西方古代建筑艺术史论文

西方古代建筑艺术史论文
西方古代建筑艺术史论文

西方古代建筑艺术史课程随想

转眼间,期末将至,西方古代建筑艺术史这门课程也即将告一个段落。回顾一个学期来的学习,陈文捷老师详细、精彩地讲解,大屏幕上美轮美奂的图片,让我这个对建筑和艺术不甚了解的人从心中发出了种种惊叹。惊叹西方古代建筑技术的高超,惊叹西方古代建筑所体现出的艺术的永恒和传承,惊叹西方古代建筑所散发出的历史韵味,惊叹西方古代建筑大师对艺术的执着追求……我将这些惊叹和感想整理一番,以随想为题来谈谈我从这门课程中所得到的一些认识和体会。

一、西方古代建筑的发展史展现了西方文明的历史进程。

意大利建筑史学家布鲁诺·赛维曾经对建筑的意义作过一个经典的描述:“建筑的意义几乎囊括了人类所关注事物的全部,若要确切地描述其发展过程,就是等于书写整个文化本身的历史。”在陈老师的讲课过程中,有相当一部分的时间是在介绍相关的历史文化背景。而且陈老师自己也说过,虽然是在讲授西方古代建筑艺术史这门课程,但有时候大家听起来会觉得是在上一门历史课。

有人将建筑称之为“凝固的音乐”。西方古代不同时期的建筑,各自构成彼此不同又相互关联的乐章,当它们有机地结合在一起时,便在我们面前演奏出一首永不沉寂的交响曲。

古代西亚和埃及作为西方建筑艺术的发源地,构成了交响曲的第一个乐章,掀开了西方古代文明的第一页。古西亚文明常被人们称为文明的摇篮,其诞生地――两河流域,是世界上最早出现城市国家的地区。月神庙,萨尔贡王宫和一直以来为人们所追寻、向往的巴比伦“空中花园”,无一不拥有令人为之一震的宏大规模。贯穿其中的各种雕塑,五条腿的斯芬克斯,体现了古人对艺术的独到见解。雄伟宏大的金字塔堪称人类历史最悠久的里程碑,向人们展示着埃及法老的不可一世,神圣庄重的太阳神庙则象征着神的至高无上。从中可以看出,西方早期的“君权神授”思想和神灵在古人心目中的崇高地位。时至今日,面对那些残存的古代西亚和埃及的建筑遗址,我们仍不禁赞叹在文明诞生之初时,古人建筑工艺的高超和艺术上的深厚造诣。

接下来的古希腊建筑代表了西方古典建筑的最高成就,其古典柱式系统影响深远。在这些经典建筑中既有供奉神灵的帕提农神庙,也有供人娱乐的埃比道拉斯露天剧场,以及民主的诞生地――柱廊广场。古希腊的建筑艺术展现了人神之间的和谐关系,相对于古代西亚和埃及神灵不再是那么的令人畏惧,而是越发的“可爱”和人性化。西方文明尤其是欧洲文明深受古希腊的影响,人类文明的进程也在此有了一个飞跃,民主制政体开始登上历史舞台。

古罗马继承了之前的建筑成就,结合本民族的特点,形成了具有自身特色的建筑艺术。在古罗马拱劵迎来属于它的辉煌时代,而且罗马人将希腊的古典柱式结构和拱劵结合起来,创造了著名的劵柱式,并运用其建造了罗马大角斗场,凯旋门等。古罗马用于法庭、交易所和会议厅的大厅性建筑――巴西利卡,成为了中世纪基督教堂一直沿用的基本形式。被誉为“永恒之城”的罗马城,现代结构出现前跨度最大的建筑――万神庙,豪华宏大的千人大浴场等建筑,不仅展示了

古罗马的强盛,也代表着西方建筑艺术到达了一个新的高峰。罗马帝国四处征服,在吸收其他地区先进文明的同时,也将自身文明传播到各处,促进了世界文明的融合、发展。

被称为“黑暗时代”的中世纪,建筑艺术主要体现在教堂的建筑风格上。雄伟神圣的教堂彰显着上帝的威严和天国的高远。这一时期建筑风格主要有:早期基督教建筑风格,罗马风建筑风格,哥特建筑风格等。其中以哥特建筑风格最为突出和最具代表性。其高耸的尖塔,结合飞扶壁、束柱、玫瑰窗等形成的瘦骨嶙峋、玲珑剔透的外观,营造出了一种神性的浪漫和彼岸世界的虚幻。在神权的统治下,在各种繁琐的戒律和教条面前,建筑师们仍尽可能地发挥自己的创造力,建筑艺术依然在不断地发展。这也表明了人类文明前进的趋势,并不因一个时代的黑暗而中止甚至倒退。

文艺复兴时期,西方世界人们的思想开始得到解放,基督神学的地位受到严重的动摇。这一时期艺术的发展犹如雨后春笋般生机勃勃,呈现出一种百花齐放的态势。文艺复兴时期的建筑摒弃了哥特建筑风格,重新采用古典柱式,表现出了对古希腊和古罗马建筑风格的复兴。佛罗伦萨的圣玛利亚大教堂,罗马的圣彼得大教堂,有“欧洲最美丽客厅”之称的圣马可广场等,象征着西方古代建筑艺术颠峰的到来。其晚期的巴洛克建筑,以及洛可可、古典主义建筑代表了文艺复兴时期的建筑风格在欧洲的传播和发展。西方文明的发展此时也加快了脚步,取得了令后人惊叹的成就。

西方古代不同时期的建筑,构成了一幅雄伟壮丽的历史画卷。当中有幸保存下来的,向我们诉说着那一段段鲜活的历史;化为尘埃的,则在历史的长河中得到了升华和传承。西方文明乃至人类文明的进程在其中得到显现,文明的传承和发展成为历史长河中不变的主旋律。

二、西方古代建筑与宗教关系密切。

翻阅西方古代建筑的相关书籍时,不难发现其中记载最多,最详尽的,莫过于宗教建筑。从早期古西亚的月神庙,古埃及的金子塔、太阳神庙,到随后古希腊的帕提农神庙,古罗马的万神庙,再到中世纪和文艺复兴时期遍布西方的不同建筑风格的教堂,无不向我们展示着宗教在西方古代建筑艺术中所起的重要作用。在神权统治的时代,宗教的地位自不必提。即便是在王权的统治下,宗教依旧扮演着关键的角色,是统治者维护其统治的重要手段。同时古代建筑与宗教的密切关系,并不因东西方文化的差异而有所不同。东方的寺庙和西方的教堂,在东西方古代建筑艺术中,占据着十分重要的地位,是我们研究古代建筑艺术不可跳过的一环。

中世纪西方宗教建筑的标志――哥特式教堂,便是西方古代建筑与宗教尤其是与基督宗教信仰关系密切的集中体现。哥特式教堂那高耸入云的尖顶、充满怪诞和夸张的巨大肋拱、五彩缤纷的玻璃花窗、轻盈纤巧的飞扶壁、玲珑剔透的各种雕塑和色彩斑斓的教堂内观,向前来参观的游人和虔诚的信徒,展示着基督宗教的彼岸精神和灵性理想。其纤柔华丽的艺术风格和怪异夸张的浪漫气质,让人置身于同现实反差巨大的环境之中,激起人们内心的罪孽感和无尽忏悔,感受到空灵幽邃的天国就在教堂的上方。天国的高远虚幻和神性的浪漫在哥特式教堂中得到了最好的诠释。哥特式教堂是一个向信仰者敞开的“天国的窗口”,信仰者置身其中,内心的绝望与希望,悔过与祈求在上帝面前显现出来,灵魂与肉体互

