古典主义绘画风格与拉斐尔

高中美术《印象主义绘画》教案

美术课《印象主义绘画》说课稿教材分析：印象主义绘画是19世纪60年代在法国出现的艺术流派。在西方近现代科学的启发下，他们对绘画的光线、色彩的表现进行了独到的探索，并为西方现代主义绘画的发生创造了条件。本课向学生介绍了印象主义绘画的许多作品，其中包括印象派，新印象派和后印象派的画。从欣赏中，使学生知道印象主义绘画探索的艺术原则和表现形式的独特风格，以及印象主义绘画尤其是后印象主义绘画在主观与客观艺术与自然的关系的革新及重大意义。本课要讲清楚各个派系的画家、作品的名称、观念和形态的共同点和差异是什么？并重点分析画面色与光的千变万化的科学依据是什么？使学生听后感到多而不繁，杂而不乱，达到教学目的。教学目标：了解印象主义绘画的艺术观念，及表现自然界瞬息万变的光色效果的艺术风格。提高对西方绘画作品的欣赏能力。感受印象主义绘画的形式美感。教学重点：认识并了解西方印象主义绘画的艺术观念与风格。感受印象主义绘画色彩变化的形式美感。教学难点：对西方印象主义绘画的艺术观念的理解。教学方法：欣赏法、讨论法、讲解法。学习方法：上网查资料法、总结法。教学手段：为了更好的完成教学目标，采用现代教学媒体棗网络查找资料，实施创设情景，激发学习兴趣；主动探索，强化独立思考意识；点拨导思，激发学生自学能力。教学过程：一、导入继浪漫主义以后，在19世纪60年代，法国又出现了一个新的艺术流派，就是印象主义绘画。印象主义的画家们走出画室，直接面对自然进行绘画，他们热中于表现自然界瞬息万变的光色变化和对自然的直接感受。他们不象古典主义，浪漫主义和现实主义画家那样强调画面的故事情节和主题思想，而是受光学理论的启发，把所描绘的客观物象作为绘画研究的实验媒

现代主义设计的风格特点与历史意义

现代主义设计的风格特点与历史意义班级：数媒1002 作者：陈水源学号：0305100202

何为设计？在我看来，设计就是人们把自己心中的计划、规划、设想等通过视觉的形式传达出来的活动过程。我们平时常耳闻的工业设计、建筑设计、室内设计、环境设计、网站设计、平面设计、服装设计、机械设计、影视动画设计、环艺设计等等都属于设计的范畴。现代主义设计是兴起于19末20世纪初的德国等欧洲国家，在二三十年代达到高峰，二战以后通过美国影响到全世界，六七十年代走向衰落的一场国际性运动。设计学里的现代主义运动，是指一批建筑师、设计师、和理论家开始探求20世纪新的审美观。对大多数持这一审美观的实践者来说，它不单是一种风格，而且是一种信仰。现代主义的主要特点就是理性主义，以及从19世纪起突然崛起的客观精神。而在这以前的建筑师和设计师，一直都是抱着风格复兴和装饰的概念。与工艺美术运动不同，现代主义相信未来城市的一切都可能由机械时代的新发明和新产品制成。现代主义的另一个关键的含义是：“形式服从功能”。这一口号反映了此项运动理性的、有秩序的现代设计方式。现代主义运动中突出的代表有荷兰的风格派，俄罗斯的构成派，法国的勒.柯布西埃，意大利的未来派，斯堪的纳维亚的阿尔多和阿斯普朗德的设计，以及美国的流线型设计。现代主义设计是一种面向大众的设计，它以理性主义为主要特点，

突出强调功能主义，即“形式服从功能”，又讲究设计的科学性。在形式上，现代主义设计提倡非装饰的简单几何造型，摒弃装饰来降低成本为大众服务；在具体设计上，现代主义设计重视空间的考虑，强调整体设计，提出在模型的基础上进行设计规划；在设计过程中，现代主义设计又考虑经济问题，达到实用、经济的目的。这样，使得产品生产实现了标准化、批量化，提高了生产效率，促进了生产力的发展。但与此同时，产品又存在造型单一化的倾向。现代主义设计最早是在建筑界出现的。由现代建筑大师勒.柯布西埃设计的萨伏伊别墅是现代主义建筑的经典作品之一，它位于巴黎近郊的普瓦西，于1928年设计，1930年建成，使用钢筋混凝土结构。这幢白房子表面看来平淡无奇，简单的柏拉图形体和平整的白色粉刷的外墙，简单到几乎没有任何多余装饰的程度，“唯一的可以称为装饰部件的是横向长窗，这是为了能最大限度地让光线射入。”而包豪斯校舍被认为是现代建筑中具有里程碑意义的典范作品，其设计者为包豪斯第一任校长、德国建筑师格罗佩斯，他创造性地运用现代建筑设计手法，从建筑物的实用功能出发，按各部分的实用要求及其相互关系定出各自的位置和体型。利用钢筋、钢筋混凝土和玻璃等新材料以突出材料的本色美。在建筑结构上充分运用窗与墙、混凝土与玻璃、竖向与横向、光与影的对比手法，使空间形象显得清新活泼、生动多样。尤其通过简洁的平屋顶、大片玻璃窗和长而连续的白色墙面产生的不同的视觉效果，更给人以独特的印象。美国评论家罗伯特.休斯曾说过：穷人没有设计。长期以来建筑

