丹纳《艺术哲学》读书笔记

《艺术哲学》读书笔记

《艺术哲学》是法国历史学家、文学家、哲学家丹纳的名著。本书最初是丹纳在巴黎美术学习讲述美术史的讲义，包括艺术品的本质及产生、文艺复兴时期的意大利绘画，尼德兰绘画和希腊雕塑。全书条分缕析，富有热情，内容丰富精彩，不是一般理论文章的枯索沉闷，更像是在读有趣历史，因为所学的是设计，对本书所讲述的西方艺术了解的并不多，书中所提到的大量画家并不认识，例举的大量例证也不了解，所以很多细节不能很好的记住，所以对整本书的理解不是很完整，然而读的过程中会联想到艺术与现代设计的联系，感受到书中所提及的意大利、希腊、尼德兰当时的绘画、建筑、雕塑等艺术对现代设计的影响，当时的绘画、雕塑、建筑等各种艺术形态都相互影响互有联系，比如现在流行的室内及家具风格中的“北欧风格”、“洛可可风格”、“巴洛克风格”、“地中海风格”等，都是这些不同的艺术形式在设计中的反映，这些艺术风格虽然过去多年但还在影响着现代的设计风格。设计应该不断的向前看，走在时代的前端，但是经过时间推敲的经典却永远不会退出潮流。这又让我想到在室内设计中，很多人对中国传统的设计风格的影响是“古板”、“老旧”，认为是年纪大的人才会用的设计风格，其实是在很长时间以来我们没有对中国传统的东西进行创新，传统文化不光要“传承”，还要“创新”。丹纳认为物质文明与精神文明的性质面貌都取决于种族、环境、时代三大因素。种族、环境、时代三大因素影响着艺术和艺术品，中国的设计在经历了模仿、抄袭的过程之后，也在思考着对中国传统文化和艺术的传承与创新，在这样的环境和时代的影响下，带有中国元素的设计在国际上也越来越散发出光芒，中国设计师在2012年米兰国际家具展上展出的“请坐，米兰”系列家具，这一系列家具运用了中国传统的梅瓶、花鼓、万花筒等加以现代手法的设计，得到了很大的关注度。

艺术是有共通性的，设计包含在艺术当中，只有看清楚艺术的本质，才能更了解了解艺术的重要。我们感觉到艺术的重要，但那只是处于本能而非根据思考。我们只重视艺术，对艺术感到敬意，但不能解释我们的重视和敬意。我知道很多设计风格，但不了解这些风格的起源和发展，如今我们能说出我们赞美的根据，指出艺术在生活中的地位。

艺术还有这样一个特点，就把最美好最深处的内容传达给大众，而设计也是如此。每个人对美的理解不同，因为不是所有人所处的环境都一样，个人的性格爱好不一样，审美也就不一样，所以我认为艺术本身很难有定论，每个人因为环境、身份、审美不同，对事物都有自己的看法，都有自己对事物的分析角度，欣赏思维。而丹纳认为“艺术品的目的是使一个显著的特征居于支配一切的地位”，因此，他所认为的对艺术的判断规则是:“一件作品越接近这个目的越完善;换句话说，作品把我们提出的条件完成得越正确越完全，占的地位就越高。”这条件是什么呢,丹纳在书中也列出了:“我们的条件有两个，就是特征必须是最显著的，并且是最有支配作用的。” 接下来丹纳进一步论述了“特征的重要程度”，用来说明作品的重要程度取决于特征的重要程度。之后在论及“特征的有益程度”，仍然同上文论述的部分相当，先从精神生活，再提文学作品，继而是肉体生活，最后才是造型艺术。丹纳在序文中还提到了人们对于艺术品产生的想法:“我们很容易认为艺术品的产生是由于兴之所至，既无规则，亦无理由，全是碰巧的，不可预料的，随意的。”是的，也许艺术家在创作的时候只凭个人的幻想、个人的经历、个人的情感，而群众赞美艺术品的时候也只凭一时的兴趣，也加入了自己的感受;艺术家的创造和群众的同情都是自发的，自由的，也许和一阵风一样变化莫测。虽然如此，艺术家的艺术创作和群众的艺术欣赏也像风一样有许多有依可循的条件和固定的规律:揭露这些条件和规律应当是有益的。” 在我看来，虽然我对书中所提到的人物、事物等还不是理解的很清晰，但是通过这本书，他给予了我有益的东西，开启

了我的思维，例如各种门类艺术的有怎样的起源和发展，传承和进化，也许他的目的已经达到了。傅雷先生对此作了较辩证且全面的分析:“有人批评他只采用有利于他理论的材料，抛弃一切抵触的材料。这是

事实，而在一个建立某种学说的人尤其难于避免。要把正反双方的史实全部考虑到，把所有的例外和变格都解释清楚，决不是一个学者所能办到的，而有待于几个世代的人的努力，或者把研究的题目与范围缩减到最小限度，也许能少犯一些这一类的错误。”

城市的精神读后感-匠人精神读后感

城市的精神读后感:匠人精神读后感第一篇：城市的精神读后感城市的精神读后感因为膝盖受伤和后期恢复的需要，不得不搁置了今年所有的旅行计划。但开阔眼界、调养身心、涤荡精神、学习他人之智慧也并不是只有身临其境才可以。某种意义上讲，读书其实是一种更便捷、更有效的方式。尤其当作者是一位在某个专业领域有建树的领军人时，通过他的视野来解读这个世界，又何乐而不为呢？《城市的精神》是两位外籍政治哲学家贝淡宁和艾维纳合着的一本深度解读城市精神内核的书。两位作者都是外籍身份的中国大学教授，都有着在世界各地的生活经验和学习经历，作者对书中提及的城市的人文历史和文化特征都有着准确的描述和细致的考察，向读者展现了世界众多大城市及其居民表达出的自身的独特习性和价值观。整卷翻完，受益良多。书中，作者选取了耶路撒冷、蒙特利尔、新加坡、香港、北京、牛津、柏林、巴黎、纽约共九个城市进行深入解读，这几个城市无一例外的在某一方面有着自身独特的、鲜明的特点，如柏林——宽容、巴黎——浪漫、北京——政治、纽约——抱负。作者对城市的建筑和物质外观着墨很少（点到为止），也没有宏大叙事的行政精神，而是着力体现自治的、自由与自我的自下而上

