艺术欣赏与批评

高山工设YS0902

一、什么是艺术欣赏及意义

所谓艺术欣赏，是指观众、听众凭藉艺术作品而展开的一种积极的、主动的审美再创造活动。鉴赏的本身便是一种审美的再创造。由于鉴赏主体的这种创造活动是凭藉艺术作品而展开的，所以被称之为审美再创造。

总的来说，艺术鉴赏作为一种审美再创造活动，它主要体现了以下几个方面：

首先，艺术家通过鉴赏主体的审美再创造活动，来体现其作品的社会意义和美学价值。接受美学认为，艺术作品的审美价值在欣赏过程中才能产生并表现出来。假如文学作品无人阅读，雕塑作品无人欣赏，它们便只是没有生命力的普通物体。只有通过接受欣赏主体的再创造，才能使它们获得现实的艺术生命力。尤其是艺术作品的审美教育、审美认知、审美娱乐等，都不能由作者或作品来实现，只能由鉴赏主体自己通过审美再创造活动来实现。

并且，鉴赏主体在艺术欣赏的过程中，并不是被动、消极地接受，而是积极主动地进行着审美再创造。这是因为任何艺术作品不管表现得如何丰富、生动、具体，总会有许多“不确定性”与“空白”，需要鉴赏者通过发挥想象、联想等多种心理功能去丰富和补完，而每一个鉴赏者对每个艺术作品的感受也不尽相同。

从最根本的意义上讲，艺术鉴赏同艺术创作一样，也是人类以自我为中心在审美活动中通过对作品的“补充”进行自我肯定与自我实现。艺术作为一种特殊的精神生产，决定了艺术必然具有主体性的特征，这种特性不仅表现在艺术创作和艺术作品之中，同样表现在艺术鉴赏之中，它主要表现在鉴赏主体通常根据自己的生活经验、艺术修养、兴趣爱好、思想情感和审美理想，对作品中的艺术形象进行加工改造、补充丰富，进行审美的再创造。在这种艺术鉴赏的审美创造活动中，鉴赏者同样可以在审美再创造活动中，充分展现自己的聪明、智慧和才能，通过艺术鉴赏，将鉴赏自身的本质力量对象化到艺术作品之中，从而获得极其强烈的审美感受。

总而言之，艺术作品的价值实现是离不开艺术欣赏的，它通过艺术欣赏实现其社会意义和美学价值。而伴随着艺术欣赏，艺术批评也同时产生。它是艺术鉴赏的深化和发展，在艺术生产中发挥着重要的作用。

二、什么是艺术批评及其作用

什么是艺术批评？艺术批评就是批评家在一定的艺术理论的指导下，对艺术对象的品评及价值判断的一种科学活动。它以艺术品为中心，旁及艺术家、艺术创作、艺术流派、艺术思潮、艺术运动等等。

艺术批评的第一个作用是帮助人们更好地鉴赏艺术作品，提高鉴赏能力和鉴赏水平。

艺术批评的第二个作用就是通过对艺术作品的评价，形成对艺术创作的反馈。艺术创作是一种复杂的精神生产，艺术家需要广大读者、观众、听众和批评家的帮助，才能更深刻地认识自己，不断地提高自己，以创作出更多“美”的作品。

艺术批评的第三个作用就是丰富和发展艺术理论，推动艺术科学的发展。一般来讲，艺术学的主要内容包括艺术理论、艺术史和艺术批评三方面的内容。艺术批评的主要任务是对艺术作品分析和评价，同时也包括对于各种艺术现象（如思潮、流派）的考察和探讨。

因此，艺术批评对鉴赏家是有很高的要求的。一方面，艺术批评必须有一定的艺术理论作基础, 同时也要善用艺术史研究提供的成果。另一方面，批评家总是通过分析新作品，评论新作家，发现新问题，总结新经验，从而不断丰富和发展艺术理论和艺术史的内容，使艺术理论和艺术史从现实的艺术实践中不断获取新的资料和新的素材，从而进一步完善人类精神文明的建设。由此可艺术批评是具有科学性的。艺术批评家需要在艺术欣赏的基础上，运用一定的哲学、美学和艺术学理论，对艺术作品和艺术现象进行分析与研究，并且作出判断与评价，为人们提供具有理论性和系统性的知识。

由于艺术批评是一种偏重于理性分析的科学活动，它同艺术欣赏既有联系，又有区别。所以一般来讲，艺术鉴赏偏重于感性，艺术批评则偏重于理性；艺术鉴赏更多带有个人主观性的特点，艺术批评则需要符合客观规律性。但是，艺术批评又应当具有艺术性。艺术批评作为一门特殊的科学，与其它的科学不同，它既需要冷静的头脑，也需要强烈的感情，既离不开理性的分析，更离不开艺术的感受。艺术批评必须以艺术鉴赏中的具体感受为出发点，因而优秀的批评家往往具有敏锐的感知力、丰富的想象力和强烈的情感体验，才能真正认识和把握作品的成败得失。尤其是艺术批评文章也应当具有艺术的感染力，才能真正打动读者, 说服读者，真正发挥批评的作用。从某种意义上讲，艺术批评是一门科学，但同时也是一种文艺体裁。优秀的艺术批评文章不仅应当逻辑清晰、论证严谨，而且应当文字优美、生动感人，给人们一种特殊的美感享受。

艺术批评的二重性特点，还决定了艺术批评既带有强烈的个人色彩，又具有客观的共同标准。因此，艺术批评的标准应当是思想性和艺术性的完美统一。思想性是指艺术作品所具有的思想意义和所达到的思想水平，它是艺术作品内在的灵魂。艺术性是指艺术作品在艺术构思、艺术语言、艺术表现手法等方面所达到的水平，特别是从整体上达到完美的艺术境界，具有独创的艺术风格。当然，凡是优秀的艺术作品，总是达到了思想与艺术、内容与形式的完美统一，艺术批评也应当从这种统一的角度去评价艺术作品。因此，艺术批评具有科学的和美学的双重品格，并且不断加深和巩固着艺术观念与整个国家、民族、人类、命运的不可切断的联系。

三、艺术欣赏与批评

艺术批评在艺术品和艺术欣赏之间架起一座桥梁。艺术欣赏活动与艺术批评相辅相成，促进艺术史、艺术学深化发展，从而使人类的精神生活更加丰富。

艺术批评通过对艺术作品的描述、阐释、鉴赏、分析和评价，作用于艺术欣赏活动．从而促进社会性美育。就这一方面来说，艺术批评建立了广泛的、普遍的艺术欣赏活动的基础, 同时也提高和扩大艺术欣赏活动审美的、精神的、心灵品格的积极效应。如果说，欣赏活动作为一种能动的意识活动，它不仅认识了艺术，也间接地认识了生活的话，那么批评也是如此，而且由于批评对作品作理性的把握，对它所反映的生活作理论的分析研究，因而更能帮助欣赏者在对作品作深入理解的基础上，提高对现实生活的认识。

艺术批评、艺术欣赏、艺术创作之间存在着相互制约相互依存的关系。创作是欣赏的对象，欣赏的需要推动着创作，批评促进创作水平和欣赏水平的普遍提高，批评的水平又因创作和欣赏的水平的提高而得到提高。在这种相互推动的基础上，使艺术对现实的反作用得到更好的发挥，促进欣赏者更加积极地参加改造现实、改造世界的斗争；而正是通过这种斗争，创造出更新更美的现实世界。

