外国美术鉴赏 选修论文

外国美术鉴赏

艺术无处不在，它源于生活却又高于生活。我们的日常生活中更是离不开艺术，在这学期外国美术鉴赏选修课之后，我尝试着用一种欣赏艺术的眼光去看待事物，受益匪浅！我完全能够感受到来自于美术的强大魅力！

我最喜欢的是popular art（波普艺术），它传达的流行与别具一格正是青年人所追捧的。最让我喜欢的一幅作品就是安迪·沃霍尔的《切·格瓦拉》，我认为这幅作品是艺术形式与人物的完美切合。

流行艺术（popular art)，又称新写实主义，因为波普艺术（Pop Art）的POP通常被视为“流行的、时髦的”一词（popular）的缩写。它代表着一种流行文化。在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。它反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力求表现自我，追求标新立异的心理。切·格瓦拉，1928年6月14日出生于阿根廷的罗萨里奥，极富传奇色彩的拉丁美洲马克思主义革命家。他参加了菲德尔·卡斯特罗领导的古巴革命，推翻了亲美的巴蒂斯塔独裁政权。在古巴革命政府担任了一系列要职之后，格瓦拉于1965年离开古巴，到刚果（金）、玻利维亚等国试图发动共产主义革命。1967年10月8日，因内奸泄密，格瓦拉及游击队小分队在丛林中遭玻利维亚政府军伏击，格瓦拉受伤被捕。次日，格瓦拉被杀害。死后，他一直被视为国际共产主义运动的英雄和左翼人士的象征。他是阿根廷的马克思主义革命家、医生、作家、游击队领导人、军事理论家、政治家及古巴革命的核心人物，曾经与卡斯特罗并肩作战。自切死后，他成为了反主流文化的普遍象征、全球流行文化的标志。他的反主流文化的形象正是波普艺术的核心，这不得不说是完美的切合。

20世纪50年代初萌发于英国，50年代中期鼎盛于美国。波普为Popular的缩写，意即流行艺术、通俗艺波普艺术术。波普艺术一词最早出现于1952～1955年间，由伦敦当代艺术研究所一批青年艺术家举行的独立者社团讨论会上首创，批评家L.阿洛维酌定。他们认为公众创造的都市文化是现代艺术创作的绝好材料，面对消费社会商业文明的冲击，艺术家不仅要正视它，而且应该成为通俗文化的歌手。在实践中有力地推动这一思潮发展的艺术家是R.汉密尔顿。1956年，他在首届“这是明天”的个人展览会（惠特彻派尔画廊）上陈列出握有“POP”字母的网球运动员的拼集作品。这幅作品成了波普艺术的一面旗帜。英国波普艺术的代表人物还有：E.保罗齐、J.蒂尔森、D.霍克尼、R.B.基塔依、R.史密斯、A.琼斯。美国波普艺术的出现略晚于英国，在艺术追求上继承了达达主义精神，作品中大量运用废弃物、商品招贴电影广告、各种报刊图片作拼帖组合，故又有新达达主义的称号。美国波普艺术家声称他们所从事的大众化艺术与美洲的原始艺术和印第安人的艺术类似，是美国文化传统的延续和发展，1965年在密尔沃基艺术中心举办的一次波普艺术展览即以“波普艺术与美国传统”为题。美国波普艺术的开创者是：J.约翰斯和R.劳申伯格，影响最大的艺术家是A.沃霍尔、J.戴恩、R.利希滕斯坦、C.奥尔登伯格、T.韦塞尔曼、J.罗森奎斯特和雕塑家G.西格尔。集合艺术和偶发艺术一般也认为是波普艺术的两个支系。

波普”（pop）也是“棒棒糖”（lollypop，lolly是舌头，pop是涂抹）的一个简化口语词，可追溯至十八世纪。表示可口可乐之类的“汽水”（soda pop）一词，大致也是那个时期产生的（这里的pop可能是指瓶子开启的声音）。无论如何，我们都可以看到轻松愉快的享乐和渴求欲念的转化（例如棒棒糖的性暗