论后印象主义的特征及对现代美术的影12

论后印象主义的特征及对现代美术的影响摘要：后印象主义画派产生于19世纪后期的法国，他们并不是一个独立的统一的组织，也没有相关的宣言，只是后来的艺术家和艺术评论家为了给他们这群曾忠实于印象主义又反叛于印象主义的画家一个统一的称呼才诞生了后印象主义。后印象主义开辟了绘画语言的新天地，他们用新的技巧展示了客观世界和人们主观世界的丰富性和联系性，拓展了人民的审美领域更为艺术家发挥个性提供了可能，是现代绘画这曲交响乐绚丽的前奏。关键词：后印象主义特征影响 19世纪的欧洲美术史，对法国似乎有着特别浓厚的感情。浪漫主义余韵尤存，现实主义尚在流行，印象主义、新印象主义、后印象主义已接踵而至。如同文学一样，19世纪欧洲美术同样具有双重性：与传统风格相联系的一面和追求标新立异革新的一面。在文学中出现了“自然主义”的思潮和某些“颓废”迹象。从而使文艺复新以来确立的关于文艺作品的基本风格以及用艺术的想象来真实地反映自然的信念，受到了质疑和否定，这给艺术创作带来了自由。就这样，后印象主义绘画在经历了印象主义新印象主义后应运而生。在后印象主义存在的20年里（1880——1990），产生了塞尚、凡高、高更和劳特累克这几位艺术大家，他们开启了20世纪绘画艺术的大门并深刻影响了现代艺术。究其特征，主要表现在以下几个方面：一、热衷主观表现与个性语言的探索。在印象主义后期，曾是印象主义的发起者塞尚和参与者凡高、高更等一些青年艺术家，渐渐不满意印象派固有的表现方法，即单纯地模仿客观世界和醉心捕捉瞬间即逝的色与光，他们主张重新重视美术中形的概念，重视作者的主观与个性，注意在作品中表现作者的主观感情和情绪与形式的表现力。“‘绘画不意味盲目地去复制现实’而是‘把自己的感觉译成特有的语言，给予再现的自然以新的意义’，追求‘一种牢固的、经久的、博物馆的艺术，’”塞尚对后印象主义美术的观念如是说。他还主张绘画应该摆脱文学化和情节性的存在状态，突出绘画自身的语言表现力和物象本身的美感，这无疑是对传统美术的精神表现和写实主义的自然法则的反叛与挣脱，它极大的加强了艺术家在感受客观物象和表现题材时的主观能动性和理念性。相对于塞尚，“凡高和高更则更侧重于精神性的表现，并且赋予画面以象征的意味。”高更在其日记中这样写到：“印象主义者一味地研究色彩，而没有自

论极简主义的设计风格

论极简主义的设计风格极简主义风格，并不是现今所称的简约主义，而是第二次世界大战之后60年代所兴起的一个艺术派系，作为对抽象表现主义的反动而走向极至，以最原初的物自身或形式展示于观者面前为表现方式，意图消弥作者借着作品对观者意识的压迫性，极少化作品作为文本或符号形式出现时的暴力感，开放作品自身在艺术概念上的意像空间，让观者自主参与对作品的建构，最终成为作品在不特定限制下的作者。极简主义并不局限于艺术或设计，它是极简主义者奉行的一种哲学思想，价值观以及生活方式。极简主义以简单到极致为追求，是一种设计风格，感官上简约整洁，品味和思想上更为优雅。著名建筑师密斯·凡·德罗有句名言：“少即是多”。这里的“少”不是空白而是精简，“多”不是拥挤而是完美。密斯的建筑艺术依赖于结构，但不受结构限制，它从结构中产生，反过来又要求精心制作结构。极简主义主张艺术作品不是作者自我表现的方式，采用简单平凡的四边形或立方消隐具体形象传达意识的可能性，使用重复或均等分布的手法，物料方面则尽量减少加工，采用原物表里原来质感为卖点。极简不是简单，是被提炼出来的纯粹和精华，其轮廓更为利落，线条也流畅，看似间接却足见其深蕴。它的精致、简洁背后凝聚着精心刻意的过程，这样，才能在简明轻快的现代生活环境彰显时尚个性，才能品味出优雅的生活。喜欢这种风格的人现代又不失传统，生活讲究精致，简洁。对他们来说，家是一个摆脱繁复的享受之地。白色、褐色、浅色搭配温暖的红色、橙色。家居线条分明，清晰有较好的整体性，表面避免接缝，平整，圆滑，易于清洁，周边有玻璃和金属质地的轮廓勾勒。在浅色环境中，深色的家居配饰不论从形态、比例还是色彩上都是非常引人注目的。居室内除必需的功能用品外，无需任何多余的装饰，家具采用国外的深色木头，灰色、白色、褐色等，纹理简单、整拼的地板能够强调出简洁与品质。极简主义的起源可以追溯到12世纪欧洲的宗教改革运动和美同的抽象表现主义思潮，也可以追溯到构成主义，以及对包豪斯元素的吸取。20世纪50年代，涌现出以直角、线条、简单几何为主的艺术作品绘画和雕塑尤为突出。由此引发艺术家对以往奢华繁琐、以堆砌贵材料来达到艺术效果的设计风格反思。一部分艺术家开始主张用简约的创作手段重新诠释艺术，这为极简主义奠定思想理论基础，极简主义开始流行。简约而不简单，现代人面临着城市的喧嚣和污染，激烈的竞争压力，还有忙碌的工作和紧张的生活。因而，更加向往情绪自然、随意轻松的居室环境。越来越多的都市人开始摒弃繁缛豪华的装修，力求拥有一种自然简约的居室空间。少即是多，多既是少。如果发现自己的家被浓烈的世俗气息淹没了本属于你的独特气质和精致品位，那你可能是拥有的东西太多——书和杂志，家居办公用品和电脑设备，玩具总汇以及厨卫用具。怎样才能将自己从繁杂中解救出来，怎样才能走出无端堆砌的束缚，而生活在一个舒适又美观的环境中呢？答案就是极简主义，以宁缺毋滥为精髓，合理的简化居室，从简单舒适中体现生活的精致。几十年来，极简主义不断的影响着建筑界和室内装饰界的发展趋势，随着社会的发展，住房条件不断改善，越来越多的人已经不满足于房子的功能仅仅是满足居住行为而已。现代人离传统的大家庭居住模式越来越远，体现自我价值、突显住户个性的小户型近年来受到很多人的追捧，特别是受到年轻人的追捧。这些人不再介意空间是宽敞，交通是否便利，小区的规划是否合理，他们在乎的是室内设计一定要简洁、明快、充满时尚感。极简主义设计风格恰恰迎合了这些需求，他创造了安静、淡定的空间环境，是一种设计风格。极简主义室内设计可以更好的迎合人对空间的潜在要求，虽然本着无限减少的原则，却