相分离。当肉体还在人世间接受苦难与惩罚的时候,灵魂已飞升至天国得到净化。对于哥特式教堂产生的奇特宗教效果,德国著名诗人海涅曾赞叹道:“我们在教堂里感到精神逐渐飞升,肉身遭到践踏。……它甚至能把石头都弄得服服帖帖,石头看来都鬼气森森地通灵会意似的,连这最顽强的物质也宣扬着基督教的唯灵主义。”哥特式教堂将基督宗教信仰的圣洁、庄严与艺术的浪漫结合起来,使教堂的功用性和建筑的艺术性得到了完美的统一和展现。

三、伟大的建筑背后。

当我在课堂上注视着那些雄伟壮观、令人不禁发出赞叹的古代建筑图片时,我时常在想这些伟大的建筑背后究竟存在着什么,可以让这些艺术价值极高却又耗费众多人力、物力的建筑得以建成呢?经过一番思考,我认为主要有两个原因造就了这些西方历史上乃至人类历史上的伟大建筑。

首先,建筑大师的存在。建筑师的设计对于一座建筑能否取得成功,甚至名垂青史起着旁人无法替代的作用。西方那些伟大建筑的设计便诞生于大师之手。在继承、研究前人建筑艺术成就的基础上,建筑大师凭借着过人的智慧和天赋,深厚的艺术造诣,广博的知识,画出了一张张巧夺天工的设计图纸,解决了无数施工中的难题,为后人留下了一笔不可多得的财富。正是因为建筑大师的存在,我们今天才能有幸亲眼目睹到这些伟大的建筑,从它们身上感受到不同的时代精神,领略到建筑艺术的独特魅力。伯鲁乃列斯基、伯拉孟特、达·芬奇,米开朗琪罗……建筑大师的名字同他们所设计的伟大建筑,一同铸就了人类建筑史上的辉煌。

其次,强有力的物质支持。一座伟大建筑最终得以建成,除了建筑大师付出的努力和心血外,强力的物质支持也必不可少。一座伟大建筑的建造往往需要众多的人力和物力作为保证。例如哥特式建筑风格的代表――巴黎圣母院,始建于1163年,直至1345年才全部建成,历时180多年。在各种物质支持中,社会上层权贵的支持成为了中坚力量。意大利的美第奇家族,法国的路易十四国王便是其中的杰出代表。或许当我们欣赏这些伟大建筑的时候,想到的仅仅只是建筑大师们的名字和他们的事迹。但请记住倘若没有权贵们的鼎力支持,这些伟大的建筑也许永远只能停留在图纸上面,最终淹没在历史的长河之中。

艺术设计史论文

论文题目 天津工业大学 计算机科学与软件学院 动画系 动画1005班 钰 指导老师:高杰

摘要: 包豪斯是1919年在德国成立的一所设计学院,由于其尖锐的探索和大胆创新,对现代主义设计的形成产生了关键性的影响。包豪斯是世界上第一所完全为发展设计教育而建立的学院,它奠定了现代设计教育体系的基础。学院经过十多年的努力成为欧洲现代主义设计的中心,并把欧洲的现代主义设计运动推到了一个空前的高度。 包豪斯的出现,是现代工业与艺术走相结合的必然结果。包豪斯是现代设计史、现代建筑史、现代艺术史上最重要的里程碑。包豪斯开创了现代设计教育的先河,其知识与技术并重,理论与实践同步的教育体系至今也影响着世界设计教育。包豪斯的成功为我们提供了许多在教育模式上值得学习和借鉴的经验,其中最重要的一条就是:紧随社会进步,不断更新观念,积极创新新思维。包豪斯的影响不仅在于它的实际成就,还在于它的精神。包豪斯的思想在很长一段时间被奉为现代主义的经典,但包豪斯的局限性也逐渐被人们意识到。包豪斯积极倡导为普通大众设计,但由于包豪斯的设计美学抽象而深奥,曲高和寡,因此只能为少数知识分子和富有阶层所欣赏。 这篇论文主要来探讨一下包豪斯的产生、发展及意义。

包豪斯成立于1919年,实值一战结束后不久,德国战败,经济沦陷,而当时又有大批的失业工人,退伍军人,迫切需要住宅。由于局势动荡,社会上流行着各种各样的思潮,德国的先锋人士吸收了这些思潮,形成一种兼容并包的艺术氛围。 沃特尔·格罗皮乌斯,即格罗佩斯早在1911年就已经在德国设计界颇具盛名,这种知名地位对于他建立包豪斯是非常有帮助的。虽然建立和发展包豪斯的过程困难重重,但是格罗佩斯利用自己在设计界的影响力和高超的社交能力生存下来。格罗佩斯通过《包豪斯宣言》,表明了他的建校宗旨,使一个全新的艺术观、教育观在包豪斯建立之初便确立了下来。 格罗佩斯是20世纪最重要的现代设计家、设计理论家和设计教育的奠基人。他通过60年的努力,从德国的包豪斯到美国的哈佛大学,把设计教育,特别是建筑设计教育的现代主义、国际主义牢固的奠立起来,影响了全世界。 格罗佩斯提出了“结构是一种美”,1911年在法克斯工厂完成了他的第一个作品,1914年成立了德国工业同盟总部。现代主义设计强调功能、技术(构造)、形式,格罗佩斯将构造与形式结合,提出了“构造就是一种形式”。1915年“一战爆发”格罗佩斯应征入伍,期间受伤住院,为其一生的转折点,思想发生重大变化。1919年3月20日,玛政府将玛的撒克逊造型美术学院和工艺美术学校两所学校合并,成立国立设计学院,即包豪斯。36岁的格罗佩斯出任校长,担任这一职务是其一生中最为关键的一步。1928年迫于种种压力,特

西方美术史结课论文-毕加索

毕加索——我最欣赏的画家巴勃罗·毕加索(1881~1973)出生在西班牙马拉加,是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家,他和他的画在世界艺术史上占据了不朽的地位。毕加索也是位多产画家,据统计,他的作品总计近37000 件,包括:油画1885 幅,素描7089 幅,版画20000 幅,平版画6121幅。 跟一生穷困潦倒的文森特·凡高不同,毕加索的一生辉煌之至,他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。在1999年12月法国一家报纸进行的一次民意调查中,他以40%的高票当选为20世纪最伟大的十个画家之首。 毕加索的一生辉煌之至,他是有史以来第一个亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。问起他创作的秘诀时,毕加索说:“我的每一幅画中都装有我的血,这就是我的画的含义。” 多数画家在创造了一种适合于自己的绘画风格后,就不再改变了,特别是当他们的作品受到人们的欣赏时更是这样。随着艺术家的年岁增长,他们的绘画虽然也在变,可是变化不会很大了。而毕加索却像一位终生没有找到他的特殊艺术风格的画家,千方百计寻找完美的手法来表达他那不平静的心灵。 毕加索一生中画法和风格几经变化。也许是对人世无常的敏感与早熟,加上家境不佳,毕加索早期的作品风格充满了早熟的忧郁,早期画近似表现派的主题。在求学期间,毕加索努力地研习学院派的技巧和传统的主题,而产生了象《第一次圣餐式》这样以宗教题材为描绘对象的作品。德加的柔和的色调,与罗特列克所追逐的上流社会的题材,也是毕加索早年学习的对象。 1900年毕加索来到巴黎,并在1904年定居在那里。这期间他的创作被称为“蓝色时期”,是他第一次形成自己的风格。这个时期的作品背景蓝,人物蓝,头发、眉毛、眼睛皆蓝,蓝色主宰了他的作品。背景简化避开光感和深度的感觉,把人物和成简单的图样,其中沉重,强烈而流动的线条给人以不真实的、虚拟世界的印象。 1904年的春天,毕加索迁居巴黎,邂逅费尔南德·奥利维叶,并同居。他的蓝色风格时期也宣告结束。他从后印象派色调的精细中重新发现形体上的大略简洁笔法,而这就是“玫瑰时期”的典型画法。暖洋洋的、娇滴滴的玫瑰红色代替