参考文献：

王朝闻主编人民出版社《美学概论》

杨先艺编著清华大学出版社北京交通大学出版社《艺术概论》

张黔主编北京大学出版社《艺术原理》

戏曲音乐的构成与体现

戏曲音乐的构成与体现一、戏曲音乐的构成戏曲是音乐文学。古往今来，人们摸索出两种不同的戏曲音乐结构方式。一种是大量增加曲调，以丰富其表现力。此法最早出现，并为南北曲所采用，后来为昆曲、高腔所继承。积累下来，既有字少声多、旋律性强的抒情性曲调，也有字多声少、朗诵性强的叙事性曲调；既有高亢遒劲的北曲，又有婉丽妩媚的南曲；既有典雅端庄的传统歌曲，又有诙谐轻松的民间小调。如何统系这些曲调，需要严格复杂的技术规范。于是就有宫调、套数、集曲、赠板等等章法，并由此发展成一种固定的音乐结构形式，这就是曲联体。一种是逐步减少曲调，这是近三百年来出现的又一种音乐戏剧化的方法。其中个别表现力强的、旋律发展可能性大的曲调，逐渐被保存下来。以这种曲调为基础，通过节拍和节奏变化的方法，衍变派生出一系列不同形式的曲调。字少声多的抒情性曲调（“声情多而词情少”），系从基本曲调基础上，作节奏上、旋律上的延伸扩展，字多声少的叙事性曲调（“词情多而声情少”），则将基本曲调作节奏上、旋律上的紧缩简化。梆子、皮黄系统的剧种，都是采用的这种方法。它们虽然拥有名目繁多的板式，但所有板式都是从一种基本曲调衍变出来，自然具有统一协调的性质，而不存在芜杂零乱的问题，无须再有诸如宫调等等繁难的技术规范。此法简便易行，遂为新兴剧种普遍采用，而成为又一种固定的音乐结构形式，这就是板腔体。这两种戏曲音乐结构方法，是中国戏曲特有的戏曲音乐的民族形式，自然不同于随歌随曲的外国歌剧。 1、曲联体这种结构方法的基础是长短句的曲牌。所谓曲牌，就是用以按谱填词的约定俗成的曲调。为了表达复杂的音乐内容，原本单支的曲牌，可以按宫调理论组合相联成套。这就是套数。起先可能是同一曲调的反复演唱，如北曲的【么篇】、南曲的【前腔】。后来又有两支或三支曲调循环交替的形式，俗称子母调。如关汉卿《救风尘》第三折循环用【滚绣球】【倘秀才】等。作为一个音乐单元，这已经就是套数。完整的小型套数，是北宋时出现的缠令。（南宋）灌圃耐得翁《都城纪胜·瓦舍众伎》：“唱赚在京师日，有缠令、缠达。有引子、尾声为缠令。” 再进一步，就有了多支不同曲调的组合。一般前有引子，中为过曲，后有尾声，形成一个完整的大型的音乐与文学系统。这种套数又有长套、短套之分，区别就在于过曲部分曲调的多少。套数还有南套（全由南曲组成）、北套（全由北曲组成）、南北合套（一支北曲、一支南曲交替组成）、南北联套（一套或几套南曲与一套或几套北曲组成）的不同。北曲高亢雄壮，南曲婉约妩媚，组合起来，可达到相反相辅相成的效果。如《长生殿·絮阁》出，凡杨贵妃所唱为北曲，凡唐明皇、高力士、永新所唱均为南曲，表现出对立双方的性格与心理冲突。如果说宫调是戏曲音乐的旋律问题，那么构成套数的另一要素还有节奏，即各个曲调间的板式变化。引子和尾声通常为散板，散起散落。过曲则一般慢曲在前，中曲次之，急曲在后。一组套曲就这样按照“散、慢、中、快、散”的节奏发展变化。如明传奇《南柯记·瑶台》一套9支曲调（曲牌），第1支为散板，第2－6支为三眼板，第7、8支为一眼板，最后1支为散板。这里所谓板眼，类似简谱中的小节线。板为强拍，以板击打；眼为弱拍与次强拍，以鼓点眼。因此，所谓板眼，是按强拍出现周期的不同而作的区分。比较快的有板无眼，是一拍子（1/4），又称流水板；稍慢一点依次为一板一眼，是二拍子（2/4），又称一眼板；一板三眼，是四拍子（4/4，其第一拍为板，其余三拍为眼），又称三眼板。还有一种赠板，是将抒情性的四拍子在节奏上再扩增一倍，成为八拍子（8/4）的曲调，旋律便更为华丽。所以，赠板是戏曲音乐的一种艺术处理手法。集曲是又一种戏曲音乐的艺术处理手法。所谓集曲，是南曲取若干支曲牌，按照一定规律，各摘取其中的若干乐句，另行组成新曲。如《琵琶记·称庆》出蔡伯喈所唱【锦堂月】，即采【昼锦堂】一曲之前半，与【月上锦堂】一曲之后半集为新曲。每支曲牌都有一定的声情，集曲可以集多种声情于一体。北曲没有严格意义上的集曲，却有借宫。所谓借宫，是指为了增加乐曲的变化，在一个宫调的套曲中，按照一定规律，借用另一个宫调的个别曲牌。如《西厢记》第二本第一折，在【正宫·端正好】套内，借用了般涉调的【耍孩儿】二曲。北曲的借宫与南曲的集曲，统称犯调。所谓犯调是指：一是从这一宫调“犯”入另一宫调，二是从这一曲调“犯”入另一曲调。利用曲牌间格调的对比，是第三种戏曲音乐的艺术处理手法。所谓格调，是指慢曲、急曲与细曲、粗曲的音乐特色。一般

浅谈雕塑艺术创作中的观念与形式

龙源期刊网 https://www.360docs.net/doc/cd5552970.html, 浅谈雕塑艺术创作中的观念与形式作者：王凯来源：《文艺生活·中旬刊》2016年第04期摘要：雕塑艺术，作为造型艺术的一种，是指用各种可塑、可雕、或可刻的材料创造出具有一定空间的可视、可触的艺术形象。同时雕塑艺术也作为一种表达手段，是将艺术家的创作观念通过具体的形式内容展现出来，借由多样的创作形式揭示传达艺术家隐匿在其作品中的时代精神与文化观念的艺术方式。由此可见，雕塑艺术创作中的“观念”与“形式”是相辅相成，密不可分的，本文将通过笔者的自身创作体会，浅谈笔者眼中的“观念”与“形式”的关系。关键词：观念；形式；结合中图分类号：J305 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2016）11-0029-01 观念是内在的，起引导作用；形式是外在的，起承载观念的作用。没有观念的形式只是虚有其表，没有内容和分量。没有形式的观念苍白乏味，缺乏艺术美感。雕塑艺术是一种视觉艺术，雕塑作品首先需要在视觉上给观众一种震撼，这是基础。从感官上给人一种感受，这是前提。只有在视觉观赏的基础上，才能再谈思想层面的东西。因此，一个好的表现形式对于一件雕塑作品来说是尤为重要的。在创作的初始阶段，可以通过接触多种多样的艺术形式，从中得到灵感，并发掘适合自己观念表达的形式。在雕塑创作的起始阶段，通常需要常规性的搜集资料。在搜集资料之前，我一般不习惯草率的先确定一个中心主题，过早的确定主题会限制自己的创作思路，局限在一个狭小的范围内，形式上想有所突破就很困难。我会选择漫无目的的浏览各式各样的图片影像资料，内容形式不限，我始终认为，在创作的初期，对雕塑直接相关的资料的接触是没有好处的，过多地接触已有的作品资料会让我们在创作时不自觉的带上别人作品的影子，这样作品既缺乏新意，还容易被扣上抄袭的帽子，我想这是每个创作者都不愿看到的。接触与专业没有直接联系的资料反而可以给我带来意外的收获，让我从中得到很多创作灵感。创作的初期，应当“多看”“多想”“多发现”、“多联系”。“多看”即要看的泛，看的杂。“多想”就是要带这想象力去看我们所看到的最平常、最简单不过的东西，并从中发现可以用于创作的元素。“多发现”、“多联系”就是要善于发现生活中的细节，提炼生活中的艺术元素，并将其与艺术创作相联系，观念和形式在不断协调和磨合的过程中，都达到了更高的境界，雕塑作品也因此丰满起来。观念和形式相互服务，相互促进，才能成就一件让人欣赏后印象深刻，意味深长的作品。随着时代的发展和现代科学技术的日新月异，雕塑的表现形式趋于多元化。现代雕塑艺术中出现了反传统的四维雕塑、五维雕塑、声光雕塑、动态雕塑和软雕塑等。视觉与听觉的结