示）。一般认为，波普艺术是从1950年代中后期开始，首先在英国由一群自称“独立团体”（Independent Group）的艺术家、批评家和建筑师引发，他们对于新兴的都市大众文化十分感兴趣，以各种大众消费品进行创作。

1956年，独立团体举行了画展“此即明日”（This is Tomorrow），其中展出了理查德·汉密尔顿的一副拼贴画《究竟是什么使今日家庭如此不同、如此吸引人呢？》（Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?）。画里有药品杂志上剪下来的肌肉发达的半裸男人，手里拿着像网球拍般巨大的棒棒糖；有性感的半裸女郎，其乳头上还贴着闪闪发光的小金属片；室内墙上挂着当时的通俗漫画《青春浪漫》（Young Romance），并加了镜框；桌上放着一块包装好的“罗杰基斯特”牌火腿；还有电视机、录音机、吸尘器、台灯等现代家庭必需品，灯罩上印着“福特”标志；透过窗户可以看到外边街道上的巨大电影广告的局部……这一切都可以通过那个半裸男人手中棒棒糖上印着的三个大写字母得到解释：POP。该词来自于英文的“popular”，在汉语中一般地音译为“波普”。

1957年，汉密尔顿为“波普”这个词下了定义，即：流行的（面向大众而设计的），转瞬即逝的（短期方案），可随意消耗的（易忘的），廉价的，批量生产的，年轻人的（以青年为目标），诙谐风趣的，性感的，恶搞的，魅惑人的，以及大商业。

英国画家理查德·汉戴尔顿曾把波普艺术的特点归纳为：普及的（为大众设计的）、短暂的（短期方波普抽象艺术手袋案）、易忘的、低廉的、大量生产的、年轻的（对象是青年），浮华的、性感的、骗人的玩意儿，有魅力和大企业式的。

波普艺术又称普普艺术，是一个探讨通俗文化与艺术之间关连的艺术运动。波普艺术试图推翻抽象艺术并转向符号，商标等具象的大众文化主题。波普艺术这个字现今已知的是1956年英国的艺术评论家罗伦斯·艾伟Laurence Alloway 所提出的。

波普艺术同时也是一些讽刺，市侩贪婪本性的延伸。简单来说，波普艺术是当今较底层艺术市场的前身。波普艺术家大量复制印刷的艺术品造成了相当多评论。早期某些波普艺术家力争博物馆典藏或赞助的机会。并使用很多廉价颜料创作，作品不久之后就无法保存。这也引起一些争议。1960年代，波普艺术的影响力量开始在英国和美国流传，造就了许多当代的艺术家。后期的波普艺术几乎都在探讨美国的大众文化。

波普艺术特殊的地方在于它对于流行时尚有相当特别而且长久的影响力。不少服装设计，平面设计师都直接或间接的从波普艺术中取得或剽窃灵感。波普艺术其创作特征是直接借用产生于商业社会的文化符号，进而从中升华出艺术的主题。它的出现不但破坏了艺术一向遵循的高雅与低俗之分，还使艺术创作的走向发生了质的变化。

在波普艺术中，最有影响和最具代表性的画家是安迪·沃霍尔(Andy Warhol，1927—1986)。他是美国波普艺术运动的发起人和主要倡导者。1962年他因展出汤罐和布利洛肥皂盒“雕塑”而出名。他的绘画图式几乎千篇一律。他把那些取自大众传媒的图像，如坎贝尔汤罐、可口可乐瓶子、美元钞票、蒙娜丽莎像以及玛丽莲·梦露头像等，作为基本元素在画上重复排立。他试图完全取消艺术创作中手工操作因素。他的所有作品都用丝网印刷技术制作，形象可以无数次地重复，给画面带来一种特有的呆板效果。对于他的作品，哈罗德·罗森伯格曾经戏谑地说：“麻木重复着的坎贝尔汤罐组成的柱子，就像一个说了一遍又一遍的毫