中外美术史论文

《中外美术史》结课论文 ——意大利文艺复兴三杰 班级:视觉传达本科1302班 学号:20133116843 姓名:吴佳忆

引文: 公元十四世纪,处于萌芽状态的欧洲资本主义生产方式在意大利地中海沿岸的一些城市出现了,新兴的资产阶级开始登上了历史舞台。他们和人民大众在一起,展开了政治,文化上的反封建的斗争,欧洲历史上就出现了称之为文艺复兴的文化运动。 著作《欧洲文艺复兴史》具体包括了:伊大利之文艺复兴、法国之文艺复兴、北欧之文艺复兴、宗教改革、文艺复兴之结束等方面的内容。该书解释了“为何文艺复兴也被称为一场拯救欧洲危机的政治运动——为何文艺复兴的政治学是围绕着公民参政、建立符合民意的自由公民共和国的主线展开——为何在欧洲进入君是主制时代后马基雅维里等人反而会提出更高标准的公民共和国概念”等一系列历史问题。从但丁、彼特拉克的道德政治学到萨鲁塔蒂、布鲁尼的市民人文主义,从马基雅维里的君主论到伊拉斯谟的基督教君主的教育,从托马斯,莫尔的人民乌托邦到德国农民的人民共和国,都有力显示了人民和民意乃是推动近代民主珠政治发展的真正动力。 著作《艺术哲学》是法国18世纪中叶,著名的史学家及文艺批评家丹纳,在巴黎美术学校讲授美术史时的课程教材。丹纳也在《艺术哲学》中的第二编《意大利文艺复兴期的绘画》以欧洲文艺复兴时期的意大利绘画、和古希腊的雕塑为例,以艺术发展史实为依据,强调了种族、环境、尼德兰绘画时代等三个因素对精神文化的制约作用,并认为在三个因素中,种族是“内部动力”,环境是“外部压力”,时代则是“后天动力”。 “文艺复兴”是古希腊之后人类从未经历过的最伟大的进步的变革。在这一变革中,出现了不少伟大的人物,最有代表性的“三杰”是达.芬奇、米开朗基罗、拉斐尔。拉斐尔的艺术以优雅、秀逸、和谐、高度的完美为标志,达·芬奇

欧洲音乐史论文

音乐的思想 摘要: 本文主要论述欧洲音乐的发展与欧洲人民的思想解放的关系。音乐是一个时期人民思想的具体表现,欧洲音乐的发展经历了大致包括中世纪时期、文艺复兴时期、巴洛克时代、维也纳古典时期、浪漫主义时期、20世纪现代音乐时期,其中音乐所代表的人也从教廷宫廷等权贵转向普通欧洲人民,并且音乐所包含的思想也从延续千年对神的虔诚转移到对现实的理性中来。 音乐本身就是作曲家对情感的抒发,所以对音乐不仅仅要在节奏、旋律等中进行欣赏,更要体会作曲家在音乐中抒发的思想。只有体会到了音乐家们的思想,才是真正读懂了音乐。 关键字:音乐思想旋律欧洲音乐 (一)中世纪时期和文艺复兴时期中的宗教音乐 中世纪时期和文艺复兴时期,欧洲音乐主要是流行在教廷和宫廷中,主要是贵族在维持欧洲音乐的发展。这两个时期的欧洲音乐旋律、节奏单一,绝大多数是歌颂上帝、描述贵族阶级生活美好的音乐内容。虽然文艺复兴时期的核心思想是提倡人性,反对神性,主张人生的目的是追求现实生活中的幸福,倡导个性解放,反对愚昧迷信。但是由于作曲的权利和作曲家大多由教廷掌握,所以音乐包含的思想还是没有太大的改变。所以这两个时期的音乐并没有反映广大欧洲人民或者作曲家内心自己的想法。 (二)巴洛克时期的音乐变革 首先说巴洛克一词来源于葡萄牙语barroco,本意是形态不圆的珍珠。是巴洛克末期评论家们在评论此一时期的音乐时所首先使用的,而且一般含有贬意,指粗陋曲、奇异的、夸张的音乐。巴洛克之后古典主义时期的音乐家们趋于将音乐语言简化和规范化,在他们看来,巴洛克音乐过于夸饰而不够规范。因此巴洛克一词被评论家用来指十七世纪及十八世纪前期的艺术及音乐作品。现在,随着时间的推移,我们可以用更为深入和细致的历史眼光来看待这一时期的音乐,巴洛克不复有粗陋和毛糙的含意,但是比之巴洛克前后的音乐作品,它确实存在着夸饰和有些不太规律化的特征。文艺复兴时期的艺术讲究清晰、统一和协调。但至十六世纪末期,艺术中感情的因素日益增加,明净清澈和完美的形式被表达感情的需要所压倒。所以这一时期的音乐开始相较于之前两个时期,有了明显的变化,此时的音乐对比强烈,强弱音色对比尤其明显,这一变化主要用于表达情感,可以说是欧洲音乐趋向于个人思想表达的一个开端,是一场巨大的变革。 这个时期的主要代表人物是亨德尔和巴赫,他们两人都是当时教堂内的主要音乐作曲家,他们两个的代表作虽然大多是教堂音乐,但也都融入了自己对音乐的感受和当时他们任职教堂时候的自我感受。从他们的音乐作品中,可以清晰的感受到音乐作品内容的改变。 (三)维也纳古典时期,欧洲音乐发展最快的一个时期

52高中美术 外国古代建筑艺术教案

外国古代建筑艺术 教学目标: 通过本课教学,使学生对外国古代建筑艺术,特别是西方古典建筑的特点,有所了解。培养感受、体验、鉴赏艺术美的能力和健康的审美情趣。 教学重点:古代希腊罗马的建筑艺术。 教学难点:如何让学生对古代希腊罗马的建筑艺术有感性认识。 教学准备:教学课件 教学过程: 提问:欣赏完了中国古代建筑,外国古代建筑艺术成就比较大的有哪些? 学生回答:古埃及建筑、古希腊建筑、古罗马建筑、东罗马帝国建筑、中世纪教堂建筑及古代佛教和伊斯兰教建筑等。 师生一起作一张表格:展示图片,小结的形式。 国家地区 建筑特点 建筑类型 建筑风格 代表建筑 中国 木结构;庭院式组群布局;创造丰富的艺术形象 宫殿、园林 东方建筑 故宫、承德避暑山庄、江苏无锡、苏州园林等 古埃及 石柱结构 陵墓、神庙 埃及建筑 卡纳克神庙 古希腊 石制的梁柱结构,形成多利安、爱奥尼亚、科林斯柱式等。 神庙 希腊建筑 雅典卫城 古罗马 火山灰、砂石和石灰构成的混泥土结构;券拱结构。 神庙 罗马建筑 万神庙

东罗马帝国(现土耳其伊斯坦布尔) 创造了把穹顶支撑在四个独立支柱上的结构;内部空间宏伟而有变化。 教堂 拜占庭建筑 圣索菲亚教堂 法国 高耸峻拔、轻盈灵巧;内部大面积彩色玻璃窗画;柱式与拱券结合。 教堂 哥特式建筑 夏特尔教堂 印度尼西亚 塔 佛教建筑 婆罗浮屠 印度 陵墓 伊斯兰建筑 泰姬陵 教学内容: 一、复习旧课:⒈顾凯之的两幅传世作品?《女史箴图》与《洛神赋图》 ⒉《韩熙载夜宴图》由哪五个部分组成?(请用最简单的语言来形容五个部分内容) 听乐、观舞、歇息、清吹、散宴 二、新课讲授: ㈠古希腊的建筑风格: ⒈古希腊的文化,是欧洲文化的源泉与宝库,古希腊的建筑艺术,则是欧洲建筑艺术的源泉与宝库。因此,谈西方建筑及其风格,就不能不首先谈古希腊的建筑风格。 ⒉古希腊建筑风格的特点主要是和谐、完美、崇高。而古希腊的神庙建筑则是这些风格特点的集中体现者,也是古希腊,乃至整个欧洲最伟大、最辉煌、影响最深远的建筑。 ⒊这些风格特点,在古希腊神庙的各个方面都有鲜明的表现。首先是柱式。古希腊的“柱式”,不仅仅是一种建筑部件的形式,而且更准确地说,它是一种建筑规范的风格,这种规范和风格的特点是,追求建筑的檐部(包括额枋、檐壁、檐口)及柱子(柱础、柱身、柱头)的严格和谐的比例和以人为尺度的造型格式。 古希腊三种柱式:多利克式——粗壮有力,显得浑厚而刚毅(象征男性) 爱奥尼亚式——修长挺拔,显得秀丽而典雅(象征女性) 科林斯式——顶端雕饰上精美的花纹,显得华丽美 观(在比例、规范上与爱奥尼克相似,柱头有了变化) ⒋希腊雅典巴特农神庙 这是雅典卫城最重要的主体建筑。建筑的格局形式为“围柱式”。“帕提侬”原意 为“处女宫”,

