光滑，有适度的吸水性，并有一定的厚度。纸的肌理对画面的影响甚大，有些效果是靠纸的肌理产生特殊效果的，国产保定产水彩纸较好。最低要用150克以上的纸。纸面不宜太光，因为纸光滑而颜色固定不牢。

画笔

笔有水彩笔、水粉笔、中国画笔三种可供选择水彩画对笔的要求是能饱含水分，并富有弹性。笔分有圆头，方头两种形式。

调色盘分为塑料和搪瓷两种

画夹，画凳，盛水器，海绵凳附带用

（四）水彩画的基本技法

不同的工具材料适用于不同的画种，都有使用和控制的特定技法，学习和继承发展前人的技法，是学习水彩画的一个重要课程。

1.水彩画的调色

水彩画颜色的调配可以采用一下几种方法：（1）混合法:把不同色相的颜料在色盘中调和水稍加波动，不完全调匀，即画到画面去，使其趁湿混合，形成需要的色彩。具体调色时应注意三点：A，调色种类不宜太多，不然色性和色度均会减弱，甚至浑浊；B，冷暖不同颜色调和时，不宜等量相调C，颜料不宜调的过浓，应保持一定的透明度。（2）用合法：在画纸上直接调配所需的颜色，使之相互渗透或永和，这种调色较为生动，变化丰富，色彩也比较鲜明，使用画大面积的色块。（3）叠加法（重置法）：即在有底色的画面上，再加上别的颜色，有意将第一遍颜色画的暖一些，待全部干后，用较冷的颜色薄薄地罩上一层，是冷色中透着一些暖意来，以丰富色彩。如：画天空，基本色调时淡蓝色，但有阳光感，可先话一层天空的颜色，有避免了天空的单调，有表现一定的阳光感和空气感。

（4）并置法（空间混合）运用色点和小色块，将不同色相的颜色，经水调和直接并指在画面上，只要色彩关系正确，同样可以达到表现对象的目的，时画面色彩更为鲜明，产生一种闪烁跳动的感觉，增强色彩的光感，印象派画家善用此法，如：莫奈，西斯莱。

基本技法：水彩画技法多种多样，但依水彩画用水调色的特点来分大体上可分两类。（1）干画法：干画法只在干底上着色。干画法是指在色干透后，利用水彩透明的特性，再加上第二遍色，待干后再加第三遍颜色，直至完成，其特点，步骤文档，便于控制水分，可以画的深入充分，不受时间的限制。但一般加到第三、四遍为宜，再多，其透明性和色彩的饱和度分受到直接影响，一般画面的主要形象，近处，实处和亮处多用这种方法。其缺：缺乏水

的滋润感，叠层多了，颜色会变脏，不透畅，失去画种的特点，干画法在作画中要求笔豪饱满，并注意到色彩覆盖后搜长生的特定效果，

（2）湿画法：湿画法时在湿底上着色。或连续着色，一气呵成湿画法宜用一表现朦胧的意象、远处，虚处。暗部，柔和光法的物体以及雾云，天空静水的倒影等。湿画法大致可分为五种：

A湿重叠法，是湿画法中常见的方法，它时根据造型的需要，掌握好时间和水分，在前一遍色未干时加色，一般后一遍色的含湿量要小于前者，一遍控制形体，适宜表现形体圆滑，质地平滑，细腻，明暗接近的物象，如彩釉瓷器上等。B湿接法，是指趁湿连接着色，时颜色相互渗透，浸润，宜于用于表现育才，水果之类的景物，这种画法最宜于速写性的表现作品，有一气呵成和生动活泼色未有点，岁锻炼敏锐的观察力，捕捉请客即使的形象极有好处，这种画法大体一次完成，不作过分加工。C破色法，是饱含水分的浓色或淡色趁签一遍色未干时冲泼上去后喷洒上去，以浓破淡。可以产生呢个一些似与不似之间的形象。D 晕染法，是通过渲染时色彩产生从深到浅，从明到暗的方法宜于用于表现云彩水果之类的景物。E 沉淀法，充分分利用水彩颜料中能形成颗粒状沉淀的色彩，加多量的水调和后在纹理较粗的纸上作画。这种方法对表现大面积的天空后蚌精色较为有利，能表现出空气感和色彩的激励效果。采用此种犯非法应注意三个反方面：a .调色水分要足，纸的表面附上一层薄薄的水和颜色，b.挑选集中易于成点的颜色，如：群青，土黄，土红，湖蓝等，c.表面纸较粗，着色时应将画板倾斜至15度，角度不宜太大，也不宜平放。（3）干湿异用法，在作品中大部分情况时混合使用，以求丰富多彩的艺术效果，但有所侧重，干湿画法结合使用的一般方法和规律，归纳起来大致上应时：先湿后干、远湿近感、宾湿主干、软湿硬干、虚湿实干。即作画开始时铺大调子多用湿画法，画远景和次要的部分，以及柔软光滑的东西也也以湿画为宜，虚实差别，尤以虚的部分用湿画法，实的部分用干画法比较恰当。技法时为了表现对象，同时贯穿着作者的意图、想法，流露着作者的感情，也于作者的风格及素质有密切的关系，切不可为技法而技法，生搬硬套的运用，所以要灵活运用。