的市民精神，一种真正的城市精神。笔者在感慨作者视野思维宽广深刻的同时，也不禁对以往自己对一些城市的肤浅认知而深感惭愧。比如巴黎。相信在大多数人的印象中，与其他任何城市相比，巴黎更是一个充满浪漫梦想的城市。只是，我们解读“浪漫”，巴黎人又解读“浪漫”，两者是否一致？我们对巴黎浪漫的印象或许来自于好莱坞电影中巴黎街头接吻的青年男女、或许来自于巴黎街角的悠闲舒适的咖啡馆、亦或许来自于法国总统的花边新闻。但实际上，受访的巴黎本地人对巴黎的浪漫（好莱坞版本的浪漫）假设充满怀疑甚至敌视。巴黎人的浪漫精神体现在：他们看待日常生活的途径是贬低物质享受，赞美英雄的个人主义，尊重传统而非消费主义，尊重道德而不是建立在经验基础上的思考，将反正统思想的态度理想化，不怎么关心表面的社会地位。在巴黎，讨论金钱或社会地位等话题是令人反感的；卢梭对摆脱社会规范束缚的个人自我的理想化和对现代文明的压迫和不平等的攻击成为19世纪浪漫主义的关键主题；一位在巴黎出生并成长的中国古典政治学者远离巴黎后最想念的是巴黎的思想生活、对话和娱乐；在巴黎，观点变成了理想，任务变成了让现实适应理想，而不是让理想适应现实。比如柏林。如今的柏林，作为德国的艺术、文化和自由中心的声誉日隆，除了成为文化中心外，柏林一直在进行从历史中吸取教训的迷人工程。这些工程包括建立二十世纪三十年代反犹运

《艺术的故事》读书笔记

没有艺术，只有艺术家——《艺术的故事》读书笔记看完了《艺术的故事》，再回过头看书名和内容简介，不由觉得“故事”真的是再适合不过的形容了。它概述了从最早的洞窟绘画到当今的实验艺术的发展历程，但是相比于说它讲述了一段关于艺术的历史，更多的是在叙述艺术和艺术家们的故事。每一个作品都是一个艺术家讲述的一个故事，书中有一半都是图片，作者用图文结合的方式将这些故事用大众的语言娓娓道来。所以从书中，我们不只看到了艺术的发展历程，也看到了各个时代的艺术家们的生平故事。作者给了这些艺术家们新鲜的血肉，而非人物介绍中如“巴勃罗·毕加索（1881年～1973年），立体画派创始人”这样冰冷的文字。艺术家是鲜活的，他们存在于不同的时代地域、不同的文化背景，作为普通人类思考着关于自己与世界的事，他们把自己的思想成果酿造成艺术作品，所以这些艺术作品也是鲜活的，是艺术家们的一部分。对于艺术的含义，贡布里希认为艺术在不同时代和地区的定义不同，而“艺术”这一概念则是武断地用一个思维框架来套所有艺术家的所有出品。贡布里希认为，仅仅由于一幅画让他想起了童年而喜欢它，没有任何问题。没有错误的“喜欢”，只有错误的“不喜欢”。错误的不喜欢指的是任由偏见蒙蔽自己，丧失了欣赏艺术作品的机会。在序中贡布里希说道，“实际上没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”而在书中他又说道，“实际上根本没有艺术其物。只有艺术家，他们是男男女女，具有绝佳的天资，善于平衡形状和色彩以达到‘合适’的效果；更难得的是，他们是具有正直性格的人，绝不肯在半途止步，时刻准备放弃所有省事的效果，放弃所有表面上的成功，去经历诚实的工作的辛劳和痛苦。我们相信永远都会有艺术家诞生。” 那么艺术家又是什么？书中提到，“所谓的艺术家，从前是用有色土在洞窟的石壁上大略画个野牛形状，现在则是购买颜料，为招贴板设计广告画。”这两个例子冰山一角，并不能全面的概括一个艺术家的真正定义。但这样的说法，也说明贡布里希对艺术并不持有崇敬而疏远的态度，他认为艺术家是亲近的，艺术也是可以亲近的。他对艺术家们的创作是这么

当代西方美学读书笔记

《当代西方美学》读书笔记提起中国著名的美学家，也许你会想起李泽楷老师，宗白华老师，朱光潜老师，高尔泰老师……但是千万别忘记了还有这么一位集大成者——朱狄老师。朱狄老师于1935年生于浙江平湖，是中国社科院的研究员。退休之后，他潜心于油画的创作。迄今为止，朱狄老师已经著有多部佳作，包括有《美学问题》、《艺术的起源》、《原始文化研究：对审美发生问题的思考》、《当代西方艺术哲学》、《信仰时代的文明：中西文化的趋同与差异》等等。而今天我所要谈论的，便是朱狄老师于1984年书写的《当代西方美学》。书中的第一章主要是列举了十个流派的代表性人物，但是这种列举只是根据一些有关著作的片断或各种百科全书的“美学”条目所提到的有关美学家来加以确定的。“流派”既是一个发展变化的概念，又是一个相对稳定的概念，所以有的美学流派的代表人物（像弗洛依德、融恩、桑塔耶那、杜威、卡西勒等）虽然早已经去辞世，但鉴于他们的思想对当代人们产生着巨大的影响，所要仍然只好称之为“当代”美学流派的代表人物。有些哲学派别或美学理论（如结构主义、存在主义以及接受美学等），由于它们在西方还没有被公认为一种美学流派，所要《当代西方美学》这里就没有太多的涉及。其次，在写作方法上，由于西方一个哲学流派或一个美学流派往往同时兼有许多称呼，为了避免不必要的混乱，书中采取的是“以人带派”的做法，也就是说通过某一流派的代表性人物的美学思想来作为介绍该美学流派的基本方法。第二章讲述的是关于美的本质问题，这完全是根据国内读者的需要而设的。因为在当代西方美学著作中，美的本质的讨论已很少有专门的章节来加以探讨了，相当多的美学著作已不再涉及这个被看作为古老的、争论不休的形而上学的问题。但鉴于这一问题本身的重要性以及我国美学界对它的广泛兴趣，朱狄老师仍然把这一问题列为专章来加以介绍和论述。第三章关于审美经验的问题，与第二章关于美的本质的问题情况恰恰相反，它是当代西方美学研究的主要对象，几乎没有一本系统的美学著作中不涉及审美经验的。美学研究对象的这一重大转变是当代西方美学最显著的特征之一。但是材料多，头绪就容易纷乱，为了避免缺乏条理性，朱狄老师把它分成几个问题来谈，并把“审美无利害关系”这一命题看作是审美经验的核心，这是相当一部分西方美学家的看法，而朱狄老师本人也认同这一种观点。第四章、第五章都是讲艺术的，本来可以合并成一章，但是这部分内容太过庞杂，只好把关于艺术的性质、艺术的创造、艺术的分类原则和各门艺术中的芙学问题分为两章，分别加以叙述。《当代西方美学》这本书中，它把目前西方的主要美学派别进行了介绍。但其实每位美学家都有自己的主见和美学倾向。它能把不同的观点放在一起，这样，作为读者也能很快找到自己共鸣的观点。整本书，我着重看了2—4章。也许是从小就比较喜欢刨根问底，因此我对书中的第二章，也就是当代美学著作中都避而不谈的美的本质的部分颇感兴趣。美的本质问题是美学中最根本的问题。在某种意义上讲，对美的本质下定义也就是对美学作为一门学科的性质做出规定。在过去，一个时代总是有一个专门的定义占了绝对的统治地位，比如说可以用美在于“和谐”去概括希腊哲学家对美的本质的看法，也可以用“完善”去概括中世纪哲学家的看法，更可以用“快感”去概括十八世纪英国经验主义美学家的看法，但是今天，这样的概括显然已经是不可能的了。对美的本质的看法，不同的人会持有不同的意见，但总体上仍然可以划分为三个论派，一为客观论，一为主观论，一为关系论（主客观夹杂）。虽然对美的本质的看法错综复杂，但是当代西方美学在这一问题上总的倾向还是明确的，那就是越来越趋向于主观论。我们过去不可能去想很多的问题，书中却和我们说得很详细。 “事物之所以美是它本身是美的”有没有道理？应该很有道理，而这个是客观论的主要观点。所谓的“客观论”，意味着我们在客观事物的结构中发现的那些美的特征并不存在于欣