西方艺术赏析论文

文艺复兴时期艺术思潮及代表性的艺术流派和艺术家 (学号:09290010211 姓名:马武林班级:城建土木二班)文艺复兴时期(14-16世纪)始于十三世纪末期的意大利,粗略指涉欧洲从中世纪到近代之间所经历的这四百多年时间。文艺复兴一词意指重生或复活,它是一个朦胧的概念,没有清楚的开始或结束日期,但通常可以涵括欧洲由野蛮的黑暗时代演进到一个在各个领域都有新发展的时代,而这些领域的成就均超越了伟大的古文明。 文艺复兴是一场资产阶级文化运动,它的核心是人文主义精神,人文主义精神的核心是以人为本,文艺复兴产生的根本原因是生产力的发展,资本主义萌芽的出现,其本质是正在形成中的资产阶级在复兴希腊罗马古典文化的名义下发起的弘扬资产阶级思想和文化的运动。 文艺复兴时期的艺术(一)佛罗伦萨画派 佛罗伦萨画派形成于13世纪末,鼎盛于15世纪至16世纪30年代,以乔托为奠基人,初期以乔托·迪·邦多纳(1267-1337)、马萨乔(Masaccio,1401-1428)、桑德罗·波提切利(1445-1510)等画家为代表,盛期以达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等画家为代表,是当时意大利成就最大的艺术流派。最终,生硬模仿前人技法的样式主义的流行宣布了佛罗伦萨画派的结束。 佛罗伦萨画派主要以宗教神话故事为题材。画家们遵循人文主义原则,用世俗化手法描绘至高无上的抽象的神,将神画成生活中的人的形象,并加以理想化,开一代人物画新风。作品表现的是神话故事和宗教人物,实际上反映的是人的思想、感情和力量。佛罗伦萨画派以油画和湿壁画成就较大,后者主要服务于教会、宫廷和资产阶级上层人物,在形式和内容上都有别于欧洲中世纪绘画。 从技法上来看,该派用科学方法探索人体的造型规律,吸取古代希腊、罗马的雕刻手法应用在绘画上,把中世纪的平面装饰风格改变为用集中透视,有明暗效果,表现三度空间的画法。它也影响了温布里亚画派和帕多瓦画派。他们的画法细腻,画面明暗对比不甚强烈,

中外美术史对比史论文

中外美术发展对比 史论文长安大学建筑学院2014—2015(学年) 指导老师:孔凡静

浅谈欧洲文艺复兴美术 摘要:欧洲的文艺复习时世界历史发展中的一个重要阶段。由意大利开始,以后席卷全欧洲的文艺复兴运动,就是欧洲新兴资产阶级继承、借鉴和利用古希腊、古罗马的古典文化,在意识形态邻域里对封建主义和宗教神学发动的一场革命。这场革命,对于破除近千年的封建思想意识和宗教神学观念对人们的束缚,是一次伟大的思想解放运动。它使欧洲的科学、文化出现了前所未有的繁荣。正如恩格斯指出的,这是“人类没有经历过的最伟大的进步的变革”。 关键词:意大利、尼德兰、德国、达·芬奇 一、意大利文艺复兴美术 (一)意大利早期文艺复兴时期美术 佛罗伦萨三位大师的出现标志着早期文艺复兴的来临。这三位大师是建筑师布鲁内莱斯基、画家马萨乔和雕塑家多纳太罗。布鲁内莱斯基设计过一批代表文艺复兴成就的建筑,其中就有佛罗伦萨大教堂是其最早的作品。而继承和发展了乔托的艺术传统的马萨乔,他以科学的探究精神,将解剖学、透视学的知识运用于绘画中。经常提到的他的名作《失乐园》和《纳税钱》,画面朴实无华,人物坚定沉着,显示了文艺复兴美术的基本特色:现实主义表现手法与人文精神内容的统一。 在哥特时期,雕塑通过自由的肢体动作和新发展的心理表达,已找到一种新的贴近生活的写实主义手法。但是,当时的雕塑仍服务于阐明超验的关系,而文艺复兴时期的雕塑家则着从人的尘世美与真的方面来表现人。他们受古代榜样的鼓舞,创作了富有立体感和尘世 坚定信念的雕塑。哥特式人物形象说明了人渴望天国的完 美,而文艺复兴则展示了在做人的完美之中的天国形象。 因此,多纳太罗让他塑造的像真人一样大小的青铜雕像《大 卫》(图1)像赤身裸体,而过去只有亚当和夏娃,以及被 钉在十字架的人和被拷打致死的圣塞巴斯蒂昂才能如此。 大卫也不再是旧约故事中的英雄,而是一个英俊的小伙子, 仅戴着一顶佛罗伦萨小帽,以漫不经心的优雅姿态望着敌 人的头颅。这里是新型的人的形象,他十分自信,不受习 俗束缚,喜欢摆出优越者的姿态。它标志着希腊、罗马的 人体美术传统又得到了恢复。 图1 (二)意大利盛期文艺复兴时期美术 正是在极其动乱的阶段了,盛期文艺复兴艺术形成了。这是一种明朗而又有高尚观念的,伟大而又有克制力的艺术。在文艺复兴盛期,以达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔为代表的一批美术家,进一步完善了15世纪意大利人的探索,使理性与情感、现实与理想在美术品中获得了完美的统一,使形与空间的关系获得了高度和谐,从而为再现性的美术确立了一种经典样式,给后世提供了效法的最佳范例,在以后西方美术的发展历程中,无时不感到它的强大影响力。