中国文学欣赏教案

中国文学欣赏绪论（讲6个问题）一、什么是名着二、为什么要读名着三、欣赏名着必须树立正确的人生观四、培养和提高鉴赏能力五、中国文学的特点六、课程的内容一、什么是名着（选定名着的标准（6条）名着与通俗读物的区别 1.名着是经久不衰的畅销书； 2.名着通俗易懂, 面向大众； 3.名着永远不会落后于时代的, 不会因政治风云的改变而失去其价值； 4.名着丰富耐读 , 一页之内容往往会多于许多书籍的整个内容； 5.名着最有影响力 , 最有启发效益 , 含有独特的见解 , 是言前人所未言,道人所未道； 6.名着探讨的是人生长期未解决的问题 , 在某个领域有突破性的进展。名着与通俗艺术的区别从美学的角度讲, 名着是真正的艺术, 它与通俗的艺术是有区别的。从艺术生产的角度看, 名着作用于人们的审美的艺术感觉；而通俗艺术作用于人的多是生理感觉。从艺术

消费的角度看, 名着具有“永久的魅力”，可以满足人们多次消费；而通俗艺术是一次性消费, 用过就扔。二、为什么要读名着名着可以培育鉴赏能力。歌德说过，“鉴赏力不是靠观赏中等作品，而是靠观赏最好的作品才能培育完成的。”这是深刻的经验之谈。19 世纪法国古典主义画家安格尔也讲过类似的话：“每个人判断力无论如何薄弱，他们对与艺术的理解和对美的事物的感觉始终有必要反复地同荷马进行交流, 因为他所取得的最纯洁的乐趣要归功于荷马”。所谓“取法于上，仅得其中；取法于中, 不免为下”就是这个意思。三、欣赏名着必须树立的正确的审美观正确的审美观能指导审美活动沿着正确的方向进行, 取得具有积极意义的成效。错误的审美观、庸俗的艺术情趣, 会导致美丑不分, 甚至以丑为美 , 使欣赏活动走入歧途。 1.欣赏者和欣赏对象之间必须有某些相通之处,才会在潜移默化中受到作品的感染。 2.正确的审美观能接受作品的进步思想, 抵制一些消极或错误的东西。四、如何培养和提高自己的鉴赏能力 1.需不断地进行欣赏实践。 2.积累丰富的生活经验。 3.掌握科学的文学理论。 4.掌握与文学名着有关的背景。五、课程的内容巧记中国文学名着28字东西三水桃花红，官场儒林爱金瓶。

简述电影与戏剧、文学的关系

简述电影与戏剧、文学的关系：电影的综合性表现在完整有序的集体创作上：文学、编剧、摄影等等各个部门的工作者共同组合一个创作协和体。那现在我自个简单地讲一下电影与文学、戏剧的关系。首先，讲一下电影与文学的关系。最近几年，从好莱坞顺利成为世界电影的桥梁和发展点，人们对电影的关注也越来越大，以至于电影已经融入了许多文学的研究方法。近些年来，由名著改变的电影与日俱增，如《傲慢与偏见》、《理智与情感》、《哈姆雷特》、《指环王》、《哈利波特》等。目前常见的关于影视与文学的对比研究是从形态上来研究的。尤其是美国当代电影很多都采用了文学上的意识流手法，还有黑色幽默，后现代结构主义，或者唯美主义等等，甚至某些电影采用了文学上的超验主义和宿命论。而且不仅仅局限于此，通过近几年影视的发展，很多已经不再由影视取决于文学的著作，而是文学从电影上取材，并写出书籍来。最常见的例子是《星球大战》和《亮剑》。这两部文学书籍都取自于同名的成名电影。总之，影视与文学是个刚兴起的学科，它运用比较文学的手法来将电影和文学紧紧的结合在了一起，也同样由于现代传媒业的发展，这个学科将越来越容易被大众接受，也将迅速的成为热点学科…… 电影与文学，一个是时间艺术，一个是空间艺术，两者之间有着很多的不同点，如：两者的表达方式，给人留下的印象及感官感受等等。但两者又是一个合谋化的过程。影视需要好的剧本，同样文学写作也受影视的一些理念的影响发生

着变化。文学创作和电影艺术创作虽然表达方式不同，但因了对时代生活的孜孜探求，对人的心灵历程进行深刻剖析的共同愿望，使得在艺术情感意味的表达、在对人的精神境界进行升华的层面上却是殊途同归。影视的直观化和形象化很容易攫住观众的眼睛，而文字因为需要阅读、需要再审视，在这个快速物质化的时代，指望人人都有闲心来读书可以说是非分之想。而影视无疑很适合这个读图时代。影视通过影像的媒介来呈现世界，它直接诉诸人的感官；而文字必须借助于想象，它要求时间、生活和阅读的经验。影像，相较文字而言，就更具优势，它能在更短的时间内带给人充分的愉悦感，且不用费脑费力，这也可以说是影视风行开来的根本。但是，这种愉悦感往往又容易导致另外一个问题，那就是影像的欺骗性。影像究其本质是一种工业化的产物，它所呈现的同样是虚构的生活，而非真实。电影与戏剧的关系。电影的主要构成故事片与戏剧的关系极为密切，它们都属于叙事型艺术。在发展历史上，电影受到来自戏剧的巨大影响。电影的叙事性也要叙述故事，描述时间和情景。戏剧通过舞台演员的表演和假定性来使观众进入剧情。其次，电影是后来的艺术门类，他在描写事件和演员表现技巧上都是借鉴戏剧的表演手段。但电影作为新兴的艺术门类，它具有集音乐、美术、戏剧、戏曲于一身的综合表现优势，由于电影的地点的随意性，时空范围就可以大到宇宙，小到微生物都可以在一段事件内同时表现，而戏剧由于空间和时间的局限，表现范围的可能性就比不上电影。电影的导演、演员等环节是在戏剧基础上发展而来，戏剧的大量艺术手法被电影借鉴，形成了电影史上的戏剧电影美学电影在时空中转换中比戏剧自有、表现力强、表演更具真实性。。大多数故事片的叙事模式也是戏剧化的，