哲学的故事读后感

哲学的故事读后感哲学的故事读后感品味完一本名著后，大家一定收获不少吧，让我们好好写份读后感，把你的收获感想写下来吧。读后感你想好怎么写了吗？以下是我精心整理的哲学的故事读后感，欢迎大家分享。《哲学的故事》是杜兰特所著。杜兰特身上有着非常优良的人格质量。在这本书中，给我留下印象最深刻的是第七卷。杜兰特带领我们思考了人要获得幸福感应该具有的思考方式。不管别人做什么说什么，我们都必须行善，毕竟在当今社会，发生如“小悦悦事件”也并不奇怪了。人们已习惯于做冷眼的看客，但其实选择麻木或伸出善意的援手只在一念之间；同时要爱护、宽容犯错之人，多做有益他人之事，自己也从中受益，并常行不辍，永不倦怠。审视自身，当我们看到对犯错之人的处罚从重从严，岂不大快人心。中国人不缺乏同情心，但缺乏广泛的同情心。他能虚心发现他人身上的优秀的品格，为己所用，摒除傲气和骄妄，排除利欲的驱使和冲动，时刻沉思自身能力修养。他在自己的书中阐述了灵魂与死亡的关系，甚至宇宙万物之间的关系，非常深刻地解析了人的德行，个人的解脱以及社会责任，如何达到内心的平静。杜兰特还告诫我们，不仅要处处思考，还要付诸行动。一个君主更应该是一个实干家，而不是空想家。这是一本用灵魂写成的书。人可以通过双眼看世界，但是有个死角就是自己，所以看清自己、与自己对话从来就不是用眼睛能够做到的，唯有用心灵去审视过去，去反省过往。而反省自己，与自己对话从来就不是一件容易的事，它需要绝对真诚、平和的心态，需

要超凡、决绝的勇气。《哲学的故事》原著并非英文，而由拉丁文翻译为英文再译为中文，其中有不少生涩的语句，英文也多为古语，读起来并非易事。但是杜兰特留给我们的精神财富却是了然于心的。思想决定人生，思想决定命运。杜兰特几乎无法用帝位改变所统治的世界，但他最终用思想改变着人类世界。《哲学的故事》并非时髦之书，但它是经久之书。若每一个君主都如一个真正的哲学家一样思考，那国家的政治与智慧也就合二为一了；如果个人实现了真正的内心宁静，那么幸福之感也就油然而生了。要忍耐痛苦，看淡虚名，要朴素，视死亡为宇宙之变化，是自然而然的。杜兰特虽是奴隶社会的君主，却把死亡视之平常。回想我国封建社会的君主却个个炼丹求佛，幻想长生不老。这种超然的境界就是源自于他宁静而致远的心路历程。他关注内在，因为善的源泉就在其中，善随时都会喷涌而出，要追求自由、谦虚、友好。除此之外，书中还教导人们按照你的本性度过你的余生。在人的本性中，最重要的就是社会性，因为人是生活在社会中的人，仰仗于社会性的人的自然性才能得到诠释。其中想要获得幸福之感并不需要占有过多的物质，只要有能力活得没有压力，内心宁静。假期我读了美国哲学家威尔·杜兰特的《哲学的故事》，受益匪浅。哲学，这种让人觉得很深奥的东西，它却用简洁的故事娓娓道来，给人以启迪和警醒，给我留下深刻难忘的印象。哲学就在我们身边，关键在于你能不能发现，能不能细细地去体会，能不能去行动。这本讲哲学的书和我以前所接触的哲学书不同，它用一种近似讲故事的方法，介绍了许多哲学家的生平、观点以及他们生活的时代背景、生活境遇和情感，在这些故事中让我们体会着深奥的哲学。

对艺术与艺术哲学的“哲学”初探论文

对艺术与艺术哲学的“哲学”初探论文艺术，是才艺和技术的统称，词义很广，后慢慢加入各种优质思想而演化成一种对美，思想，境界的术语。而哲学是对普遍而基本的问题的研究，这些问题多与实在、存在、知识、价值、理性、心灵、语言等有关。以下是 ___今天为大家精心准备的：对艺术与艺术哲学的“哲学”初探相关。内容仅供参考，欢迎阅读! 艺术院校师生关注“哲学”在艺术中的运用是十分必要的。它是一种要求，即从事艺术教育研究的师生应有能力运用不同的方法以及哲学的思辨对艺术作品进行质疑与解释。这将有助于分析哲学在艺术中的地位与重要性。可以解决以下类似问题：我们是否需要在艺术教育课程中运用哲学的语言?或者如果不使用哲学语言是否会造成某种不确定性? 人类需要哲学，更需要的是符合实际的哲学。这是因为“在思想里，特别在思辨的思想里，把握哲学内容是与仅仅了解文字的文法意义和仅仅了解它们在表象或感性范围里的意义很不相同的”。哲学是人类生活的基本因素，它可以塑造心灵和品格，甚至是掌握一个国家命运的主要力量。哲学研究的本质问题，即思维和存在以及意识和物质。与哲学相反，其他侧重于具体的问题。哲学涉及宇宙中的一切，具有最大的普遍性，是极限真理，放之四海而皆准。哲学不是一个活动，它不可以被定义，不具有局限性，会随着时代的

