超写实油画技法

超写实油画技法
超写实油画技法

超写实油画技法

超写实油画技法一、制作画布:1、刮胶概括来说,先是将亚麻布刮一遍胶,再刮一遍红色底子,最后刷2 遍灰底子,这样画布就完成了。关于画布,目前多用亚麻布、棉布、尼龙布。棉布收缩性大,不好用于绘画油画。亚麻布比较适合。画布用的第一遍胶最好是用兔皮胶。具体的做法是:先把兔皮胶打碎,用水浸泡6 个小时。在水里放7%到10%的胶(这可以根据天气气温来定,气温高,得多加水),有时也可以用少的水将胶泡软,再兑水。化胶的水在水温为25℃到30℃之间,待温度降到17℃时,便可往画布上刮胶。如果实在嫌麻烦,那您用进口的乳胶得了。但这效果可就差远了。将钉上画布的内框平放,画面朝上,然后刮胶。在其过程当中,要注意胶的温度,刮胶时动作要快。最后须要将画布背面的胶液刮去。把画布放在通风处,待干后用浮石或细砂纸把画布上凸出的小毛结打磨去。画布上有凸包时,可将画布反过来放在平滑的硬质材料上,用小锤轻轻将其敲打平。画布底胶起两个作用,一是把画布上的小毛头粘盖住,二是把画布的细孔堵住。刮胶这一道工序比较难,是很重要。胶温度过高,胶水会透到画布背面,胶温度低又难以刮得均匀,同画布结合的效果也不理想。使用兔皮胶为最好,如果用白乳胶,效果可就差了,因为乳胶对热、酒精反映敏感。红底料:红底料是由一份红铅粉、二份白铅粉和三份土红粉同熟(注意)核桃油均匀搅拌、研磨而成的。在将以上三类粉质均匀混合后,慢慢的加入熟核桃油,然后均匀研磨,研磨至用两手指甲背摩擦时感觉不到明显的颗粒为止,这时再加入适量的熟核桃油稀释,加油多的多少根据画布的表面和自己的需要来定。油的粘稠度以拉起时稍带丝状为宜。这样,红底料就做成了。把画布平放,刮上红底料。然后把刮有红底的画布放在干燥通风处阴干。待三天后才上灰底子。超过三天反而不合适,因为时间长了,红底和灰底将结合不好。在上灰底前先用细砂纸打磨一下,要适度,切忌打磨过分。当画布有小结时,底下垫一木版或是平整的石头,然后在背面用小锤敲平。在红底料中,加入红铅粉是起快干的作用。灰底料:将一定量的铅白粉加入少量的铁黑粉混合均匀,然后加入50%的生亚麻仁油调和、研磨。在研磨过程中,油是慢慢逐渐加入的,切忌一次加入过多的油、灰底料要比红底料稀一些,刮灰底子的刀刃更要薄一些,这样刮出的灰底子才能薄,待第一遍灰底子干后再刮或用排笔刷第二遍灰底子。古代大师们仅用板刷刷灰底料,而不用刮刀,但对伊维尔来说,他需要特别平的画面,他的第二遍灰底子也用刮刀。媒介底这种媒介是由熟核桃油和玛蒂树脂光油这两种液体混合调制而成的。媒介剂在作画过程中成为不可缺少的材料。熟核桃油(Black oil)的制作:熟核桃油是由生核桃油(Walnvt oil)加入一氧化铅经过煮制而成的,具体做法如下:准备一不吸油的容器,最好为陶锅、耐火下班器皿,将250 毫升生核桃油加入容器中用电炉子加热容器,放入一小块洋葱头,当洋葱头四周冒有小气泡时往里加15 克一氧化铅。在整个煮油过程中,温度最高不得超过120℃,因为超过该温度时,油的颜色变黑,且干的速度太快。最好使温度保持在110℃—115℃之间,这样大约煮两个小时,当温度偏高时,控制住电源。加入铅白也可使油快干,但效果不如一氧化铅,加入红铅又会使油变红,所以加入一氧化铅最好。过去,威尼斯画家在250 毫升的生核桃油中加入超过15 克的一氧化铅,结果油干的太快,这样不便于作画。如果将生油煮成熟油,即使不加入一氧化铅,熟油干的速度仍比生油快。从15 世纪至本世纪,大师们均用熟油调色作画,从19 世纪开始,逐渐有人用亚麻仁油作画。将煮过的油用过滤纸过滤到小口容器中,为使熟油长期保存,最好排净容器中的空气,密封贮存。玛蒂树脂(Mastic)光油的制作:用量杯量出75 毫升新蒸馏过的松节油,再取50 克玛蒂树脂(正常光油含树脂为44%),研碎后倒进烧杯中,然后加入上述准备好的75 毫升松节油,小火慢慢加热烧杯,使树脂慢慢溶化。在此过程中不断用下班棒搅拌直至溶化。在用小火加热的过程中注意温度不宜过高,因温度过高能使松节油蒸发。当温度过高时要断火,这样整个加热过程中要时断时续,待玛蒂树脂溶解时用其所长丝袜过滤倒入容器中,放几天以后,杂质沉淀,这时的光油几乎变白,把光油倒入小口

瓶中直至齐口满,放在阴凉处保存。还有另一种制作光油的方法:即将研碎的玛蒂树脂放入丝袜中,放在松节油中自然溶解,但用这种方法做出的光油像奶一样不透明。媒介剂的制作:取一份的玛蒂树脂光油,再取一份熟核桃油,将两种混合,在很短的时间二者就会变成果冻状的媒介,这是因为一氧化铅与光油产生化学反应,帮变成果冻膏状物质,然后将媒介装进锡管保存,这种媒介大约始于16 世纪。果冻状的媒介在作画过程中起很重要的作用。以土红颜料为例,加入媒介后变得透明,那么土红为不透明颜色,这足能说明将媒介加入别的颜色中更能变得透明。在作画过程中,没加入媒介时用笔很涩,但加入媒介后画面很平坦,色层表面没有任何聚堆的地方,而加入光油时,情况就不同了。用媒介剂在颜色未干的画面上划线,我们可以看到这种线再也不会向四周扩散,但如在用亚麻仁油画的色底子上画线(未干的色画)时,亚麻仁油底子上的线便扩散开了。另外用亚麻仁油也很难将色面涂匀。在用媒介画的画面上用笔扫时,画面不会有大的变化,而在用生亚麻仁油画的画面上用笔扫时,便会把画面扫模糊了。当用媒介画的画面你感到不满意时,可用纯媒介将色层洗掉,但当画面干了时便洗不掉了。举例说,当对画面上画的线感到不满意时,可马上用貂毛笔调纯媒介将它洗下来。在用媒介画的两种色块中间用纯媒介画完后,用笔扫,可在两种色彩之间画出很微妙的色彩过度,而没有破坏两种色块。在作画的时候,有的地方吸油后,用光油刷表面来弥补这种方法不好,因这可使画面变黄,而这时最好用一份媒介和二份松节油稀释后涂刷吸油的表面,但须等画面干后刷。在作画过程中,如果你想画一部分,你可只刷你想画的好一部分,如果画面的一点吸油了,你可用手蘸一点纯媒介揉一下吸油部分,这样,吸油问题就解决了,但如果吸油面太大,只能是涂刷了。一开始作画时,媒介一定要少用,原因之一是媒介使油没有覆盖力,原因之二是多用媒介使画面变得过亮。开始作画时,一般用三份松节油,一份媒介,画到以后可用二份松节油加一份媒介。制作油画颜料:简单说油画颜色是由色粉加油研磨而成的。通常使用的色粉有铅白粉、土黄粉、土红粉、熟褐粉、象牙黑粉、群青粉、钴蓝粉、湖蓝粉、那不勒斯黄粉、中国银朱粉、中黄粉、茜素红粉、翠绿粉等。先将色粉放在研磨板上,一点点加入由二份生核桃油和一份熟核桃油调和在一起的混合油,用碾子细细研磨。检查色粉是否研磨细的办法是将颜色放在两手指甲背上互相摩擦一下,如果没有明显的小颗粒感觉全日制磨细了,然后将颜色装进锡管。研磨颜料首先是从白颜色开始的,这时研磨板必须非常干净,如果研磨板是新的,须在研磨之前涂上一层油,这样色粉便不会进入缝隙里去。研磨铅白:用两份生核桃油加入一份熟核桃油,在研磨铅白时用的油要少且须一点点慢慢加入,油加入后,稍候一会儿再研磨,这种白叫威尼斯白。古代大师只用铅白,锌白是在19 世纪末才发现的,这种白不好,锌白很纯,但覆盖力不强,干的也很慢。本世纪30 年代又发现了钛白,钛白不透明,但钛白干的也慢,而且研磨时费很多的油,且时间一长变粉,20 年以后就裂开。(这个值得注意。)制作画笔:油画笔有多种类型,有尖头笔、圆头笔、扇形笔和扁笔等。笔毛也有貂毛、猪鬃毛、獾毛等多种。笔的原料和类型的多样,千万了油画技法的丰富多彩。古时没有我们现在用的扁形笔,所以我们的传统油画上看不到方扁形的笔触。伊维尔介绍过尖头和圆头两种笔的具体做法。圆头笔的制作:取一束猪鬃毛放在一小块纸上,把选好的笔毛头部向下,将毛连同纸卷起来一齐放入小弹壳里面,然后把纸抽出来,把笔毛颠整齐。有细线系住中间,系结实后把线头剪掉,再把上面不平的毛剪平。用铅笔刀把笔杆头削尖,并在笔杆上蘸上胶,把笔杆头插入笔毛中间。再取一根细亚麻线把线头在蜡上磨一磨,将线打环靠在毛上,用长的一端线自笔头向笔尾方向缠绕到笔毛尾端。把笔尾不齐的毛割掉,再把线头插入扣中,用力拽短头,这样便结实地系住了。然后把线头两端剪掉,用光油或防潮胶刷在绳的表面。最后把细砂纸泡在水中,在水中用手指在笔头上摁着磨,把笔头磨成微圆形,取出后用绳把磨圆的毛缠绕住,待凉干后,折下绳子就可以用了。这种猪鬃毛圆头笔适用于两块稍厚的颜色之间衔接,或用于画较干稠的颜色。尖头笔的制作:取一束貂毛放在小块纸上卷起来,