电影艺术鉴赏的直接表现性

电影艺术鉴赏的直接表现性电影艺术的直接表现性，表现为形象的“逼真性” 电影艺术视觉形象的直接表现性，还能够从“逼真性”的美学特征方面去加以理解和把握。电影艺术的逼真性，从现实渊源来讲，能够追溯到卢米埃尔兄弟的活动照相阶段，卢氏兄弟所拍摄的那些早期的影片，无非是对客观现实世界做机械式、照相式的实录而已。它所强调的是电影的“照相本性”，而在理论渊源上，当推高举纪实大旗的法国电影理论家安德烈巴赞和德国的电影理论家齐格弗里德克拉考尔。巴赞在《摄影影像的本体论》一文中这样写道：“摄影与绘画不同，它的独特性在于本质上的客观性”，他认为摄影的美学特性在于揭示现实世界的真实性，摄影机只有客观真实地再现了世界的原貌，才具有完整性。而克拉考尔则认为，电影从其本质上来说无非是照相的一次延伸，“照相跟未经改动的现实有一种明显的亲近性”。影片只有忠实地纪录和揭示物质现实，其采用的方法才是所谓的“电影的方法”。这种逼真性要求表现在观众面前的影像与现实当中的被摄物必须具有同质性，惟其如此，才会获得观众的心理认同。 1．电影艺术的直接表现性，表现为对具体有形的事物的逼真再现在相对应科学技术条件的支持下，电影的摄影机能够客观真实地纪录和再现自然界的一草一木、一山一水、飞禽走兽、花鸟虫鱼。宏观视野中的人以及人的社会生活，还能够将那些个体细小甚至是人的肉眼无法捕捉到的微观世界里的分子原子乃至细菌微生物等逼真地表现出来。无论动态的还是静态的人和物，都能够通过电影的摄影机达到逼真纪录和再现的目的。 2．电影艺术的直接表现性，表现为对抽象无形的事物的逼真再现客观现实世界中存有的事物或者现象，除了具体有形的外，还存有着大量抽象无形的，诸如人的情绪、意识、回忆、梦幻等心理世界的活动。按照克拉考尔的理解，这也属于物质现实的范畴。在电影艺术当中，

1文学欣赏

文学欣赏思考与练习 1.什么是文学？狭义的文学主要有哪些体裁？ 2.文学欣赏的基本特征是什么？一、文学的定义 1、文学的广义定义；一切口头或书面语言行为和作品的统称。即凡是用语言文字写成的作品以及书写作品的活动均包括在内。广义的文学是人类用语言写成的一切作品，此处的文学等同于文化。 2、文学的狭义定义；包含了情感、虚构和想象等综合因素的语言艺术行为及其作品的统称。特指诗歌、散文、小说、报告文学等。既是语言的又是艺术的。它同音乐、戏剧、绘画等并称“美的艺术”。 3、文学的折中义定义：介乎前两者之间而又难以归类的口头或书面语言作品的统称，如诸子散文，史传文学、现代杂文等等。具有侠义文学的某些特点但又超出了侠义文学的范畴，同时还具有广义文学的一些特点，如《史记》等。三种文学含义分别通向三种文学观念：即文化、审美、惯例。总结：文学是指以语言文字为工具形象化地反映客观现实、表现作家心灵世界的艺术，包括诗歌、散文、小说、剧本、寓言、童话等，是文化的重要表现形式，以不同的形式（称作体裁）表现内心情感和再现一定时期和一定地域的社会生活。二、文学的特点决定因素：文学是以口头语言或书面语言为物质媒介的一种艺术形式。 1、形象的间接性（原因、特点、影响）：是指作为语言的艺术，文学作品中的形象不具有直接的现实性，它只能通过接受者的想象和联想才有可能间接地被感知。换言之，读者只有了解了某种语言文字的意义，在自己生活经验的基础上，通过艺术的想象和思索，才能再现作品中的艺术形象，理解形象蕴涵的思想意义。（文学语言→读者想象→文学形象）歌德说：“造型艺术对眼睛提出形象，诗对想象力提出形象。”

浅谈中国古代雕塑的艺术特点

浅谈中国古代雕塑的艺术特点【摘要】：西方雕塑发源于古代希腊，古希腊人重视人体，将神塑造成完美的有血有肉的人。中国古代社会的制度、文化、哲学与宗教，都不同于古代希腊。中国远古时期重礼教，尊鬼神，艺术重心倾向于工艺美术，在礼器、祭器上发挥艺术天才，并形成传统，影响深远。从陶器、青铜器、玉器及漆器等工艺品发展出以装饰功能为主的实用性雕塑，曾占有主流地位。【关键词】：古希腊雕塑、中国古代雕塑、装饰性、绘画性、意象性、语言精练、古代哲学精神、中国古代雕塑题材主要是陵墓雕塑、宗教雕塑和劳动生活及民俗雕塑。艺术门类有圆雕、浮雕、纪念性雕塑、案头雕塑、建筑及器物装饰雕塑等，雕刻材料也丰富多彩，除了青铜、石、砖、泥、陶等材料外，还有玉雕、牙雕、木雕、竹雕等。中国原始雕塑主要以人和各种动物形象的陶塑为主，形象大多随意性很强，形象粗简、稚拙。商周时期的雕塑作品以青铜器铸造为主，青铜器上的纹案，主要有动物纹、几何纹。商代青铜礼器造型奇特，充满威严而神秘，崇高而怪异的美感。西周以后，其风格趋于写实而富于理性。至春秋战国时期则变得繁丽、华美。秦汉雕塑的粗浑、雄大，这个时期的雕塑空前繁盛，最具典型意义的是秦始皇陵兵马俑雕塑群。魏晋的雕塑健朗和潇洒。隋唐时期是中国古代雕塑的鼎盛期，雕塑呈现丰富、端丽的风格，其成就首先表现在石窟雕塑上，如龙门石窟奉先寺石刻造像。世俗题材的增多和写实风格的发展是宋、辽、金时期雕塑艺术的主要特点，山西晋祠、山东长清灵岩寺、江苏直保圣寺彩塑，都生动传神地表现了世人情态，有很强的写实性。辽代大同下华严寺的菩萨造像体态优美，神情含蓄，衣饰华美，大有唐塑遗风。此外小型泥塑，在写实方面达到了相当高的水平。中国古代雕塑是中国古代艺术精华，中国古代雕塑在题材内容、形式风格、雕塑技法，以及所使用的材质上都具有鲜明浓郁的民族特色、时代特色。概括起来，主要有以下几点。一、中国古代雕塑的装饰性相当突出。装饰性是中国古代雕塑孕育于工艺美术所带来的胎记，无论是人物还是动物，也无论是明器艺术、宗教造像还是建筑装饰雕刻，都普遍反映着传统悠久的装饰趣味。最显著的例子是欣赏教材中云岗北魏露天坐佛，南朝的辟邪和唐代的石狮。佛像的对称式坐姿和图案化的袈裟衣纹处理，使之显出浓厚的装饰性。和写实的西方宗教神像相比，中国佛像因装饰性的虚拟成分，更带有一种非人间性的神秘，但又包含一种亲切，因为装饰性既不同于生活真实，却又是中国人在生活中无处不在司空见惯的艺术真实，所以有此效果。同时，装饰性对于增强佛像

