莫扎特音乐创作的背景分析
莫扎特音乐创作的背景分析
奥地利音乐家沃尔夫冈?阿马德乌斯?莫扎特(WolfgangAmadeusMozart ,1756—1791),三岁弹琴，四岁识谱，五岁开始作曲，小小年纪就名满京都，轰动全欧。这个百年难得一遇的天才，“满脑子是音乐”，被誉为“音乐的上帝”。上帝创造了万物，莫扎特则以纯正的心态，笼天地于形内，挫万物于笔端，在他短暂的生命中，以其旺盛的创作精力，向世人奉献了大量充满灵性的音乐作品，这在人类文明史上是空前的。
音乐艺术绝不是原野上一朵独自开放、孤芳自赏的野玫瑰。为了更深地理解、把握莫扎特的音乐，我们有必要揭示莫扎特音乐创作的种种背景。
一、时代背景
莫扎特生活在18世纪的欧洲，正是非洲奴隶贸易最猖獗的时期。因为美洲的土著印第安人数量有限，且由于杀戮已濒于被灭绝的地步，所以那里的甘蔗、烟草、棉花、咖啡和香料等经济作物的种植迫切需要大量的、廉价的奴隶劳动，为的是向欧洲提供更多的原料。所以奴隶贸易的规模直接影响到欧洲国家的兴衰。欧洲几乎所有在海上从事贸易活动的国家(如葡萄牙、西班牙、荷兰、英国、法国、普鲁士、丹麦、瑞典)都在非洲大陆参加了奴隶的贩运这项“贩卖人类血肉”的罪恶勾当。其残忍性，不亚于20世纪的奥斯威辛集中营。
18世纪中叶欧洲国家之间的七年战争(1756—1763年)爆发那年，莫扎特刚好出生。开战的原因是普奥争雄与英法争霸。童年莫扎特巡回演出开始于1762年，正是欧洲战争此起彼伏的混乱时期。
18世纪的欧洲，古希腊、罗马文明的面纱再度被揭开，特别是在被埋没多年的庞贝及赫库兰姆两座古城的重新发现和挖掘，掀起一股埋没和遗失已久的古典思潮，形成了一股新古典主义浪潮，这股新浪潮深刻地影响着艺术创作的风格。莫扎
特正好生逢“开明专制”的盛世，开明的君主约瑟夫二世(1741—1790)，于1765年继任“德意志民族神圣罗马帝国”的皇帝，皇帝推崇伏尔泰等启蒙学者的学说，推行改革，在奥地利历史上开始了资本主义工商业的商品生产。生活在政治上一个比较宽松、比较自由的时期，莫扎特才得以创作了大量古典风格的音乐，激发了18世纪欧洲对古典风格的热烈崇拜。
莫扎特音乐艺术的根，正如近代欧洲文明的根一样，必须到古希腊、罗马去寻找。莫扎特音乐艺术的古典风格源自新古典主义浪潮的影响，犹如古希腊、罗马的建筑艺术风格一样，不仅崇高、庄严、静穆，且华贵、典雅。莫扎特在乐曲中营造出一种心旷神怡的优美氛围，靠直觉来表述自己内心对阳光、月光和星光下的世界人生的种种印象，具有对称美和稳定的和谐美。
二、思想文化背景
18世纪的欧洲，同时也是启蒙运动时期。启蒙运动，是一种将思想与信仰根植于对古希腊、罗马文明研究的运动;启蒙运动思想家伏尔泰及其支持者们相信理性及对知识的追求，将带领人性进入真正快乐的源头。在这种启蒙运动精神的推动下(在这个运动中，对任何问题都鼓励质疑和提出问题)，欧洲开始尝试完成全球地图。
在莫扎特的年代，短暂且卓越的探险热潮，正是18世纪启蒙运动下的产物。詹姆斯?库克船长沿东澳大利亚征服南太平洋的探险航行，是哥伦布发现美洲大陆以来最大一次扩展了欧洲的地理知识体系，奠定了填补航海图上最后一大块土地的基础。而一个18世纪的浪子——贾科莫?卡萨诺瓦轻浮、放荡的一生恰恰是与18世纪启蒙运动的理性
主义对立的最佳写照。他从18岁起(1743年)，一直到1784年退休，都在欧洲骗吃骗喝，专门喜欢与国王、贵族、名人等高层次人士往来，还赢得世纪最伟大情圣之一的名声，这也是18世纪欧洲上流社会真实生活的生动写照。
莫扎特音乐的本质和灵魂也是启蒙。简单易懂的莫扎特音乐语言发展，亦与18世纪启蒙运动的思想密切联系。莫扎特应用简单易懂的音乐语言符号，采用奏鸣曲曲式，运用不同主调之间对立与平衡的全新表现技巧，在短短的29个春秋寒暑一共创作了626首曲子。这是上帝专门派来赐给人类的如珠似玉的旋律。
三、生理和心理背景
1.对疾病的沉思
莫扎特自六岁起，直到临终，他都是一个疾病缠身的人。也许，没有疾病的痛苦，就不会有深沉的音乐产生。莫扎特的音乐创作生涯都是在疾病缠身的煎熬和拼搏中度过的。若从医学角度看，他的不少乐曲在某种程度上实在是一位患者主诉病历的档案。当然，莫扎特很少公开抱怨自己的恶劣健康状况，他总是一个人默默地忍受着。疾病所造成的痛苦并没有把他推向颓废的泥潭，走向厌世和悲观主义，相反倒促使、刺激他跑到音乐艺术世界去寻找出路，用旋律、节奏以及和声的语言诉说其生存状态，描述其人生的根本处境，从而得到解脱。
在《D大调第五钢琴协奏曲》(作品第175号)中，活跃、开朗，有朝气的第一乐章是他对生命的一首赞歌，而在慢乐章的展开部出现了沉思的段落，这是他祈求上帝使他正确对待疾病的一段内心独白。该曲创作于1773年，莫扎特17岁，正好抱着有病的身子走向自己的青年时代。如此孱弱的躯体，却有如此旺盛的艺术创造力～真是不可思议。
2(对死亡的默念
对死亡的默念，有一种乡愁伴随，这是莫扎特的许多慢乐章的主题。他把死亡看成是生命的最后归宿，正是死亡刺激了他去紧迫地、频繁地思考生的意义。
在人对生的渴望和死亡之间，存在着永恒的冲突。莫扎特用作曲，用钢琴和小提琴做武器，同死的绝望感进行抗挣。他的最后三首弦乐四重奏便是莫扎特晚期同死的绝望感进行抗挣的“战利品”:《D大调弦乐四重奏》(作品第575号)，创作
年代是1789年夏天;《降B大调弦乐四重奏》(作品第589号)，创作年代是1790年冬;《F大调弦乐四重奏》(作品第590号)，创作年代是1790年冬。
联想起贝多芬的《a小调弦乐四重奏》，它的主题思想正是贝多芬对“恒久的孤独生存”的有力对抗和报复。这两位世界上最伟大的作曲家在行将就木的日子都用了弦乐四重奏来抗击心中的死的绝望感，真是意味深长。
艺术就是有这样一种神奇的魅力:即使是痛苦、悲哀和绝望，一旦经过艺术处理，也会升华为审美对象。
,(做一个自由作曲家的“烦”
身为一名音乐神童，莫扎特曾与欧洲贵族交往密切，他认为自己与任何贵族是平等的(正如他在歌剧中所体现的)。但莫扎特仍隶属于萨尔兹堡的统治者——施拉腾巴哈大主教及他的继承人——科洛里多伯爵。他在这样的从属地位上，常感到局促不安;他容忍不了主仆关系中雇主科洛里多的专横和压制，在经过几次意见纷争以后，终于在1781年(25岁)挣脱了依附关系而走上自由作曲家的道路。他为了摆脱经济上的困境，总在为找寻宫廷里的一个职位而劳碌奔波。不幸的是，当时的观念是贵族赞助者均视作曲家为仆役，莫扎特历经坎坷，仍负债累累;英年早逝，劳生一梦。
莫扎特性格中有内向的一面，他善于把同世界的矛盾、冲突掩盖在自己的内心深处，将做一个自由人的种种“烦”转化为旋律。他的四首圆号协奏曲是他对“烦”的狠狠报
复，因为他觉得用圆号来“笑”劳生一梦是很过瘾、很解恨的一件事，他企图通过圆号那响彻云霄的号声来缓解其内心的“烦”，宣泄出同世界抗争的愤懑。
莫扎特的音乐越往后，越到他的晚期，他反抗世界、自我挣扎的成分越多，乐曲境界就越高，震撼人心灵的力量也越大。到了临死前的三四年，莫扎特的乐曲中透出的人同世界相抗争的“力”就越大。
人类的精神和文明只有发展到了欧洲的18世纪，才能孕育出莫扎特音乐语言
符号系统。音乐作为一门艺术，一种语言符号系统，使18世纪的欧洲为之发狂，则是莫扎特的伟大功绩。
他从来没有真正出生过———《海上钢琴师》心理剧情简介:1900年的第一天,往返于欧美两地的邮轮Virginian号上,负责邮轮上添加煤炭的工人Danny Boodman在头等舱上欲捡拾有钱人遗留下来的物品时,却意外地在钢琴上发现一个
被遗弃的新生儿,装在TD牌柠檬的空纸箱内。由于坚信“TD”正代表了Thanks Danny的缩写,于是Danny不顾其他工人的嘲笑,独立抚育这个婴儿,并为了纪念这
特别的一天,将他取名为:1900。
海上出生的1900,在陆地上却是个从未存在的人,没有亲人、没有户籍,也没有
国籍,大海便是他的摇篮,而他也随着Virginian号往返靠泊各个码头,逐渐长大。然而好景不长,一次的海上意外事件中,抚养1900的Danny意外丧生,幸而奇迹似的,某天深夜船上的众人被优美的琴声所惊醒,循着琴声而往,居然是无师自通的1900
在钢琴前忘我地演奏着,动人的旋律打动了众人。从此,1900展开了在海上弹奏钢
琴的旅程,也吸引了愈来愈多慕名而来的旅客。
Max在因缘际会下来到Virginian号加入乐队伴奏,也因此见识到这位传说中的海上钢琴师———1900,两人因此结为好友。而1900在与发明爵士乐的传奇钢琴手Jelly同船竞技钢琴琴艺之后,声势更是如日中天。但尽管Max再三鼓励1900下船去向全世界展露他的天赋,1900却始终未曾踏足陆地一步。直到他在为唱片公司录制个人专辑时,意外见到船舱之外清秀动人的女孩,并在感动之余创作了《1900′s Theme》(即片头Max与乐器行老板所提到的不知名曲子)。随着女孩下船离去,1900的心开始波动,究竟1900会不会为了去寻找女孩而离开三十多年来的船上生活?