一起放到子弹壳时里颠平,把纸抽出,用亚核酸线在笔毛中部系结实,在笔毛尾部再系一道,两扣之间再系一道。把线涂上胶固定住线绳结,一边涂胶一边用丝线缠,完成后平放用手转动将笔毛压圆。剪掉笔尾多余的毛,把笔毛放入水中,使笔头收尖,再缠上线至鹅毛管内壁的厚度。把鹅毛管放入热水中使其变软,取出后将笔毛放进鹅毛管大头处,再用笔杆从鹅毛管后推入,把笔尖顶出来。笔尖的长短可根据需要调整,完成后,插入笔杆便可使用。貂毛尖头笔适于画细部、勾线等用途。现在市场上什么笔都有得买,只要有钱就行。如果有必要的话,比如要制作某些特殊的画面效果,您不妨也试试做一些不一样的画笔,有道是,感受自己的感受,那才叫真爽。首先画精细的素描稿,素描稿的画幅要求与准备好的油画布等大。画素描稿时可先不固定边线,这样便于最后根据构图需要裁成等大。素描稿完成后,有一张硫酸纸浮在上面,用铅笔先把素描稿透到硫酸纸上,一般只是用线条把各部分轮廓画下来,再用土红色粉笔涂在硫酸纸的背面。一种方法是全涂,另一种方法是沿着透出的线条涂一遍,再将硫酸纸固定在画布上,这样将稿子透到画布上。还有一种方法是用复写纸透稿。然后用一份熟核桃油加二份松节油调和土红、钴蓝、铅白三种颜色成一种棕灰色。用尖毛笔蘸该棕灰色在画布上勾线定稿。画第一遍稿时仅用下列四种颜色:铅白、土黄、土红、蓝(可用灰代替)。蓝色对古代大师和现代画家来说均是奶难掌握的颜色。用一份熟油加三份松节油调色,开始熟油用的不宜太多,免得画面发亮。开始铺色时要画的灰一些,薄而透明,能看到色层下的起稿线,暗部也加入适量的白色,先画阴影和暗部,再画亮部,二者衔接的地方用一特制的扇形笔扫一扫。第一遍画完后要等二至三天再画,否则画面将会吸油。待底色干后用小刮刀将画面的小色结刮掉,这样做是为了画面的美感。如果发现画面过亮,可用巴拿马树皮水将画面洗一下。将清洗后的画面擦净晾干,然后取一份媒介加入三至四份松节油,将画面轻轻涂一遍,准备画下一步,这一步用色画,用媒介调色画的时候用量要少。该阶段主要用纯媒介,但画细部时,要用稀释的媒介(一份媒介加入三份松节油),为什么画局部要用稀释的媒介呢?用媒介画时易使画面色彩扩散,而用稀释的媒介作画便克服了这一缺点。该步骤的媒介不要多用。多了画面透明、亮,而该阶段不应太透明、过亮,应控制住,为下一阶段做准备,紧接着下一步大约要画两周左右(当然有时也得根据画面大小而定),这时强调调色板上一定要用色单纯。维米尔的调色板就很单纯,他用中黄色调作画时,色板上就没有柠檬黄或其他黄色。一些大师在画肖像画时仅用几种色,仅用白、土黄、土红、黑、褐色,但画出的色调却很鲜明、响亮。在第一阶段颜色铺完后,第二阶段不是一次完成,要一部分一部分地反复深入刻画,而又要保持整个画面的统一协调关系。第二阶段尽可能要与对象接近,调子要画的平和一点,最后强调画面的黑与白的关系。每完成一个细节都要用扇形笔柔扫,使之浑然。每层色画过后,最少要等一天再画,而每天画之前把要画的地方用松节油加媒介溶剂刷一遍,这样做的目的是使两个色层结合得好。吸油的地方也相应变好。如果这一阶段的画面颜色比实际对象浅一层,那么我们还可用下一透明罩染阶段来弥补。染画面:待画干过几天后,用巴拿马树皮水清洗画面,待干后调和一份媒介加四份松节油混合,用板刷将画面刷一遍,停一会儿便可染透明色了。染画的过程也是深入刻画的过程,它可以造成更丰富的色调,使颜色饱和。首先用胶带纸将不需染的部分贴住,用纯媒介调色染,涂上一遍透明色后不能马上涂第二遍色,媒介剂涂上后可以在上面反复画,但要趁湿画,干了以后再改就很困难。部分地方可加进适量的白色,因加进白颜色后,透明效果必定有所变化。在罩染画面时,不可用刚经松节油洗过的笔蘸媒介染,因为松节油可使颜色在画面上扩散,当染的颜色过分时,可用硬毛笔蘸上纯媒介带几下画面,这时就可带下一部分被染上的颜色。上光:首先用巴拿马树皮水清洗一遍画面,洗净画面的灰尘,等干后再上光。一般说来,较好的光油是玛蒂树脂光油。取15 克玛蒂树脂加入75 毫升的松节油,在法国还须放入黄豆粒大的威尼斯松节油。用一份光油加入三份的松节油将它稀释。上光应分两次,两次均很薄。上光时和笔最好不要反复重复,横刷完后再给向刷,上完光后的画面要平放,

光油干的很快,大约十五分钟后就干了。刚刚上完光的画面发亮,但过一段时间后就不太亮了。如果上两次光,那得等第二天再上第二次光。画幅非常大的时候,须上两次光,避免一些地方漏掉。在现代一些书上时常介绍和达玛树脂上光,用达玛树脂上光不好,它遇水变白,这样会影响画面的色彩,整个画面色调可能由此而变蓝。最后应补充说,画画完后须等三四个月以后再上光,如果需马上上光,最好先用一点纯媒介涂在画面上,然后用软毛布轻轻柔擦。(直接画法的作画过程差异) 区别也不难理解,直接画法讲究的是笔性,它要求笔笔造型;而间接画法,如多层透明画法,这本身就有“制作”画面的嫌疑。在我看来,直接画法要更讲究人性一些,不过这要求画者的造型能力必须很高,即达到把技巧提升到艺术美的境界才好说法,否则画面就没有什么看头了,这就是真正的困难所在。至于依维尔的画法,不可否认,其中主要是“制作”在起作用。有人很聪明,他们会同时学习这两种画法,并加以运用。像伦勃朗的大多作品都是通过直接画法和传统罩染法(间接类画法之一)相结合来完成的。谢洛夫是直接画法的天才创造者,不过,他偶尔也运用多层画法(严格说来,古典意义的透明画法和19世纪末期往后的所谓多层画法区别非常大。透明画法是属多层画法,但多层画法却不一定是透明画法,这一点必须分清楚。)。在我看来,依维尔的画法已经和之前的新古典主义画法有了很大区别,他作画的过程其实也不复杂,复杂的是那些准备工作,他所回归的是更早时期的凡.艾克那类做法,至少在很大程度上是属接近。如果懂得他的类于传统的处理画面的一些绘画方式,其实很有帮助,我们很难设想一个画家一辈子只用简单的一种绘画方法。在直接画法和间接画法之间有很大的空间,如果两者都能掌握,那对您将来创作可能会有很大帮助。举个不是很适当的例子,掌握这两个方法,就好比同时掌握中国写意画法和工笔画法一样,这对创作者肯定很有帮助。不同的是,西洋绘画要讲究的方面估计要复杂一些,历史告诉我们,油画颜料是到目前为止弹性最大的、利于画面造型的一种材料,但它们的缺点也是很明显的,那就是我们不得不小心它们可能的化学反应的发生。