变化而变化。“在一个时代令人信服的哲学，在另一个时代就可能主要是出于对的才被看中……任何一种哲学都不过是过眼云烟。”“如果以为任何一种哲学，……可以被当做‘为一切时代’的一个声明，那就狂妄到了极点。” 哲学(：Philosophy，源于希腊语：Φιλοσοφ?α)，按照词源有“爱智慧”的意思。在希腊文中，“理念”是指idea或eidos，它们均出自动词idein，idein的原义是“看”。所以，“理念”的本义是指“看见的东西”，亦即事物的形状。柏拉图的“理念”是指“用灵魂看见的东西”。“柏拉图之理念论是一个本体论(on-tology)，重在考察宇宙之本体，……重在解释。”在亚里士多德的“形式论”中，形式规定了事物的本质，但是感性世界里，形式不能独立存在。“……那些认为灵魂不能脱离躯体的人是对的，但灵魂自身绝对不是躯体。它不是躯体，而只是依存于躯体。灵魂寓于某一特定的躯体之中。”希腊语philosophia，意即“热爱智慧”。这表明，知识意味着智慧、欲望和爱。需要注意的是，哲学定义的意义和，也许会因哲学家的不同而不同。公元前6世纪，古希腊的哲学家开始探索哲学理论――存在和真正的存在。同时期的东方哲学不同于西方的形而上学，东方哲学是一种实践哲学，并将焦点关注于道德和。当然，我们无法得知前哲学家或思想家在观点上真正的思辨过程。但是，这些观点是很有价

《城市建设艺术》读书笔记

一、作者简介（一）生平卡米诺·西特（Camillo Sitte）奥地利人，是19世纪末到20世纪初著名的建筑师和城市设计师。他于1889年出版《城市建设艺术》（The Art of Building Cities）一书，当时在技术领域取得了很多成就，而在艺术领域的成就几乎为零，壮观的纪念性建筑往往屹立在缺乏构思的、尴尬别扭的环境之中，该书批评了当时在城市设计中盛行的形式主义刻板模式，认真总结了中世纪城市空间艺术的有机和谐特点，努力探索城镇建设的内在规律。他非常强调城市空间要和自然环境相协调。（二）影响他的这些理论都是从大量分析中世纪欧洲城镇的实例中总结出来的，对后代影响很大，形成了“城市的艺术”（Civic Art）这一专门领域。对伊里尔·沙里宁（Eliel Saarinen）的“有机生长理论”产生了极大的影响。“国外许多近现代城市设计著作如《城市艺术》（Civic Arts）、《城镇设计》（Town Design）、《城市空间》（Urban Space）等都引用他的论述。英国建筑师吉伯德设计哈罗新城时，不能不说是受到西特的城市艺术学说的影响。” （三）地位西特的《城市建设艺术》在西方规划史上占有相当重要的地位，学术界常常将西特和他的这本书与现代城市规划和城市设计的开端紧密联系在一起。“将西特称为现代城市规划和城市设计的第一人，将此书称为现代城市规划和城市设计的第一本经典著作是不为过誉的。” 二、历史背景西特考察了大量中世纪欧洲城市的广场和街道，总结出这些街道和广场的特点：以人为基本出发点，提供了大量宜人尺度的公共空间，人们乐于在户外交流、活动。而他当时所处的时代是工业革命以来的大发展，城市不再以人为基准点而是汽车，快速路为设计原则。而当时建筑的内部变得日益舒适，从而使人们失去了对在外部空间中进行露天活动的欲望，导致许多人不愿意外出活动。他针对这一现状并结合中世纪的城市原则，归纳出适应当时条件的城市建设艺术原则，提出了一条在城市内形成一种具有文化和情感刺激的室外生活环境的美学途径，同时也奠定了建筑应是反映时代条件的有机的城市形态环境的一部分，注重城市空间形态与形体的设计。西特认为：如果我们能得到一些建筑物间的开敞空间，步行者就会从漫长的隧道式的街道中得到解脱，小的开敞广场就能使朝向他们的建筑物与之产生一定的关系，这些室外空间就能提供改善了的外观，以及为生活和工作在建筑物中的占有者提供阳光和空气。三、文章核心内容本书作者在研究中世纪广场和城市平面的基础上找寻它们美的因素，然后总结一些原则，这些原则被人理解后，就在实际中加以利用。（一）建筑物、纪念物及公共广场之间的关系在中世纪，重要的建筑物往往集中于一个地方并有喷泉、纪念物和雕塑的装饰。这一形象能唤起人们的历史记忆并能在内心深处得到共鸣。广场和其周围的建筑物形成一个有机的整体。每个广场都有适当的比例，装饰广场的雕塑等与广场的比例是在一个体系内的，两者相辅相成，整合出一个更高层次上的宜人空间，吸引的大量市民的参与。而当时西特所生活的环境却是另一番景象。各个重要的建筑松散地布置着，广场和其周围的建筑缺乏联系，公共广场也游离于这一整体之外，充其量只是一些停靠机动车的地方，不再有人的参与，严格意义上可以说：“广场已经‘死去’。”此外、广场的比例也

艺术哲学读后感

读后感的表达方式灵活多样，基本属于议论范畴，但写法不同于一般，因为它必须是在读后的基础上发感想。下面是给大家介绍的艺术哲学读后感，欢迎阅读。艺术哲学读后感一丹纳认为理解艺术品本质的方法应首先基于认定一件艺术品不是孤立的，应该有联系地去理解，寻找出它所从属的，从而，从总体上去理解。而想要更好地理解一件艺术品，还要联系起艺术家本身。例如说艺术家的生活环境，时代背景，甚至是信仰或身边的朋友的氛围。在同一个时代的大背景底下创作的艺术家们所创造的艺术品都有其时代所突出的普遍性。一件艺术品所从属的第一个总体是作家的全部作品。一我的理解是每个艺术家他们自己的独特的风格，而这风格会见之于他所有的作品，我想这当然也会见之于其中一件艺术品之中。然而，丹纳认为一件艺术品所从属的第二个总体是艺术家他所隶属的同时同地的艺术宗派或艺术家家族。到第三个步骤时，一件艺术品还从属该艺术本身还包括在一个更广大的总体之内，那个在它周围而趣味和它一致的社会。