马蒂斯绘画中的色彩观

浅谈马蒂斯绘画中的色彩观

————————————————————————————————作者：————————————————————————————————日期： 2

浅析马蒂斯绘画中的色彩观摘要：在艺术发展到"东西方会合"的大时代背景下，选择野兽派领袖马蒂斯为代表，以分析、对照具体作品为方法，从画面形式层面，具体从色彩方面剖析这位画家作品中所蕴含的具有东方意味的情趣，以展现东方意味在他画面中的具体运用或表现。关键词：亨利·马蒂斯；平面性；东方艺术；色彩观亨利·马蒂斯（Henri Matisse 1869~1954）出生在法国勒卡托-康布雷齐（诺尔省），是法国野兽派的先驱，与立体主义的毕加索一起被视为20世纪法国画坛上的两位最重要的艺术家。1892年，马蒂斯报考巴黎美术学院，落第后被著名象征派画家莫罗看重，收入自己的画室。这位导师竭力鼓励学生们根据各自的爱好，去发展自己的个性绘画。他教导学生，为抵制学院主义，不要单纯地满足于经常去博物馆，也要向街头或者到大自然中去作画。莫罗的"在艺术上，你的方法愈简单，你的感觉就愈明显"这句格言，对他启发最大。① 他从后印象派画家中得到启示，大胆发展塞尚的"艺术是一种和自然平行的和协体"这个思想，并从凡高那跳动的笔触中得到狂热表现的力量，也从高更东方色彩的运用中取得表现的方法，马蒂斯以崭新的面貌出现在美术界。在经过了几种风格的尝试之后，他于1905年前后最终确立了自己的绘画风格。他的画色彩对比强烈，线条粗犷有力，画面线条狂野，富有装饰趣味，成为有影响的现代派画家。他的油画、壁画、雕塑、素描、版画、剪纸等领域取得了令人瞩目的成就。作为野兽派的代表人物，马蒂斯继往开来，但那看似极其概括简单却又神秘的色彩，精致、提炼，究竟有何深度呢？一、马蒂斯绘画产生的时代背景 1、时代背景。19世纪末，欧洲的资本主义社会工业化大生产迅速发展，这种工业革命的变革，不但改变了人们的生活方式，而且给人们的观察和思维方法带来了变化。20世纪初，以反叛传统为特点的西方现代派绘画的出现，但从艺术本身来看，也是艺术发展的必然结果。西方传统的写实艺术已经多次复兴，整个体系已经比较完善，几乎无人能有新的建树。事物的极度发展往往会导致衰退或者变异，西方现代艺术走向了相反的道路：由再现走向表现、由写实走向写意。于是改变了对自然物象的摹仿与再现，开始注重主观情感的表现。科学的发展也使得追求客观物象视觉真实效果的西方传统绘画受到了危机；照相机的发明可以把客观景物十分快捷并且真实无遗地重现出来，以客观再现为主要目的的西方传统绘画，无法与照相机抗争，而到主观色彩更加强烈的领域寻找出路，因而笔触、线条、色彩、光等，都成为画家一直用来表达情感和情趣的手段。 2、东方艺术的影响。19世纪以来，西方艺术家从工艺美术之国--日本选择工艺性重于绘画性，装饰性重于写实性的浮世绘等艺术。这种选择也导致了西方文艺复兴以来的最重大的文化革命--现代主义扬弃写实主义传统。所以早在1891年，法国批评家在谈到日本主义的时候就指出："试图无视这个影响者，看不清现代艺术革命的起源，注定会犯这种过失，忽略形成今天样式的本质要素。同时，在艺术历史中，也注定会对具有决定性重要意义的实例视而不见。"事实上，这种影响，与古希腊，罗马对文艺复兴的影响具有同样的意义。东西方文化的交流，大量的东方艺术品、非洲艺术、中世纪艺术涌入欧洲，给欧洲艺术家以许多启发，审美价值也在悄然地发生着变化。"绘画不

几种设计风格主义

国际式风格派国际式风格伴随现代建筑中的功能主义及其机器美学理论应运而生。代表人物为密斯·凡·德·罗、格罗皮乌斯、勒·柯布西耶等。这几位第一代建筑大师都提出了现代建筑的系统理论；格罗皮乌斯强调工业化对建筑的影响、讲求功能，大量采用装配式结构，建筑立面简结，屋顶平整，采用大片玻璃窗。柯布西耶提出了著名的“建筑是居住的机器”的观点。密斯强调建筑设计与技术的精美及注意空间流动这换等论点。他们的设计风格虽不同，但都是以新的观念指导创作，其室内设计与建筑设计一样，注重功能和建筑工业化的特点，反对虚伪的装饰，对后来的建筑发展作出了重要贡献，其主要特点被归结为“国际式”，风靡全球。鲍豪斯学派在推广国际式风格方面建立了不可磨灭的功绩，影响至今，仍有许多设计是在他们美学理论与设计手法的基础上，根据不同的文化背景及其条件而加以发展。国际式风格派的室内设计特征可归纳为：（1）室内空间开敞，内外通透，称为流动的空间。不受承重墙限制的自由平面设计。（2）室内墙面、地面、天花以及家具、陈设、绘画、雕塑乃至灯具、器皿等均以简洁的造型、纯洁的质地、精细的工艺为其特征。（3）尽可能不用装饰和取消多余的东西，认为任何复杂的设计，没用实用价值的特殊部件及任何装饰都会增加建筑造价。强调形式应更多地服务于功能。（4）建筑及室内部件尽可能使用标准部件，门窗尺寸根据模数制系统设计。（5）室内选用不同的工业产品家具和日用品。国际式风格的缺点是千篇一律、表情冷漠少人情味，在以后受到众多非议。但是，这个设计时期同时出现象赖特那样的建筑大师，他在注重功能的同时也注重与自然的结合及人情味，注重细部细腻的表现。他的草原式住宅对后来影响深远。极少主义派是盛行于六、七十年代的室内设计流派。光洁派的室内设计师们擅长于抽象形体的构成，常常用雕塑感的几何构成来塑造室内空间，室内空间具有明晰的轮廓，功能上实用舒适。在简洁明快的空间里运用现代材料和现代加工技术的高精度的装修和家具传递着时代精神，使这些产品、部件的高精密度表象成为欣赏的对象。因而无需其他多余的装饰来画蛇添足。现代主义建筑大师密斯提出的“少就是多”，是这一派设计师们遵循的信条。光洁派是晚期现代主义极少主义派的演变，因此又称“极少主义派”。光洁派的室内设计特征为：（1）空间和光线是光洁派室内设计的重要因素。为了空间明亮、窗口、门洞的开启较大与室外环境通透、连贯。窗户的装饰要便于室内采光和通风，通常采用卷轴式、垂直式遮帘和软百页帘。（2）室内空间流通，隔而不断，具有活泼、宽敞的感觉。（3）简化室内梁、板、柱、窗、门、柜等所有构成元素，天花、地板，墙面大多光洁平整，部分装修材料则可着意显示材料本身的质感和肌理效果。设计师们还不断创造新的材质肌理效果。（4）室内也较多地使用玻璃、金属、塑料等硬质光亮材料。