不幽默的笑话。”他偏爱重复和复制。“我二十年都吃相同的早餐，”他解释说：“我想这也是反复做同一件事吧。”对于他来说，没有“原作”可言，他的作品全是复制品，他就是要用无数的复制品来取代原作的地位。他有意地在画中消除个性与感情的色彩，不动声色地把再平凡不过的形象罗列出来。他有一句著名的格言：“我想成为一台机器”，恰与杰克逊·波洛克所宣称的他“想成为自然”形成鲜明对比。他的画，几乎不可解释，“因而它能引起无限的好奇心——是一种略微有点可怕的真空，需要用闲聊和空谈来填满它。”实际上，安迪·沃霍尔画中特有的那种单调、无聊和重复，所传达的是某种冷漠、空虚、疏离的感觉，表现了当代高度发达的商业文明社会中人们内在的感情。玛丽莲·梦露的头像，是沃霍尔作品中一个最令人关注母题。在1967年所作的《玛丽莲·梦露》一画中，画家以那位不幸的好莱坞性感影星的头像，作为画面的基本元素，一排排地重复排立。那色彩简单、整齐单调的一个个梦露头像，反映出现代商业化社会中人们无可奈何的空虚与迷惘。

除此之外，我也非常喜欢油画，我个人非常崇拜保罗?高更的作品，他的作品让人感觉非常个性非常狂，我觉得一个画家就要像保罗?高更的画一样，永远拥有自己独特的一面，永远保持一种洒脱的感觉！

高更是法国后印象派画家、雕塑家、陶艺家及版画家。他可以说是直接影响了我的绘画风格。 1873 年高更开始绘画，并收藏印象派画家作品。高更早期的绘画带有实验性，也很拘谨，令人联想起在巴比松画派影响毕沙罗的作品。1880 年代早期，高更将笔触放松、变宽，赋予画面颤动的韵律特质，色彩仍很拘谨。他把颜色做块面处理，自由地加重色泽的明亮感：例如以鲜亮的蓝色画阴影，以红色画屋顶，而使之自背景中突出。

这是一位充满传奇性的画家，高更拥有着起伏多变的生活境遇和他同现实不可解决的矛盾，又由于受当时象征派诗人的影响，使他作品的思想内容比较复杂，罗为难于理解。但是，他画中那种强烈而单纯的色彩，粗犷的用笔，以及具有东方绘画风格的装饰性，与他在大溪地岛上描绘原始住民的风土人情的内容结合在一起，具有一种特殊的美感。20世纪以来，对原始艺术的再认识与研究极为盛行，更为艺术发展带来新活力，高更是先驱者之一。他主观感受强烈、色彩郁的作品，影响后来许多艺术家，更使世界人类产生无比的勇气与喜悦。

我喜欢高更他那种对绘画艺术的追求，单纯而强烈！他的作品很狂，色彩的用法以及素描的画法都是非常的野蛮，因此大家都称他为“野蛮人”，甚至对他来说这个称呼让他感到非常自豪，我们可能不能甚至是不会理解他这种心情，但高更的作品中的这一点却是一种前所未有的风格，更是高更走出了十九世纪艺术新声。

塔希提的年轻姑娘是一幅真正的杰作。我觉得这幅画的整体在形和色上是非常统一的。它的独立自主性已经达到这种程度，即为了创造一个具有独立生命——艺术生命的客体，艺术家的视觉就会不符合现实的视觉，就要从后者中抽象出来。某些次要的细节还很像印象派，不过画面总的风格已是另外一种，即建立在新理论的基础上；高更将把这种风格发展下去，并且至死不渝。他喜爱塔希提妇女的那种粗野但却健康而强烈的美，他喜欢她们的天真、直率的性格，他欣赏她们肌肤上的炙热而又丰富的色调。他太为他的模特儿所陶醉了，以致他无法为了他的综合法而牺牲模特儿。因此，他以综合的手法描绘对象，但决不搞综合。形象上没有丝毫抽象因素，每一根线条，每一个调子都充满着赞美和喜悦。高更那种绝望的、悲哀的调子，在这幅画上已全然消失。他在远离文明、远离首