西方古代建筑

古希腊建筑风格的特点主要是和谐、完美、崇高。而古希腊的神庙建筑则是这些风格特点的集中体现者,也是古希腊,乃至整个欧洲最伟大、最辉煌、影响最深远的建筑。古希腊建筑风格的特点最集中体现在柱式上: 多立克柱式:柱子比例粗壮,高度约为底径的4~6倍。柱身有凹槽,槽背呈尖形,没有柱础。檐部高度约为整个柱式高度的1/4,柱距约为底径的1.2~1.5倍。 爱奥尼柱式:柱子比例修长,高度约为底径的9~10倍。柱身有凹槽,槽背呈带形。檐部高度约为整个柱式高度的1/5,柱距约为底径的2倍。 科斯林柱式:除了柱头如满盛卷草的花篮外,其他同爱奥尼柱式。 古代希腊是欧洲文化的摇篮,同样也是西欧建筑的开拓者,但毕竟还处在萌芽和胚胎的时期,它们的类型还少,形制很简单,结构比较幼稚,这是因为它的艺术的完美所致。古希腊的纪念性建筑在公元前8世纪大致形成,公元前5世纪已成熟,公元前4世纪进入一个形制和技术更广阔的发展时期。 由于宗教在古代社会具有重要的地位,因而古代国家的神庙往往是这一国家建筑艺术的最高成就的代表,希腊亦不例外。古希腊是个泛神论国家,人们把每个城邦,每个自然现象都认为受一位神灵支配着,因此希腊人祀奉各种神灵建造神庙。希腊神庙不仅是宗教活动中心,也是城邦公民社会活动和商业活动的场所,还是储存公共财富的地方。这样神庙就成了希腊崇拜的圣地,围绕圣地又建起竞技场、会堂旅舍等公共建筑。 希腊最早的神庙建筑只是贵族居住的长方形有门廊的建筑。在他们看来神庙是神居住的地方,而神不过是更完美的人,所以神庙也不过是更高级的人的住宅。后来加入柱式,由早期的“端柱门廊式”逐步发展到“前廊式”,即神庙前面门廊是由四根圆柱组成,以后又发展到“前后廊式”,到公元前6世纪前后廊式又演变为希腊神庙建筑的标准形式——“围柱式”,即长方形神庙四周均用柱廊环绕起来。 2、古罗马建筑 古罗马建筑是古罗马人沿习亚平宁半岛上伊特鲁里亚人的建筑技术,继承古希腊建筑成就,在建筑形制、技术和艺术方面广泛创新的一种建筑风格。古罗马建筑在公元一~三世纪为极盛时期,达到西方古代建筑的高峰。 古罗马建筑的类型很多。有罗马万神庙、维纳斯和罗马庙,以及巴尔贝克太阳神庙等宗教建筑,也有皇宫、剧场角斗场、浴场以及广场和巴西利卡(长方形会堂)等公共建筑。居住建筑有内庭式住宅、内庭式与围柱式院相结合的住宅,还有四、五层公寓式住宅。 古罗马世俗建筑的形制相当成熟,与功能结合得很好。例如,罗马帝国各地的大型剧场,观众席平面呈半圆形,逐排升起,以纵过道为主、横过道为辅。观众按票号从不同的入口、楼梯,到达各区座位。人流不交叉,聚散方便。舞台高起,前有乐池,后面是化妆楼,化妆楼的立面便是舞台的背景,两端向前凸出,形成台口的雏形,已与现代大型演出性建筑物的基本形制相似。 古罗马多层公寓常用标准单元。一些公寓底层设商店,楼上住户有阳台。这种形制同现代公寓也大体相似。从剧场、角斗场、浴场和公寓等形制来看,当时建筑设计这门技术科学已经相当发达。古罗马建筑师维特鲁威写的《建筑十书》就是这门科学的总结。 古罗马建筑能满足各种复杂的功能要求,主要依靠水平很高的拱券结构,获得宽阔的内部空间。巴拉丁山上的弗莱维王朝宫殿主厅的筒形拱,跨度达29.3米。万神庙穹顶的直径是43.3米。公元一世纪中叶,出观了十字拱,它覆盖方形的建筑空间,把拱顶的重量集中到四角的墩子上,无需连续的承重墙,空间因此更为开敞。 把几个十字拱同筒形拱、穹窿组合起来,能够覆盖复杂的内部空间。罗马帝国的皇家浴场就是这种组合的代表作。 古罗马城中心广场东边的君士坦丁巴西利卡,中央用三间十字拱,跨度25.3米,高40米,左右各有三个跨度为23.5米的筒形拱抵抗水平推力,结构水平很高。剧场和角斗场的庞大的观众席,也架在复杂的拱券体系上。 拱券结构得到推广,是因为使用了强度高、施工方便、价格便宜的火山灰混凝土。约在公元前二世纪,这种混凝土成为独立的建筑材料,到公元前一世纪,几乎完全代替石材,用于建筑拱券,也用于筑墙。混凝土表面常用一层方锥形石块或三角形砖保护,再抹一层灰或者贴一层大理石板;也有在混凝土墙体前再砌一道石墙做面层的作法。 古罗马建筑的木结构技术已有相当水平,能够区别桁架的拉杆和压杆。罗马城图拉真巴西利卡,木桁架的跨度达到25米。公元一世纪建造的罗马大角斗场,可容五万观众,只用了5~6年时间就建成了。它建在一个填没的湖上,但地基竟没有明显的沉陷。

西方美术鉴赏论文——浅谈印象画派

西方美术鉴赏论文——浅谈印象画派 内容摘要: 印象画派(Impressionism)是传统绘画向现代绘画的过渡,是传统艺术和现代艺术的分水岭,标志着新艺术的开始。印象派在色彩表现上打破了“固有色”概念,科学客观分析色彩关系,创立了全新的色彩体系。印象派对我国的美术教育产生了极其深远的影响 印象派绘画(Impressionism)是西方绘画史上划时代的艺术流派,19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期,其影响遍及欧洲,并逐渐传播到世界各地,但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。19世纪后半叶到20世纪初,法国涌现出一大批印象派艺术大师,他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制。其代表作品中,马奈的《草地上的午餐》、莫奈的《日出的印象》、凡高的《向日葵》等更是鼎鼎大名。 关键词: 印象派绘画现代绘画传统绘画 内容:

印象主义是19世纪后期产生于法国的一种艺术思潮和流派。印象派画家在艺术特色上从构图、造型、色彩、笔触以及主观精神的表现上都和之前的古典主义的艺术特色有着明显的区别。他们重写生,重实践,并走出画室,描绘外光和大自然的瞬息变化,用奔放的笔触和没有调和的颜色在画布上直接糅合,形成冷暖色调强烈的新画风。印象派绘画以莫奈的《日出的印象》最初被人讥笑而得名,却在短短的一二十年中跃然成为一场世人瞩目的艺术运动。在1874年巴黎的第一届印象派画展,被认为是印象派绘画团体诞生的标志。该画展向世人宣告,这是一群画家们不懈努力所展示的作品,他们的作品摆脱了由世俗等级制度和固步自封的艺术团体强加于其上的传统桎梏的束缚,同美术史上的任何一场运动相比,印象主义及其关联的画家具有更为神秘的特性,他们起初为公众所不理解,被评论家责难,大多数作品被社会拒绝。可是,他们不气馁,并矢志不渝地朝向自己认定的目标前行。他们并不知道,正是他们开创了西方绘画史的新纪元,也正是以他们的画展为起点,“印象派”从法国开始影响整个欧洲,成为西方现代绘画的起点。 一、印象派的构图 印象派画家几乎都强调那种偶然一瞥,力求从一种全新的角度去审视对象,例如从晚会包厢里俯视舞台,从某一个角落侧视大厅,从头顶上仰视一群舞女,都是以前传统绘画里没有的。传统艺术主要关注神话、战争和历史题材,讲究构图的舞台戏剧化效果,场面宏大富有文学性。而印象派的构图突破旧的固有模式,多作架上小品,并根

《西方音乐史》结课论文

课程名称:《西方音乐史》 结课论文 论文名称: 印象派的音乐之旅——德彪西作品风格赏析 学生姓名(学号): 任课教师: 刘娜 提交日期: 2014年6月10日 2015年3月