明清绘画的主要流派及代表画家作品风格

1.明前期宫廷山水画（“浙派”）院体与浙派山水的杰出代表是戴进与吴伟，极大了左右了院内外的职业画家的艺术追求，作为职业画家，他们不仅在艺术风格上有所区别，而且生平际遇也有所不同。(1)戴进:A.山水画:a.措景丰富，多生活实感，构图剪裁精当而境象恢弘，造型明快而富于质感，笔墨劲健而法度谨严，格调洒脱而清爽隽逸。b.山水实境中安排有情节的人物活动，粗看有气势，可“卧游”，细看又有情味，实质上是以山水为主的山水人物画:《春游晚归图》。B.追随其画风者极多，而以其籍贯，称这一派为“浙派”。(2)吴伟:A.山水画:a.用水更多，气魄更大，布景造型更简括整体，画山石用斧劈皴，横涂直抹，似若随意。 b.画中有较大人物，与山水结合，给人以简劲放纵，水墨淋漓，气势磅礴又不流于粗俗的印象，其实是以山水为衬景的人物山水画:《柳下读书图》《梅下抚琴图》.B.以其籍贯将这派称之为“江夏派”。 2.明中期文人画与“吴门四家” “吴门四家”:沈周，文徵明，唐寅，仇英:<1>吴门派画家大多属于诗书画三绝的文人名士，他们淡于仕进，优游林下，以诗文书画自娱。<2>继承尚意趣，精笔墨，饶“士气”的元人绘画传统，致力于宁静典雅，蕴藉风流的艺术风格，体现自得其乐的精神生活，是他们山水花鸟花的普遍特点。(1)吴门派兴于沈周，成于文徵明，是吴门派文人画的最突出的代表:A.他们以山水见长，山水画中以水墨以及水墨淡着色的作品更引人注意，并且有粗细两种面目。B.多描写江南风光或文人园林，凭借诗书画三位一体抒写情怀。<1>沈周:A.山水画:a.以粗笔为多，早期笔墨严谨细秀，晚年笔丰墨健，浑厚沉郁。b.作品构图平稳，境界宁静优雅，洋溢平和怡悦的气氛.c.尤能在温雅恬静的情调里表达恢弘的胸襟，丰富的想象与蓬勃的生命力，作品反映的审美情趣和笔墨意韵，代表了明代文人画的美学追求。B.粗笔作品《夜坐图》，细笔作品《庐山高图》:开创以山水画象征人品的表现手法。<2>文徵明:A.山水画:a. 以细笔为主要面目。b.作品情调娴静典雅，布景层叠而上缺少纵深空间表现，追求平面感.c.笔墨干枯中见秀润，设色清丽雅洁，有一股“士气”充溢其间，抒情意味更胜。B.细笔作品《绿荫清话图》《真赏斋图》。C.沈周与文徵明的花鸟画风格也有差异:a.沈周的花鸟画以水墨写意见长:《枯树八哥图》。 b.文徵明多画竹兰，优美秀雅，清润天然:《湘君湘夫人图》。(2)唐寅和仇英代表了融合院体与文人画风的另外两种类型:A.体现了滥觞于此时的文人画家职业化与职业画家文人化。B.他们与沈，文有四个方面的不同:a.均出身下层社会.b.均以画为业.c.师承相近.d.均擅画人物。<1>唐寅:A.修养广博，才华横溢，题材范围宽广，形成以“院体”工细为主而兼具文人画笔墨的意趣与风格，尤能通过诗书画结合阐发不同寻常的立意。B.仕女画:富有时代特色，创造了细腰纤瘦，眼眉细小，樱桃小口，下巴尖尖的艺术形象。C.山水画:状物真实，抒情自然，作风沉郁潇洒:《落霞孤鹜图》。D.花鸟画:用水墨随意点染，更具秀逸，清新之趣:《古槎鸲鹆图》。<4>仇英:A.文化修养不博，画上只题名款，绘画题材较窄，专画传统题材，尤擅工笔重彩人物与青绿山水，在精丽秀美中闪现妍雅温润，是一种雅俗共赏的风格。 B.工笔人物画:《秋源猎骑图》《桃源仙境图》把青绿山水与工笔人物结合。 C.小写意人物画:《松溪高士图》《蕉下弹琴图》。 3.明后期写意花鸟画（“白阳青藤”“勾花点叶体”）明代中叶，在画史上并称为“白阳青藤”的陈淳，徐渭把写意花鸟画发展推向了新的阶段。(1)陈淳:A. 号白阳山人，写意花鸟造型写实精当，严于剪裁.B.意境安适宁静，笔墨自由如意,也时作草书题诗，配合画意.C.画法已呈放逸，表达感情显得逸宕:《秋葵图》《山茶水仙图》。(2)周之冕:A.所画花卉，勾染点簇，设色鲜雅，逼真而富生意.B.画法兼工带写，以勾勒法画花朵，以墨色点染枝叶，被称为勾花点叶体:《芙蓉鸭图》。(3)徐渭:A.完成了水墨写意花鸟画变革的大家，号青藤，一生坎坷，形成狂傲不羁的个性。B.花鸟画:a.大胆变革，极具创造力，赋予花卉以强烈的主观感情，直抒愤世嫉俗，激荡难平之情，具有震撼人心的艺术感染力。b.擅以狂草般的笔法纵情挥洒，泼墨淋漓，在“似与不似之间” 的花木形象中着眼生韵的体现.c.把中国写意花鸟画推向强烈抒写内心情感的极高境界，把在生宣纸上充分发挥并随意控制笔墨的表现力提高到前所未有的水平，成为中国写意花鸟画发展中的里程碑:《杂