心理赏析:整部片子随着Max回忆中的1900,与现实中Max追寻1900的下落这
两条主轴,交互穿插,紧紧牵动着观众的心,而当Max从乐器行老板口中得
知,Virginian号即将被拆解时,从战前离开Virginian号之后便未曾听说过1900消息的Max坚信,1900必定还在船上,他努力延阻了船只拆解的时间,来到这艘已残破不堪的废船上寻找到1900,却最终也无法说服他下船。
1900这个角色,因为孤寂落寞的经历,使其更能敏锐地看透人心,并借此弹奏、创作出感动人心的乐曲。但一生面对海洋、面对钢琴,陆地上的一切,对他来说有着太多的不确定性,使他一直对陆地踯躇不前。即使心爱的女孩令他做了下船的决定,也只是下到一半悬梯,象征性地扔下了他的帽子,最终还是回到船上,正如他所
说:“我看不到陆地的尽头”,或许对1900而言,海天一色的景致看得到地平线,往返多地的邮轮也有靠港停泊的时候,88个琴键是有限的,他可以据此创作无限的乐章,然而陆地上绵延不绝的大城市,是他所看不清也无法掌握的。
1900没有真正出生,因为一个人的出生包括生理、心理和社会。1900在生理、心理上出生了,也成熟了。但在社会层面上没有出生过,他从来没有走入过真正的社会,不敢走下船,船就相当于母亲的一个大的子宫。他遭受了两次被抛弃,第一次是他的父母在他一出生就放弃了他,后来虽然有Dan-ny抚养他,但Danny在他8岁时也死掉了,未成年就遭受如此创伤。Danny虽然非常爱他,但Danny向来传递给他的信息就是说船以外的世界有
多么可怕,让1900不要离开船(一般正常家庭的父母也会告诉孩子外界有很多危险,但他们也会鼓励孩子即使危险也要出去闯荡,父母这儿是他的后盾,随时是他的避风港湾,他们才有足够的勇气走向世界)。1900两次可以依恋的客体都离他而去,他无法相信这世界还有什么安全感,无法感受那种爱。1900因为没有足够的安全感,所以始终不敢走下船。在Danny的葬礼上听到了音乐,从此音乐成了他可以依恋的客体。
他无法下船,无法想象大陆上人们的生活,他感到可怕,因为他没有经历过且脑中对陆地的印象是坏的和邪恶的,无法面对那么大的世界。甚至连爱情的力量都抵
不过他对船的依恋。婴儿期的安全和爱抚环境对人的健康成长非常重要。孩子在蹒跚学步时,只有妈妈在他的视野范围之内他才敢向前走,他知道这样是安全的。再大一点,孩子可以离开家去上学,他知道他的妈妈爱他,不会离开他,因为他妈妈给了他足够的安全感。但1900一出生就没看到妈妈,一出生就没有爱。没有可依恋的对象,所以他没有安全感,只有在“子宫”(船)里,他才感到是安全的。人是社会的,他没有走进真正的社会过,也无法扮演他的社会角色,所以他走在悬梯的半中就不敢往下走了,他感到了恐惧,他不是一个真正的人,他从来没有真正出生过。
, 《海上钢琴师》——钢琴音乐成就电影[摘要]电影离不开音乐，音乐在电影叙事、
情感营造方面，给人们联想和定性。《海上钢琴师》中，故事世界的音乐作为叙
述者和情感代理的功能性代表，本身既是内容，又是音乐，脱离了单独配乐的孤独，增加了电影的丰富性。本片正是利用了音乐和电影空间的这些特点，利用故事世界音乐的表现力和造型感，成功地塑造了1900这个海上钢琴师的形象。
[关键词]故事世界音乐爵士钢琴情感营造一、音乐背景电影描述了一位名叫1900
的主人公，给我们展示了一个生在船上，长在船上，死在船上，只为钢琴而生的人的一生。
他将一生所有的光芒撒在个这艘船上，短暂而凄美。《海上钢琴师》是意大利著名导演朱塞佩?多纳托雷的作品，然而说到音乐，一定要讲到EnnioMorricone，这一位欧洲电影音乐配乐巨匠，一生为400多部电影谱写原创音乐，简直惊为神人，奥斯卡终身成就奖是对他最大的肯定。他与多纳托雷有着高度的默契，而且多纳托雷给他的发挥空间也很大。像是这一部以音乐为主题的电影，ennio配起来真
是如鱼得水，而且他也凭借《海上钢琴师》赢得了金球奖最佳配乐。影片以爵士乐为主，在表现忧郁伤感的调子上，非常贴切。
本文所节选的两个曲子，一个是《PlayingLove》，是1900在邮轮上灌制唱片时，弦窗外邂逅那位单纯清秀的农家姑娘时，心中萌生一种初起的爱恋情结而创作的一段独奏。温婉细腻如喁喁私语，被公推为全片最动人乐章。第二个是斗琴片段时1900弹疯的那首曲子:《EnduringMovement》。这是一段爵士钢琴，由爵士音乐演变而来的音乐体裁，用钢琴演奏，它是从非洲民间音乐发展而成的，它以丰富的切分和自由的即兴为其赢得全世界流行乐迷和钢琴演奏家的青睐。二、音乐的结构与编排在无声电影时代，音乐是从头到尾贯穿整个故事的，不论是否跟情节相关，总是一个乐队伴随着电影的播放不停地在演奏，后来代之以分散的以故事世界为准绳的音乐，这就是写实主义。再到后来的经典体系，基于非故事世界音乐的模式，等等。音乐的结构和编排逐渐地与电影内容相匹配，音乐的叙事功能逐渐加强，在这部电影中，音乐与电影内容的和谐处理堪称经典。
这一世，做个“水手”——《海上钢琴师》
他一生都在海上，他是一位真正的水手;他一生都在弹琴，他是一位真正的钢
琴家;他一生都在坚持，他，1900，一位真正的大海守望者。
守望自由，守望孤独，守望音乐。
第一次弹琴，就为我们带来了“A Mozart Reincarnated”，安静，自然，随性。简单的钢琴键的敲击，简单的音符，简单的男孩。这首曲子洗去了那个时代的污浊，如此干净。“what’s his name?” “1900” “not the song, the boy” “1900” “like a song”，1900本身就是一首曲子，优美的旋律，优美的人
生。也就是这首莫扎特的再生，拉开了1900的音乐大门，使他进入了一个真正属于他的世界。”Fuck the regulations”，没有规则，没有约束的音乐世界。
因为没有规则，所以才有了MAXS晕船后的那段随船而动，随动而弹，那段《Magic Waltz》，跳跃的华尔兹，无拘无束的华尔兹。轻快地爵士风格，没有蓝色的忧郁，没有红色的血腥，只有自由自在的挥洒。这里，是音乐在大海这块画板上描绘1900的内心，他的内心什么也没有除了音符。这里，音乐本身就是故事，单纯的1900成长的故事。同时，音乐也赐予了1900一生中第二重要的东西—友情!电影中这段《Magic Waltz》，给了我们电影里面省略的1900的成长经历，为我们拉开了1900海上生活的序幕。
于是，有了后来每次表演上的即兴创作，有了用音乐刻画生动的人物，有了和爵士乐鼻祖激情澎湃的斗琴，这一切，音乐自始至终是主演，演绎的是1900的丰富多彩，是1900的人去船空时的孤独，是1900对陆地的疑惑。
最后，脑海中回响起那份属于1900的朦胧爱情“Playing Love”，也是1900
留下的唯一一曲甜蜜回忆。当小号手多年后演奏这首曲子，它再次将我们带回了那艘客轮，那个时间，那个女孩，还有1900那一刻的陶醉。差一点，1900因为这为女孩踏上陆地，可惜最后踏上陆地的还是只有那张破碎的刻录了“Playing Love”的碟片，1900永远留在了海上。
海上钢琴师，1900，他属于大海，属于音乐，属于上帝，却不属于陆地。他生于大海，死于大海，生为音乐，死为音乐。这是他的宿命。
音乐是这部电影的工具，为了刻画1900的工具，但音乐却是1900的全部。
“拿一部钢琴来说，从琴键开始，又结束。你知道钢琴只有88个键，随便什