[其他论文文档]文学批评理解的复杂性研究

文学批评理解的复杂性研究文学批评的理解与不理解现象 “谁解其中味？”是曹雪芹发出的非常感慨。这千古之问，上接人类原初，后启无限深远。其中，既有创作者呼唤知音的殷殷渴求，更包含思想者难被理解的万般无奈。懂与不懂，理解与不理解，不仅在中国是问题。俄罗斯小说家、剧作家果戈理，在他创作的《钦差大臣》最初上演时，因为讽刺剧被剧团、观众当作闹剧来处理，产生了被人误解的痛苦，以致绝望地喊道：没有人，没有人，没有一个人理解！！！［６］２０９俄罗斯诗人莱蒙托夫在诗歌《不，我不是拜伦，是另一个》中，悲怆地苦吟：“海洋啊，阴郁沉闷的海洋，有谁能洞悉你的种种奥密？谁能向人们道尽我的思绪？是我，是上帝，还是谁都无能为力！”［７］３２显然，“我”（莱蒙托夫）因为自己被看作是另一个诗人拜伦，感到没有被恰当理解，引起内心深深的苦。这也涉及谁能够懂得作家的问题。令人吃惊的是，连“上帝”都无能为力！可以说把理解的难度提到了顶点。理解问题实在是非常有必要提出来。在现实（还有许多历史上的当时），常常有读者（包括批评家这些特殊读者）对于文学作品提出“不懂”的评价，也有作家认为读者对于自己（或者自己的作品）的评价是“不懂”。“懂”与“不懂”，常常影响作品与读者、作家与读者、读者与读者之间的沟通。“不懂”，可能限制了作品的传播，也鼓舞了一些有兴趣者不知疲倦、不惧艰辛的苦苦探索。不懂，对于自己，可能是一句轻松的无奈；对于他人，也经常成为没有经过分析、论证的某些“文学批评”的杀手锏，不经过宣判的致命的利器。以至于常常以一句“不懂”，就轻易地成为评判他人对于作品没有“正确理解”的最终判词，或者是判定是他人作品很“差”（难懂）的一种标准。当今，作家对于批评家的普遍不满，抱怨说批评家越来越不懂文学了。使得不少作家正在逐渐失去对于批评家的敬意［８］。值得注意的是，这里不是一个两个，而是不少作家的共同感受。事实上，文学欣赏与批评的“懂”与“不懂”问题，在许多方面都存在。比如说，２０世纪８０年代关于“朦胧诗”的激烈论争，就是由一些读者、批评家的“不懂”一种新的诗歌作品的文学潮流所引发的。可以说，“不懂”的问题有时仅仅限于读者的难以理解，有时还可能爆发为文学史上的“事件”。就文学论争来说，关注的是“懂”与“不懂”引起的文学观念、文学内容、文学批评方法之论，而对于文学批评理论，则注意文学批评的理解现象与理论原则。批评史上留下的空白，只能由发展的现实不断提出问题由文学批评理论予以解决。一般认为，中国现代文学史上废名的诗歌是不好懂、难懂的。不仅是他的诗歌作品，还包括卞之琳、李金发等人的部分诗歌。这不仅是普通读者的印象，还是有很大影响和成就的诗人艾青的意见［９］２２５。可见，“不懂”可以出在千千万万普通读者身上，也可以是出自名家、专门家的真切感受。“不懂”的提出，常常有三个角度。第一，出于作家，他认为读者（本文中广义的读者通常包括批评家）表达的评论自己作品的意见，并没有真正理解自己的作品。第二，出于读者，他对于所阅读的作品不理解，不知道作家表达的是什么。第三，读者认为，其他读者表达的文学评论意见与自己的理解不一致，没有真正的理解。可能判断为他人的理解错误。这就构成三种关系：读者－→作品：读者认为作品不能懂得，难解其意（这是单向的）。作家←→读者：作家认为读者的理解不符合自己创作的目的、效果，作品不能被读者真正懂得；或者读者以为作品难懂，而不能理解（这是双向的）。读者←→读者：这些读者认为那些读者的理解不合于自己的理解，没有能懂得作品，即不符合作品本意（这也是双向的）。这三种关系基本的核心是作家、读者对于文学作品的解读与思考。如果产生矛盾和冲突，是因为

京剧与音乐是什么关系

京剧和其他戏曲一样，也是由文学、音乐、表演、美术、舞蹈等结合在一起的综合艺术。而京剧音乐则在所有艺术组成部分中占重要地位。它由唱腔、念白、曲牌、打击乐四个部分组成。唱腔在京剧音乐中的地位和作用，唱腔是戏曲音乐的中心，是戏曲剧种最显著的艺术特征。中国的三百余种戏曲剧种，其主要区别就在于唱腔的不同。京剧唱腔是京剧音乐的中心，它不仅是区别于其他剧种的主要标志，也是区分京剧中不同艺术流派的重要标志。京剧的唱腔虽然也有联曲体的结构形式（如昆腔等），但它的主体部分皮黄腔，却是典型的板腔体结构。京剧的唱腔为多声腔结构，皮黄腔为主，其他声腔也有体现，如昆腔，吹腔和杂腔小调。京剧的念白有节奏感，旋律发展线条既有韵律美又有旋律美，也具备一部分唱腔的特征，区别在于没有乐器伴奏，因此念白也可列为京剧音乐的一个组成部分。曲牌就是京剧所用的配曲音乐。京剧曲牌大部分来自昆曲，可分为两大类：一类是由群众集体演唱的声乐曲牌（又称大字牌子或群曲），另一类则是没有唱词的器乐曲牌。器乐曲牌又以两种形式分类：一是以演奏的乐器分类。如唢呐、海笛、笛子、胡琴曲牌。二是以表现功能来分类。如喜乐、哀乐、宴乐、神乐、军乐、舞乐等。京剧打击乐是京剧表演节奏的支柱、骨架和灵魂。自成体系，具有相对独立性。它虽然要依附于表演，但又制约表演。演员的唱、念、做、打都要受它制约，都要用它来加以贯串和调节。打击乐虽然不能演奏旋律，不善于对人物的思想感情做深入细致的描写，但它却有自己独特的表现功能。它能通过节奏、音色、音量、速度等的变化对比表现戏剧的矛盾冲突，渲染舞台气氛。京剧舞台艺术节奏性强的特征，主要通过打击乐来体现。京剧的乐队，圈里人称为场面。有文场和武场之分。文场是京剧乐队中的管、弦乐的总称。文场包括京胡（即胡琴）、京二胡、月琴、弦子（小三弦）等弦牙乐器；笛子、笙、唢呐、海笛子（即小喇叭）、挑子等管乐器。武场是京剧乐队中打击乐的总称，它的乐器包括单皮鼓、檀板、大锣、铙钹、小锣。由于鼓和板要一位乐师掌握，所以合称为鼓板。京剧的唱腔，有二黄、西皮、反二黄、反西皮、四平调、南梆子、高拨子以及一些民间杂曲、小调等。京剧唱腔中的西皮、二黄等凡用胡琴伴奏的唱腔，均有不同的板式结构。