极简主义设计风格

论文题目：“极简主义设计风格”在今后环艺设计中的发展及前途开题报告（选题研究的意义及主要内容）： (一)、选题研究的意义随着社会的发展，住房条件不断改善，越来越多的人已经不满足于房子的功能仅仅是满足居住行为而已。现代人离传统的大家庭居住模式越来越远，体现自我价值、突显住户个性的小户型近年来受到很多人的追捧，特别是受到年轻人的追捧。这些人不再介意空间是宽敞，交通是否便利，小区的规划是否合理，他们在乎的是室内设计一定要简洁、明快、充满时尚感。极简主义设计风格恰恰迎合了这些需求，他创造了安静、淡定的空间环境，是一种设计风格。（二）、主要内容一、极简主义的概念二、极简主义的四个特点三、现代家庭极简装修风格的含义四、极简主义风格背景五、极简主义的空间运用六、极简主义在今后环艺设计中的发展及前途七、总结

“极简主义设计风格”在今后环艺设计中的发展及前途【中文摘要】：现代人面临着城市的喧嚣和污染，激烈的竞争压力，还有忙碌的工作和紧张的生活。因而，更加向往着清新自然、随意轻松的居室环境。越来越多的都市人开始摒弃繁缛豪华的装修，力求拥有一种自然简单的居室空间。人们在这繁忙的生活中，渴望得到一种能彻底放松、以简洁和纯净来调节转换精神的空间，这是人们在互补意识支配下，所产生的欲摆脱繁琐、复杂、追求简单和自然的心理。【关键词】极简主义；室内设计；放松空间一、极简主义的概念极简主义(Minimalism)又可被称为低限主义，它是在早期的结构主义的基础上发展而来的一种艺术门类。它起源于60年代美国艺术史上的重要变革，最初是对抽象表现主义的一种反应，主张一种形式上的客观与单纯，最初表现在绘画和雕塑，后来遍及整个艺术领域，包括服饰界的 Calvin Klein 都是受极简主义影响下产生的一种简约风格。极简主义亦在近几年的室内设计上造成一股风潮，强调纯粹空间的单纯性，除去多余的装饰，将空间简化至光、墙及体，意谓着运用最简单的构成原理，造成空间的流动与不同层次的穿透性，而极简主义的精随也在于此. 极简主义风格的居室设计极简主义(Minimalism)，并不是现今所称的简约主义，作为对抽象表现主义的反动而走向极至，以最原初的物自身或形式展示于观者面前为表现方式，意图消弥作者借着作品对观者意识的压迫性，极少化作品作为文本或符号形式出现时的暴力感，开放作品自身在艺术概念上的意像空间，让观者自主参与对作品的建构，最终成为作品在不特定限制下的作者。极简主义是一种设计风格，感官上简约整洁，品味和思想上更为优雅。极简主义设计已经被描述为最基本的设计，别除了多余的元素、色彩、形状和纹理。它的目的是使内容被突出出来并成为焦点。从一个视觉的角度来说，极简主义设计意味着平静和思想带回本真。二、极简风格有这四个特点： 1.功能主义特征。强调功能为设计的中心和目的，而不再以形式为设计的出发点，讲究设计的科学性，重视设计实施时的科学性与方便性。 2.形式上提倡非装饰的简单几何造型。受到艺术上的立体主义影响，推广六面建筑和幕墙架构，提倡标准化原则、中性色彩计划与反装饰主义立场。 3.在具体设计上重视空间的考虑，特别强调整体设计，反对在图板上、预想图上

我向马蒂斯学画画教学反思

我向马蒂斯学画画教学反思《我学马蒂斯来画画》，本课的教学目的是体验画家作品，感受创造的乐趣，发现作品结构特征。在不改变画面的基本结构的情况下作创造性的添加。能正确欣赏评价大师、自己和别人的作品。真正走近马蒂斯，必须对马蒂斯有全面的了解，即要经过一个欣赏的阶段。然而在以往的美术教材中的欣赏课总使孩子们索然无味，关键在于缺乏参与的激情：光说不练，隔靴挠痒，距离太远。而欣赏恰恰强调一个再创造的过程，得从画家的人生经历，时代背景，人物个性等方面入手，这样问题就出现了：是否会和政治思想课相似，和语文课有雷同呢？尽己所能把自己了解的画面风格，作者生平，时代背景最大限度地讲给学生，期望学生对马蒂斯有全面的了解。试想这样的过程对小学阶段的学生有效吗？采用这样的方式还谈的上是走近马蒂斯吗？二年级的孩子能从单薄的语言，自身单薄的经历中了解画家崇尚人性、自然、和谐的意义吗？反而使距离遥远，缺乏吸引力。使他们在心理上觉得和大师的作品有差距，就像精美绝伦的物品面前竖着这样一个标志：物品贵重请勿靠近。一下子令人丧失了亲近的热情。撇开上述的各种元素，我们就画论画，就能使学生和大师产生某种方式的对话，产生一定的共鸣，在观画的过程中体验到一个再创作的过程吗？答案当然是否定的。基于这样的考虑我认为合理的铺垫：让学生看一看、想一想、说一说、再动手画一画。让他们用自己的亲身体验轻松地和大师对上话。自由的学习方式对任何一个学生来说都会使他们特别激动，在教学导入过程中我采用得是“听画”的方式：“请画一个坐着的人，什么人？什么

打扮？我不知道，可你知道。发挥想象，画出你最熟悉或感兴趣的人。” “再请画一张给这个人坐的椅子？什么式样你最有发言权。”然后剪下在黑板上简单展示和交流。椅子、人物再也没有比这更让孩子们熟悉了，没有任何的约束他们可以自由发挥想象：黑板上一会儿就出现了四十几把不同造型的椅子上坐着四十几个不同的人物。这是孩子们将已有的信息和经验在头脑中进行有意识的选择，组合运用创造的过程。短时间内就使他们看到了集体创造的成果。小小的成果展示在创造的过程中所起的作用是举足轻重的。它是动力，是源泉，在课堂一开始让孩子们的大脑进行了预热。他们小小的心中涌动着澎湃的创作激情，并且在以后的创作作品中也会直接体现了出来。我再把这些作品组合成马蒂斯作品结构相似的画面，继而出示马蒂斯作品，请他们做比较，找找他们最相似的地方在哪里？为他们提供一个可探究和发现的情境，把问题扔给学生，激发他们的探究欲望，促使他们进行分析、归纳、判断。难度降低，较容易的得出：位置不变，形象变了。（即主要结构相同：物体的大小、前后关系。）用游戏的方式很自然的感知了创造的结果，把握了作品的基本结构。并把大师的作品和学生的作品联系在一起，初步的走近了大师。感知是创作的基础，所以对马蒂斯作品的欣赏很重要：请学生用描述性的语言描述画面：“在画面上你看到了什么？想到了什么？