么琴都没差。它们不是无限的。你才是无限的，在琴键上制作出的音乐是无限的。我喜欢这样，我活的惯。”
音乐美学部分重点内容讲课稿
音乐美学部分重点内 容
√绪论 1、音乐美学：音乐美学既是美学——艺术哲学的一个分支，同时也是音乐学的一个部门，它是以 研究音乐艺术的美学规律为宗旨的一门基础性的理论学科，特别把音乐的本质和特性，音乐的形势和内容，音乐的创作，表演和欣赏，音乐的功能，音乐的美和审美作为研究对象。 2、音乐美学的研究对象/课题：1 关于音乐的本质的研究 2 关于音乐的本体的研究 3 关于音乐的美和审美的研究 4 关于音乐的功能的研究 5 关于音乐的实践的研究 6 关于音乐史学的研究 3、音乐美学的研究方法：1 哲学法 2 心理学法 3 社会学法 4 二十世纪现代音乐美学在研究方法上的新拓展 √第一章 1、音乐的感性材料：指并不直接作用于人们的物质需要，不是作为人们生活中的物质必需品而存在的物质材料，最明显的特征是非实用性，与人的心理行为发生直接的关系，我们把这种构成艺术作品的物质材料叫做感性材料。[一种艺术媒介] 2、音乐艺术的感性材料——声音 3、音乐感性材料的基本属性：1 非自然性——创造性（与自然声音相比） 音乐的声音是非自然性的，通过人的思维活动创造的音响，一种创造性的声音 EX：自然界的乐音排列出规律的顺序→重新排列找到音的倾向性并解决→单声部 音乐到复调音乐→和声→曲式学/莫扎特《费加罗的婚礼》/自
然声音有时也出现在音乐作品中，西方先锋派，美国埃德加 瓦利《电离》使用汽笛声 2 非语义性——表情性（和语言比较） 音乐的声音不同于语言，人们通过语言进行各种社会交往活动，音乐声音仅仅限定 在艺术范围内只作为一种艺术交往而存在，如《梁祝》小提琴大提 琴对答 3、音乐的音响与某些语义性内容共同的表达因素：表情音调，通过高低，大小，刚柔，粗细等音 调变化表达 EX：小提琴协奏曲《梁祝》，梁祝在楼台相会——大提琴和小提琴的对答，情人离别时内心表达 4、音乐感性材料的非对应性特征（音乐中所体现出的自然声音或语言含义与这些自然的和语言的 声音本身并不存在一一对应的关系）：在音乐的声音和它的含义之间存在着一种中介因素，它促使人们去想象和联想，以沟通艺术与自然现象之间的联系，叫做表现。 1）音乐感性材料的模仿性：模仿即照某种现成的样子或现象学着做，音乐中的模仿主要指用音乐的音响模仿现实生活中和自然界的其他声音，也就是通过声音来表现声音。如，唢呐曲《百鸟朝凤》模仿鸟叫 2）音乐感性材料的象征性：即用一种现象去表现另一种在外形上和他完全不同，但在含义上相同或相近的现象，音乐的声音可以通过象征性的手段去表现某种客观现象或物质对象。 如，德彪西《大海》用定音鼓的弱奏象征大海的平静。 3）音乐感性材料的暗示性：即不去指明它而是靠人自己去理解，音乐声音的暗示主要是语义性的，往往从对现实对象的概括中而来的，通过声音造成的特定气氛去暗示某些事物和现象。如，柴科夫斯基《第六交响曲》引子通过声音所造成的惨淡的气氛暗示乐曲悲剧性内容
艺术莫扎特钢琴奏鸣曲装饰音解析
艺术莫扎特钢琴奏鸣曲装饰音解析 装饰音只是来渲染装饰哦旋律的一种音节符号，又称之为花音，一般装饰音的时值计算包含在所要装饰的音符内，而常用的装饰音有倚音、颤音、回音、波音等等，形式比较多，在音乐演奏中都蕴含着含多的装饰音，曾经有一段时期，在西欧的一些地区，装饰音是一种重要的音乐旋律风格。莫扎特的钢琴奏鸣曲中也蕴含着装饰音等，他的音乐实现了从哈普西科德风格逐渐过渡到钢琴风格，确定了十八世纪八十年代的钢琴奏鸣曲的世界地位，使得钢琴的成效和音域等方面得到了发展，莫扎特的钢琴奏鸣曲既体现出他自己的生活特点，又在钢琴奏鸣曲中凸显出一种对比的价值，逐渐形成只属于自己的音乐演奏风格。在音乐学习的过程中，要了解相应的钢琴曲风格，这样才能弹奏出更好的钢琴曲。 一、莫扎特钢琴奏鸣曲装饰音的应用首先，倚音在莫扎特钢琴奏鸣曲中有两种形式，第一种形式是，在拍子上弹出的时值，就是整个倚音的所写的实际时长，可以将主要音符与装饰音进行对分弹奏;第二种形式是，在拍子前弹出，这样不计算主要音符放入时值，确保整个倚音的时长。 其次，颤音，在莫扎特音乐曲谱中，颤音都是有所标明的，一般在主要音符放入上方二度进行注明，而这种颤音的标明法，早在巴洛克时期就已经流行起来了。此外，在贝多芬的中期音乐作品中，颤音也在音乐曲谱上有了明显的标注，并将颤音演奏法集中在拍子上才能达到良好的演奏效果。同时，也存在特例，有的曲谱在第一拍前半拍旋律中增加了后半拍的颤音辅助，这样一来颤音就成了辅助音，因此，颤音需要从本位音开始算起。当颤音的时间比较长时，可以有弹满整个音符的时值时，就可以先从本音上进行演奏，在开始演奏时，速度要缓慢一些，随着时间的不断增加，可以适当的加快演奏速度。 最后，回音在弹奏过程中也有明显的标识，一般将回音标在两个音节之间，那么回音弹奏就要放在本位音弹过之后再弹，而回音的节奏分布情况，可以根据音乐的内容进行适当的调整，将时间安排好。在莫扎特钢琴奏鸣曲中，常用的装饰音主要有倚音、颤音和回音，此外也存在着一小节的曲谱中，会同时出现多个装饰音，这就需要钢琴弹奏者具备超强的旋律感，能够将这些装饰音很好的运用在钢琴弹奏中，把握好装饰音之间的逻辑性，将装饰音灵活的融合到钢琴演奏过程中，提高钢琴演奏的水平。在莫扎特钢琴奏鸣曲中装饰音的运用，既要掌握装饰音的相关规律和演奏方法，又要充分把握装饰音在整个音乐演奏中所带来的作用和效果。所以，在音乐学习的过程中，要立足于发展音乐，展现音乐作用
《莫扎特》观后感
上帝的宠儿——莫扎特 从小到大，一直很喜欢流行音乐。音乐总能带给人无尽的精神享受，透过音乐，能亲身感受到创作者所要表达的情愫，它往往给人身体舒缓的同时，传递给人们一种积极向上的力量。而这种力量是不可言喻，难以形容的。流行音乐就是有这样的魅力。然而，我发现古典音乐也能给人心灵上一种震撼，这种震撼甚至超过流行音乐所带给人的快感。本学期有幸选择了《影视文学专题》，并精心赏析了影片《莫扎特》。选择《莫扎特》为题材，一来是因为我喜欢音乐并且深受莫扎特对音乐追求的崇高精神的影响。二则，该影片引人深思，发人深省，上帝为什么会选择莫扎特作为他的宠儿而不选择萨里艾利。 首先，我们来了解一下伟大音乐家莫扎特的生平简介：莫扎特出生在一位宫廷乐师的家庭。3岁起显露音乐才能，4岁跟父亲学习钢琴，5岁作曲，6岁又随父亲学小提琴，8岁创作了一批奏鸣曲和交响曲，11岁写了第1部歌剧。他仅仅活了36岁。繁重的创作、演出和贫困的生活损害了他的健康，使他过早地离开了人世，但是他的音乐作品成为世界音乐宝库的珍贵遗产1。 影片采用倒叙的手法，透过萨里艾利的视角，折射出莫扎特的疯狂天才。一位是纯洁、真挚、善良、桀骜不驯的莫扎特——他被誉为上帝的宠儿。另一位是阴冷、伪善的宫庭音乐家萨里艾利——一个站在上帝对面的人2。不能说萨里艾利是一位庸才，他的音乐才华绝对不是等闲之辈可以相提并论的，不然他怎么能够被皇室赏识，并且得到凡人梦寐以求的权势与地位。他非常想出名，利用他的社会地位，他完全可以通过一定的手段令他的音乐在同时代引起轰动，可能流芳百世，只因为他那不庸俗的音乐，更因为他所在的职位。身为皇室的首席音乐大师，萨里艾利的音乐会不好吗？老百姓或许会这么想，萨里艾利本身当然也是这么想的，直到他遇到了莫扎特。莫扎特的音乐彻底地击败了萨里艾利。“真是太不可思议了，根本超越理解，完全没有任何修正，他只是写出脑中的音乐，一页接着一页，就好像在听写一样，而又是前所未有的悦耳，换了一个音符就不完美，换了一个音节，结构就会瓦解，这是上帝的天籁，我透过音符所构架的铁笼看到最纯粹的美。”这是影片中萨里艾利内心的真实独白。由此，我们可以看到3萨里艾利对莫扎特产生了无边无际的嫉妒，他认为上帝选择了莫扎特作为他的宠儿是非常不公平的。萨里艾利曾因为对音乐热爱和对名利的崇拜而信仰上帝，然而仅仅是因为嫉