[油画作品,特点,艺术]简谈冷军油画作品的艺术特点

简谈冷军油画作品的艺术特点 冷军是中国超写实主义油画的代表人物。但他的超写实并非传统意义上的超写实,如果将它的作品归属到传统写实主义或者超写实主义未免武断。他本人更加赞同日本画界称其作品为超限绘画(超越了油画材料本身表现范围的一种极限绘画方式)。 冷军的作品不仅使用直接画法,保留了作品的绘画性,并且加入了现代的新思想。从他的作品中,我们不仅能看到画面精致的质感、真实的色彩,还能从他的作品中读出大家都能懂的情感。冷军评价自己的作品道:我的作品很通俗我的话没有那么深奥,但很丰富,内容很多。冷军作品从题材内容、技法表现、思想情感上都给观者带来强烈的精神和视觉冲击。无论是他的《世界风景》油画系列,还是锈迹斑斑的复印机技术,都在向人们毫无争议地展示着这种肉眼的真实是任何机器都没办法做到的。 冷军的作品可以分为三个阶段,第一阶段是上世纪上半期,代表作品有《网关于网的设计》《文物新产品设计》《世纪风景》系列以及《五角星》系列等。第二阶段是20世纪90年代末,代表作品有《突变有刺的汤》《锯子》《强保》。第三阶段重新回到绘画本来之中,代表作有《肖像之相》系列,以及近几年的竹子题材的作品。 一、冷军的超写实油画风格的形成 冷军的超写实风格是自然而然形成的客观、真实,他说自己形成这样的风格靠的是感觉。从小就酷爱画画的冷军在绘画方面有特别的天赋。幼时乐于海报、宣传画的临摹,经常是先记下海报、宣传画上的图,再默画;回忆不起的时候再跑去看,如此重复。长期的临摹使他对物的形象记忆能力越来越强。幼时没有系统学习过绘画理论,只是依照海报、画册等临摹,或许是冷军绘画风格不拘一格的原因。 还在学院学习时期,冷军就对写实描绘、细致刻画、生动表现非常热衷,着迷于静物本身的残缺和痕迹,并在画面上生动表现。他认为绘画的乐趣就在于不断深入细节。虽然之后有过改弦易辙,偏向抽象和表现主义,但最终仍回归到写实,并且越走越深、越来越细致、越来越充实。 二、技法冷军油画中的真实与细腻 在百花齐放、百家争鸣的艺术形式和艺术理念中,冷军选择了实物写生这一方式。他用各种办法按自己的想法将实物拼接起来,大量使用焊烧、拼接、复印,将生活中的各种物品组装成自己内心向往的样子,然后将这些生动的形象转移到画布上,最终将作品由实物的真实上升到艺术的真实。他曾受到照相写实主义的影响,但是不久便不满足于那些毫无生气的单纯的复制品,转而寻找艺术上真实并且细腻的道路。 1.技法中的复制性 冷军第一阶段的作品《五角星》,其材料来自废旧的弹壳。炮弹隐含着战争、残酷的喻义,但是经过冷军的焊烧、切割,成为代表正义的五角星。在创作手法上,先用暗色的灰调的油画颜料在玻璃板上厚画一个五角星形,将这个造型清楚地复印出许多轮廓来,然后将轮廓不

浅谈具象油画与写实油画

什么是我们提出的“具象油画”,它与“写实油画”的区别是什么?我主张用“具象油画”(Representational Oil Painting)这一概念来替代“写实油画”(Realism Oil Painting),将写实油画纳入具象油画的范畴中加以重新认识。这是因为中国的写实油画已经分化为多样化的形态,有许多作品已经远离了“写实油画”的原意,许多人看到作品中的形象稍微细腻一些,就称之为“写实”。其实,写实绘画有两个基本点,一是面对实物写生,一是艺术家的想象力创造(即形象与形式的结构组织)。 我们有必要厘清写实绘画的本意,在英文中,“Reality”为真实、实在、实体之意,“Realism”有写实主义和现实主义两个含义,后者是1950年代受前苏联文艺思想影响所引入的,它来源于恩格斯致哈克奈斯的信,是一种特定的文艺创作方法(真实地再现典型环境中的典型人物)。“Realism”的本意应该是写实主义,即库尔贝所说的“从本质上来说,绘画是具体的艺术,它只能描绘真实的、存在着的事物”,它强调的是以科学的方法真实地再现客观实体。而“Represent”则有表现、描绘、象征、代表之意,它包含了更广泛的内涵,所有以形象的表象系统来表征、呈现客观世界的艺术图像,都可以纳入具象绘画的范畴。 我所理解的具象绘画,定位于传统写实绘画和当代抽象绘画之间。相对于传统写实绘画,当代具象绘画更强调“呈现”而非“再现”,在写实绘画的基本矛盾中,当代具象绘画更强调艺术家观念的渗入与主体的创造。相对于抽象绘画,具象绘画保持了与自然、形象的视觉联系,即具象绘画的创作母题来源于自然对象,在其作品中保持了可视的(哪怕是依稀可辨的)形象,以此来保存写实绘画的精髓与奥秘,即写实绘画必须在视觉与想象的基础上建立起与观众的基本联系。具象绘画与传统写实绘画的差异,使它不再局限于统一的三度幻觉空间,而在二维平面上呈现出形象的多重组合、空间的自由切换、技法、风格的多样探讨,获得更大的观念与内心情感的空间。 与抽象绘画的差异,使具象绘画保留了现象学意义上的意象呈现,它使得艺术家有可能发挥创造性想象力,将个人对于自然物象的观察体悟通过多种技法与媒介综合组织、呈现于观众面前,使观众摒弃传统写实绘画的“真实之镜”,直面作品与形象,获得个人化的独特审美经验。由此,具象油画可以将表现性、叙事性、象征性的绘画等都纳入其中,在空间的组织、形象的变异、媒介的多样化中,获得更为广泛的自由度。

论写实绘画中的再现与表现

龙源期刊网 https://www.360docs.net/doc/d215678841.html, 论写实绘画中的再现与表现 作者:张惠梅 来源:《艺术科技》2013年第05期 摘要:写实再现的绘画艺术是千百年来绘画发展历史长河中的主流。以“再现性”为基本特征的写实绘画,在“模仿自然、真实再现”观念的影响下,以反映自然现实为追求目标。然而,写实绘画的再现从本质上来看它并不是对自然景物被动的描摹和机械的复制,而是对现实自然美的再现和表现。优秀的画家充分发挥主观能动性,利用美的规律,对现实物象进行大胆概括取舍,创造出高于生活的典型绘画形象既达到了“再现之真”,又实现了“表现之美”。 关键词:写实绘画;再现;模仿自然;自然美;表现 达·芬奇曾说:“绘画依靠视觉,它不同于文学,不需各种语言的翻译,就能像自然景物一样,即刻为一切人通晓。”可见,美术作品必须以具体的、可感的形象作用于观众的感官。写实绘画作为美术的重要种类,视觉形象性也是它的基本特征。但作为视觉形象,在绘画中有再现和表现之分。写实绘画的视觉形象特征突出地体现于再现性上。所谓“再现”,是指美术家在其作品中对他所认识的客观对象的具体描绘,在表现手法上偏重于写实或逼真,追求感性形式的完美和现象的真实;在创作倾向上偏重于认识客体,摹仿现实。人类有一种将客观世界形形色色的景物加以再现的强烈愿望,由于这种愿望就产生了再现性的艺术。古今中外的许多艺术,如原始人在洞穴中摹绘野牛、野鹿的形象到我国绘画“六法”中提到的“应物象形”等都可以作为佐证。 再现写实是中外美术史上的重要倾向,它更是写实绘画的基本特征。古代希腊、罗马、文艺复兴、新古典主义和现实主义的美术,都非常强调再现的真实,反映客观世界的真实。 达·芬奇认为绘画再现性的主要任务是要求在平面上显现三维空间的景象。他提出画家需以镜子为师,“镜子”是对西方写实绘画的确切比喻,平面的镜子中显现的是现实世界中事物的映像,即一种“逼真的幻象”,绘画中显现的也应该是这样一种“幻象”。 在二维的平面上显现三维空间的“逼真幻象”,首先必须应用透视法,这是写实绘画再现性的一个重要特点;由此可以证明透视法确实是写实油画的核心,或许也可以说,如果没有透视法就没有西方写实绘画。焦点透视理论是写实油画再现客观的必须手段,历来许多大师们在其运用上是独具匠心的。 其二便是讲究明暗,这是在二维的平面上显示物体的立体感。达·芬奇说:“一切形体都被光与影包围着。”在写实绘画中,要使形象达到逼真并产生真实的形象,使之符合人们的视觉经验,只表现内在的结构是不够的,还必须表达以光为条件所形成的外部特征———体块感、材质感、空间感和色彩感。由此可以看出,明暗光影对于写实油画来说,它是必要的造型手段。