浅谈西方艺术精品欣赏课后的收获

浅谈西方艺术精品欣赏课后的收获人类是一个有机的整体，艺术是人类的共同财富。异界文化的交流在历史上从来没有停息，这种交流不仅避免了文化近亲繁殖导致的基因退化或畸形，从而优化提升了本土文化，而且给世界文化带来了丰富的新品种和蓬勃的新活力。我们出生于东方，沐浴在东方本土文化的光泽下，从而黯淡了西方艺术的色彩，但通过西方艺术精品欣赏这门课，让我们感受到了来自西方的璀璨光芒。艺术的内容是相当广泛的，像文学、音乐、美术、建筑，甚至演讲、体育等等。但我们在有限的上课时间里无法全部涉猎，因此周正平老师帮助我们系统的学习了一些西方雕塑、绘画、建筑的精品。下面，则是我对印象深刻的作品的一个了解与认识。艺术来源于文化，文化是一种生活方式。通过学习我们知道，西方艺术最早体现在古希腊文化中，而古希腊的艺术则具体的体现在雕塑上。在一座名叫《克雷提奥斯少年》的雕像上，人们终于看到了人的生命，这是古希腊的雕塑艺术取得突破的关键一步。而米隆的《掷铁饼者》则是另一个巨大的进步，这座雕像不仅不再沿袭传统的大理石雕塑，改用青铜雕塑，而且是第一个把将运动作为表现重心的雕塑作品，它的产生标志着古希腊艺术正式进入了它最光荣的时代——古典期来临了。但是《掷铁饼者》表现的是掷铁饼的大力士正处在将铁饼往前一掷的瞬间，我们从他身上看到的与其说是运动，不如说是稳定；雕像充满的与其说是动态之美，不如说是静态之美。而相比之下，坡力克里特的《持矛者》则相当完美的解决了这一问题。《持矛者》雕像所表现的就是他一步走过后，正要迈开另一步的刹那间，虽然他的运动幅度明显不如《掷铁饼者》，但如果我们仔细看，尤其是看侧面像的话，会发现他的全身好像都在动，这就是所谓的动态之美了。通过查阅资料，我还知道了整个古希腊雕刻艺术的天鹅之歌，绝望之歌——《拉奥孔》，一个以绝望为主题的完美雕塑，似乎预示着古希腊的雕塑走向绝望，再也无法雕琢出伟大的作品来了。在古希腊的雕刻作品中还有一个大的特点，那就是以女神维纳斯为主题雕刻女性雕塑，其中不乏优秀的作品，如堪称美丽之最的《米洛斯的维纳斯》、《尼多斯的阿芙洛狄忒》（阿芙洛狄忒即维纳斯的另一个名称）和《卡普亚的维纳斯》等等。女神维纳斯是古希腊爱与美的象征，古希腊雕刻家对于刻画维纳斯的形象有着特殊的偏爱，

论影视艺术的逼真性与假定性

如前苏联艺术学博士日丹在《影片的美学》一书中所写：“最现实主义的。最合乎自然的。最没有假定性的。电影艺术是种客观的，客观的、客观的艺术……。人们往往是这样，或者近乎这样地给银幕艺术下定义，并以此作为它与其它艺术的区别。正如我们所知，最新的美学则走得更远，认为电影中最主要的不是艺术；艺术干预电影反而有碍发挥电影本来的可能性。思考和议论对银幕是格格不入的。电影是真实的本身，是每秒24格的真实……”。①在电影发明的初始阶段，对于电影的真实性，人们是把电影活动的银幕形象与实际的生活场景等同起来，把电影视作对生活的复制。1895年12月28日，法国的电影发明者卢米埃尔兄弟，在巴黎公映了他们摄制的影片，如《火车到站》、《水浇园丁》、《工厂的大门》等。这些影片实际上是现实生活场景的纪录，是放映时间，物理时间和镜头内内容的等同与统一，可以说影片的内容就是生活的本身，是每秒24格的真实。就是这样，还轰动了整个的巴黎城。当时，作为来宾的乔治·梅里爱写下了公映的情况：“在我和别的来宾的面前挂着一幅小小的布幕，和我们放映摩登尼的幻灯时所用的布幕大体一样。我才说完了这话，就看到一匹拉着卡车的马向我们走来，后面跟着别的车辆，紧接着是一些过路的人。总之，一切街头上的活动情况都实现了。我们对这个情景看得目瞪口呆，惊奇到非一切言辞所能形容的地步”。②对于热烈的电影观众，法国电影史家萨杜尔这样写道：“估计每天要放映二十多场。观众等候入场的人数之多，到了需要有警察来维持秩序的地步”。③ 确实，电影在其诞生的最初年代，以其真实的生活场景，活动银幕画面，吸引了无数的观众，给人以无法用语言所能形容的新鲜感。电影作为活动的画面艺术，它有形、有声、有色，即使在无声电影时期，它也十分形象，直观，不需要任何媒介的中转，观众们就能直接感受到电影画面所呈现出的艺术形象。但是，电影要长久地吸引观众，光有真实不行，还需有艺术。卢米埃尔兄弟的影片，虽轰动一时，但不能长久。因为他们摄制的影片是照相的翻版，生活的复制。不久，各影院便门庭冷落车马稀，电影面临着生存的危机。我们也可以想象，今天的电影，如果还停留在卢米埃尔时代，影院还会有观众吗？要使电影不失去观众，具有艺术的生命力，就要使电影既具有反映生活的逼真性，又具有艺术表现的假定性。毫无疑问，电影可以赋予一切以视觉的真实性。它在概括现实的广度、窥视现实的深度以及（通过视觉和听觉）感染观众的力度等方面超过了其它任何艺术。但所谓逼真，我们不能机械地理解为等于生活的真实，而是逼近了生活的真实。在电影中，我们可以凭借摄影机的照相本性，将生活中的光彩以及各种事物静止的和运动的形态变化，直接搬上影幕，使观众感受到银幕上所表现的犹如生活中那样真实、具体、形象。也可以借助录音设备，将大自然的各种音响再现于银幕之上，增强画面的独特魅力，将电影艺术本质的真实寓于活动的生活画面之中，给观众以身临其境的感受。随着科学技术的发展，在本世纪50年代，宽银幕问世了，改变了普通银幕所呈现的较窄小的视角场，为电影观众的视觉提供了更为广阔的空间，在更大的程度上还原于生活本色。后来新出现的嗅觉电影、全息电影、球幕电影等等，使得电影能更真实地逼近生活，给观众以真实的感受。在电影的发展历史中，许多导演都很重视电影的逼真性，如意大利影片《伦敦上空的鹰》，为了追求生活的逼真，表现二次世界大战中英军与德军的一次空战，摄影师不顾生死，夹在死人堆里翻滚拍摄，再现了双方数百架战斗机激烈空战的场面；又如格里菲斯在《党同伐异》影片中，为了使影片最大限度地逼近生活，搭制的宫殿布景纵深达1600公尺，周围有高达70公尺的尖塔，城墙有四层楼高，上面可容纳四匹马拉的战车交错驰过。并雇用了五六万人去搭建中世纪的巴黎和耶路撒冷城。在追求电影逼真性的时候，也不能勿视了细节的真实，否则，就会降低艺术的感染力。在这个方面，我国国产影片是有些欠缺的：“有的不近情理不合逻辑；有的故作姿态，随心所欲；有的衣着奇特，时空失真等等。”④细