印象派绘画含义及其深远影响

印象派绘画含义及其深远影响印象派绘画诞生于法国19世纪后期的印象主义画派是西方绘画史上一个划时代的艺术流派。代表画家马奈、雷诺阿和莫奈等都把“光”和“色彩”作为绘画追求的主要目的，他们倡导走出画室，描绘自然景物，以迅速的手法把握瞬间的印象，使画面呈现出新鲜生动的感觉。因莫奈的《日出·印象》而得名。印象派绘画是西方绘画史上划时代的艺术流派，19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。19世纪后半叶到20世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制，除了这次来华展出的著名画作外，马奈的《草地上的午餐》、莫奈的《日出·印象》、·梵.高的《向日葵》等更是鼎鼎大名。印象派画家走出画室，深入原野、乡村、街头写生，力求真实地刻画自然。借用“物体的色彩是由光的照射而产生的，物体的固有色是不存在的”这一最新的光学理论，印象派画家认为，景物在不同的光照条件下有不同的颜色，他们的使命便是忠实地刻画在变动不居的光照条件下的景物的“真实”，这种瞬间的真实不恰恰就是一种转瞬即逝的“印象”吗?而印象派画家把这种“瞬间”永恒地记录在了画布上。[1] 代表人物有莫奈，毕沙罗，雷诺阿等印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。印象派画家吸收了写实主义绘画的营养，在绘画中开始对室外自然光的研究和表现。根据“物体的色彩是由光的照射而产生，物体的固有色是不存在的”这一当时最新的光学理论，印象派画家认为，景物在不同的光照条件下有不同的颜色。印象派画家倡导走出画室、去户外写生，力求真实地刻画自然，直接描绘阳光下的风景和日常生活，摒弃16世纪以来狭隘的褐色调。

29浅析文征明的山水画艺术特色

29 浅析文征明的山水画艺术特色李晓/ 陈炜济南大学美术学院2015级硕士研究生/ 济南大学美术学院摘要：文征明是明中期著名的画家，是明四家之一。文征明书法成就颇高，擅长山水、人物、花鸟多种题材，尤以山水画见长，将文人画的发展推向高峰。他注重师法古人，更注重师造化，以此形成了自己独特的山水画风格。本文通过分析文征明所处的社会、家庭环境等因素，探究文征明独特山水画风格的形成过程。关键词：文征明；山水画；青绿一、影响文征明艺术发展的因素明代山水画的发展主要继承了宋元山水，明初戴进开创的浙派山水画师法宋代画家马远、夏圭，绘画以南宋的院体画风格为主，皴法主要为大斧劈皴，线条厚重。明中期在苏州兴起的吴门画派以沈周、文征明为代表，推崇北宋的山水画，师法董源、巨然。明晚期兴起以董其昌为首的松江派，师法董源、巨然、倪瓒、黄公望，与吴门画派的绘画风格联系密切。作为吴门画派的代表人物，文征明并不似其他画家一样幼年成才。王世贞《文先生传》中说：“先生八九岁，语犹不甚了了”[]，他七岁才能站立，八九岁语言不顺畅，行动迟缓。文征明九岁时，其父文林就让他跟随吴宽学习古文，后来跟随父亲读书，十九岁因书法较差岁试三等。文征明因此下定决心苦练书法，大量临摹智永的《千字文》，每日临摹十本才肯睡觉，二十岁师从沈周习画，二十二岁拜李应祯为师父研习书法。文征明曾任翰林待诏，但日常工作只是给嘉靖皇帝讲解经传史鉴，这对文征明来说既感觉无所作为又被琐事影响，不能专心画画。五十七岁时，文征明决定告别仕途退隐山林，回到老家苏州过起了闲适、安逸的生活。二、文征明各时期的山水画特点文征明精通人物、山水、花鸟等各种题材，其中他的山水画数量最多。文征明的山水画题材大多是家乡的自然风光，于山水画中饱含对家乡的眷恋。文征明山水画风韵独特，十分注重水墨和色彩的运用。文征明成就最高的是青绿山水和水墨山水，如《万壑争流图》、《绿荫长话图》。（1）早年绘画风格-古朴文雅江南水乡秀丽的风景影响着文征明的绘画特点，他的青绿山水文雅且毫无匠气，《烟江叠嶂图》是文征明早期山水画的代表作。这幅山水画采用平远的构图方法，描绘了烟峦起伏的景色，用强劲有力的线条表现山石树木，对于山川细心描绘，设色浅淡，很少使用浓墨。文征明早期山水画中的人物和树石都取法赵孟頫，除此之外还学习黄公望、倪瓒、王蒙等画家山水画中浓密的苔点。文征明的山水画多是描绘具体的生活环境，在自然中提取景色描绘。因此在他的山水画中，大都有人物的存在，这也使得他的山水画多了一丝雅趣。（2）中年绘画风格-色彩奔放文征明中年时期绘画风格在设色上有所改变，不再是浅设色，而是更加浓郁，随着练习的日益精进，笔法更加老辣，画面体现着文人气韵，这个时期的代表作品是《惠山茶会图》。画面中文人雅士品茶吟诗，有人在林中散步，有人在亭中赏画，整体作品风格青绿重色，在画山石树木中融入了书法用笔，以行书的中锋笔法晕染，偶时用侧峰，对山石用石绿染色，对树干用赭石和藤黄晕染；画面中的人物采用工笔的形式，树石的形态勾勒细致，树木分布有高低、疏密之分，主次呼应，整幅画高雅精致、情景交融。这种青绿画法是在赵孟頫、钱选的山水风格上的创新之作，装饰意味浓厚，对所描绘对象如松树、山石以写实的手法层次清晰，较少用皴擦，多反复渲染，色彩厚重。（3）晚年绘画风格-率真野逸文征明晚年的山水画更具内涵和深意，在构图上愈加复杂，用笔放松自如，表达内心感受的作品较多。他晚年的代表作品是《绿荫长话图》，这幅画中两人坐在绿荫树下闲聊，树旁的小路向山间隐去，耸立的松柏线条干枯淡雅，山石的勾勒细腻结实，在构图上具有深远和高远的特点。这幅图与青绿山水相比很少渲染，树木的用笔凝练，山石放松概括，近景的古树刻画精细，皴法细腻再加以晕染，中景的古松皴擦出了斑驳的树干，茂密的松针用利落有劲的线条显得整个古松越发挺拔。