丹纳认为一切艺术都要有一个总体，其中的各个部分都是由艺术家为了表现特征而改变过的；但这个总体并非在一切艺术中都需要与事物相符，只要有这个总体就行。所以，倘若有各部分互相联系而并不模仿实物的总体就证明有不以模仿为出发点的艺术，艺术品的定义分成两部分，模仿结构的关系与精神的关系。第二类一数学关系做各种配合。艺术哲学读后感二暑假的时候，有幸认识了教育学院的一位教授，她推荐了一部好书——法国史学家与批评家丹纳所著的《艺术哲学》。于是细细的读了起来。本书辑录了1865—1869年期间在巴黎美术学院的教学讲稿，是按教学进程陆续印制发行的有着强烈讲授特征的教学事实。丹纳运用具体事例说明抽象概念的能力早已被世界学术界公认，他讲述条理明晰、充满形象、富有热情，把艺术（美术）中难缠的问题清楚、明确的讲个通透，被称为逻辑家兼诗人。本文特意将《艺术哲学》中阐述“艺术品的本质”这个论题作为典型案例，重点分析丹纳讲授方法的理性特征，努力使讲授建立在准科学的基础之上而非感觉和兴趣的基础之上，借鉴有效之法于美术教学中。丹纳受十九世纪自然科学界的影响极深，特别是达尔文的进化论，在哲学上同时受着德国的黑格尔的影响。丹纳认为一切事物的发生、发展、演变、消灭都

读书笔记《利他的经营哲学》

读书笔记《利他的经营哲学》这些年一直秉承的观念就是：业绩好的时候，就把自己的事情做好，业绩不好的时候，就安心读书。用了一个星期时间了读了稻盛和夫的《利他的经营哲学》，薛先生说，这大概是你这一年多以来，完成最快的一本书了，业绩是有多差。思想和业绩，总要有一个在进步。看他书签还夹在131页，看来，他的业绩也没好到哪里去。已经很久没有用心地写读后感了。现在的读后感也渐渐地进入到了记流水账的模式，写的东西也是越来越没得看头了。等我老了，回头看我这段时间的东西，大概的感受应该是：忙得有些混沌了，有些浑浑噩噩了。其实，我觉得，生活可以安排得更好的。稻盛和夫被称为日本的经营之神，关于他的经营哲学，我想，很多人最喜欢的应该是稻盛和夫的“六项精进”，在这里也列出来，自我复习一下：付出不亚于任何人的努力要谦虚，不要骄傲要每天反省活着，就要感谢积善行，思利他不要有感性的烦恼如果我们在日常的工作中，将“六项精进”认真贯彻，业绩一定不会差。

稻盛和夫贯彻一生的经营哲学：思维方式决定人生和经营。我想他应该是一位深爱中国文化的哲学家，他的经营理念中总是与中国的儒家和而不同，道家无为而治，佛家的因果报应不谋而合。利他，在稻盛和夫的经营理念中，可谓是核心与精髓。通常，我们喜欢依据才智和能力对人做出评价。但是，我们对两位才智相同，能力相同的人，又区分出“君子”和“小人”，他们的区别就在于志向不同，灵魂不同。君子，有更多的利他之心。企业经营者在工作中需要对各种事情做出快速的，果断的判断。经营者并不能确保每一次的决断都是准确的，最优的。但是，如果说，决断的出发点是正确的，结果，就错不到哪里去，也就是他所说的“判断事物的基准是：作为人，何为正确”。从思维方式上，出发点是“这件事是否对自己有利”“这件事是否对公司有利”，这样做的判断方式，是大多数经营者的思维方式。但是，稻盛和夫传达给我们的观点是：而是要想清楚，这样做或许能够让自身获取利益，但是，或许也会给周围的人带来困扰。其实，在我们的工作中，何尝不是如此。很多人在经营自己的工作的时候，出发点，都是怎么利己。总是在找什么样的方法能够更有效地提高自己的业绩，看起来出发点并没有毛病，这些都是人的本能。但是，在实践上的做法，就是简单粗暴地排除异己，攻击同事，攻击同行，看似强势

《城市建筑学》读书笔记

《城市建筑学》读书笔记内容简介：《城市建筑学》这本书1966年发表，到1982年第三版再版，随后译成西班牙语、德语、葡萄牙语和法语。1982年译成英语，1987年艾森曼主持再版。《城市建筑学》，原以为本书研究的对象本是建筑，其实是城市。这里的建筑不仅包括城市中不同的建筑和城市的视觉形象，还包括城市的建造过程。这本书包括3版的序言、绪论与四个章节。阅读过程中感觉此书的内容略显晦涩，不太好理解，读完整本书以后再看序言比较有帮助。作者简介：阿尔多罗西，理论家、创作者、艺术家、教师兼建筑师，在他的祖国意大利以至国际范围内获得了很大的声望。1990年普利兹克建筑奖获奖者。代表作品：卡洛菲利斯剧院，弗雷德里希大街公寓，威尼斯水上剧院，圣卡罗公墓等。《城市建筑学》，原以为本书研究的对象本只是建筑，其实说的是城市中的建筑发展本身，城市中的建筑的自主性问题，城市中的建筑学自身的发展。全书分四部分，第一部分，是分类和类型学的问题。第二部分是不同的元素来分析城市的结构，第三部分是研究城市建筑和留有其印记的场所及城市的历史，第四部分讨论城市动力的基本问题和整治作为选择的问题。

一、城市建筑体的结构主要内容摘录：因为，城市建筑物的一个普遍特征，就是能使人们会到下面的重要议题上来：个性、场所、设计和记忆。——《城市建筑学》第一章第1节城市作为人造的产品自身的建筑构成，所有那些真正转变了自然的作品构成。——《城市建筑学》第一章第3节第一部分中强调形式感染我们，同时又赋予城市以结构，想象力和几何几亿是城市建筑物的典型特征，强调类型对于城市的意义，但试想如果城市的每一栋建筑物都具有各自的类型都具有一种纪念性，那城市真的还有意思吗？这时的城市是否又回归平庸呢？罗西指出与城市建筑体相关的主要问题：个性，场所，记忆和设计本身，但没有提到功能，但是否真的去评价城市的时候可以忽略功能呢？功能是从一种需求出发，虽然在时间的向度里，功能有它的不确定性，但从功能考虑是基于一种社会性的考虑，如果建筑脱离了他的社会性，那它存在的意义有何在？如果城市全是一种精神愉悦，而不是功能的满足，那我们也只能走向死亡。在这一部分罗西阐述了类型学的观点。多数关于城市的描述集中在其形式方面，城市建筑体虽然只能是城市的某一方面，但却是讨论问题最为具体的实际出发点。每个城市建筑体都有其独特性，其特性取决于什么？更多取决于形式而不是材料，更取决于其在时空中发展出来的复杂属性。新建的建筑就因