印象派的音乐之旅——德彪西作品风格赏析 不同于人们耳熟能详的古典主义乐派和浪漫主义乐派,很多人都不了解印象派音乐,也许是因为它乍听起来并不像人们一贯认为的那样悦耳,又也许是因为它的表达方式太过难以捉摸,它经历了一个不被理解和令人叹服的曲折过程。德彪西正是这一伟大乐派的创始者,他创造的印象派音乐具有着划时代的革命意义,他的音乐颠覆了人们的听觉,带来了一种全新的听赏境界,而德彪西也被认为是二十世纪现代音乐的开创人物。下面我就将自己的理解与阅读的资料融会起来谈谈我眼中的德彪西作品风格。 一、德彪西音乐风格的形成 德彪西的音乐天赋是有目共睹的,“7岁时,显示出对音乐的浓厚兴趣,深得钢琴家弗勒维尔夫人喜爱。弗勒维尔夫人免费教他学习钢琴,直到德彪西11岁考入巴黎音乐学院后,还为他负担了大部分学费。”但他在音乐学院上学时,虽然十分优秀,自己却深不满足。他觉得音乐学院的教学过分保守拘古,与他内心的创新要求相去甚远。他的内心始终向往着摆脱传统守旧思想的束缚,于是在音乐上经常做出一些特立独行的行为,比如常常在钢琴上连续弹奏一串串的增和弦、九和弦、十一和弦以及全音音阶等等,想以此寻求一种全新的听赏效果,也因此无法得到他人的理解,虽然坚持理想的过程是艰辛的,他也从未选择放弃。后来他有机会接触到了一些格调新颖的俄罗斯作品以及与西方音乐完全不同的东方音乐,从中受到十分深刻的启发,还结识了很多印象派的诗人和画家,他们之间热烈的讨论成为他思想迸发的源泉。逐渐的,在印象主义思潮的推动下,德彪西开辟了一个新的音乐艺术流派,他的作品中更强调音响在一瞬间给人的听觉印象,强调各个音响之间的相互对比和不断变化,并且在相当程度上模糊了在传统音乐中占突出地位的旋律轮廓线和明确的音响连接逻辑。我阅读的书中是这样形容印象派音乐的,“印象派音乐喜欢反映微妙和难于捉摸的东西,而不喜欢堂皇、不朽的雄伟气派;喜欢暗示和隐喻,而不喜欢过分夸张、直率和毫无保留。所以,模糊的轮廓,朦胧的色彩,不易分辨的色调变化,都是印象派音乐的明显标志;它所塑造的种种幻象、印象和气氛,都同莫奈的模糊印象、塞尚的奇异梦境、雷诺阿的美妙温柔、修拉的眩目精巧相对应。”而显然这样的描述方式本身就充斥着一种玄幻其妙的色彩,似乎还是那么难以捉摸,更需要将这样抽象的概括具体看待。为了能让德彪西的作品风格更加明朗化,我将选取他的几个代表作加以赏析。 二、代表作品赏析

世界现代设计史结业论文

学号编号研究类型分类号 HUBEI NORMAL UNIVERSITY 世界现代设计史结业论文 论文题目包豪斯学院设计对现当代建筑设计的影响 作者姓名 指导教师 所在院系 专业名称 完成时间

包豪斯学院设计对现当代建筑设计的影响 【论文摘要】:现代主义建筑的公认的起源是“包豪斯”,它是一座建筑,也是一所学校,也是一个流派,是所有学习建筑学的人心中永远的圣地。1919年德国建筑师格罗皮乌斯担任包豪斯校长。在他的主持下,包豪斯在20年代成为欧洲

最激进的艺术和建筑中心之一,推动了建筑革新运动。对于建筑设计来说,“包豪斯奠定了现代建筑的观念和风格,并对战后形成的国际主义建筑风格起了决定性作用。包豪斯从格罗皮乌斯到密斯在建筑设计上彻底告别传统建筑,新技术,新结构的运用,创造了新的建筑风格”。_______现代主义建筑。 【论文关键字】:包豪斯建筑史现代设计新建筑主义运动建筑革命一、包豪斯的创办 德国包豪斯学院,成立于1919年,是世界上第一所完全为发展设计教育而建立的学院,是由德国著名建筑师现代主义建筑与现代主义设计的奠基人格罗皮乌斯建立。在20年代成为建筑和工艺美术的改革中心。是欧洲现代主义集大成的核心。第一次世界大战刚刚结束,欧洲仍笼罩在战争的阴影之中,社会动荡,思想巨变,各国的经济和文化在不同程度上都遭到了严重的破坏,战败后的德国又掀起了“十一月革命”,国内的知识分子在巴黎,意大利,荷兰,苏联等各国传播近来的新思想的鼓舞下,抱着对祖国狂热的改革理想,积极投身到重建德国的各项工作中,包豪斯就是在这样的背景下诞生的。 二、包豪斯经历的三个阶段 包豪斯前后经历了三个发展阶段:第一阶段(1919-1925年)魏玛时期,格罗皮乌斯任校长。第二阶段(1925-1932年)德绍时期,汉内斯.梅耶任校长。第三阶段(1932-1933)柏林时期,密斯.凡.德.罗任校长。因而,也形成了三个迥然不同的发展阶段:格罗佩斯的理想主义,迈耶的共产主义,凡德罗的实用主义。从长远的思想影响看,包豪斯的设计与教育改革具有伟大的历史意义:一、设计中强调自由创造,反对模仿因袭,墨守陈规;二、将手工艺同机器生产结合起来;三、强调各类艺术之间的交流融合;四、学生既有动手能力,又有理论素养;五、将学校教育同社会生产挂钩。欧洲整整半个世纪的探索和试验,在包豪斯学院中终于得以完善,形成体系。包豪斯作为一种设计体系在当年风靡整个世界,在现代工业设计领域中,它的思想和美学趣味可以说整整影响一代人。对于建筑设计来说,包豪斯所奠定的思想基础和风格基础,具有决定性,重要性。战后的国际主义建筑风格在很大程度上是在包豪斯的基础上发展起来的。 三、包豪斯设计学院对现代建筑设计的影响

西方绘画史论文

“一个老天看上的人” 对于威尼斯画派的巨匠维切里奥·提香,被誉为世界美术教育奠基人乔尔乔·瓦萨利曾说过:“他是一个老天看上的人。”的确他拥有着世人渴求的一切荣誉、地位、权利还有长寿。有人说他是对金钱和地位“贪得无厌”的色彩大师,也有人说他像法国的伏尔泰一样,对权势躬身下拜,在皇室贵族的微笑中享受恩赐;也像伏尔泰一样对宗教和道德不屑一顾,在享乐主义的思想下尽享风流。但这一切对提香来说是那么自然,那么理所当然,以至无论在当时还是在今天人们始终对他的尊崇多于对他的嫉妒和批判,更无法改变他文艺复兴兴盛期最杰出的“色彩大师”的光荣称号。 威尼斯出现象提香这样在色彩上如此热情饱满的绘画大师,是有一定的社会基础的。文艺复兴发展到16世纪,人性的解放和追求现世幸福的享乐主义思想已根深蒂固。威尼斯经济发达,人们在经济优异的条件下,对自由与入世哲学的兴趣日趋强烈。被称为“油画之父”的提香更放纵了这种思想在绘画上的表现,借希腊神话题材以表现人生的欢乐与享受,正符合一部分人在长期神学思想禁锢下产生的逆反心理。他在绘画时从不设计草稿,而是凭借感性和饱满的色彩来表现生命和肉感的官能效果,这种官能效果和享乐主义的追求,不仅在当时得到了社会现实的认可和王公贵族们的欣赏,而且也使上帝对提香特别垂青,给予他普通人连想都不敢想的社会地位。 1516年,年轻的提香首次获得了施展才能的机会,绘制了一幅威尼斯有史以来最大的木板祭坛图《圣母升天》,在这幅画中,提香汲取了佛罗伦萨巴托洛米欧的对位法原则、米开朗基罗人体造型及画面强烈的戏剧性,开始表现出脱离贝利尼和乔尔乔涅代表的威尼斯旧传统,创作自己的风格体系。 提香为了让人们一进入教堂,视线就被祭坛上巨大的场景所吸引,所以将画幅设计得很大,分上下两部分。上部分是升天的圣母被众多的天使们簇拥,在一片金色的光线中徐徐上升,下部分比真人尺寸还要大的众人们,用夸张的肢体语言、惊讶的表情把观者的视线引向圣母,与他们一道亲眼验证天父迎接圣母的神迹出现。这种效果的确具有说明力:庞大、色彩绚丽、动作张扬,在距祭坛很远的地方就能感受到画面的冲击力,是初次看到这幅画的教堂修教士们都感到惊慌失措。 这幅作品不仅为提香威尼斯首席画家的地位,更重要的是使他成为了文艺复兴画家中最伟大的一位。他没有达·芬奇的科学兴趣,或是米开朗基罗对宗教与诗的热忱。他也不像拉斐尔那样既是画家、建筑师又是一位古迹管理者。然而,提香的意义在于他是真正的现代绘画的创始者,因为他是首度挖掘出油画特质的全部可能性,并认为绘画中色彩高于其他造型手段,他让画面笔触具有了活力,为粗糙的画布带来了生机;他发展了乔尔乔涅对油画材料的关注,调节出浓郁厚重深沉的暗色调。 之后的提香主要以世俗委托为中心,完成了许多重要作品,并使肖像画发展为最具绘画性的个性作品。在《教皇保罗三世》肖像画中,提香采用了四分之三肖像画与侧面姿势,这是拉斐尔首次在肖像画使用的样式。他把进入画面的所有物件都引入色彩构图范围内。相同色调脸部肤色的亮度最强,依靠色调的渐变与多变的笔触,处理不同的质感:绒面袍、白布衣、青筋的手、椅、胡须。而保罗三世的个性与权威又通过他瘦长的手指与精明瘦削的脸孔、投向观众的锐利目光传达出来。同样,他把景色与神话融入威尼斯传统中,带动了诗画的发展。 在经典之作《神圣与世俗的爱》中,象征圣、俗两种爱情的女性分别坐在水池两边,但她们二者到底谁圣谁俗?从画面上看,两位女性一个身着盛装,一个赤身裸体,按照古典艺术的标准,裸体代表的是至高无上的纯洁、神圣,因此右边的那位裸体女性代表着神圣的爱,而着装妇女代表世俗的爱。神圣之爱的形象似乎更为优秀,这是因为她斜身高坐于水池边上,