古典写实风格油画的材料与技法(下)

后期的古典写实油画较少使用单纯的透明罩色技法,一般是与多层混合技法结合起来使用。传统混合技法即多层技法,指在单纯透明技法基础上用坦培拉材料进行底层塑造和透明油色罩染结合、反复交替进行的技法,也属于间接画法。混合技法与透明技法的主要区别在于它是在一个中间色调的半透明底子上开始作画的,用坦培拉白色作形体塑造和透明油色罩染反复交替的方法进行,形成比单纯透明画法更为丰富厚实的形体与色彩关系。由于画布的有色底子,底色与透明油色的交互作用产生出微妙的中间“灰”色,与受光部响亮的透明色及暗部浓厚肯定的调子产生了对比。制作半透明有色底了的方法是在定稿了根据画面色调在润色光油中加入颜色如,浅赭色或土绿色等来罩出一个中间层次调子,形成一个浅浅的半透明底色,但这层颜色不能厚,透过半透明的颜色层应能看得出下面的画稿。然后趁湿时用坦培拉白色从受光部开始提亮,对形体进行塑造,用扇形笔将白色按形体结构向中间层次过渡。如果不用坦培拉白色颜料作底层塑造而改用油性颜料的话,即使是快干并偏瘦的颜料,底层色的干燥时间也会比较长。传统的技法在这一步用排线方法逐次进行以形成明确的层次。当底层造型部分色彩干后,再用透明媒介剂调和油画色均匀地罩上颜色。由于混合技法底子的中间层次为浅灰色,所以在罩色时要充分估计到,罩色后色相和明度的变化。用坦培拉白色塑造形体和以透明油色罩色这两个步骤往往要反复交替进行,直到呈现预期的形体和色彩效果为止。要注意的是,用坦培拉白色提亮可在湿的底色上画,而以透明色罩染则一定要等底色干透。

油画:穿棉衣的男子,画家:提香 以透明技法或多层混合技法为主的古典写实风格油画创作具有透明性好、色彩鲜亮和层次感强的特点,但缺点是由于形与色分开处理,两者容易出现不够协调的问题。而由于色彩以固有色为主,相对会比较单调,颜色也不如直接画法那样厚实。另外古典透明技法制作过程较长,容易注重制作程序而忽视画面节奏的联系和画家情绪表达的问题。 现代油画创作中的古典写实风格油画中透明画法大多与混合技法结合起来运用,也有比较多地采用直接画法先局部完成,然后再用透明技法进行罩染和润色。透明技法或混合技法都并

论述当代画家冷军写实画之风格

论述当代画家冷军写实画之风格 摘要:油画原本起源于西方逐渐进入了中国的大门,冷军老师是超写实油画的 领军人物。超写实油画在21世纪发展是非常成功的,冷军在当代艺术中具有卓 越的成就,引领了超写实派油画发展的先驱,其绘画作品独树一帜,他的作品已 经达到了“细而不腻,逼真而又非真”冷军将自己的满腔热情奉献给了中国油画艺术,长期探索于中国的绘画发展,很好的诠释了超写实主义,在这之后则用现代 绘画语言来表现现代生活为主,将写实主义发展为超写实主义。 关键字:超写实油画阶段现代风格前期发展 曾有人说,冷军是当代中国最伟大的艺术家之一,不了冷军或是圈外的人听起来,这可 能有一些夸大其词,但是冷军的确是最杰出的画家,他给人们带来了惊艳的作品给社会带来 了宝贵的艺术产物,他有着超人的天赋和悟性,是当代中国当之无愧的超写实引领者,其在 水墨画方面也有超人的造诣。 超写实油画经历了三个阶段将近100年就这样一路走来,我们既要保留中国的传统油画 优点,也要吸取国外油画的精髓,走出属于一条当代油画创作的新道路,油画本来就有很多 表达方式,每一种方式的画法对画面都会构成不一样的感受。“做艺术是一件很自由的事,他们有说的自由,我又作的自由”。冷军个人发明了复印技术的画法,绘画的技法本来就不计其数,为完成一幅画我可以使用任何方法来表达我想要完成的画面。中国的书法、篆刻等。真 是方寸之地见乾坤,是不是很经济呀?一点都不浪费,当然我是从一个十分狭隘的角度,一 个小的方面谈东西方文化的未来前景。中国的现当代艺术无疑是我们这个时代的艺术成果和 现实写照,是必须的,不可或缺的!是我们这个时代的大文化特征!没有它们,我们这个时 代的艺术将是一个空白。但是前人也为我们今天创造了丰富的物质和精神财富。我们不去正 确对待,一味的不顾一切的制造属于自己的历史,在资源十分有限的今天是不是一种釜底抽 薪的行为呢? 一、前期的作画过程 冷军小时候很长一段时间都是在脑子里绘画,他没有经过专门的绘画训练,但是他从小 就自己专门学习画画。冷军对于绘画是热爱的,人对于自己热爱的事情都会付出很多。可染 先生曾说,造就一个伟大的艺术家必须具备四个条件:天才、勤奋、修养、长寿。 二、冷军对艺术的独特看法 是否能成为一件好的有意义的艺术作品,我总结了三个“度”,必居其一,否则就不是。 首先是艺术的宏观角度:这个角度指的是艺术家站在什么样的角度认识艺术和表达艺术,其 实就是个艺术世界观的问题。主要作品集中在现当代艺术中,所谓观念性艺术也是说的这个事,拥有一个异于他人的艺术视角就能创造出异于他人的艺术作品,这类艺术家的艺术成果 往往是颠覆性的,其艺术地位也自然是最高的。同时,现当代艺术也因为现代社会的开放性 导致视角众多,从而也使其流派风格众多,更因为视角众多同时也导致其作品不易被观众弄懂,因为你不可能一下就寻找到艺术家的视角和立场,需要批评家来引导。其次就是表现的 深度:主要指的问题揭示的深度和艺术表现的深度。问题揭示的深度往往多见于一些现当代 性的作品之中,艺术表现的深度则着重体现在传统艺术的形式表达之中。前者表现为思想性 和前瞻性,后者表现为艺术性和趣味性。当然并不那么泾渭分明,它们也相互渗透着。第三 就是艺术审美的高度:这类作品审美意义大于一切,大部分只体现在传统艺术审美和趣味之中。这类作品往往需要艺术家具备极高的艺术涵养,广博的知识储备和学养以及高境界的精 神形态等。这类作品往往自有一片广阔的天地,艺术家游离其中自娱自乐、超然出世。高境 界的审美也不容易使观众接受,没有一定的审美修养是难以读懂其中的境界!这时的批评家 也无济于事,高审美就必须多看、多读而别无它法。 三、冷军的艺术角度 第一阶段的作品主要针对工业文明对我们今天社会带来的影响,第二阶段的作品主要表 现工业文明之下的精神失落和人性变异,第三阶段的作品视角回望传统、重提审美。三个阶 段的视角和立场其实大同小异,都是对当下的关注和批判。只有回望传统重提审美显得保守,但要知道在一片张牙舞爪的浮浪中反到凸现出它的独特意义和价值,静穆和优雅的审美成为