艺术的故事读书笔记_艺术的故事读书心得五篇

艺术的故事读书笔记_艺术的故事读书心得五篇《艺术的故事》叙述了从最早的洞窟绘画到当今的实验艺术的发展历程，以阐明艺术史是“各种传统不断迂回、不断改变的历史，接下来小编搜集了艺术的故事的读书笔记，仅供大家参考。艺术的故事读书笔记1 《艺术的故事》是贡布里希爵士编的，书中概括地叙述了从最早的洞窟绘画到20世纪前半叶的实验艺术发展历程。里面的内容很多，绘画、雕塑、建筑均有所涉及。倘若是其它艺术史类的著作，六七百页厚的书籍细看下来多少是需要些勇气的。还好本书通俗易懂，简明晓畅的语言就能表达严肃的题目。与一般美术史不同，这本书既不是简单地罗列史实，也不是用一些抽象难懂的“主义”来概括美术史，而是描述了一系列的“问题情境”。贡布里希认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。在导论中，他就骇人听闻地说：“现实中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”当然，当我们大致读过他所讲述的历史，再看到他说艺术的故事是“各种传统不断迂回，不断改变的故事”时，就会真正明白他的意思。

一般公众已经安于一种观念，认为艺术家就应该创作艺术，跟鞋匠制作靴子没有多大差别。这种观念等于说，一个艺术家应该创作他曾看见过被标名为艺术的那种绘画或雕塑。人们能够理解这个含糊的要求，但是遗憾，那正是艺术家唯一做不到的事情。以前已经做过的东西不再出现任何问题，也就没有任何任务能够激发艺术家的干劲。但是批评家和“博学之士”有时也有类似的误解之过。实际上根本没有艺术其物。只有艺术家，他们是男男女女，具有绝佳的天资，善于平衡形状和色彩以达到“合适”的效果;更难得的是，他们是具有正直性格的人，绝不肯在半途止步，时刻准备放弃所有省事的效果，放弃所有表面上的成功，去经历诚实的工作中的辛劳和痛苦。贡布里希的讲述完美而亲切，平易近人的作品，艺术理论被以通俗的方式叙述出来，作为例子的艺术品的选用真的很合适。读者和作者也可以取得较好的互动。他所要阐释的是人们不是为了响应某种潜在的“精神”的呼召去改变传统，而是情境的改变使其不得不然。例如说到具有强烈世俗倾向的荷兰绘画，他认为是由于经过了宗教改革，从而使新教统治区内的艺术家已经没有什么自由再画祭坛画了。无论哪种社会，贡布里希所关心的是艺术家所面临的“问题情境”。不是一个统摄一切的“时代精神”，而是许许多多切实需要解决的问题吸引着

《哲学问题》读书笔记

《哲学问题》读书报告书目：《哲学问题》简介： 1、作者：伯特兰·罗素 2、译者：何兆武 3、出版社：商务印书馆 4、出版年月：2007年4月一、整体感受这学期开始时，由于一个讲座，我对哲学产生了不小的兴趣，于是就一直想读读哲学方面的书，做一点初步的了解，可又不知道从何读起。这次的读书报告给了我一个很好的机会，从郁老师推荐的书单中，我一眼就看到了仰慕已久的罗素先生的名字，于是当即决定就读他的著作《哲学问题》。等网上买来的书真正到了手中我才发现它是一本很薄的书，当时我想，虽然书薄，但我可以反复阅读，加深理解，充分领会哲学的思考方式。读书的过程不可谓不艰辛。真正开始读了才发现，这本薄薄的书远没有想象中的那么好读，哲学家思考问题的方式和习惯与我们有着较大的区别，一时间难以理解，甚至会不知所云，我便放慢速度，一个字一个字地细读，划出重点词句，在一旁的空白处时时写下疑惑和心得，就这样一点一点的向哲学之门迈进。可以说这本书真是我读的最辛苦最认真的一本书了，时至今日终于磕磕绊绊地读完了一遍，虽然有很多摸不着头脑的地方，但更多地是全新的体会和宝贵的收获。本书对于哲学来说，算是一种通俗性的导论，适合初学者阅读，用罗素自己的话来说是一本“廉价本的惊险小说”，但虽然如此，罗素还是在书中提出了明确的观点并引入了各种崭新的观念。书中并没有探讨所有的哲学问题，而是仅限于那些他认为自己可以肯定而且能有所建设的那些问题。为了进行论证，罗素构建了一些基本概念和方法，对我来说，《哲学问题》更像是一本教材而非普通的课外读物。二、细节体会 1、关于哲学的价值和思考方式（P3、130）在第一章“现象与实在”中，罗素提出了一个非常具体而有趣的问题，在我面前的桌子到底具有怎样的性质？例如桌子的颜色，罗素提到，看上去它是清一色的棕色，然而反光的部分却不一样，看上去会比其余部分明亮，甚至某些部分会变为白色；如果移动桌子，反光的部分便会不同，颜色的分布又会有所改变；假设有多个人同时在看这张桌子，那么可以肯定不会有两个人能够看到相同的颜色分布；对于一个画家来说这种区别更加明显，因为他们必须养成按物体表现出来的样子来观看世界的习惯。罗素对以上发现做了一个讨论：“显然并没有一种颜色是突出地表现为桌子的颜色，或桌子上任何一个特殊部分的颜色，——从不同的观点看上去，它便现出不同的颜色，而且也没有理由认为其中的某几种颜色比起别样颜色来就更加实在是桌子的颜色”，“颜色便不是某种本来为桌子所固有的东西，而是某种依赖于桌子、观察者以及光线投射到桌子的方式而定的东西。”（P3） “桌子是什么颜色”这个问题，之前在我看来是不值得讨论的，因为只要能够看得见而又没有色觉问题，人人都清楚这一问题的答案，即使在更细的颜色分类方面可能会产生分歧（如到底是赤褐色还是栗梅色），但也实在无关紧要。然而哲学家们却不肯轻易忽视这个问

敬畏生命史怀哲读后感

敬畏生命史怀哲读后感我是一个生命，生命的意愿是生存，在生命的中途，她愿意活着。在我的生命意识中，带着对毁灭和痛苦的惧怕，渴望着更广阔的生存和快乐；我的周遭围绕着同样的生命意识，无论她在我面前表达自己还是保持沉默。生命意识到处展现，在我自身也是同样。如果我是一个有思维的生命，我必须以同等的敬畏来尊敬其他生命，而不仅仅限于自我小圈子，因为我明白：她深深地渴望圆满和发展的意愿，跟我是一模一样的。所以，我认为毁灭、妨碍、阻止生命是极其恶劣的。尊敬生命，在实际上和精神上两个方面，我都保持真实。根据同样的理由，尽我所能，挽救和保护生命达到她的高度发展，是尽善尽美的。在我内部，生命意识懂得了其他的生命意识。她渴望透过自身达到整合，成为一个整体。我只能坚持这样一个事实，生命意识透过我展示了她自己：成为与其他生命意识相互依存的一员。我经验过向一切生命意识表达同等敬畏的不可遏止的冲动，如同尊敬自身的一样。通过这种经验形成了我的伦理观。一个人遵从这种冲动，去帮助所有他能够帮助的生命，并且畏惧伤害任何活着的生灵，这个人才是符合伦理的。如果我把一个昆虫从泥坑救出来，我的生命对另一个生命做出贡献，那么对立于生命自身的生命分隔现象就消失了。