莫扎特创作风格
莫扎特创作风格 关键词：莫扎特；钢琴奏鸣曲；创作风格； 奏鸣曲作为一种器乐体裁在古典主义时期达到了其发展的又一个高峰，莫扎特作为一位罕见的音乐神童、音乐奇才，在短短的35年人生历程中为人类留下了600余首作品，也给世界带来了一曲来自上帝的福音。在莫扎特的音乐中没有令人厌烦的繁琐修饰和矫揉造作，所要表达的内容才是其创作的灵魂。莫扎特真正的伟大，就在于他在忍受痛苦、屡遭挫折、蒙受侮辱之后仍能将天性中的无穷的爱注入到音乐当中，这无疑是一种音乐性格的提炼。故笔者引用奥维德[1]的名句：“有艺不露，乃为真艺”作为本文正题，以此表达作曲家深刻的音乐涵养。 作为一种发展成熟于古典主义时期的重要器乐体裁——钢琴奏鸣曲在莫扎特手中得到了进一步的发展与升华，被赋予了更为深刻的内容含义，同时也成为莫扎特音乐的另一个重要的代名词。作曲家一生共创作18首钢琴奏鸣曲，其作品在海顿的基础上有了更大的发展，莫扎特在采用海顿时期基本形式的同时，扩大了奏鸣曲的矛盾冲突，脱离了乐曲的一般程式，开始表达个人的情感，使得奏鸣曲的创作达到了更加辉煌的境地。 一、关于钢琴奏鸣曲的创作 莫扎特是位天才且多产的音乐家，体现出数量多、体裁全的创作特点。作曲家创作了大量的钢琴作品，为新式槌击钢琴所做的奏鸣
曲便是其中极为重要的体裁之一。这些钢琴奏鸣曲的变化之丰富无以言表，且大多为“‘应景之作’，但恰恰是这种‘应景’性质，使得作曲家音乐的理想主义精髓才艺被人感知和触摸。虽然现实得到公正评价，但现实又包裹在理想世界的庄重、幽默和反讽里。这种应景音乐给他提供机会，让它撩起幕帘，查看一眼生活的某个旮旯角落。”[2] 1、创作的历史分期 笔者通过对莫扎特的创作时期、生活背景以及作品特点分析，将其创作的奏鸣曲划分为三个组别： （1）k.279~k.284，共有六首 这六首是莫扎特早期的钢琴奏鸣曲，大都创作于1774年的萨尔茨堡，后被称为“故乡奏鸣曲”。此时的作曲家还未满20岁，创作的乐曲虽极具青春朝气，新颖、自由。但就整体结构、乐思发展等方面来说仍未达到成熟，不少地方还带有当时其他作曲家的创作风格印记，并未形成自己的统一风格。 （2）k.309~k.333，共有七首 在1774~1775年期间完成了第一组的六首奏鸣曲后，时隔约两年又在巴黎创作了其第二组的这七首作品。此时的莫扎特正陪伴母亲赴德国曼海姆和法国巴黎旅行，所以这组作品深受曼海姆乐派和巴黎音乐的风格影响，情绪的表达较第一组有了明显的加强和提升。（3）k.475幻想曲，奏鸣曲k.457、k.533/494、k.545、k.570、
简析莫扎特钢琴奏鸣曲作品k333第一乐章
简析莫扎特钢琴奏鸣曲作品k333第一乐章 【摘要】众所周知看，莫扎特作为全球最伟大的古典音乐家之一，他钢琴音乐技艺一直以来都是钢琴演奏者以及学习者无法回避的必弹曲目。伴随着当前科学技术的不断快速发展，特别是音响技术的日益提升，录音技术直接能够展现音乐表演者对音乐作品予以完美再现。一方面，实现了无数的听众音乐欣赏的需求，另一方面也为音乐研究者对一个音乐作品不一样的音乐表演解释对比给予了更大的可能性。换言之，不同的钢琴家就能够从不同的视域演绎出不同的“莫扎特”。本文力图通过莫扎特钢琴奏鸣曲 K333第一乐章为研究对象，浅析莫扎特钢琴奏鸣曲作品K333第一乐章，论述对这一乐章中不同演奏者对于速度、力度、层次、装饰音演奏的理解。 【关键词】莫扎特；钢琴奏鸣曲；第一乐章 前言 莫扎特是古典音乐大家之一，他以异常悠然、流畅、率性的天性，强调了一种特别优雅丰富的感情和柔美细腻的音乐境界，莫扎特的钢琴奏鸣曲纤巧细腻，曲调旋律充满了歌唱性，也充盈了一种静谧的情怀，是钢琴艺术史上屹立不倒的精品。莫扎特终其一生，一共创作十四首钢琴奏鸣曲，其中“k333”可以说是她的代表作。笔者试图以莫扎特钢琴奏鸣曲 K333 第一乐章为研究对象，并且择取了几位钢琴演奏家的音乐风格、音乐作品的音响版本展开对比研究，其中，重点涵括了音响版本演奏技法以及音乐特点的对比研究，对怎样诠释这一经典之作奏鸣曲展开阐述。 1.莫扎特奏鸣曲k333第一乐章概述 莫扎特的这首钢琴奏鸣曲 K333是其在一七七八年创作于奥地利的首都维也纳。斯时，莫扎特年仅二十二岁，是他的中期作品。莫扎特的这首奏鸣曲的主旨所追求向往的是一种诗意、静谧、优美的和谐，他也愈发地开始明白与感受音乐所可以形成的变幻无方的意境。一直以来，敏感的莫扎特面对巴黎变迁中的各种现实，不得不令他更加沉迷于幻想，不得不令他对生活以及他所理解的世界更加报以诙谐的处世态度。他多以美丽的旋律撩动人心，在他手上那种透明的感觉呼之欲出。终其一生，莫扎特对生命的追求始终止于平和、宁静、安详[1]。 k333奏鸣曲整篇曲调极富华丽，润饰的和弦延伸是很能体现莫扎特和声语言的特色，更好的展示出了音乐的气质和个性，第一乐章的重点情景甜美和热情，且尤为清丽可亲，并未运用一种夸大的色彩，曲子典雅的风格也更加有亲切感。 曲式分析： 第一乐章快板（Allegro）四四拍子奏鸣曲式 1 呈示部（1-63 小节） 主要主题 1-8 小节降 B 大调 连接 8-22 小节 副主题 23-30 小节 F 大调 连接 30-38 小节 Coda 38-63 小节 2 展开部（64-9 3 小节） 3 再现部（93-165 小节） 主要主题 93-101 小节 F 大调 连接 103-113 小节
莫扎特《G大调弦乐小夜曲》赏析
莫扎特《G大调弦乐小夜曲》赏析 结束了一个学期的音乐欣赏课，我受益匪浅。由于老师的悉心教导，也是自己的兴趣使然，我明白了很多音乐欣赏的基本方法。 艺术世界中，最不可思议的莫过于音乐了。音乐是时间的艺术；音乐是人类传达感情的工具；音乐是一些用旋律和曲调驯服的噪音；音乐是数学与魔术的结合等等。它仿佛是咒语，是密码；又仿佛是精华，是美酒；吸引无数人沉醉其中。 所以，每当我们听到一首曲子并且停下来认真听的时候，我们就已经开始了最初的欣赏。这里，我了解到了音乐的三个层次，那就是感官层次、表达层次和音乐层次。我会在接下来就将莫扎特的《g小调第四十号交响曲》结合这三个层次来粗浅分析。 在欧洲音乐史课上第一次听老师介绍音乐神童莫扎特时，就对这位与海顿、贝多芬并称为维也纳古典乐派三大作曲家的奥地利古典乐派最典型作曲家很是感兴趣，特别是在听完他的生平和主要音乐风格及作品欣赏后，让人真的很佩服他的才气。他的作品真的给人以很特别的感觉，或许不如贝多芬的那般炽热、起伏跌宕，但莫扎特的音乐清明高远，乐天愉快，淳朴优美，其挚温暖，有如天籁一般。常常被誉为“永恒的阳光”和SPring Spring （春泉）。莫扎特在严酷命运的摧残之下默默地承受着、孕育着、奉献着……象殉道的使徒般唱着温馨甘美的音乐安慰着自己，安慰着整个世界。他自己得不到妩慰，却永远在温婉慰藉着别人。他的音乐恰恰是他天使般纯洁灵魂的写照与再现。莫扎特在精神上创造出现实中所得不到的幸福，他以乐天的创造来征服现实的苦难。莫扎特无限美好的信念所表现的和平、安谧、友爱、幸福的境界，正是全人类自始至终向往的最高目标。莫扎特永远是我们忠实的，永远给人安慰的好朋友。 被称为音乐神童的莫扎特的童年似乎也许也与别人的有些许不同呢，多了点幸运与天赋，当然也多了必不可少的努力，一些别的青年音乐家不敢做的、冒险的事。这些也许都为他以后的音乐创作提供了很好的基础与素材。 沃尔夫冈?阿马德乌斯?莫扎特Wolfgang Amadeus Mozart是奥地利作曲家，欧洲维也纳古典乐派的代表人物之一，作为古典主义音乐的典范，他对欧洲音乐的发展起了巨大的作用。莫扎特一共创作了22部歌剧、41 部交响乐、42部协奏曲、一部安魂曲以及奏鸣曲、室内乐、宗教音乐和歌曲等作品。 莫扎特1756年1月27日诞生在奥地利萨尔斯堡，出生时风雪交加，3岁起显露极高的音乐天赋，4岁跟父亲学习钢琴，5岁开始作曲。据说在他还不会写字的时候便已会作曲了，由其父亲记录他所谱的短小乐曲。莫扎特的父亲宫廷乐师Leopold Mozart莱奥波尔德?莫扎特是一个小提琴家、管风琴家、作曲家和