绘画形式语言试题

一、概念简答 1、形式语言 形式是指与内容相对的一个范畴,形式是艺术的本体。 形式语言是指艺术的表现形式及其表现方法。 形式包括三大层面,即: 1、形式层面:统一对比、节奏韵律、条理反复、比例尺度等。 2、语言层面:构图、造形、色彩、时空、肌理、材料等六大部分。 3、技法层面:素描技法、水墨画技法、油画技法、综合材料技法等。 2、形式观念 艺术观念有:模仿伦(再现论)、表现论、重构论、文化论等等。 艺术观念支配形式语言的演化。 不同的艺术家会选择不同的艺术观念,在具体创作时化为形式观念,形成不同的形式语言面貌。如达? 芬奇选择模仿再现性语言,毕加索选 用分解重构性语言。 3、形式自律 艺术形式有其自身规律,不受自然“他 律”支配。艺术作品一种可以再现自然真实, 另一种则在画面上表现出与自然不同的不真 实的艺术形象。如达?芬奇运用“模仿性”语 言描绘出《蒙娜丽莎》,毕加索则运用“分 解重构”语言创作出《镜前少女》,后者是 “艺术自律”使然。 4、结构与理性 艺术作品有其自身结构,即是作品的内在形式关系。艺术家自觉地协调好各种形式关系,将画面各形式元素有机组织在一起,形成艺术秩序。艺术作品各个部分之间,互为条件,相得益彰。构图、造型、色彩等方面均需进行画面的结构设计。 以画面黑白灰效果为例:黑占画面1/10还是2/10?白占画面2/10还是3/10?灰占画面7/10还是5/10?其中灰色是否再分为浅灰、中灰、深灰层次,各占什么比例合适? 画面设计应能表达作品主题和画面美感。 结构设计往往需要艺术家的理性参与,即艺术家对“形式美”规律的掌握。 5、重构与创造 绘画形式语言可分为“写实性”和“重构性”两大类。 (1)二者的区别:写实性形式语言的创作观念是“模仿自然”,作品具有照片式的真实感,如达?芬奇的《蒙娜丽莎》。毕加索的《镜前少女》则采用了“分解重构”手法,将人体各部位分解,重新组织:少女头部是侧面与正面的结合,乳房和臀部挪移了位置,手和臂进行了变形处理。 (2)重构性形式语言的特征是:艺术家面临自然,发挥主观创造性,解构自然物象,将自然元素“重新建构”,生成一种区别于自然形象的艺术形象。重构性形式语言脱离客观自然规律,根据形式原理、审美心理和自由创造原则,强调“形式自律”。 (3)重构性形式语言的意义在于:创作观念不是客观化模仿,而是主观化创造,因而能够充分释放艺术家的创造潜能,发挥艺术家创造力,使艺术不断推陈出新,使艺术世界更加丰富多彩;既满足了艺术家的创造欲望,也满足了公众的多元化审美需求。 二、作品分析 1、米勒的《晚钟》如何通过构图、造型、色彩等形式语言表达意蕴的?

中国当代著名写实油画家石成峰简介

石成峰先生,1937年出生于河南省汤阴县。1955年3月参加志愿军赴朝鲜。1958年退伍,同年先后考取北京艺术师范学院美术系本科和北京人民艺术剧院演员班,长期致力于美术文化工作。现为北京油画学会副主席,徐悲鸿艺术委员会理事, 北京美术家协会会员,北京书法家协会会员,中国未来研究会书画名人院特邀教授,中华名人工委中华名人协会会员。1994年被载入《中国文艺家辞典》,《中国当代艺术界名人录》,1997年被香港中国国际交流出版社载入《世界名人录》,1998年被国家人事部编入《中国专家大辞典》,在中外美术界享有盛誉。1982年创办北京第一家油画廊——“北京画廊”。2003年在北京王府井大街创办占地1700平米的最大私家画廊——“北京成峰艺苑艺术画廊”。 石成峰先生自1956年开始发表作品以来,国内外数几十家报刊图文报道。作品先后被美国、哈默画廊,加拿大,德、意、日,法,英,韩,新加坡等国,及港澳台地区博物馆和国际友人收藏。1993年油画《长城》入选北京市政府礼品画册。作品《雄伟长城》于1999年被聂荣臻元帅纪念馆收藏陈列并受到军委刘华清,张震等首长的接见;作品《国魂》于2005年被《胡耀邦纪念馆》永久收藏陈列。 1994年中国文联出版社出版《石成峰油画选》,2001年又相继出版《石成峰油画风景》,同年由国家邮政局出版《石成峰油画艺术——长城》明信片。1995年应泰国KC集团邀请赴曼谷举办画展;1997年5月在中国最高艺术殿堂——中国美术馆举办个人油画展览。1999年应加拿大懋源集团邀请赴加拿大进行写生和艺术考查2006年为纪念开国将领李志民上将诞辰一百周年敬绘肖像。2007年在国家图书馆文津楼举办个人油画展。2010年在中华世纪坛参加“中国油画名家邀请展”。

写实油画的造型语言

写实油画的造型语言 徐雪梅 摘要:古往今来,写实油画一直是绘画史坛的重要支柱,经过几百年的发展,从西方早期的古典写实油画到当代新写实油画,都占有一定的地位,写实油画作为众多画种中的一种,有它独特的艺术魅力和强大的影响力。造型语言是写实油画的表现支柱,造型贯串于写实油画创作的始终,造型语言在写实油画中的运用,完美的体现了写实油画想要表达的寓意,强化个人艺术风格。通过对写实油画的基本特征及造型语言在绘画中的运用及描述,我们将深刻体会造型语言在写实油画中的重要性,它怎样运用于写实油画中和如何表现写实油画。 关键词:写实油画;油画表现技法;造型 我们在欣赏一幅油画作品时,首先注意的是它的视觉效果,艺术冲击力和感染力等因素,而形成这些因素的主要的构成因素就是色彩与造型,造型是一幅油画创作的主要构成因素。因此,艺术家如何运用造型语言对于一副油画作品的成功与否起着及其重要的作用,而在写实油画创作过程中,造型的重要性就更为关键,写实油画对造型的要求也更为严格。造型语言在不同写实油画作品中,表现不同,更何况每个艺术家的个人艺术修养不同,造型风格也会各有千秋。在此,本文只能对写实油画的基本特征,造型艺术中的造型因素的重要性做简单阐述,

写实油画与造型艺术的造型取向的关系及部分写实画家及其油画作品做一些分析,也试谈一下自己的看法和意见。 一.关于写实油画及其基本特征: 1.写实性油画概念 什么是写实性油画,写实性油画在艺术形态上属于具象艺术,是绘画的一种表现形式。艺术家通过对外部物象的观察和描摹,亲历自身的感受和理解而再现和复制外界的物象,这种艺术作品符合观者的视觉经验和物象的自然真实特点,为观者提供感官的审美愉悦。 2.写实油画源来及历史 我们在谈论写实油画的时候,大家可能首先想到的就是它的历史源来,写实性油画最早是在西方出现并发展的,西方古典主义绘画就是以写实为主的油画,写实性油画具有悠久的历史和深厚的传统文化,它在欧洲“文艺复兴”时期得以壮大,也经历了几百年的辉煌,产生了许多艺术大师,巨匠和艺术史上的不朽名作,如:达.芬奇、鲁本斯、提香、安格尔等等都是些有名的写实油画代表,他们用自己超强写实功底,在西方美术史上演绎了一部写实绘画的历史。正由于这些古典写实主义的存在,也就深深地影响着人类的绘画艺术。写实主义也就是以写实为主的造型艺术,从根本上说也就是在坚持艺术模仿自然,再现自然的基础上,艺术家从认识自然到表现自然形成了一套科学的审美标准和造型原则。以此来衡量艺术作品的高低,即艺术作品的高低主要取决于作品能够再现自然的程度如何,人们对再现性艺术作品的评价常用“逼真”“肖似”“微妙微肖”“栩栩如生”等等词,这最有代表性作品就是达.芬奇的《蒙娜丽莎》,然而当我们的“照相机”和“摄影术”出现的时候对写实油画存在的必要性提出了疑问,这么吃力的去画写实油画不就是为了一个逼真,不如“照相机”几秒钟时间就可以解决这个问题,当时的人们有些茫然了,当然任何一种新事物带来的矛盾都是由于冲击了传统所引起的,“摄影术”冲击了传统绘画艺术,可写实主义艺术家们就没有丝毫的动摇,他们依然坚持他们的思想。摄影术虽然可以很客观的表现和记录物象,甚至比绘画作品更客观,更逼真,而绘画作品加进了艺术家的个人的情感,这一点是摄影术永远无法做到的。因为摄影术的出现,艺术家更加注重在