不论何时不论何种方式，我的生命对另一个生命贡献出他自身，我的生命意识就经历了一个从有限到无限的融合的愿望，在这个愿望中，所有的生命是一个整体。绝对伦理要求在生命中创造完美。她不可能完全实现；这一点倒无所谓。对生命敬畏的感觉是绝对的伦理。它使生命序列的保持和提升顺利运作。不论在什么情况下，毁灭和伤害生命都如同恶魔一样有罪。在实践中，我们真的被迫选择。我们经常必须武断地决定何种形式的生命，甚至何种特殊的人，我们应该挽救，何种我们应该毁灭。尽管如此，敬畏生命的原则仍然是完整的和毋庸置疑的。这种伦理并不因为人们的伦理观抵触现象而失效，农民在牧场割草喂牛割下了一千棵花，可是他必须注意，在回家的路上，不要因为沉浸在消遣心情里而划掉路旁的花朵，因为这样做是不必要，是对生命犯下罪行。为了能更好地经受生活的惊涛骇浪，他减轻了自己生命之舟的负担。他抛弃了被认为是多余的财富，但扔掉的实际上是饮用水和干粮。现在他轻松地航行，但却是一个受饥渴折磨的人。感悟：生活就像在大海中航行一般，随时可能遇到狂风暴雨和暗礁，而人们往往毫无准备，慌乱代替了理智，让我们常常做出后悔不已的事来。我们可能伤害了最亲的朋友，家人，可能放弃了理想和信念，甚至不再信赖真理的胜利，直到有一天时间治愈了伤痛或有一

城市地理学读书笔记

城市地理学读书笔记【篇一：城市地理学读书笔记】《城市地理学思想与方法》（柴彦威著）笔记几点前言：这本书，是一本很好地了解城市地理学思想史的书。俗话说“工欲善其事必先利其器”。科学的思想和方法就是科学研究的武器。这本书，让我了解到研究城市地理问题的方法论。在我国，城市地理学的研究由于历史等各种原因，所以我们了解到的很多关于城市地理学的思想史是舶来品。我所熟悉的时间地理学，后现代主义以及芝加哥学派，人本主义的城市地理学方面的研究。我总感觉这样的思想下提出来的城市模型在我们国家存在吗？理论和我的认识有一定的出入（也可能是我知道的太少，观察的太少）。本书，我主要从几个经典的学派整理出笔记，并对一些我感兴趣的城市地理学方面很出色的大家做了简单的了解。读完此书，还是颇有感触，“是人创造了城市，还是城市创造了人”，是本可以提高自身地理素养的书。关于学派的笔记（一）：经验主义及其在城市地理学中的应用就经验主义的方法论而言，经验主义方法论是人文地理学研究的传统模式，主要体现在两个方面，一是重观察，通过调查及实地研究，进行经验判断与评论，进而得出结论。二是强调归纳与综合。经验主义来源于17世纪英国人洛克的系统性阐述。洛克主张，人的心志本是空白的表格，后来其经验足迹在上面。经验主义否定了人拥有与生俱来的观点或不用借由经验就可以获得知识。经验主义者观点，由感受得到的经验，必须经过适当的归纳或是演绎，才能铸成知识。经验主义的两个学派，温和的经验主义与激进的经验主义，前者部分认为，意识的技能诸如记忆想象和语言的冠能是内在的能力，后者认为，意念的内容和整过过程都是不可能存在的内部能力，而只能习得而来。经验主义在城市地理学中的应用案例，一是对城市社会空间结构的模式归纳，例如，19世纪20年代开始，美国芝加哥学派以美国大城市为例，对城市社会空间结构做出大量描述性分析，将现实的城市社会空间结构归纳为抽象的空间结构。二是少数民族聚居区的经验主义研究，其中约翰斯顿对少数民族聚居区的经验主义研究在城市地理学中应用为典型案例。三是城市规划与设计中的经验主义，雅

读后感艺术字

《生活的艺术》读后感作者：唐思恺生容易，活容易，生活不容易。生活对于现代得人似乎非常难，生活让我们很累。人们不停地奔波，因为我们不断的追求。《生活的艺术》是1937年林语堂在美国专门从事创作后发表的第一本著作。其后成为美国当时的畅销书，并为翻译成十余种语言，其中当然包括中文。林语堂在这本书中表达了他个人对生活方方面面的看法与见解。在中国大陆出版的版本（因为林语堂在书中的某些观点与马克思主义发生一些冲突，编者在整理出版过程中对原著进行了一定的删改）分为十四章，每章都会有一个特定的话题。 ‘我这样地做一个人，文中讲到了快乐问题，有一处文字引起了我的思考——“惠特曼说：已经满意了。’所以我也以为我现在活着，并且也许还可以再活几十年，人类的生命存在着，那就已经够了。这样看法，这个问题便变为极简单，而不容有两个答语，就是人生的目的除了去享受人生外，还有什么呢？”是的，人的一生说长不长，说短不短。活着的人，每个人都有不同的活法。开心是一天，不开心也是一天，为什么不开开心心地过每一天呢？开心地活着更有价值。日子一天一天地过，我们一天一天地重复着生活，日起日落，其实生活就这么简单。但是如何从简单中得到乐趣呢？那就要用心去挖掘，去享受每一个美的片段。“生活中不是缺少美，而是缺少发现”，这句话大家都耳熟能详，也不难理解其中的含义。但是能真正做到的有几个呢？在这个物质诱惑的时代，很多人都茫然地追求着金钱、地位。是的，追求自己要的东西固然没错，但是有多少人，等到他真正成为富翁时，才知道那并不是自己想要的……所以，你要明确自己要的到底是什么。生活其实没必要太多的强求，开心就好。我们不去追求完美的理想，不去追寻那势不可得的事物，不去穷究那些不可得知的东西……最重要的问题是怎样去调整我们的人生，使我们得以和平地工作，旷达的忍耐，幸福的生活。我们要学会享受生活，热爱生活，积极的过好每一天。第一遍读《生活的艺术》或许我涉世未深，感悟谈不上，感触有一点。或许30 年后，40 年后还可以再读读它，那时候，是否会有更深的体会……篇二：《艺术发展史》读后感翻译者是范景中教授，1951年生，现任中国美术学院《新美术》和《美术译丛》的主编，曾有《艺术与错觉》（与林夕、李本正合译浙摄影出版社）和《贡布里希论文选》（上海人民美术出版社）等译、编著作发表。贡布里希在编写这书时，无法印刷在插图里的作品就不选用。这对作者有多挑战我是不知道，但对读者而言，所有拗口的名字，神秘的术语，瞬间几乎都变得平易近人起来。于是当书中出现类似”雷诺兹的肖像画和委拉斯凯兹的直接布局相比就不那么自然，精心设计的味道要浓的多“这种话时，我们这类初学艺术的人就再不用向以往一样翻白眼了，而是只要按照指示翻两张书页，对比下两张插图，然后就可以心满意足的咂咂嘴，表示，恩，你说的很有道理，我们英雄所见略同。而就实用方面，我觉得在评判艺术作品时，一方面固然要直面我们的内心，询问这件作品是否真实的打动了自己，（而不是某种附庸风雅的潜意识）。另一方面，对历史上的大师们曾经做到过的，想要做到的，没有做到的，也得有一个粗浅的了解。因为毕竟有一个很讽刺的现象就是，当年越是伟大的创举就越是容易被后世无限的模仿，也就越是容易被我们习惯和以至于认为平淡无奇以至于熟视无睹。这真是对大师们最大的侮辱了。经史论课的老师推荐，下到了《艺术发展史》的电子版。刚停下，看完了这本书。是一本能静下来欣赏的艺术。