莫扎特歌剧《魔笛》赏析
莫扎特歌剧《魔笛》赏析
莫扎特歌剧《魔笛》赏析 歌剧《魔笛》是莫扎特最后一部也是最伟大的一部歌剧，它的结构统一，主题发展广阔、性格的刻画及人物的相互关系处理也非常出色。可以说它是一部民族音乐剧，也是一部与维也纳歌剧传统紧密联系的伟大的神话歌剧，在这部歌剧中，无论是曲调语言还是和声语言，无论是人物刻画还是戏剧表现，都十分突出地体现了民族色彩。《魔笛》描述一位王子受夜后委托，带着一支魔笛和一位捕鸟人去神庙解救夜后的女儿。祭司帮助王子认识了夜后的险恶面目，并让王子和少女通过了几道考验后获得了爱情。《魔笛》中有几段非常著名的咏叹调，一首是《我是快乐的捕鸟人》，歌词诙谐风趣，音乐活泼欢快，结构精美紧凑，具有浓郁的德国民间歌谣风格，活灵灵地展现了帕帕盖诺无忧无虑的开朗性格。另一首是夜后的咏叹调《年轻人别害怕》，这是一首极有名的曲调，表现了夜后仇恨光明的阴暗怪异的变态心理，同时也流露出母亲对儿女的疼爱之情。这首歌曲是典型的意大利式的歌剧咏叹调，作品后半段的华彩乐段和长期停留在高音区的乐句，使之成为最难演唱的曲目，即使是对最优秀的女高音歌唱家来讲，也有利考验和挑战。另外，帕米娜的《啊，我知道了》和夜后的《心中燃烧着怒火》也同样具有高难度的技巧和独特的艺术魅力。《魔笛》可以称作是莫扎特第一部真正的德国歌剧，这部用德文演唱的歌剧，这部用德文演唱的歌剧，把德意志民族的优良品质，淳朴感情和清醇美丽的音乐有机地结合在一起。实现了莫扎特振兴德国歌剧的夙愿，开创了德国歌剧以后的发展道路，对新世纪的德国歌剧作曲家具有极其重大的影响。 莫扎特把音乐的创作作为歌剧创作的基础，音乐的独特表现力可以独立表达人物性格和剧情发展，增强歌剧的戏剧性。戏剧性广义为戏剧艺术本身所特有的本性。通过情节性、音乐性、主题性、崇高性和生命性才阐述歌剧《魔笛》的戏剧性。进而从社会环境、个人价值和才能方面分析产生这些特性的原因，揭示莫扎特的创作背景。其中，重点突出了音乐在歌剧当中的地位。这对于肯定莫扎特歌剧创作。推进歌剧在中国的研究和发展有着重要的借鉴意义。 莫扎特作为18世纪伟大的指挥家、演奏家、作曲家，他的音乐涉及各类体裁，广为流传，留下了很多传世佳作，其中《魔笛》更是以其独特的戏剧性征服了大众。 在各种音乐体裁当中，莫扎特对歌剧情有独钟。他最早创作的歌剧是《阿波罗与海辛特斯》，是他为萨尔斯堡大学的学年结业创作的，是一部不够成熟的作品。后来莫扎特以极大的热情投入到歌剧《克里特王伊多梅纽斯》的创作中，这是为宫廷庆典而写作的歌剧。在这部歌剧里他修改了旧的传统歌剧形式，模糊了宣叙调在歌剧中的界限，用咏叹调来表达剧中的戏剧动作。这部歌剧标志着莫扎特歌剧在创作上的成熟。《魔笛》则牢牢地奠定了他18世纪重要歌剧作曲家的地位。 我们先来看一下莫扎特歌剧的几个突出的特点，以便我们结合这些特点对《魔笛》的戏剧性进行分析。 第一，注重情节性。歌剧要以优质的情节取胜。莫扎特的歌剧注重情节的编排，情节的曲折变化符合受众的审美期待。正是在情节上的跌宕起伏、精心布置使得莫扎特的作品有着广泛的受众。 第二，突出的音乐性。莫扎特曾经在一封信中对创作歌剧有过这样的言论：在一出歌剧中间，诗歌必须绝对服从音乐。而他还强调：音乐居于最高的主宰
莫扎特及其作品简析
莫扎特及其作品简析 曾磊20141387036 数学与统计学院 经老师推荐，我看了《莫扎特传》这部优秀的电影作品，从而更加亲近地接触到这位历史上极负盛誉的音乐家，在惊叹他那过人的天赋和才华的同时，我也更加真切地体会到他的生活的艰辛与不易。我们总是喜欢叫他神童和天才，然而我们却没有看到他的勤奋，他曾与歌剧《唐璜》的乐队指挥库查尔兹一起散步时说过：“以为我的艺术得来全不费功夫是错误的，我确切地告诉你，亲爱的朋友，没有人会像我一样花这么多时间和思考来从事作曲；没有一位名家的作品我不是辛勤研究过许多次。”所以，我们应该坚信：天才出自勤奋，要想成功，必须付出巨大努力！莫扎特也是欧洲历史上第一位公开摆脱宫廷束缚的音乐家，当然结局也是十分悲惨的，在当时的社会条件下，这种举动无疑是极其大胆和勇敢的，因为这意味着艰辛饥饿甚至死亡，然而正是他这种不畏强权，追求自由，崇尚心灵解放的勇敢精神，又为他赢得世人更多的敬重。他曾在给父亲的信中写到：“不能再受这些了，心灵使人高尚起来，我不是公爵，但可能比很多继承来的公爵要正直的多。我准备牺牲我的幸福，我的健康以至我的生命，我的人格，对于我，对于你都应该是最珍贵的。” 莫扎特一生作品丰富，他的代表作有《费加罗的婚礼》《唐璜》《魔笛》《安魂曲》等。影片的开头就是以《唐璜》为背景音乐，《唐璜》是莫扎特的一部歌剧作品，初演于1787年，受到广泛欢迎，这部作品是根据拜伦的同名诗体小说改编而来的，虽然貌似喜剧，实则悲剧色彩浓郁，是古典主义歌剧的代表作。歌剧是一门综合的艺术，但它主要还是以音乐为载体来组织剧情，表现情节的。《唐璜》在艺术风格上有着诸多新颖之处：声部的创新；人物也更具有鲜活性；还有人文性的凸显，他的歌剧中流露出一种对人性不可思议的深刻理解，他始终坚持赋予角色人性化的信条；充斥戏剧性，莫扎特自称这部歌剧为欢快的戏剧，他强调这是内容深刻的音乐悲剧与喜歌剧的统一体。 接着是莫扎特的弦乐小夜曲，G大调弦乐小夜曲，又称《第13号小夜曲》，其最早为弦乐合奏，后被改编为弦乐五重奏和弦乐四重奏，尤以弦乐四重奏最为流行。G大调弦乐小夜曲原有五个乐章，后因第二乐章失传，所以现存只有四个乐章。第一乐章快板，G大调，4/4拍，是一首完整的小奏鸣曲，以活泼流畅的节奏和短促华丽的八分音符颤音，组成了欢乐的旋律，其中充满了明朗的情绪色彩和青春气息。第二乐章行板，C大调，2/2排，浪漫的抒情曲，本章旋律恬静，充满了绵绵情思。第三乐章小快板，G大调，3/4拍，小步舞曲，这一章的主题节奏鲜明旋律流畅，充满了青春活力。第四章回旋曲，G大调，快板4/4拍。这
[《乐记》中的音乐美学思想试析] 乐记的音乐美学思想