超写实油画制作过程和技法

刮胶: 概括来说,先是将亚麻布刮一遍胶,再刮一遍红色底子,最后刷2遍灰底子,这样画布就完成了。关于画布,目前多用亚麻布、棉布、尼龙布。棉布收缩性大,不好用于绘画油画。亚麻布比较适合。画布用的第一遍胶最好是用兔皮胶。具体的做法是:先把兔皮胶打碎,用水浸泡6个小时。在水里放7%到10%的胶(这可以根据天气气温来定,气温高,得多加水),有时也可以用少的水将胶泡软,再兑水。化胶的水在水温为25℃到30℃之间,待温度降到17℃时,便可往画布上刮胶。如果实在嫌麻烦,那您用进口的乳胶得了。但这效果可就差远了。将钉上画布的内框平放,画面朝上,然后刮胶。在其

过程当中,要注意胶的温度,刮胶时动作要快。最后须要将画布背面的胶液刮去。把画布放在通风处,待干后用浮石或细砂纸把画布上凸出的小毛结打磨去。画布上有凸包时,可将画布反过来放在平滑的硬质材料上,用小锤轻轻将其敲打平。画布底胶起两个作用,一是把画布上的小毛头粘盖住,二是把画布的细孔堵住。刮胶这一道工序比较难,是很重要。胶温度过高,胶水会透到画布背面,胶温度低又难以刮得均匀,同画布结合的效果也不理想。使用兔皮胶为最好,如果用白乳胶,效果可就差了,因为乳胶对热、酒精反映敏感。 红底料: 红底料是由一份红铅粉、二份白铅粉和三份土红粉同熟(注意)核桃油均匀搅拌、研磨而成的。在将以上三类粉质均匀混合后,慢慢的加入熟核桃油,然后均匀研磨,研磨至用两手指甲背摩擦时感觉不到明显的颗粒为止,这时再加入适量的熟核桃油稀释,加油多的多少根据画布的表面和自己的需要来定。油的粘稠度以拉起时稍带丝状为宜。这样,红底料就做成了。 把画布平放,刮上红底料。然后把刮有红底的画布放在干燥通风处阴干。待三天后才上灰底子。超过三天反而不合适,因为时间长了,红底和灰底将结合不好。在上灰底前先用细砂纸打磨一下,要适度,切忌打磨过分。当画布有小结时,底下垫一木版或是平整的石头,然后在背面用小锤敲平。在红底料中,加入红铅粉是起快干的作用。 灰底料: 将一定量的铅白粉加入少量的铁黑粉混合均匀,然后加入50%的生亚麻仁油调和、研磨。在研磨过程中,油是慢慢逐渐加入的,切忌一次加入过多的油、灰底料要比红底料稀一些,刮灰底子的刀刃更要薄一些,这样刮出的灰底子才能薄,待第一遍灰底子干后再刮或用排笔刷第二遍灰底子。古代大师们仅用板刷刷灰底料,而不用刮刀,但对伊维尔来说,他需要特别平的画面,他的第二遍灰底子也用刮刀。 媒介底 这种媒介是由熟核桃油和玛蒂树脂光油这两种液体混合调制而成的。媒介剂在作画过程中成为不可缺少的材料。 马蒂树脂(Mastic)光油的制作: 用量杯量出75毫升新蒸馏过的松节油,再取50克玛蒂树脂(正常光油含树脂为44%),研碎后倒进烧杯中,然后加入上述准备好的75毫升松节油,小火慢慢加热烧杯,使树脂慢慢溶化。在此过程中不断用下班棒搅拌直至溶化。 在用小火加热的过程中注意温度不宜过高,因温度过高能使松节油蒸发。当温度过高时要断火,这样整个加热过程中要时断时续,待玛蒂树脂溶解时用其所长丝袜过滤倒入容器中,放几天以后,杂质沉淀,这时的光油几乎变白,把光油倒入小口瓶中直至齐口满,放在阴凉处保存。 还有另一种制作光油的方法: 即将研碎的玛蒂树脂放入丝袜中,放在松节油中自然溶解,但用这种方法做出的光油像奶一样不透明。 媒介剂的制作: 取一份的玛蒂树脂光油,再取一份熟核桃油,将两种混合,在很短的时间二者就会变成果冻状的媒介,这是因为一氧化铅与光油产生化学反应,帮变成果冻膏状物质,然后将媒介装进锡管保存,这种媒介

解读油画艺术的语言

油画艺术是有西方传入到中国的“舶来品”,在很大的程度上来说,中国的当代油画艺术创作其实并不是很完善。 独特的绘画语言的形成需要我们对绘画语言进行系统的研究和深入的思考,否则很难形成自己独特的艺术风格,这个就是油画艺术的独特魅力所在。 油画艺术的语言表达,就是绘画家在对客观世界的观察、感受、理解和评价中,在绘画中融入了个人的修养、气质、性格、情思、才能等等这些主观的因素。 油画艺术的语言按照美术欣赏的规律进行艺术再创造,以概括化、个性化的外在造型抒写内心世界。即使是现当代的照相写实主义的绘画作品,仍具有绘画的这些素质。 油画艺术能够成为绘画的一种重要表现形式,是因其内在的丰富造型表现力、千姿百态的艺术表现形态和千变万化的色彩。 一幅出色的油画作品若要有很强的艺术感染力,那么是否具有独特的油画艺术语言就相当重要。 一幅油画作品的甜美与苦涩、华丽与朴实、鲜明与黑暗都能够反映出艺术家对世界和人生的看法。 油画艺术的语言就是在新奇的题材、怪异的手法不足以将艺术家的内心世界传达时,为艺术家点燃艺术之火。对于油画语言状态的思

考是从事油画艺术创作的人们所应当具有的思维模式。 画家要静下心深入的研究自己的绘画语言,无论是材料、工具还是各种技法。无论是再现性绘画还是表现性绘画,都不是纯客观地描攀现实,而是融注了画家的审美感受、审美情感和审美理想。我们从油画语言的重要性和特点入手,阐述了油画语言在油画艺术中的地位、油画语言中的材料与技法、油画语言的色彩美与肌理美;随后引申出油画语言在中国的发展历程,重点突出各个时期代表艺术家的作品特色和时代精神;最后在发展历程的基础上从油画语言的民族化、油画语言的现实性和意象性对中国当代油画语言的审美价值进行了论述。 油画语言的表达方式体现出画家的个性特征和审美取向。中西方艺术家一直都在寻求运用自己独特的绘画语言和超前的艺术理念来表达自己对世界的理解。即使是最写实的绘画,也要求画家在攀写客观现实时,不是单纯地摄取和反映,而是通过自己的意志和技巧加以主观的表现,达到主观与客观的统一。 油画作为一门视觉艺术有其自身的规律性,而对于油画语言的关注和研究,正是我们这个时代艺术家所欠缺的。 油画语言不仅仅是一种绘画的手段,对于从事油画艺术创作的画家来说,研究油画语言的发展历程和审美价值无疑是重要的,油画语言如同我们的汉语语言,所传达的是我们内心最真实的自己。

北京著名专家陈承卫大民国系列部分油画效果好看吗作品真实作品对重点

北京著名专家陈承卫大民国系列部分油画效果好看吗作品真实作品对比图 陈承卫,男,职业画家、八零画派创始人,在中国美术美院期间成绩突出,屡获佳绩,作品颇受导师关注。4年后获得学士学位,同时毕业创作获得最高奖-学院奖。毕业后一直从事绘画教育工作和油画创作,于次年定居北京,至今从事职业画家的创作,作品深受画廊,机构,评论家及收藏家的关注。09年进入中国油画院,师从杨飞云老师,深受前辈名师们的绘画美学影响,先后去法国,意大利等国家进行艺术考察,崇尚伦勃朗等西方油画大师,作品注重光线,热爱生活,将古典与现实主义完美结合,作品被中国美术学院,拍卖公司,艺术机构,画廊,海内外收藏家所收藏。 个人履历:2002年以专业第一名考入中国美术学院2005年创始八零画派2006年获得中国美术学院毕业创作最高奖--学院奖,获得中国美术学院绘画系油画学士学位。《声音》成交价刷新中国大学生毕业作品拍卖最高价格2007年定居北京2009年浙江省第十二届美术作品展获铜奖作品《奠基者》入选第十一届全国美术作品展2009年进入中国油画院深造2009年进入中国油画院,师从于杨飞云先生等人2010年出国考察,游历于法国意大利等艺术圣地2013年法国荷兰艺术考察。 展览:2004年中国美术学院学生下乡作品展览一等奖。地点:中国美术学院展览 2006年获得中国美术学院毕业创作最高奖--学院奖。地点:中国美术学院展览馆