学习艺术设计史的意义

编号 艺术设计史结课论文 学习艺术设计史的目的 学生姓名陈啸 专业艺术设计 学号111131101 指导教师林立 学院文学院 二〇一三年六月

一、艺术设计史概述 艺术设计史是一门独立的艺术学科,它的研究内容和服务对象有别于传统的艺术门类。同时艺术设计也是一门综合性极强的学科,它涉及到社会、文化、经济、市场、科技等诸多方面的因素,其审美标准也随着这诸多因素的变化而改变。所以说,艺术来源于生活,反过来又作用于生活。 而设计从古代就有,并不是现代的产物。它是伴随着人类的发展历程而发展的,与人类的创造进程是同步的,并随着时代的演变和社会的发展其内涵不断扩大,它与社会的政治、经济、文化、艺术等方面有着密切的关系,反映着人类社会的发展。 艺术设计贵在创造活动与实践,是我们设计者自身综合素质(如表现能力、感知能力、想象能力)的体现。各个专业虽然对设计知识的着重面不尽相同,但对于“大设计”概念的关于美、节律、均衡、韵律等的要求是一样的。不论是平面的还是立体的设计,我们首先要面对的是一个对所设计对象的理解——对设计对象相关的背景文化、地理、历史、人文知识的理解。 二、艺术设计史的发展 古代社会的造型装饰:埃及、古希腊、罗马、中国、中世纪、文艺复兴; 近代社会的工业设计:产业革命、英国艺术与工艺运动、德国设计的振兴、美国芝加哥学派; 现代社会的设计艺术:现代设计运动、包豪斯设计教育体系、战争时期的设计、战后日本的设计、中国的近现代设计; 信息社会的设计发展:泼普艺术、宇宙风格、后现代主义、新时代设计四大阶段。 三、艺术设计史的传统与现代 传统与现代。传统与现代并不矛盾,传统文化是现代设计的一个巨大的资源宝库。传统中许多好的设计到现在还散发着它旺盛的生命力,许多造型要素与形式语言都展现出较强的现代感。而且再现代设计中融进传统的内涵,会自然地产生一种亲和力,从根本上说我们今天的生活方式和审美习惯无不受到传统的影响,是传统文化积淀的一种表象存在。从这一意义上来说,继承传统,发展传统还可以增强我们的民族情感。现代设计虽呈多元化发展趋势,它与设计的民族性与地域性并不矛盾,相反,设计的民族性和地域性恰是设计作创新与个性化的一大特色。这并不是排斥向国外优秀设计学习的可能性,艺术设计史的学习同样强调对国外某些艺术风格与设计经验的学习借鉴,综合来说,中国现代设计的发展还相对落后于西方国家,但考虑到不同的思维方式、审美习惯、接受方式和生活方式等原因,向国外学习也更要立足本国文化传统,我们要借鉴的更多是形式上的表现技巧。

中国古代建筑特点与西方古代建筑特点的区别

中国古代建筑 在世界建筑体系中,中国古代建筑是源远流长的独立发展的体系。该体系至迟在3000多年前的殷商时期就已初步形成,其风格优雅,结构灵巧。中国古代建筑的发展大致经历了原始社会、商周、秦汉、三国两晋南北朝、隋唐五代、宋辽金元、明清7个时期。直至20世纪,始终保持着自己独特的结构和布局原则,而且传播、影响到其他国家。 1、中国古代建筑以木材、砖瓦为主要建筑材料,以木构架结构为主要的结构方式。 此结构方式,由立柱、横梁、顺檩等主要构件建造而成,各个构件之间的结点以榫卯相吻合,构成富有弹性的框架。中国古代木构架有抬梁、穿斗、井干三种不同的结构方式。抬梁式是在立柱上架梁,梁上又抬梁,所以称为“抬梁式”。宫殿、坛庙、寺院等大型建筑物中常采用这种结构方式。穿斗式是用穿枋把一排排的柱子穿连起来成为排架,然后用枋、檩斗接而成,故称作穿斗式。多用于民居和较小的建筑物。井干式是用木材交叉堆叠而成的,因其所围成的空间似井而得名。这种结构比较原始简单,现在除少数森林地区外已很少使用。木构架结构有很多优点,首先,承重与围护结构分工明确,屋顶重量由木构架来承担,外墙起遮挡阳光、隔热防寒的作用,内墙起分割室内空间的作用。由于墙壁不承重,这种结构赋予建筑物以极大的灵活性。其次,有利于防震、抗震,木构架结构很类似今天的框架结构,由于木材具有的特性,而构架的结构所用斗拱和榫卯又都有若干伸缩余地,因此在一定限度内可减少由地震对这种构架所引起的危害。“墙倒屋不塌”形象地表达了这种结构的特点。 2、中国古代建筑的平面布局具有一种简明的组织规律 就是以“间”为单位构成单座建筑,再以单座建筑组成庭院,进而以庭院为单元,组成各种形式的组群。就单体建筑而言,以长方形平面最为普遍。此外,还有圆形、正方形、十字形等几何形状平中国古代建筑面。就整体而言,重要建筑大都采用均衡对称的方式,以庭院为单元,沿着纵轴线与横轴线进行设计,借助于建筑群体的有机组合和烘托,使主体建筑显得格外宏伟壮丽。民居及风景园林则采用了“因天时,就地利”的灵活布局方式。 3、中国古代建筑造型优美 尤以屋顶造型最为突出,主要有庑殿、歇山、悬山、硬山、攒尖、卷棚等形式。庑殿项也好,歇山顶也好,都是大屋顶,显得稳重协调。屋顶中直线和曲线巧妙地组合,形成向上微翘的飞檐,不但扩大了采光面、有利于排泄雨水,而且增添了建筑物飞动轻快的美感。 4、中国古代建筑的装饰丰富多彩 包括彩绘和雕饰。彩绘具有装饰、标志、保护、象征等多方面的作用。油漆颜料中含有铜,不仅可以防潮、防风化剥蚀,而且还可以防虫蚁。色彩的使用是有限制的,明清时期规定朱、黄为至尊至贵之色。彩画多出现于内外檐的梁枋、斗拱及室内天花、藻井和柱头上,构图与构件形状密切结合,绘制精巧,色彩丰富。明清的梁枋彩画最为瞩目。清代彩画可分为三类,即和玺彩画、旋子彩画和苏式彩画。雕饰是中国古建筑艺术的重要组成部分,包括墙壁上的砖雕、台基石栏杆上的石雕、金银铜铁等建筑饰物。雕饰的题材内容十分丰富,有动植物花纹、人物形象、戏剧场面及历史传说故事等。 5、中国古代建筑特别注意跟周围自然环境的协调 建筑本身就是一个供人们居住、工作、娱乐、社交等活动的环境,因此不仅内部各组成部分要考虑配合与协调,而且要特别注意与周围大自然环境的协调。中国的设计师们在进行设计时都十分注意周围的环境,对周围的山川形势、地理特点、气候条件、林木植被等,都要认真调查研究,务使建筑布局、形式、色调等跟周围的环境相适应,从而构成为一个大的环境空间。 西方古代建筑的特点 1 古希腊建筑风格的特点主要是和谐、完美、崇高。而古希腊的神庙建筑则是这些风格特点的集中体现者,古希腊的“柱式”,这种规范和风格的特点是,追求建筑的檐部(包括额枋、檐壁、檐口)及柱子(柱础、柱身、柱头)的严格和谐的比例和以人为尺度的造型格式。古希腊最典型、最辉煌,也是意味最深长的柱式主要有三种,即陶立克、爱奥尼克和科林斯柱式。 2 古罗马的建筑风格的特点是“须讲求规例、配置、匀称、均衡、合宜以及经济”。从而在屋顶造型方面,出现了在古希腊建筑中很难见到的“穹拱”屋顶。正是这种“穹拱”屋顶,成为了古罗马建筑,特别是房屋类建筑与古希腊房屋类建筑最明显的区别。以“圆”为主的风格,是典型的古罗马建筑的特点。