[《乐记》中的音乐美学思想试析] 乐记的音乐 美学思想 《乐记》是我国最早的一部音乐美学著作，是我国音乐美学的奠基石。《乐记》中蕴涵了丰富的美学思想，对于研究我国音乐美学史具有重要的意义，即使在今天，它的不少观点仍具有借鉴和审美价值。 一、《乐记》中的音乐美学思想解读 音乐与人的情感 音乐是一门以声音为载体的听觉艺术，这种艺术之所以能引起人们的情感反应，关键在于音乐的旋律，它能使人们在欣赏的过程中产生情感共鸣，从而对音乐的内在含义产生深刻的体会。《乐记》中对音乐与情感之间的关系作了如下的阐述：“凡音之起，由人心生也，人心之动，物使之然也，感于物而动，故形于声；声相应，故生变，变成方，谓之音；比音而乐之，及干戚、羽旄，谓之乐。”由此观之，音乐与人的情感之间不仅存在着密切的联系，而且二者之间还具有不可分割性。也就是说，音乐的产生与人的内心情感之间具有密切的联系。自然界的一切声音经过人类的艺术加工都可以变成优美动听的音乐，这种音乐的产生是由“人心”因素决定的。［1］“故形于声”中的“声”是指自然界的一切声音；“声相应，故生变，变成方，谓之音”，自然
之声经过人类的艺术加工就产生了“音”；而“比音而乐之，及干戚、羽旄，谓之乐”中的“乐”则是指在经加工处理之后的“音”中以舞伴之的一种艺术形式。这种艺术形式的形成与人的情感具有不可分割性。“哀心感者, 其声噍以杀; 其乐心感者, 其声啴以缓; 其喜心感者, 其声发以散; 其怒心感者, 其声粗以厉。”也就是说，人处在一个复杂的社会环境中，环境与心理的变化必然会引起人不同的情感与感受，感受不同，产生的情感也就会不同。这种不同的感受与音乐结合就会产生不同的音乐旋律，这就是“感物而动”的结果。 《乐记》中对音乐与人的情感之间的密切联系作了明确的肯定，但这种肯定更多的是对音乐与礼相结合的一种肯定，即强调音乐对人的情感的支配，强调音乐对人的教化功能，从而使音乐这种感性的艺术形式附上了伦理道德的成分。如《乐记》中写道：“乐者，通伦理者也。是故知声而不知音者，禽兽是也。知音而不知乐者，众庶是也。惟君子为能知乐。”也就是说，只有建立在伦理基础之上的音乐与情感，才能产生理性的音乐，才能使人的情感受到理性的支配和控制；而且只有处在理性的指导之下，人才能真正地理解音乐的内在含义。另外，《乐记》就音乐与音乐的审美主体之间的关系也作了说明：“礼乐皆得, 谓之有德, 德者得也。”即音乐与人的修养之间也存在着联系，只有那些懂得“礼”的人，才能真正理解音乐所表达的深意。《乐记》中“礼乐”并用的思想使得音乐与人的情感时刻都处于理性的统
莫扎特545分析
莫扎特的作品C大调钢琴奏鸣曲（K545）充分体现了他的这些特点。这首作品是莫扎特晚期1788年写成的，是一首非常著名的小奏鸣曲，也是初学钢琴者必弹的，人人熟知的名曲。这首乐曲明朗可爱，技巧简易。此曲共三个乐章，其中第一乐章的主题甚至被用作轻音乐的主题。 [3] 第一乐章采用快板的速度，C大调，4/4拍子，奏鸣曲式。开头的主部主题颇为明朗，副部主题则单纯而快活，两者对比非常明确，展开部是用分解和弦与音阶乐句写成的。 第一乐章的结构分析如下：（乐谱略） 呈示部：第1—28小节 主部：第1—12小节，乐段结构。开始的4小节在C大调上给人轻盈、透明的感觉。第5—8小节是4小节的音阶插句结构形式。从第9小节开始，音乐进行到主调C大调的属调G大调上来，在第12小节以主和弦结束。主部主题给人一种明朗开阔、优美雅致的感觉，体现了莫扎特简易而娴熟的创作技巧。 连接部：第13小节，在低音部以连续的十六分音符进行，G大调，好象是向副部过渡的引子，以便副部主题顺利进入。 副部：第14—26小节，从第14小节开始，副部主题在G大调上进行，音调恰好是主部主题的反方向进行，只是缩紧了节奏，可以看到莫扎特材料运用的简练。第18—21小节是用琶音写成的，也是一种插句结构形式，T6—S—DⅦ6—DTⅢ—TSⅥ6—SⅡ—D6—T的和声进行很有个性。第22—23小节在a小调上出现副部的后半部分，从第24小节又转到G大调上来，运用的材料是副部开头的动机。第26小节在G大调上以全终止结束在主和弦上。整个副部的材料是主部的变化运用，具有单纯快活的特点，形成与主部的鲜明对比。 结束部：第26—28小节，用G大调的重复音型结构在不同音区上以D7—T的形式结束。 展开部：第29—41小节。顺着呈示部的结束部，以相同音型结构转到结束部G大调的同名小调g小调上，然后是一系列的音阶乐句和分解和弦的运用。第31小节前半是g小调主和弦上的音阶进行，后半转到d小调的音阶进行，低音部与高音部交替呼应。第33、34两小节在d小调上采用同音型结构不同音区的D7—t的进行。第35小节在d小调上出现高低声部的音阶乐句，第36小节又转到a旋律小调的高低声部音阶乐句。从第37—40小节，用a小调和d小调通过高低声部的交替音阶乐句形成一呼一应的结构形式。第41小节在d小调的平行调F大调上出现了确定调性的D7，为再现部的出现做了准备。整个展开部在调式调性和材料上，都形成了与呈示部强烈的对比，音阶乐句的起伏呼应形式使音乐的发展有着强大的推动力。 再现部：第42—73小节。 主部：第42—57小节，这里与呈示部不一样的是体现在调性上，它在呈示部主调C大调的下属调F大调上再现主题，体现了莫扎特天才的展示，并扩充了4个小节，让左手在低音部进行低音式的流动，以便回归到主调C大调的属调G大调上来。 连接部：第58小节，明显的变化是调性从G大调回归到主调C大调上来，材料与和声进行与呈示部相同。 副部：第59—71小节，调性从G大调回归到主调C大调上，和声进行T6—S—DⅦ6—DT Ⅲ—TSⅥ6—SⅡ—D6—T仍显特色。副部主题后半稍有变化，在第68小节用了一个减七和弦。第69小节变成了音阶的形式，这种音阶转换形式的运用体现了莫扎特音乐创作手法的独特性。最后仍以主和弦结束。 结束部：第71—73小节。写法基本与呈示部相同，只是调性从G大调回归主调C大调，并完全终止。 这首乐曲旋律流畅，结构清晰，听来令人振奋。可以看出，莫扎特的音乐体现了古典主义时期最完美的风格和对纯真音乐的理想。
莫扎特的歌剧
西方音乐发展史?及莫扎特的歌剧及演唱风格 一、西方音乐的发展窗体顶端 窗体底端 一、?古希腊音乐?二、?古希腊文化是西方文明的渊源。与古希腊的哲学、文学、科学、建筑、美术和戏剧一样，?音乐也是古希腊文化的一个重要组成部分。虽然古希腊流传下来的音乐作品很少，但是丰富的文字记述和雕刻向人们描绘了古希腊音乐文化的风貌。在漫长的西方音乐历史中，古希腊音乐文化精神不断地影响和启发着后世的人们。?神话是古希腊艺术的丰富土壤，在古希腊神话中音乐是极富魅力的。阿波罗不仅是太阳神，也主管音乐。半神半人的底比斯国王安菲翁用琴声的魔力修筑了底比斯城堡。色雷斯的歌手奥尔菲斯以音乐的魅力拯救出地狱中的妻子尤丽狄茜，后又得而复失。这个故事体现出古希腊神话的人性特征，它被近百次地谱写成歌剧。缪斯（Muses）是分别掌管文艺和科学的九位女神的统称，而“音乐”（music）一词还是由缪斯演化来的，足见在古希腊人眼?中，音乐是与人类追求真和美的活动密切相关的。?西方最早的弦乐器是里拉琴（Lyre），又称诗琴。神话中的众神的使者赫耳墨斯在龟壳上蒙上牛皮，支起两只羚羊角，架横木拉起琴弦便发明了里拉琴。从文艺复兴开始，在西方?的文学艺术中，里拉琴一直成为音乐的象征。里拉琴后来演变成形状较大的基萨拉琴（Kithars）。古希腊的管乐器是阿夫洛斯管（Aulos），一种芦管制成的单管或双管的竖笛。里拉琴多用于独唱伴奏，史诗弹唱，它是祭祀阿波罗仪式中的主要乐器。而在崇拜酒神的仪式中，及后来的酒神合唱和雅典悲剧合唱中，阿夫洛斯都是重要乐器。在西方现代文化观念?中，里拉琴和崇拜阿波罗的音乐与阿夫洛斯和崇拜酒神的音乐，已成为相互对立性格的两大类音乐的象征。前者平静而节制，后者狂喜、放纵。?三、?