2006年获得全国毕业生作品提名展获铜奖。地点:今日美术馆 2007年参加北京国际艺术博览会。地点:中国国际贸易中心 2007年《声音》成交价刷新中国大学生毕业作品拍卖最高价格 2007年参加人与人写实油画作品展. 地点:新北京画廊 2008年中国美术大事记展。地点:中华世纪坛 2009年浙江省第十二届美术作品展获铜奖。地点:浙江美术馆, 第十一届全国美术作品展览油画作品展地点:湖北省艺术馆, 全国油画新人展地点:中国油画院, 南方收藏家藏品回顾展地点:中国深圳, 2010年 CIGE中国国际画廊博览会地点:中国国际贸易中心, 艺术北京经典艺术博览会地点:北京·全国农业展览馆, 具象研究——重回经典地点:时代美术馆, 2011年重要的不是年代-八零画派写实油画作品展地点:泰康空间, 艺术北京经典艺术博览会地点:北京·全国农业展览馆, 艺术郑州地点:艾格斯艺术中心, 新古典精神--笔尖的修行地点:兰会所, 第三届报喜鸟新锐艺术人物视觉艺术大奖, 2012年新写实油画作品展地点:中国美术馆, 和而不同--当代青年油画展地点:马奈草地美术馆, 第五届中国国际青年艺术周地点:时代美术馆. 观感?感观—青年写实艺术家邀请展地点:798先声画廊。 理想国-当代油画展地点:马奈草地美术馆. E京- 雅昌艺术家联展地点:时代美术馆, "静水流深"-写实新力量地点:上海泛华艺术中心 2013 年 “真实”中国当代青年写实艺术家邀请展地点:798 《春.绽放》博宝艺术网第二届青年油画家联展地点:国粹苑美术馆 AAC艺术中国年度影响力六地巡回展地点:武汉美术馆,深圳关山月美术馆,西安天朗美术馆,成都文轩美术馆,上海香山美术馆,北京今日美术馆 返观与重构-马奈草地第三届青年艺术家邀请展地点:马奈草地美术馆 “新写实”油画展地点:798 HIHEY艺术中心 想象无限-中国青年艺术家计划展地点:中华世纪坛 《痕》中韩艺术家三人作品展地点:798 《观致-中国新写实绘画艺术展》地点上海麟画廊 雅昌艺术家联展地点:时代美术馆 2013璀璨艺术地点:农展馆 《幻-留存》中国当代青年写实油画代表十人展地点:北京美丽道国际艺术中心

从希施金浅谈写实风景油画的绘画技巧

湖南工业大学硕士研究生课程考试试卷 考试科目:书画研究(A 卷)课程编码: 考试形式:开卷(开/闭卷)考试时间:分钟 适用年级:一年级学年学期:2011-2012 学年第一学期考生学号:M11050403004考生姓名:侯鹏飞考生专业:美术学 考生注意事项:1、本试卷共页,试卷如有缺页或破损,请立即举手报告以便更换。 2、考试结束后,考生不得将试卷、答题纸和草稿纸带出考场。 ----------------------------------------------------------------------------------------------------------- 题目: 选取一个与“中外美术史”密切相关的论题,写一篇不少于3000字的学术论文。 要求: 1、符合学术论文写作的规范(包括标题、摘要、关键词、注释、参考文献等的写作规范) 2、要写出一定的新意。严禁抄袭。 3、请提交打印稿。

从希施金浅谈写实风景油画的绘画技巧 摘要:写实风景油画可以说是历经了整个油画的发展历史,虽然在照相机问世以后,众多画派画家对于写实风格的绘画存有偏见和争议,但它能仍然存在至今,并被广大绘画爱好者所钟爱,就一定有它不可替代的原因。 希施金的绘画原则是“临摹画不应当加上想象”。我是不是可以理解为希施金认为写实画作,应该充分尊重客观事实?答案显而易见,这也论证说明了写实油画的特点,客观性和真实性。希施金的风景油画作品构图饱满充实,仿佛是自然环境随意切割的一块,而未加任何修饰。但是这样的构图又是照相机不能比拟,也是不可取代的。从某种意义上讲,或许这正是艺术的灵魂所在。 那么希施金的风景油画艺术具有什么样的特点?他的写实风景油画中典型的创作素材有哪些?而这些素材又有怎样的绘画技巧?带着这些问题,接下来我将做详细的阐述。 关键词:希施金 绘画技巧 创作 油画 一、希施金风景油画的创作背景及其艺术特点 1.希施金风景油画的创作背景 伊凡·伊凡诺维奇·希施金(Ivan I. Shishkin )(1832—1898)是十九世纪后半叶现实 主义风景画的奠基人之一,巡回展览协会的会员与 创始人。 希施金自幼就生活在丛林之中,对丛林怀有深 厚的情感,这也使他获得有关丛林的很多常识,从学 画起就立志画大丛林。在学习绘画期间,他的导师 也都一致支持他对俄罗斯大自然的创作兴趣,赞成 他在艺术上专以描绘森林、树木为己任的独立发展 道路的选择。 他为了描绘大自然的造化,不知疲倦的跋山涉 水,进出森林,写生作画。他一直没有停止对松树的描写,画了大量速写和习作。这期间,他对树木、野花、杂草的写生与精心研究,甚至达到了科学家般的程度。他以自己毕生的精力长期严肃地进行森林风景的创作,描绘俄罗斯北方大自然的宏伟壮丽。他笔下的森林已不是单纯的写生而是溶进了他对祖国壮丽山河的热爱,图1

绘画艺术语言形态

绘画艺术语言形态 绘画是一种艺术实践活动,使用线条、色彩、造型和构图,依据一定 的形式法则实行搭配组合,完成传达精神内涵的任务。完成绘画作品 不但是表现形式的作用,而且还要有内容的体现,精神内容的传达, 既所谓的绘画主题。绘画的内容与形式,密切相连,形式是观点、情 感和技术的体现。由此看来绘画语言实际上是包含了技巧、形式和内 容的有机融合。它是一个相互制约,相互渗透的有机整体,画家的感 情是靠其特有的绘画语言表现。这种语言的使用,是根据画家自身的 艺术表现力就愈强,愈具特色。所以,对绘画语言所占有的深度和广 度是检验画家艺术水准高低的标准。 因为不同的艺术家对绘画语言具有不同的使用,必然会产生多姿多彩、风格各异的绘画作品来。纵观绘画史,我们能够了解到不同的差异。 在欧洲,自达芬奇开始,就形成了一种传统的写实主义画法,艺术家 通过“研究光线揭示形式的方式,通过发展并使用直线透视法来获得 景深幻觉的规则通过研究人体解剖,艺术家给他们的作品注入了一种 全新的现实主义感。”他们的艺术作品弘扬了“人文主义”,在绘画 的总体风格上,姿势华丽、典雅、宏伟、和谐,写实技术娴熟,形成 了我们称之为“古典主义”的画风。区别与古典画风的印象派画家们,用光与色描绘自然和抒发自己的感情,他们擅长表现阳光和色彩。他 们对瞬息万变的光色变化非常敏感,注重色彩的表现,画家使用分色 技术,将色彩合理组合,使画面变得明快绚丽。印象派画家不再因袭 传统的画法,他们的作品则替我们诠释了光色的功用形。在色彩的表 现里,印象派画家完美地表现了一种抒情风格,他们很好地使用了绘 画语言,给作品注入了抒情性外表美。在西画造型过程中,主要使用 形体与色彩语言,即便没有线的使用,其造型行为不会受到重大影响,其绘画形态的构架依然能成立。即使用线界定轮廓,如在轮廓之外辅 上调子,马上就会成为很立体的画面。可见西画中线依然作为表现形 体的一种特殊手段。