简谈中国特色简约主义设计风格

简谈中国特色简约主义设计风格摘要：建筑及其室内设计风格的形成，是由不同的时代思潮和民族文化渊源决定的，进入二十一世纪以来，伴随着东西方文化交流，西方完善的建筑和室内设计理念日益湮没着中国的室内设计观念。由于当代中国人口众多和经济欠发达的基本国情，简约主义大规模机械化生产，这种建筑模式在中国迅速普及。然而，建筑不仅应满足人居环境功能，还应折射出一个民族的文化底蕴。因此西方现代建筑设计理念同中国传统建筑设计理念的交融和“重构”是形成中国特色简约主义设计风格的关键所在。关键词：简约主义中国文化重构前言简约主义源于二十世纪初期的西方现代主义。欧洲现代主义建筑大师密斯·凡·德·罗的名言“少则多”被认为是代表着简约主义的核心思想。同时，在中国几千年的文化里对现代名词“简约”也有自己独到的理解，追溯到明代，其家具更是集精华美妙之灵气，以“简单、厚实、精准、雅致”为原则，将东方特有的审美观念，独立浑厚的气质、凝练渺远的简约神韵，响绝于世。至今还影响着当今家具的设计理念。中国佛教“禅宗”学说，更是将空间净落极至，以“空就是色，色就是空”的世界观，一代代地超脱僧徒们的思想。如今，简约主义风格是现代主义设计发展的极致。简约主义风格注重材料的品质和对室内空间的深刻理解。在满足功能的基础上尽可能减少不必要装饰，因此简洁的造型、纯净的质地、精细的工艺成为该风格的主要特征。室内空间和家具用品多采用直线条、色彩褡配上常以黑、白灰为基调，在材料和设计方面。多半运用新材料、新技术、新手法，与人们的新思想、新观念相统一[1]。简约主义设计风格对当代中国室内设计的影响自二十世纪以来，随着中西文化的交流，西方建筑理念进入中国，中国兴起了轰轰烈烈的现代建筑浪潮，西方现代建筑理论几乎湮没和颠覆了中国建筑观念和建筑技术。特别是自二十世纪八十年代初以来，中国对外开放政策和经济的高速增长，中国的城市化进程正以前所未有的速度发展，放眼全国，处处是一座座拔地而起的西式风格的办公大楼、商场、居民小区。城市与城市之间建筑相互雷同，到处是千篇一律的现代简约主义设计建筑，简约主义在中国大地的盛行有其存在背景。首先，中国是一个经济欠发达的人口大国，经济发展速度远远赶不上发达国家水平，进而也制约着中国很多行业的创新发展，导致很多的事物需要去借鉴、

小议沈周山水画构图艺术

小议沈周山水画构图艺术沈周是明代吴门画派前期的领军人物，和文徵明，唐寅，仇英被列为明代四大家之一，对文徵明和唐寅的绘画艺术，都有着重要的影响。他终生不仕，一生优游林下，淡泊名利。在绘画艺术上，取得了巨大的成就。明代画评家李日华曾经记述：沈周以临摹各家画风开始，中年独宗黄公望，晚年则“醉心”吴镇，并着意模仿。沈周师法过各家风格，但是并不墨守成规，是一个勇于创新，勇于打破成规的画家。在山水画的构图方面，画家的创新性更是表现得淋漓尽致，令人耳目一新。画家不墨守山水画构图的既有形式，总是能另辟蹊径，创作出一幅幅新意焕发的作品。本文即以沈周的山水画作品为例，赏析其山水画构图艺术。一．倒影式构图本文所谓倒影式构图，是指沈周的一种极具巧思的构图形式，画家在画面中，使得画面的上半部和下半部相对应，就像是将上半部的物象成为下半部的倒影。这种构图形式是画家在早期比较喜爱的构图形式之一，体现了画家的对构图形式富有创意的开拓。这幅《柳荫垂钓图》（见图1）表现的是画家们经常表现的文人树下垂钓的场景，构图简洁疏朗，意境清新，极富形式感。画面前景是呈三角形的石块，与远景最近处的三角形山石相呼应，而一个文人坐在岸边的平台上，这个平台也和远景处的平台相对应。近景倒“L”形的柳树，更是和远景中正“L”形的山体得到恰到好处的对应。这是一幅物象简单的图画，表现的主题也极为寻常，但是，画家巧妙的构思和匠心独运的安排景物的能力，使之成为一幅别具特色的倒映式山水，令人暗暗叫绝。沈周的另一幅山水巨作《策杖图》（见图2）也是倒影式构图的绝佳范例。这幅画表现了一位文人策杖行走在山水间的小路上，整幅画大气开阔，气脉贯通，但是远景处山脊扭曲的走势给人一种不安定感。在构图上，这幅画以中景的近似于长方形的水面为中心，对近景和远景做了一个巧妙的倒影式表现。画面近景出有一条河流，自左下向左上方流去，这个走势与远景处由右下向右上方流去的河流相呼应。近景左边宽阔的石台，与远景处右边的高台地相呼应。近景右边弯曲的石堆和远景左边弯曲的山脊相呼应，似乎只是尺码不同，方向相反的石头。近景处几近水平的小径和远景中几近水平的石堆相互呼应。而近景和远景是通过八棵树木相联系沟通，统一在一个和谐的画面中。此图比上文中提到的《柳荫垂钓图》物象更为复杂，但是经过画家精心布局，繁而不乱，同样是有条不紊，和谐的倒影式构图。二．截景式构图截景式构图，并非沈周首创，在以前的册页和卷轴中，画家们也经常采用这种构图形式。但是，沈周将这种构图发挥的淋漓尽致，开拓了山水画的构图形式。这种截景式构图，就好像电影中的特写镜头，切除不必要的内容，将画家所要着重表现的内容进行放大，从而拉近画面和观者的距离。《千人石夜游图》（见图3）描述了画家某一次的游览经历。千人石是虎丘的中心，虎丘位于苏州城西北七里处，被誉为吴中第一名胜，是明清两代文人士大夫们送别宴会等雅集活动的首选之地。成化十五年四月，沈周行经虎丘，由于夜色已晚，就夜泊山下。沈周面对月色笼罩下的虎丘，不禁想去看看夜色朦胧下的虎丘适合景象。于是他走下船头，经过了一个个名胜景点，到达虎丘中心的千人石。这时候的虎丘，没有了白天的喧嚣，月色清明，境界开阔，让画家思绪飞扬，心灵得到了某种涤荡。后来，画家就根据记忆画下了千人石夜游