艺术作文之艺术哲学读书笔记

艺术哲学读书笔记【篇一：丹纳《艺术哲学》读书笔记】《艺术哲学》读书笔记《艺术哲学》是法国历史学家、文学家、哲学家丹纳的名著。本书最初是丹纳在巴黎美术学习讲述美术史的讲义，包括艺术品的本质及产生、文艺复兴时期的意大利绘画，尼德兰绘画和希腊雕塑。全书条分缕析，富有热情，内容丰富精彩，不是一般理论文章的枯索沉闷，更像是在读有趣历史，因为所学的是设计，对本书所讲述的西方艺术了解的并不多，书中所提到的大量画家并不认识，例举的大量例证也不了解，所以很多细节不能很好的记住，所以对整本书的理解不是很完整，然而读的过程中会联想到艺术与现代设计的联系，感受到书中所提及的意大利、希腊、尼德兰当时的绘画、建筑、雕塑等艺术对现代设计的影响，当时的绘画、雕塑、建筑等各种艺术形态都相互影响互有联系，比如现在流行的室内及家具风格中的“北欧风格”、“洛可可风格”、“巴洛克风格”、“地中海风格”等，都是这些不同的艺术形式在设计中的反映，这些艺术风格虽然过去多年但还在影响着现代的设计风格。设计应该不断的向前看，走在时代的前端，但是经过时间推敲的经典却永远不会退出潮流。这又让我想到在室内设计中，很多人对中国传统的设计风格的影响是“古板”、“老旧”，认为是年纪大的人才会用的设计风格，其实是在很长时间以来我们没有对中国传统的东西进行创新，传统文化不光要“传承”，还要“创新”。丹纳认为物质文明与精神文明的性质面貌都取决于种族、环境、时代三大因素。种族、环境、时代三大因素影响着艺术和艺术品，中国的设计在经历了模仿、抄袭的过程之后，也在思考着对中国传统文化和艺术的传承与创新，在这样的环境和时代的影响下，带有中国元素的设计在国际上也越来越散发出光芒，中国设计师在2012年米兰国际家具展上展出的“请坐，米兰”系列家具，这一系列家具运用了中国传统的梅瓶、花鼓、万花筒等加以现代手法的设计，得到了很大的关注度。艺术是有共通性的，设计包含在艺术当中，只有看清楚艺术的本质，才能更了解了解艺术的重要。我们感觉到艺术的重要，但那只是处于本能而非根据思考。我们只重视艺术，对艺术感到敬意，但不能解释我们的重视和敬意。我知道很多设计风格，但不了解这些风格

代议制政府读后感

评密尔的代议制民主观作为代议制政府论的集大成者，约翰·密尔将他所继承的自由主义与功利主义思想带入了他对代议制民主的研究中，在特定背景与特定阶级的视角下，为我们论述了代议制政府，及其存在的种种问题。代议制政体出现在17世纪末的英国，除必不可少的议会制和选举制外，密尔又为他的代议制政府加入了新的定义，即最高支配权力属于社会的整个集体，换言之，即平民政府。代议制政府作为密尔理想中最好的政府形式，是基于密尔对政府的长处的研究的，一方面，从当前福利来看，平民政府能够促进社会事务的良好管理；另一方面，从政府形式对人的性格的影响方面来看，平民政府更有利于人民积极主动的性格的发展，而这种性格类型则更有利于国家和人民的进步。密尔认为，政治制度的根源和全部存在均有赖于人的意志，[1](P3)因此，代议制政府作为一种特定的政府形式，也是由人来提供动力的，而这种动力最重要的因素，就是人们的美德和智慧。密尔把好的政府形式定义在知识与道德的基础上，代议制政府就是最能保障个人自由、促进个人进步的政府类型。代议制虽是理想上最好的政府形式，但仍然存在着弊病和危险，密尔提出，集体平庸和阶级立法是代议制政体的两大弊端。他将君主制、贵族制与代议制进行了对比，认为高级智力条件的不足是平民政府比其他任何政府更容易有的缺陷，他以英国政治制度为例指出：“现代文明的代议制政府，其自然趋势是朝向集体的平庸，这种趋势由于选举权的不断扩大而增强，其结果是将主要权力置于越来越低于最高社会教养水平的阶级手中。”[1](P109)代议制政府另一个积极的缺陷——阶级立法，是由同一阶级的人构成的多数受到和社会普遍福利不同的利益影响而产生的危险，密尔将这种危险归咎于选举权的扩大和人自私的本性。综观密尔这一部分的论述，可以发现他的国家理论是建立在对人性的怀疑之上的，他的折中态度使他幻想一种完美的理想社会状态，但他又无法容忍现状的卑鄙残酷，他的国家设计就是此种妥协思想的产物。[2]在密尔的代议制民主思想中，他主张平民政府、普遍民主，其思想观点在当时是十分先进的，代表了一种人类进步的趋向，对我们当代研究代议制政府也有着很重要的借鉴意义。但很显然，他看问题的视角并未脱离本阶级的局限性，它的思想仍旧在为工业资产阶级的利益而辩护，此观点将在下文详细论述。在代议制政府中我们可以看到最完善政体的理想类型，但并不是所有社会条件下都适合采用代议制政体。代议制政府生存的基本条件主要有三点：第一，人民必须愿意接受它；第二，他们必须愿意并能够做为保存它所必要的事情；第三，他们必须愿意并能够履行它加给他们的义务和职能。[1](P53)如果一个社会无法满足这三个条件，代议制政府是不能长久存在的。密尔认为，一国人民对代议制的适应性，取决于他们的文明与进步程度，或者也可以说是具备上述三个特殊条件