日本超写实油画大师森本草介创造美到极致的东方女性形象

日本超写实油画大师森本草介创造美到极致的东方女性形 象 森本草介,日本新古典主义的探路人,超写实油画大师,苦苦寻觅数十载,终于找到此生最满意的模特,将东方女性的冷艳、典雅之美展现得淋漓尽致。这幅油画中的红衣女子,美丽而冷艳,神情忧郁。作者对细节的捕捉,到了无可挑剔的境界。这正是日本画家森本草介的作品。在日本超写实油画领域,如果说森本草介排第二,那便没人敢排第一!他画笔下的女性,展现出一种东方女性特有的神韵——冷艳、忧郁、典雅、安静等女性气质,被他完美地呈现出来。任何一种极致的美,被创造出来,都绝非偶然,也绝非易事,森本草介自然也不例外。森本草介,原本出生在朝鲜,6岁时随父亲返回日本。他并非自幼痴迷画画,而大学却考入东京艺大油画专业。森本草介早期对静物画充满兴趣,大学学习油画时也苦研静物,光线、阴影、静物的质感以及空间等,如何去刻画和表现,他下了深功夫。这些看似基础的课程,森本草介却花了比常人多几倍的功夫研究,要画就画到极致。正是这样一种执着的精神,使得他在静物画上取得了显著成就。然而森本草介最杰出的成果,要数他的肖像和人体油画。一个画家,一辈子只画一个模特,这是极其罕见的。他研究人体画,却曾一直苦于找不到最满意的模特。他要表现东方女

性的一种极致美,模特对象起着基础性的关键作用。森本草介为此寻寻觅觅20多年,终于在后来找到了最满意的模特,潜心钻研。他从细节、局部到整体之间,创造了一种完美的协调和平衡。画面达到了空前的和谐、宁静,最让人吃惊的是,森本草介一辈子只画这一种棕茶色调,画面始终亲和、温暖。甚至连画面的构图布局,他也始终坚持一种思路。一种色调、一个女人、一种布局,画一辈子,将其发挥到极限。没有一个画家像他这么执着和坚持。森本草介39岁时曾去法国研究西方古典油画,吸纳学习,他深谙西方油画技法,并将他们充分运用融合在自己东方女性的油画创作中。他在画中创造出了一种东方女性,特有的神态气质,端庄、秀丽、含蓄,颇具阴柔之韵,还带着恰如其分的忧郁,美得让人无可挑剔、心生绝望!法国研学时,森本草介曾被自然风景吸引,回国后创作了大量自然风光题材的油画,诞生了不少经典佳作。森本草介的风景、人物、包括早期静物画,始终坚持棕茶色调,并贯穿了他整个绘画艺术生涯,创造出他标志性的,典雅、温和、静美的画面特征。森本草介,日本新古典主义的探路人,超写实油画大师,苦苦寻觅数十载,终于找到此生最满意的模特,将东方女性的冷艳、典雅之美展现得淋漓尽艺术之都巴黎,长久以来吸引着来自世界各地的目光。今年春季在纽约、东京与伦敦举办的五场艺术展览,分别从不同的角度对法国印象派画家的创我总是认真对待每一个

克劳德伊维尔幻境写实油画技法

克劳德伊维尔幻境写实油画技法 克劳德伊维尔是法国当代超写实主义画家,更确切的说他是以为当今世界上少有的技艺精湛的幻境画家,克劳德伊维尔的幻境画达到了画面不复存在时刻,当他更真实的描写真实的时候,他是想欺骗还是想事情明了,所创作的目的是在于承认被画得物体的真实存在,他成功了。终极之点是当人们相信着了色的画布已不复存在了,只有静物留在那里的时刻,他把这个时刻称之为神思入境。幻境画的难度就在于使平坦的画面具有深度,使得人们错把一个再现了的物体当成真实的东西。想到可以欺骗人们的眼睛是多么有意思,但是这种欺骗是不会长久的,被画物的深度越小真实效果的保持便越久。幻境画就是在平面上再现三度空间,因此它是一种翻译,矛盾的是写实主义是抽象的顶点,当人们说他是真实的时候恰恰相反他是对真实的反映。人们再看一张照片的时候就像看真实的东西一样不在意,可是有人要花时间去把真实的东西画出来便格外的有诱惑力了。幻境画的技法乃是风格的消失,不带笔触的描绘展示了画家的愿望,这里的技法便是用来掩饰所有笔触效果的。而你一旦感觉到这是画在画布上的绘画,幻境画便不再具有迷惑力了。在欣赏幻境画的时候,除了画家最关心的场景和构图之外,你不会发现他是怎样处理的,而是跟着他从一个作品到另一个作品。画家总是尽力的让物体自然的存在,按照他们应该存在的样子,一个挡着一个,画家是在独特的手法中隐藏着自己,人们的思想却在作品前消融。 上集、油画材料的准备和制做 一、制作油质底画布 油画底是由基底和涂料两部分组成,伊维尔使用的基地是泵在木框上的亚麻布,涂料为四层:一层胶料,一层土红色的涂料,其他两层为银灰色的涂料。涂料是用颜料粉调熟核桃油制成的,因而制成的为有知底画布。 (1)标准内框 内框要选用干燥的无蛀孔的杉木或者是松木,四角要求开铆衔接,避免用钉,内框四角要钉上楔子,便于随时调整画布的松紧。

论油画写实艺术的精神

论油画写实艺术的精神 忻东旺 写实首先作为艺术的一种视觉形式是欧洲传统艺术的重要部分,写实的精神理念则构成欧洲整个艺术发展过程中的生命依据。 在人类还没有意识到有艺术的时候,我不知道写实的最初感动是否来源于对自然的摹仿。由于人类在生存现实中对来自自然的不测使他们十分恐惧,尽管人类依靠群体来维持较强大的生存力量,但面对威猛的野兽他们依然感到怯力。如果我们并不认为拉斯科原始洞穴壁画中那栩栩如生的动物是为了满足人类模仿自然的视觉审美需要或者是对虚拟现实迷恋的话,那无疑就是他们为了征服这些动物实施的巫术,他们在岩洞壁上摹仿野牛和驯鹿等动物的形象并画了它们中箭、受伤,是祈盼在现实捕猎中获胜。为了使他们自己相信这一切会真的发生,有时他们还画上了熟悉的小河,水中还应该有鱼……极其朴素的精神理念使他们欣慰,并尝试创造更多生命中需要的。 自乔托以来欧洲大量的宗教绘画并不是每件作品都动人心弦,之所以有些作品能够出类拔萃,伟大之处在于这些画家从心灵深处倾注于他们用绘画所表现的那一信仰。无论是安吉利柯还是弗朗西斯柯,他们对绘画的关注是因为希望通过最深刻的绘画形式传达他们灵魂中的追求。这一特点同样适应于理解古代埃及艺术,他们为死者画像或雕刻并无意识作为艺术品来保存,而是为了寄托死者灵魂的不灭,并以此慰藉世人的心灵。由此试想人类历史上哪一次被后人视为艺术的惊天动地的伟大工程是以艺术为目的的?如果说是,那么朴素的心理向往和至上的精神关注则是艺术的天性。艺术的天性是在没有发明艺术一词之前就存在了,富有灵性的人们会以毕生的精力和极限的创造追溯这一理想,即使是痛苦的。无论是埃及的金字塔还是中国的石窟艺术,都是创造者们的精神意志与天地共造化。 欧洲油画在其自身完整的发展过程中,人们经历了从神到人这一精神理念的转变,极大地丰盈了油画艺术的表现手段:在西班牙托来多古城桑托托梅大教堂里,安·柯列科的作品那坚实的造型结构和闪烁的明暗与整个教堂建筑装饰是惊人的和谐,使人不得不确信那迷离的真实。他的画同教堂一起仿佛折射着宇宙的光辉,使朝拜者的精神被彻底征服。教堂建筑对绘画的影响其空间结构意识成为欧洲油画的表现本能。这种空间结构并不仅基于科学物理和视觉经验之上,更是沉淀于他们的心理意念之中,精神渗透着他们的每一寸空间。那高耸的教堂尖顶肯定暗示着与上帝的沟通。每一时代伟大的艺术家无不受到生活的启迪,创造出无数生动的作品。然而精神的关注和投入始终是艺术家的灵犀所在。任何一位伟大艺术家的造就都有同时代大批芸芸众生相形,如

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