3.水彩画的用笔

水彩画的用笔，应据水彩画的特点和表现手法，充分吸取中国书画用笔的成就，中国画用笔,强调一个“写”字，运笔要求有偏正顺逆、轻重疾徐的变化，达到沉着痛快、自然、圆滑厚重、刚柔并济。充分表现对象的形象，有反映作者性情的效果，而以板、刻、结、薄、腻、浮滑、软弱为病。用笔是和作者的形式风格没紧密关联的，为塑造形象的同时讲究用笔，无疑是一种更是上层次的艺术追求，时艺术上更加成熟的标志。用笔要注意亮点：1.要注意用笔的韵律感，2.要注意用笔的力感。一般而论，各种形态的用笔都应包含或隐或现的力感，它能起到加强作品生机的作用。用笔的基本方法：

（1）铺大体色调，大色块时，笔端水分宜多不宜少，概括性强，舍弃一些细小的东西，用笔宜大不宜小。

（2）虚、远的部分，笔触减弱，如近地平线的天空，远景和背景布之类，近处，实体部分笔触明显，如近景与光暗有关的山石、树木、建筑之类的物体。

（3）注重明暗块面结构，用笔宜方步宜圆，才能表现体积感。

（4）侧锋与扁笔，利于分清块面，中锋与圆笔刻画的较厚重。

（5）用笔有虚笔、实笔之分。

（6）用笔的走向大部分时根据形体结果来安排。用笔时很复杂的，不可能用文字说清楚，更不能规格化。应在实践中领会，灵活掌握。

水彩画的方法步骤

水彩画的创作，即不宜急于求成，也不能慢条斯理。因水彩画落笔后较难修改，所以对于初学者来说，起稿阶段就显得非常重要，只有画稿准确详细才能为着色创造良好的条件。

水彩画写生的全过程可分为：准备、构图、着色、调整充实4个阶段：1.准备阶段首先包括工具材料的准备、画纸的装裱、再就是包括对描绘对象的精神准备。认真的观察对象，考虑如何表象、表现什么、突出什么、减弱什么等。通过认真观察、分析、酝酿，判定表现方法。我国古代画家十分抢点“立意”或“意在笔先’.要做到胸有成竹”。2.构图起稿阶段构图亦叫“章法”。用水彩画的透明度的特性，起形应准而轻。铅笔应用B\2B即可，尽量不要用橡皮去擦画面，以免伤到纸。3.着色阶段水彩画的着色程度一般为：先浅后深，先湿后感，就干湿运用而言，一般是远湿近干，暗湿明干，虚湿实干，先深后浅，先浓后淡，多用于湿画法。

4.调整充实阶段深入细节处理，对画面整体调整，签字落款，裁剪画面然后装裱。

(六)水彩画常见的弊病

1.生，是指色彩生硬，用色太单纯，也称“火”或“娇”。“生”时纯色用的不当，并不是画面上不能用纯色，没能把握整体色调，只盯局部的固有色，所以越画越鲜，是纯度色彩过纯，应理解色彩的规律，特别时补色的关系，用具有明度、纯度、冷暖关系的色彩来表现对象。注重环境对物体的影响及相互之间的关系。

2.脏，画面浑浊不明快，原因是a.色彩关系中的冷暖色和纯度色区别不大造成的。b.上色遍数过多，反复修改。c.在调色时，目的不明确，各种颜色混合过多。

跳，即由于过分强调某宜小部分的色彩，是它脱离了整体明暗关系和纯度关系，进而时所画之物没能处与它所在的空间位置上。也有的是局部的形画的过细，破坏了应有的空间距离。可以用洗涤或罩染等方法来调整。

4.松，主要是指在上色时所画形体该圆不圆，该方不方，水色泛滥，形体输送，即常说的“跑形了”。主要原因是水分掌握不好，在水的控制中耐力不够，细心不足。运用湿画法不当也容易“跑形”。

5.花，也就是琐碎、平均对待，许多小局部刻画过细，对比太强，就会出现花琐碎的毛病，破坏整体效果。必须从全局出发，加以调整，删繁就简，减弱对比。罩染是改变上述状况的有效方法。

6.灰，水粉画很容易画灰，所以“灰”就是缺乏应有的明度对比。该深得不深，该浅的不浅；该暗的不暗，该亮的亮不起来。这和用水的掌握有很大的关系，水多，颜料也要多，才能避免干湿的明度变化太大的毛病。水彩画需要做到充分而不腻简洁而不空。

（七）结合多媒体课件分类欣赏水彩画作品，提高学生的鉴赏能力，增加感性认识。

作业布置：

水彩静物写生