由先锋话剧《青鸟》看音乐与戏剧的关系

由先锋话剧《青鸟》看音乐与戏剧的关系【摘要】话剧《青鸟》是北京师范大学北国剧社于2014年排演的一部带有大量歌舞片段的实验先锋性话剧。本文基于对话剧《青鸟》音乐使用状况的分析，从戏剧美学角度与东方古典戏剧角度分析音乐之于戏剧的意义。【关键词】戏剧；先锋；话剧；音乐中图分类号：J8 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2015）06-0013-01 一、从先锋话剧《青鸟》看戏剧中的音乐《青鸟》是象征主义戏剧创始人莫里斯?梅特林克的代表作。本文分析的是由北京师范大学北国剧社于2014年上演的一部带有大量歌舞片段的实验先锋性话剧。北国剧社在对原剧本进行一定的删减后，融入十首原创歌曲、十支原创舞蹈以及原创动画。作为第一个被写进中国戏剧史的当代学生业余演剧社团，北国剧社没有同其他高校一样跟风排演已风靡全国的各类先锋话剧，而是选择自主排演先锋话剧。北国剧社版《青鸟》在形式上的特别之处有以下几点：第一，使用现场乐队，而乐队成员又有与话剧相融合的表演；第二，许多歌舞成分的添加使得这一版《青鸟》有“戏剧诗”的感觉；第三，边唱跳边演戏带有音乐剧的元素，对演员综

合能力的考验很大。《青鸟》的音乐使用目的在于描写与抒情。描写的主体是人物，表现在人物主题歌中，这类似于文学手法中的“铺陈”；而抒情则主要体现在音乐旋律性所带来的情感流露。这与《恋爱的犀牛》、《寻欢作乐》等孟氏戏剧中的音乐使用方向大致相同。但《青鸟》的演出效果远不如孟氏戏剧，原因在于未考虑到演员能力与演出设备上的限制，同时，形式表达欠缺通俗性，难以在短时间内将观众带入情景。《青鸟》的完善显然需从孟氏风格之外汲取更多地东西。而《恨嫁家族》、《狂人日记》、《如梦之梦》、《李尔王》等剧中的音乐使用更注重音乐本身与主题的高度融合，颇有文学手法中的“破题”、“点题”之味，或者说比文字更立体，更能唤起人们的记忆。这一点是《青鸟》所欠缺的，也是有着巨大发展潜力的地方。二、从戏剧美学角度看戏剧与音乐的关系（一）戏剧的诗本体戏剧的本质特征在戏剧美学看来是一成不变的。如黑格尔所言：“戏剧无论在内容上还是在形式上都要成为最完美的整体，所以应该看作诗乃至一般艺术的最高层。”[1]戏剧的本体属性之一是诗。“诗”的内涵的拓宽推动了戏剧风格的更新。戏剧的诗本体首先体现在戏剧表达内容上。戏剧是世俗性艺术。戏剧要面对普通人的生活与心理。因而，通俗

电影的假定性与真实性

论电影的逼真性与假定性电影艺术的假定性又同创作中的抽象思维密切相关。抽象思维是任何认识科学认识，艺术认识所具有的性质。没有抽象思维，就不可能把两个自然界的事实联系起来或者弄清它们之间所存在的内在关系，从整体上加以把握。在电影艺术的假定性又同创作中的抽象思维密切相关。抽象思维是任何认识——科学认识，艺术认识所具有的性质。没有抽象思维，就不可能把两个自然界的事实联系起来或者弄清它们之间所存在的内在关系，从整体上加以把握。在艺术创作中，探索真理的方式和表现真理的手段，并不是两个不同的部分，而是一个不可分割的整体，表现为同一时间，统一的行为。在这统一的行为中，假定性也就表现为各种因素——客观与主观，一般与具体，情感与理性。归根到底，表现为内容与形式之间内在而直接的联系。没有假定性，就说不上形式与内容的统一。就艺术作品本身而言，它的内部世界对现实世界来说总是被假定性浓缩了的世界。实际上，在选择、淘汰、剔除一切具体艺术构思所不需要的东西的过程中，就已经有了假定性。因此，假定性总是同对被表现事物的态度，同对它的审美评价相联系的。譬如，一个电影镜头的拍摄角度的艺术假定性，也和绘画或照相一样，首先就是来自作者独特的发现，来自作者的视角。镜头的四边形框格本身就是一种态度即对所描写对象的干预，有意识地使它从前后左右上下的环境中孤立出来。由于镜头框格的假定性，我们同样可以把容纳在镜头里的实际空间感受放到另一个空间，一个经过造型概括的、在影片的蒙太奇结构中以新的方式表现出来的空间。在影片中假定性往往被用作肯定和强化那些应该有的和比现实本身更现实的东西的手段，用作肯定生活内在的真实，审美的现实的手段。艺术的真实因而要比纪实式的逼真性和照相式的准确性更为深刻，这实际上就是我们所说的生活真实与艺术真实的辩证关系。艺术的假定性与生活逼真性在电影中，不同于其它艺术的是，假定性是同高度的造型准确性，高度的自然和逼真结合在一起，而这种自然和逼真是戏剧的特殊假定性所不允许的。前苏联电影评论家奥赫洛普科夫在其《论假定性》一文中这样写道：“——在电影中，……我终于能够纵情表达我对自然的全部热爱；我爱大海、爱星辰，爱光彩，爱真正的雷雨、爱真正的雷声，而不是指在幕后的铁皮发出的轰隆声——你说地点的统一？时间的统一？动作的统一？这在电影里简直不值得一提，因为在这里，你面前是一个活生生的世界，你能把这整个世界拍摄在胶片上并且只用百分之一秒（通过蒙太奇）便可以从莫斯科跑到北极某地、从北极跑到非洲，从冰天雪地跑到热带沙漠……。”在这里，我们可以看到，由于电影蒙太奇的出现，使电影的假定性有了新的开拓。前苏联蒙太奇大师库里肖夫在《镜头与蒙太奇》一书中也曾以拍摄足球比赛为例来说明蒙太奇的假定性：攻门的足球运动员拔腿劲射，守门员一个鱼跃将球扑住，接着便是观众席上神情激动的球迷的特写。人们要问，一个摄影机怎么能够同时拍摄球门前的搏斗和看台上的反应呢？库里肖夫回答说：“这里需要考虑到电影蒙太奇的一个特性。看台上球迷的反映可以随时利用任何其它机会拍摄。也就是说，这组表面看来是‘现实性’的电影画面，实际上是两个互不相干的镜头的组接，是明白无误的电影假定性。”⑤三在现代电影的探索中，我们可以明显地感觉到两种看上去是彼此对立的倾向。一种表现为追求准确的纪实性，追求对一切事物的极端客观化，追求广义的表现上的无假定性。另一种则相反，在各方面追求公然的假定性，这往往表现为所谓“作家电影”的主张即对所描写的一切带有突出个性化的作家态度，导演可以直接“用电影写作”。但是严格来说，这两种倾向就其表现的含义而言，如果抛开它们那些极端化的态度，彼此间并不是那么对立的，非但如此，在实践中它们往往相互交叉（有时连自己也并不察觉）。就像我国80年代初期，探索影片虽热闹了一阵，但逐渐又与传统电影合流，处于两者的结合中。事实上，电影的表现结构和表现手段，观众的欣赏兴趣和艺术感受，都不能脱离电影的基本特征。无论导演怎样直接用电影“写作”，无论影片作者的观察怎样具有主观性，这些观察总要以造型的纪实性呈现