古希腊的哲学家们对音乐的论述，对于西方音乐发展有重要的影响和启发。毕达哥拉斯把音乐的音程与节奏的和谐与宇宙星际的和谐和秩序相联系，因而把音乐纳入他以抽象的数为万物之源的理论中。然而他对弦长比例与音乐和谐关系的探讨已经带有科学的萌芽。另外两位哲学家柏拉图和亚里斯多德则以论述音乐的社会、道德作用而著称。?二、古罗马音乐?随着古罗马帝国的扩张，古罗马的版图囊括了欧、亚、非的大片领土，先后征服了古希腊及小亚细亚的一些古国。罗马征服者将征服的大量塑像、浮雕和作为奴隶的舞蹈音乐艺人输入罗马。罗马人吸收同化于古希腊及希腊化东方的音乐文化。?公元一、二世纪形成了古希腊——古罗马音乐盛期。?在古罗马的宗教仪式中音乐仍然占有重要地位。在崇拜古罗马战神、军神——玛尔斯（Mars）的仪式中，?12名贵族组成的塞利（Salii）祭司团跳武士的舞蹈并歌唱。在小亚细亚传入的母神（Cybele）、女神（Isis）的崇拜仪式中音乐都是不可缺少的。?古罗马骨制的蒂比管（Tibia）是古希腊阿夫洛斯管的变体，它在宗教仪式和戏剧音乐中广泛使用。古罗马人认为，它可以驱除邪恶唤起慈善的神性。蒂比管演奏者在社会上颇有地位。古罗马人尚武，军乐得到发展，出现了一些较大型的铜管乐器，如：直筒喇叭口的大号（Tuba）和G字型的库努（Cornu）。?古罗马盛期，有许多关于音乐节日、比赛等的记述。音乐具有娱乐倾向，许多皇帝是音乐保护人，其中尼禄甚至希望自己有一个音乐家的名声。?西方音乐发展简史--中世纪篇?西亚迁至北欧的日耳曼人向罗马帝国的“民族流动”最终导致公元4、5世纪的入侵。公元378年西哥特人憎恨罗马帝国统治者的压迫，举起了反抗的旗帜。几经战乱后，公元476年最后一个西罗马皇帝被废除，标志欧州封建社会的开始。?日耳曼人文化落后，知识浅陋，不懂任何艺术。公元6、7世纪，西欧大部分地区倒退至落后时代，异族的国王们完全没有能力管理他们篡取的权力。然而当西欧社会一派凋敝的时候，基督教却在向着它的巅峰发展。自从公元313年罗马皇帝君士坦丁发布米兰敕令，基督教的活动由地下转为公开，它很快战胜了其他竞争的宗教，于380——392年间被认为是罗马帝国唯一的合法信仰。灭亡了西罗马的日耳曼人已皈依了基督教。西欧封建社会初期王权分散而弱小的时候，基督教却由于教皇统治的兴起权力日益集中强大，然而在西方音乐史上，莫扎特无疑占有重要地位。
音乐美学基础期末考试范围 2
音乐美学基础 1、为什么说美学是一门古老而又年轻的学科？ 答：说它古老，是因为人们在创造音乐的同时，也就开始了对它的认识和思考，在我国，可以追溯到春秋战国时期；在西方，可以追溯到古希腊时期，距今都有两千几百年的历史了。但是，把它作为一门独立的学科来看，并且称作音乐美学，那还只是不过是近一、二百年的事情。历史上第一个使用音乐美学这个概念的是18世纪的舒巴尔特，他在《论音乐美学的思想》一书中提到的。 2、第一个使用音乐美学这个概念的是德国诗人、音乐家舒巴尔特，他在《论音乐美学的思 想》（1806年出版）一书中提到的。 3、1900年里曼出版他的《音乐美学的要义》，才可以说音乐美学已经真正成为一门独立的 学科。 4、音乐美学是美学——艺术哲学的一个分支，同时又是音乐学的一个部门，是以研究音乐 艺术的美学规律为宗旨的一门基础性的理论学科。它特别把音乐的本质与特性，音乐的形式与内容，音乐的创作、表演与欣赏，音乐的功能，音乐的美与审美作为自己的研究对象。 5、音乐美学的研究方法：a、哲学的方法b、心理学的方法c、社会学的方法 6、坚持理论与实践的统一、历史与逻辑的统一应成为我们研究音乐美学的方法论根本。 7、音乐的感性材料是声音，特殊的艺术化的声音。艺术的物质材料是体现这种艺术特征的 基础，也是构成艺术美的基本要素。构成的艺术的物质材料与一般的物质材料不同，它并不是作为满足人的生理需求的物质基础，而是一种作为满足人的心理需求的精神基础。 8、音乐感性材料的基本属性：a、非自然性——创造性（与自然声音比较）b、非语义性 ——表情性（与语言比较）c、非对应性（一是音乐感性材料的模仿性、二是音乐感性材料的象征性和暗示性） 9、在音乐的声音和它的含义之间存在着一种中介因素——表现，它的具体方式包括：一是 音乐感性材料的模仿性二是音乐感性材料的象征性三是音乐感性材料的暗示性10、音乐的意义： 音乐的意义分为四个层次：一是外观信息；二是结构信息，它可以表现为音乐的组织，即音高、音色、音质和音强，其中，音高主要体现在旋律方面；音色主要体现在乐器方面的差异；音质是由声音的音高、声音的音调、声音的音色三方面决定的；音强则是强调合理安排音乐结构。三是内部信息包括自然方面和社会方面，社会方面主要靠自然习得，如音乐的结构、风格和流派。四是联结信息，如作品中的文化意义，作品的指向性内容，如海顿的《告别》主要抒发的是思乡和想要离开之情。 12、音乐实践包括创作、表演和欣赏三大环节，音乐创作是其中的基础。 13、音乐创作是指作曲家创造具有音乐美的乐曲的复杂精神生产劳动。音乐创作是一种艺术 实践，通常可分为相互交织又可适当分离的三个环节，即感受、创意与塑形。 14、音乐创作的本质：一是表现时代精神和思想的艺术实践二是表达自身和他人内心的 精神活动三是受音乐审美经验支配的创造性劳动四是把内心体验改造成音响结构的创造性想象活动 15、音乐创作的过程： 我们把音乐创作过程概括为两个阶段：“第一阶段是作曲家从社会生活中获得心理体验的阶段；第二阶段是作曲家把社会生活的心理体验转化为具体可感的音乐形象阶段。” 音乐创作过程的第一阶段实际上是所有其他艺术创作的共性方面。无论是音乐家、画家、
莫扎特艺术歌曲的创作及演唱风格
莫扎特艺术歌曲的创作及演唱风格 奥地利作曲家莫扎特（w.A.Mozart，1756—1791）是维也纳古典乐派的代表人物，作为欧州音乐发展史中罕见的天才作曲家，他在短短的一生中创作了数量惊人的作品，其内容涉及歌剧、交响乐、协奏曲、奏鸣曲、室内重奏、宗教体裁等多个领域，为人类留下了大量宝贵的文化经典。艺术歌曲在莫扎特众多的音乐作品中可以说是最弱的一环，与其在歌剧和器乐作品创作上的辉煌成就比起来甚至可以说是“微不足道”，三十六首艺术歌曲就像是莫扎特休闲时信手拈来的即兴之作。阿尔弗雷德?爱因斯坦①（A.Einstein,1880—1952）曾写到：“莫扎特自己丝毫没有看重他这些歌曲的价值，它们是副产品，是从他放着歌剧和器乐作品的桌上落下的碎屑而已”。比喻非常贴切，然而这个比喻并不意味着这些作品就无足轻重，从其艺术价值来看，它们在德国艺术歌曲的发展史上有着承前启后的重要地位，预示了后世以舒伯特为代表的德奥艺术歌曲的发展和繁荣。这些短小精悍的作品有着独特鲜明的音乐形象、简明质朴的音乐语汇，新颖敏捷的乐思，细腻多变的创作手法，词曲间处处闪烁着莫扎特音乐特有的精致、典雅和乐观明亮的光辉。而且对于众多声乐学习者来说，演唱这些小巧的艺术歌曲作品不仅有助于训练其演唱技巧、了解莫扎特独特的音乐风格，更能为他们以后演唱和驾驭莫扎特其他声乐作品（歌剧、音乐会咏叹调等）打下良好的基础。 一、多样化的音乐创作风格 莫扎特的艺术歌曲数量虽说只有屈指可数的三十六首，可里面却融合了多种多样的音乐风格，有明亮轻快的意大利歌曲式的、有充满戏剧性的歌剧咏叹调式的、有清新质朴的民谣风的、有愉悦活泼充满童趣的儿歌风的，还有充满浪漫色调的诗意气质的。这些迷人的小品无不彰显出莫扎特天才的艺术气质。 （一）意大利歌曲风格的 《Ridente La Calma》（亲切的平静）是一首用意大利文写成的充满洛可可风格的精致、典雅的小歌。歌词一共只有四句，内容是赞美内心的平静和幸福的爱。莫扎特将它多次反复，以多样的旋律写成了一个结构严谨的三段式，充满了均衡的美感。在小广板（Larghetto）的速度下，旋律显得流畅而优美，情感自然而真挚，使人感到和谐、光明和生活的美好。这首充满古典气派、优雅而从容的歌曲深受女歌者们的喜爱，经常在音乐会上选用它。 （二）歌剧咏叹调风格的 这一类典型的代表作品有两首用法文写的歌曲《Oiseaux si tous ies ans》(见异思迁的鸟)和《Dans un bois solitaire》(我走进树林)，它们是莫扎特22岁时的作品，是他在Manheim逗留的时候为一位年轻的歌唱家奥古斯塔而作的，风格颇有当时流行的巴黎咏叹调风味。第一首歌曲为通谱歌，旋律和织体都非常简单，好似宣叙调一般，钢琴伴奏采用了大量的倚音，音乐显得生动优雅且活泼。第二首充满了较强的戏剧性对比，速度变化尤其丰富，此歌被莫扎特写得像一首充满悲剧气氛的咏叹调。特别值得一提的还有那首著名的《Als luise die Briefe ihres ungetreuen Liebhabers verbrante》(当露易泽焚烧她的负心情人的情书时)，这首歌的歌名很长，是莫扎特歌曲中最为特别的一首。歌词取自Gabriele Von Baumberg的诗作《Erzeugt von heiβer phantasie》（来自炽热的幻想），由莫扎特1787年创作于维也纳，短短二十个小节的曲子却展示了无比强烈的戏剧性和悲剧气氛，表现了一位名叫露易泽的女孩子把她不忠实的爱人的来信付之一炬。歌声时而是痛苦的宣泄，时而是优美的咏叹。钢琴伴奏被写得极富变化，音乐多变，强而有力，充分表现出主人公内心情绪的变幻起伏。我们从激荡的音乐中几乎可以看见火炉中熊熊燃烧的火焰和那些逐渐化为灰烬的情书。此曲充分展示了莫扎特过人的抒情及戏剧才能，短短的一首歌就像是作曲家本人不幸人生悲剧的缩影一样。 （三）充满诗意风格的 提到此类风格，人们一定会想起那首由莫扎特在1785年6月8日创作的《紫罗兰》，这首充满浓郁浪漫主义气息的歌曲被认为是那个时代诗与乐完美结合的典范。众多音乐学者都认为此歌在德国艺术歌曲的发展史上占有极其重要的地位，就算是莫扎特一生只写了这一首歌，也足以让他在艺术歌曲史上占有一席之地了。在这首歌曲中钢琴伴奏首次脱离歌唱旋律，扮演了一个独立的角色，娓娓地叙述着他自己的心声。歌词取自于1773年歌德为歌唱剧目《爱尔文和爱尔米蕾》创作的诗作，
浅谈对音乐美学的认识
＜浅谈对音乐美学的认识＞ ---音乐美学一门古老又年轻的学科 08级作曲系 王雅慧 080310 27
总述 1．音乐美学概论。2．什么是音乐美学？3．音乐美学的研究角度。4．音乐美学的历史发展。
1．音乐美学概论 ①远古时期 早在上古时期，起于西周礼乐制度的乐教组织，当“乐”被纳入教育系统、意识形态系统，“乐”已经就是一门独立学科系统。 ②现代时期 音乐美学Aesthetics of Music从音乐艺术总体的高度研究音乐的本质和内在规律性的基础理论学科。音乐美学同一般美学、音乐技术理论、音乐史学、音乐评论等都有密切的内在联系，而且音乐美学这门学科的发展和深化，往往离不开从上述这些领域的成果中吸取营养。 2．什么是音乐美学？ 提起音乐美学，许多人感到陌生，甚至有一点神秘感，但就对象而言，每门学科一开始都会研究两个问题，一、这个对象是存在的。二、这个对象是什么？ 3．音乐美学的研究角度。 对象和不同的研究角度
但是音乐美学在研究对象上却同上述的这些领域不同。一般美学把艺术作为人类审美意识的集中表现，从总体上研究艺术的本质和普遍规律，而音乐美学则把音乐作为艺术的一个特殊种类,研究它的特殊本质和特殊规律;音乐技术理论（如和声学、对位法、曲式学、配器法等）研究音乐创作的技法、音乐构成上的具体准则，而音乐美学则把音乐作为一个总体，从更概括的角度考察它的本质和规律；音乐评论从实践上把具体的音乐现象作为它的分析和评论的对象，而音乐美学则对音乐的总体进行基础理论性的学术研究，为音乐评论提供理论前提。 音乐美学的研究角度 音乐美学的研究可以从以下不同的角度进行：哲学的角度、心理学的角度、广义社会学的角度以及音乐作品自身的美学特性的角度。对音乐艺术进行哲学角度的研究，主要涉及下列一些问题：音乐的本质是什么？音乐的内容是什么?音乐同现实的关系是怎样的?等等。这些问题同哲学认识论有极为密切的关系，具有根本性质，是音乐美学中首先要探讨的问题。从心理学角度研究音乐艺术所要回答的问题，诸如音乐创作、表演、欣赏的心理过程是怎样的？人们究竟是如何感受音乐的？音乐是以何种方式作
莫扎特钢琴奏鸣曲的演奏技巧分析与讲解
龙源期刊网 https://www.360docs.net/doc/7d13516160.html, 莫扎特钢琴奏鸣曲的演奏技巧分析与讲解 作者：宋佳琳 来源：《黄河之声》2017年第22期 摘要：本文通过对莫扎特的生平以及作品的简介，向读者展现了这位被公认为是音乐界 的旷世奇才的创作的一生，并深入的剖析了他钢琴奏鸣曲的音乐风格及演奏技巧。文中以莫扎特较有特点的广为流传的《A大调第十一号钢琴奏鸣曲》（K.331）为例，讲解了此作品在演奏中会出现的难点问题并加以详细的解决方法及练习方法，以点盖面，为广大的钢琴学者及爱好者提供了作品的练习的方式方法，有较强的指导意义。 关键词：莫扎特；奏鸣曲；音乐风格；演奏技巧 一、莫扎特的生平 沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特，1756年生于奥地利，4岁开始学习钢琴，7岁便可以在欧 洲各国登台演出了，10岁已经开始尝试作曲，被人们称为“音乐神童”。 18世纪70年代，莫扎特接触到曼海姆乐派，这个时期的作品旋律轻捷明快，主调音乐风格已完全确立，高声部音乐线条十分突出，反映了曼海姆乐派对莫扎特的影响。18世纪80年代初期，由于当时的欧洲狂飙运动，莫扎特的作品受到了运动思潮的影响，因此，在他的作品中在内容忽然表现形式上出现了新的音乐风格和新的音乐要素，例如在奏鸣曲式的作品中，第一乐章，在呈示部出现了与第二主题，这第二主题又是是与第一主题相对立的音乐形象；在再现部中，有时也会做出与呈示部中对主题的不同的表达方式。在乐曲的第一乐章与第二乐章之间，会做出反差比较大的强弱对比写法，使音乐作品有较强的力度变化，充满了戏剧的风格与表现力，这也是“古典奏鸣曲式”进一步形成的重要标志。 莫扎特创作最后十年——维也纳时期，是他最重要的创作时期，他的歌剧作品题材和形式更加丰富，音乐和舞台更加完美的结合起来；在声乐作品中，加强了钢琴的伴奏的成分分，使歌声与琴声象融合得统一而不可分割。 二、莫扎特的钢琴音乐作品 莫扎特作为欧洲古典主义音乐家的代表，他在音乐的历史上占有非常重要的地位，他的钢琴奏鸣曲也是全世界钢琴演奏家所演奏曲目中经久不衰的音乐作品。莫扎特的奏鸣曲没有海顿和贝多芬的奏鸣曲数量多，但却有莫扎特独特的音乐风格与音乐体系。莫扎特的钢琴奏鸣曲为贝多芬和舒伯特的音乐风格奠定了基础，是十八世纪即兴表演艺术的精华所在，个性鲜明独树一帜。作品织体简洁、对位工整，旋律流畅自然，演奏时每一个音都必须精雕细琢，是钢琴演奏和教学的必修课。 三、莫扎特钢琴奏鸣曲《A大调第十一号钢琴奏鸣曲》（K.331）的演奏技巧分析