府巴比埃城的森林之中，重新获得了平静、人性和快乐。随着欢乐，他重又找到了准确的明暗对比调子和安稳的、而不是像从前那样狂乱的色彩和谐。褐黄色的皮肤、蓝黑色的头发、青紫色的衣服(稍被几块玫瑰色和白色所间隔)，展现在上半部为橙黄色，下半部为红色，散布着一些绿树叶的明亮的背景前面。甚至某些结构上、比例上、体积和光的表现上的缺陷，也竟成了一种难能可贵的东西，因为它们反映了表现手法的新鲜和生动，反映了艺术家创作的无拘无束。高更往后也创作了一些像这样美的作品，但比这更好的作品却从此未能再见。

高更在这些画上根本没有放弃他的风格，他希望表现出所画场面和他在现实中看见的情景之间的相互关系。

《雅各与天使搏斗》看来应该是一个基督教题材。其实我觉得实际上，画家是以象征主义为特点，描绘农妇在教区牧师讲解教义时，眼前所产生的幻象。画的是人们脑海里的幻觉，画上以现实主义手法展现，因此画的人物不是基督徒形象。布列塔尼农妇头上戴的古怪帽子，加强了画面的装饰效果，而宗教传说中的“搏斗”场面，却被处理在不太明显的地方，以象征这些虔诚的布列塔尼农妇头脑里所映现的幻象。“雅各与天使搏斗”画的不是一个圣徒的形象，而是农妇对这一形象的崇拜。他们在倾听自己的教区牧师给他们讲解雅各与天使相斗的意义。高更把这场搏斗描绘在不太明显的、仿佛产生在梦幻中的远处，非但没有深入这个主题，反而远远离开了它，同时还利用布列塔尼农妇头上那些古怪的帽子来制造装饰性效果。色彩的搭配是失败的；人的肌肤不是那种可能会与蓝色和紫色相称的橙黄色的，包发帽同土地的纯红色相比显得太白了；显然可以感到，高更在用色彩体现构思方面还是有困难的。让人难以想象他的绘画思想。

这个主题使他的绘画显得神秘化了。这里的红、蓝、黑和白色组成的画面，是一幅图案，弯曲起伏的线条，类似拜占庭镶嵌画。由于内容与形式的复杂性，也使高更的艺术风格复杂化了，故史家称它是一种综合主义。高更的这种风格后来还影响了法国的纳比派和野兽主义。

众所周知，任何一件艺术品都是得自现实的印象抽理论领域的易位；因此，艺术作品同时既是抽象的又是具体的。高更同印象派画家的差别就在于与现实相关的抽象在他的创作中所起的那种巨大的作用。起码如我们所见到的，这不仅是高更一人所具有的特点，在塞尚和修拉的作品中也可以见到。使高更有所不同的，是他的抽象的特点：他的纯色、他的综合方法、线的装饰性和不要深度他的这种手法，被他自己和文学家命名为象征主义的风格，同时也为高更一生的创作留下了不朽的记忆。

高更在技法上采用色彩平涂，注重和谐而不强调对比，《讲道以后的幻景》就是这种艺术处理的代表作。他的绘画风格与印象主义迥然不同，强烈的轮廓线以及用主观化色彩表现经过概括和简化了的形体，都服从于几何形图案，从而取得音乐性、节奏感和装饰效果。其理论和实践影响了一大批画家，被誉为继印象主义之后在法国画坛上产生重要影响的艺术革新者。

在我看来，他的作品更多的能反映出他的人生，看到他对艺术的一种强烈追求，我们应该学习他的艺术执着，学习他的艺术精神，甚至可以临摹他的他对艺术绘画一路走来的人生选择。

艺术无处不在，它源于生活却又高于生活。让我们用一种欣赏艺术的眼光去感受、去传承来自于我国美术的强大魅力！