文学欣赏课

高中英语文学欣赏课的探索与实践北京西城区师大二附中外语组康明【内容提要】如何开展高中英语文学欣赏课的教学是中学英语教师值得探讨的课题之一。本论文从《高中英语课程标准》对英语课程性质阐述的演变入手，阐明了世界上许多国家对文学教育的重视以及在我国中学开设英语文学欣赏课的现实意义，并结合课堂教学实例，理论联系实际，对如何开展英语文学欣赏课进行了初步的探讨。【主题词】文学欣赏独立思考一．问题的提出。日趋开放的时代和社会对英语教学提出了越来越高的要求，英语教学在教育观、课程、教材、教学方式、教学评价等方面都在进行改革探索，学生的主体性越来越受到重视。近年来，英语教学大纲进行了多次修订，英语由最初的“基础工具”发展到“交际工具”。新颁布的《高中英语课程标准》就明确指出：“语言的工具性与人文性的统一，是英语课程的基本特点。”从对英语课程性质阐述的演变轨迹可以看出，随着时代的变化、社会的发展和人类文明程度的提高，英语学科的性质在不断地注入新的内容，这既标志着英语教学在时时被赋予新的涵义，同时也表明英语承载着多种任务。近十年的一线教学经验，使我切身体会到英语教学不仅要教授学生语法，阅读，词汇等等，更要教会学生去思考——进行深入的和富有想象力的思考。在美国的所有文学课程的教学目标中，教会学生“批评性思维”(critical thinking)是人们讲授文学课程时的共识。文学教学不是要去寻找各种各样权威的或是正确的解释，而是要为学生提供一个阅读和思考的场所，教师应该鼓励学生学会个性化的阅读和培养一种独立思考的能力。在这个过程中，文学教学应该对学生的智慧产生影响。我们都知道，文学作品所涉及到的话题都是深入的和带有思想性的，而这些话题或是问题又值得我们永远地探讨下去。开设文学欣赏课可以使我们以完全不同的方式去阅读经典作品，从而学会独立地进行批评性思考。今天，一个受过高等教育的人，应该成为会阅读的人，更应该成为一个会独立思考的人。作为英语教师，应该使学生们能够有创造性地思维。二．英、美、德等国的文学教育。英、美、德等国都十分重视母语教育中的文学教育，法、日等国虽然不单列文学教育的课程和内容，但是也重视培养学生对文学作品的鉴赏能力和审美情感。英国，在1985年颁布的《普通中等教育证书国家标准·英语》中指出：“英语可视为一门学科，也可以看作英语和英国文学两门课程。”在英语学科中，除了有语言教育，包括听说、阅读、写作、拼写、书写等，有文学教育，指导学生阅读英国文学、美国文学和翻译的外国文学作品，学生能够从作品主题、人物、语言、表现手法等方面鉴赏文学作品，并且交流阅读文学作品的感受和个人反应。美国，没有全国统一的教学计划和课程。一般地说，英语课程包括语法、阅读、写作和作文；语言艺术课程包括美国文学、英国文学、世界文学和比较文学。指导学生逐步熟悉古今文学代表作，能够欣赏语言艺术，评论文学作品，并且养成阅读文学作品的习惯。德国，一个州的德语教学大纲规定：“德语的任务是对年轻人进行语言上的和文学上的教育，这是它的独特的使命。”还规定，要培养学生的文学兴趣，要学生了解文学体裁和结构，了解德国的经典文学作品。世界上许多国家，都重视在中学对学生进行文学教育，为什么呢？美国学者认为：阅读和研究文学作品使学生开阔眼界，使他们能身临其境地阅历一些地方，人物和事件，增加他们对日常生活的情趣和探索意识，从而给学生的生活增加一个特别的天地；从文学作品中了解人类自身的动机，冲突和价值。德国学者认为：应当了解文学作为自我表现的产物，作为满足美感的手段，作为反映现实生活的镜子的奇妙作用；通过学习和分析古典和现代的文学作品，扩充自己的语言能力，“在社会基储美学表现形式和哲学理论设计方面开拓我们文化的语言空间”。原苏联学者认为：“文艺能给学生以最深刻的美的欣赏，培养学生的艺术兴趣和创作的能力。”（凯洛夫语）这些学者都认识到文学教育的价值，即认识，审美，教育的价值。文学教育，可以使学生认识社会生活，占有一片新的天地；可以吸收文化价值观念，学习民族精英和民族精神；可以对自然、生活、艺术进行审美，培养审美能力

浅谈中国民族歌剧中戏剧与音乐之间的关系

浅谈中国民族歌剧中戏剧与音乐之间的关系经济学院蔡小熊（交流生） 21110241 歌剧，顾名思义，即以歌唱方式演出的戏剧。但以歌唱方式演出的戏剧并不一定就是歌剧，所以，把戏剧发展建立在独立音乐结构基础上的艺术样式就尤为重要了。因此，歌剧故有“音乐的戏剧，戏剧的音乐”之说，这是指在舞台表演，并有舞台布景和服饰的，以角色歌唱为主导的，以独立的，特定的音乐结构为推进剧情发展为主要手段的戏剧音乐作品。歌剧是音乐与戏剧的最高综合形式，归属在音乐艺术门类之中，但它是兼有各种艺术的某些特性的，是综合的艺术。歌剧之所以是音乐与戏剧的最高综合形式，原因主要在于音乐与戏剧的结合并非机械组合，而是音乐起主导作用，并有力地推进戏剧的发展，戏剧和音乐总是相辅相成的，每当情节有重大变化时，音乐决不会无动于衷。戏剧即在音乐之中，戏剧语言插上歌声的翅膀，此时的戏剧升华到了更富浪漫气息的美好境地。音乐和戏剧在歌剧中不会具有独立存在的意义，他们相辅相成，互相合作。以中国民族歌剧《白毛女》为例，在歌剧《白毛女》中，作者充分利用了中国民歌包括河北民歌和山西民歌的特色音乐曲调来表现喜儿和杨白劳的人物形象和心理活动的变化；作者利用音乐刻画戏剧人物形象，《白毛女》通过剧中各个人物的不同关系，深刻的讲述了我国当时农民生活在地主阶级残酷的剥削之下，性格与心理的刻画是歌剧音乐中塑造人物形象、表现戏剧中一种，要手段能很好的体现戏剧音乐的融合。一部歌剧的成功与否，与主要人物的性格心理刻画是否细腻深刻有非常密切的关系。在剧中，作者巧妙的将音乐与戏剧结合在一起，两者的结合对人物性格心理的刻画起到了不容忽视的作用。音乐通过各种曲调和节奏的变化来表现喜儿的心理活动，如用河北民歌《小白菜》来表现喜儿在黄家受黄母压迫时的压抑情绪，用高亢激昂的山西梆子音乐来表现喜儿的不屈与渴望复仇的心理；而戏曲通过人物形象的各种表象的变化体现人物的环境变化等等。音乐与戏曲二者的完美结合使得《白毛女》成为当时社会家喻户晓的歌剧并被称为“中国民族歌剧里程碑”。总之音乐与戏剧的结合并非机械组合，而是音乐起主导作用，并有力地推进戏剧的发展，戏剧和音乐总是相辅相成的，每当情节有重大变化时，音乐决不会无动于衷。戏剧即在音乐之中，戏剧语言插上歌声的翅膀，此时的戏剧升华到了更富浪漫气息的美好境地。音乐和戏剧在歌剧中不会具有独立存在的意义，他们相辅相成，互相合作。