西方艺术史论文

马萨乔的《三位一体》 在文艺复兴绘画发展历程中有一位影响重大的关键人物。在他的创作中,彻底摆脱了晚期哥特式绘画的优雅风格和装饰意味,把塑造真实形象和真实空间摆在了首位,他便是马萨乔。他生活在15世纪的佛罗伦萨,继承和发展了乔托的艺术传统,他以科学的探究精神,最典型地运用布鲁内莱斯基的透视法,创造性地将解剖学、透视法的技巧运用到绘画中。马萨乔原名托马索·迪乔瓦尼·迪西莫内·圭迪,马萨乔是其绰号,有“傻瓜”之意。他出身清贫,艺术师承不明,但在21岁时已获准加入画师行会。1961年发现了他在圣焦韦纳莱教堂作的祭坛画《圣母子与诸圣徒》,对了解他早期创作极有帮助。 马萨乔在绘画中运用透视法,让绘画取得了雕塑一样的立体效果,使得绘画更加形象生动,栩栩如生。他的传世名作《三位一体》就充分体现了这一点。纵观整幅作品,给人的感觉非常舒服与和谐。从整体把握,画面内容也非常对称,色彩比较贴近自然,没有太浓烈的修饰与过分的雕琢,而是恰到好处地运用简单的色调把人物放到一个立体的三维空间中,这完全符合他“模仿自然”、“追随自然”风格,画中建筑的背景线条分明,轮廓清晰。前景石棺上放着一具骷髅,其下的铭文是:“我曾是你们现在的模样,我就是你们将来的模样。”在文艺复兴绘画中,将订画人或赞助者画入画中,是一种惯例。马萨乔的《三位一体》由佛罗伦萨城一位名门出资,画中身着红色衣袍者即是赞助者,他的衣袍表明他是佛罗伦萨共和国最高级别的官员。从画中可见,他与夫人跪在小教堂入口处,教堂内,圣母和圣约翰站在十字架两侧,十字架后面站着圣父上帝,依托着十字架,而钉在十字架上的是受难圣子耶稣,他是我们视线的中心。耶稣的双臂张开,刚好位于整幅画的中央,因为双腿微曲,加上健硕的腹肌显得不僵硬不死板,圣母和圣约翰两个人物的安排,运用透视短缩法,使他们看上去站在圆柱的后面。圣母的目光向下注视,附以手势,将观者的注意力引向十字架上的基督。 画家充分地利用了透视学创造真实的物景,人物比例关系也把握得非常恰当,十字架后面的圣父上帝与下面的赞助者夫妇构成了一个大三角,同时与圣母和圣约翰也构成了一个三角,同理,十字架上的耶稣也一样,在这样的三角形构架中,画面显得和谐舒适,我想这也与画名《三位一体》有直接联系。马萨乔根据定点透视,将整个画面安排在统一的空间之内,人物不再像以往只位于同一平面内,而是更加具有立体效果,虽然他们在同一幅画中,他却利用光线,使人物和环境产生距离,给人有层次感,前后远近安排得十分巧妙。人物下方的门槛更是发挥了独特的作用,仿佛将观者引入画中,产生身临其境之感。又将画中本身的人物分为里外两部分,这样鲜明的层次和立体效果不得不让人佩服。 再从文艺复兴的角度谈谈这幅画,这幅画打破了传统的绘画风格和装饰意味,人物描绘朴实雄浑,现实主义创作手法和人文主义精神相统一,这一时期的绘画以人为中心,人物主次也十分鲜明,受宗教影响颇深。这一时期的画家们高举人文主义旗帜,与教会的神权文化斗争,虽以宗教为题材,却较多地表现人物,尤其注重人物的立体感、生动感,追求自然真实。在现实生活中,大部分作品都是基于客观现实世界的,再加以创作修饰,能再现真实是一种品质,也是一种境界,我们需要把这种精神融入到现代社会中去,这样才能让我们的社会更加的和谐与完美。

中国美术简史结课论文

中国美术简史作业 201413031420 李岩

第一编大事记 第一章:史前美术 一·旧石器的造型与发展 1·【旧石器时代初期】 在四川巫山龙骨坡巫山人遗址,河北阳原小长梁与云南元谋人遗址,山西芮城西侯度遗址发现的石器,多系形状不规则的刮削器,砍砸器及尖状器,很少有第二步加工,呈现出石器的原始形状及初步的类型分化。 2·【旧石器时代中期】 在距今约10万年的许家窑人遗址里发现的大约一千五百个石球,其光滑规则的造型体现出相当的造型能力。这显示出一种与泛灵论联系在一起的工具崇拜心理,但也体现出对造型的讲究脱离了实用目的。 3·【旧石器时代晚期】 晚期智人的石器制作技术有了显著的进步,这个时期的石器类型丰富,形状更加对称,加工益发精致。宁夏灵武水洞沟出土的尖状器以造型周正对称而著称。 二·旧石器时代晚期的装饰品和刻画艺术品 1·我国迄今发现的最古老的装饰品,是距今约28940年前峙峪人制作的一件石墨装饰品。灵武水洞沟遗址发现以鸵鸟蛋壳磨成的穿孔串珠,河南安阳小南海遗址发现一颗钻孔石珠。在这些装饰品上,呈现出成熟的钻孔技术。 2·周口店山顶洞遗址曾发现一枚精致的骨针,证明当时任以缝纫兽皮作为御寒保暖的服饰。 3·1987年在河北兴隆发现的意见尺鹿角枝残段,是现知比较可靠的最早的原始刻画艺术品,应该以狩猎的巫术仪式有关。 三·新石器时代的文化序列 1·【新石器时代早期文化】 华北地区的河北徐水南庄遗址,华南地区的江西万年仙人洞与吊桶环,湖南道县玉蟾岩,广西桂林甑皮岩下层等遗址均出土粗陶片;徐水南庄头出土石磨盘和石磨棒等碾轧加工粮食的工具,还伴出家禽骨骼;道县玉蟾岩发现最早的水稻谷壳。2·【新石器时代中期文化】 农业于本期已发展成为主要的经济部门,黄河流域及北方主要种植粟类作物。陶雕,石雕,玉器开始出现。内蒙古林西白音长汗的兴隆洼文化遗址出土我国迄今为止发现最早的石刻女神像。 3·【新石器时代晚期文化】 a·本期农业与手工业出现分工,生产规模扩大。彩陶艺术十分流行,琢玉已成 为独立的部门。本期前段,流行向心式的聚落布局及氏族公共墓地,血缘纽带还

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