后现代主义绘画的意义

后现代主义绘画的意义药学院药学一班郭玉奇在十九世纪末，许多曾受到印象主义鼓舞的艺术家开始反对印象派，他们不满足于刻板片面的追求光色，强调作品要抒发艺术家的自我感受和主观感情，于是开始尝试对色彩及形体表现性因素的自觉运用，后印象派从此诞生。所谓后印象主义是指塞尚、凡·高和高更的艺术观念和艺术创造。他们三个人最初都是学印象主义。塞尚和高更还参加过印象主义画展，凡·高虽然没有参加过印象主义展览，但他一直自称是印象主义。后来他们三人都认为绘画不能仅仅像印象主义那样去模仿客观世界，而应该更多地表现画家对客观事物的主观感受，他们虽有共同的创作倾向又有各自鲜明的艺术个性：塞尚一生的创作活动都是为了追求心目中永恒性的形体和坚实的结构，以创造形象的重量感、体积感、稳定感和宏伟感，最后达到简单化和几何化的效果，这使他成为后来的立体主义和抽象主义的始祖。高更主张不要面对实物，而凭记忆作画，提倡综合的和象征的美学原则。凡·高的新画风，可以说是印象主义、新印象主义，日本的浮世绘版画融合在他个人气质中的产物，是东西方绘画合流的结果。凡·高的画，一个突出的特点是强烈地表现了自己的个性。有人说，他的画都是他的自画像。塞尚的《坐在红扶手椅里的塞尚夫人》是为他夫人画的肖像。在这一作品中塞尚完全不考虑西方传统肖像画所要表现的人物性格、心理状态以及社会地位等等。在表现手法上，也不是用传统的以光影表现质感的方法来描绘的。而是采用色彩造型法达到他一生追求的色彩与形体的结合。色彩与形体的表现便成了塞尚一生所追求的“造型的本质”。他的这种重在艺术形式的追求的创作倾向，对西方现代主义美术的产生和发展具有深远的影响，故被人称为“西方现代绘画之父”。梵高的《星月夜》是一幅带有强烈的主观情感的作品。画家以奔放的类似火焰般的的笔触，描绘了夜空中奇特的月亮和星星。那一大片陷入蓝色和黄色的旋涡之中的天空，好像已经变成一束反复游荡的光线的一种扩散，使人头晕目眩。这是凡高的躁动不安的思想感情的自然流露，其中也包含着画家身受精神创伤后的某种非理性的成分。梵高的这种强调主观情感的表现，充分发挥了色彩的情感因素。与印象主义绘画只是停留在描绘客观世界外表的光与色的美有着根本的区别高更的《海边的两个塔希提妇女》是他远涉重洋初到塔希提岛以当地土著民族为对象创作的绘画。这一作品首先给予人们的印象是带有原始的异国情调和由强烈的色块组合所形成的装饰性。西方传统绘画所注重的画面的空间感被画面的平面性所取代。高更的这种单纯而强烈的色彩画法，包含着画家强烈的主观情感。这对后来野兽派和表现派绘画有重要的影响。

论印象派绘画的艺术特色

论印象派绘画的艺术特色内容摘要：印象主义是19世纪后期产生于法国的一种艺术思潮和流派。印象派画家在艺术特色上从构图、造型、色彩、笔触以及主观精神的表现上都和之前的古典主义的艺术特色有着明显的区别。他们重写生，重实践，并走出画室，描绘外光和大自然的瞬息变化，用奔放的笔触和没有调和的颜色在画布上直接糅合，形成冷暖色调强烈的新画风。关键词：印象派印象派画家艺术特色印象派绘画，是指发生在19世纪下半期，以法国为中心风靡欧洲并具有世界性影响的印象主义绘画现象。印象派绘画以莫奈的《日出的印象》最初被人讥笑而得名，却在短短的一二十年中跃然成为一场世人瞩目的艺术运动。在1874年巴黎的第一届印象派画展，被认为是印象派绘画团体诞生的标志。该画展向世人宣告，这是一群画家们不懈努力所展示的作品，他们的作品摆脱了由世俗等级制度和固步自封的艺术团体强加于其上的传统桎梏的束缚，同美术史上的任何一场运动相比，印象主义及其关联的画家具有更为神秘的特性，他们起初为公众所不理解，被评论家责难，大多数作品被社会拒绝。可是，他们不气馁，并矢志不渝地朝向自己认定的目标前行。他们并不知道，正是他们开创了西方绘画史的新纪元，也正是以他们的画展为起点，“印象派”从法国开始影响整个欧洲，成为西方现代绘画的起点。印象派的代表人物为马奈、德加、雷诺阿、毕沙罗、莫奈、西斯莱及后印象派画家凡·高、高更、塞尚和修拉等人，他们吸取了柯罗、巴比松画派以及库尔贝写实主义的经验，在19世纪现代科学（尤其是光学理论和实践）的启发下，直接描绘阳光下的物象，通过画家直接观察所带来的感受，来表现微妙的色彩变化。20世纪初期，印象派已经成为广受欢迎的艺术流派。它不仅在法国取得了最为辉煌的艺术成就，而且影响了整个欧洲，并逐渐传播到世界各地。