时装摄影讲义
什么是时装摄影？
时装摄影是通过照相机对时装进行拍摄的过程。一般分为静态拍摄和动态拍摄，室内拍摄和室外拍摄等多种形式。时装摄影要根据不同的情况和需要，选择理想的环境、拍摄角度、光线、焦距、速度、时装和时装模特儿，对以上诸因素必须具备成熟的把握，才能获得完美的拍摄效果。时装摄影是现代服饰文化的组成部分之一。
时装品牌的定位，目标消费群的不同，导致时装广告摄影的侧重点不同，有的品牌走纪实风格路线，有的则艺术性表现强些，还有一些品牌则密切关注社会发展，文化风俗，在时装摄影中表现社会文化现象，或干脆就不按牌理出牌，直接用摆拍或纪实的方式表达对种族、战争、能源、文化等重大问题的看法，抛弃了传达产品形象的传统做法，超出了时装摄影的一般范畴。
时装是消费者的欲望，商家的利润，但同时也是观看人类社会和人类自身的镜子。摄影自从发明以来就与时装一拍即合，产生了时装摄影这种梦幻、奢华、多变却又目的明确的东西。当今的时装照片主要分为杂志编辑部的发稿和时装广告两大类，从20世纪90年代以来的美国和欧洲各国的顶尖时装摄影师的作品、时装广告和时装杂志的时装故事(Fashion Stories)之中，不难看出其背后的后现代主义、女性主义、人道主义等思想的支撑及当代艺术对时装摄影的影响和渗透。当代的时装摄影承载了过多的文化内涵和人类的欲望，时尚的制造者、推销者、消费者都对时装摄影的期望值极高。时尚制造者和时尚推销者不但要推销商品，还用时装摄影作为载体，将他们的意识形
态强加或渗透给他们的顾客；消费者，不论购买力的强弱，他们购买的商品实质是一种需要，即他们的虚荣、自负、炫耀能得到满足的需要，时装照片中的人物就是他们的时尚魔镜里的最被认可的形象。
在时装摄影中，光线处理非常重要。其手法有三种：一是选择自然光线；二是采用人造光源；三是在自然光的基础上用人工光进行补充照明。室外摄影时，多采用自然光。在室内摄影时，采用人造光源，光源可根据需要任意调节。
时装摄影对模特儿的选择有何要求？
时装摄影离不开模特儿，可以说是模特儿给时装摄影带来了生命力。对模特儿选择的好坏，直接关系到时装摄影的成功与否。时装摄影对时装模特儿的选择，是根据不同的命题需要而定的，模特儿的头发、手、眼睛、颈以及身体各部位，应能适应不同的表现角度。如要表现线条流畅的晚礼服，要求模特儿身材必须丰满些；如果表现牛仔装，要求模特儿臀部饱满，这样才能拍出理想的效果。另外，时装摄影要求模特儿具有创造性，有自己的个性、气质和专业水平，要既能很好地配合摄影师拍摄，又能发挥自己的技巧。
模特儿与摄影师之间的关系。
模特儿与摄影师之间的关系是双向的或互补的。一张照片的成功与否，模特儿的作用占50％。模特儿本身的容貌、情绪、气质能改变整个拍摄时的气氛，能启发摄影师临场发挥，给摄影师带来灵感。模特儿与摄影师之间的关系应该是默契的，双方应该互相了解对方的个性，拍摄时才能心领神会。同时，双方应由信任感，这一点是非常
重要的，因为只有这样，模特儿在拍摄时才能自然，才能应付各种场景的拍摄。
时装模特儿摄影时的造型有哪些
在摄影的构图中，模特儿的造型形式是最具影响力的。一般可分为站姿、坐姿、卧姿和自由式等等。
（1）站姿是最普通的肢体表达方式，又有正视、测视、仰视和俯视的区别。在表现平稳、端庄、正式等主题中经常运用，但有
时也可用来表现呆板、麻木、冷淡、愚蠢等风格的作品。（2）坐姿也很常用，模特儿不同的坐姿可以体现尊贵、端庄、平静、休闲、慵懒、顽皮等。
（3）卧姿多用于表现梦境的安逸和平面造型的夸张。
（4）倒立式则更具现代风格，正与反的对比，强烈的对比反差正是强劲艺术情绪的宣泄。
（5）自由式最具视觉冲击力，但一定要设计好模特儿姿势，手足的摆放，身体曲线的造型，如果考虑不周，拍出的动作会很不
舒服或呆板。用自由式最能表现前卫的、运动的、有活力的风
格，以及带有玄学意念的作品。
摄影对模特儿的表情的要求
模特儿的表情是时装摄影中的一个关键，面部表情千变万化，它是风格表达的有力手段之一。模特儿要运用表情去展示时装
特点和表现时装风采，利用表情来正确有效的表达时装摄影师
的意图。所以，模特儿在拍摄时，要学会控制表情，掌握分寸，达到摄影师满意的效果。
（1）笑容：表情愉悦的模特儿，能使他身上的服饰更具吸引力。
一般来说，不张嘴的微笑常表现端庄、含蓄；嘴唇微张的
笑容常表现出神秘或沉思；而便装、运动装以及色彩鲜艳
的编织服装常常需要健康热情的大笑。
（2）眼神：眼睛是心灵的窗户，任何表情都需要眼睛的参与。
模特儿在拍摄时，要充分放松，在按快门前让眼皮微微下
垂，直到拍摄的一瞬间做出需要的眼神。眼睛正视可以传
达关注、挑逗、询问、惊喜、惊异、茫然、愤怒等丰富的
情感：眼神侧视可以起一种引导作用，让人们顺着目标投
射到另一样东西上；而闭着眼睛可表达平静、激动、害怕
等状态；还应该知道，眼神冷漠的笑容是虚假的，瞠目而
是更不可取。
（3）沉思：沉思也是一种冷的表情，但沉思并不是忧郁，时装摄影中的沉思常常属于较甜的一类，模特儿要设法忘掉一
切，心中可以想想令人高兴的事或回忆一段愉快的经历，
以达到沉思的效果。
时装是工业，是商业，也是艺术，时装摄影可以说是社会、商业和文化的视觉文本。当代西方时装摄影充分借鉴了纪实摄影、后现代摄影和绘画等诸多语言，紧紧抓住人性、道德、性别、流行等大众文化的关键词，施展浑身解数以求打动目标消费者的心。在一张时装照
片中，不同的有关人士对此有不同需求：时装设计师想让衣服看起来很漂亮，艺术指导想表达出人意料的创意，杂志想推销广告和杂志本身，时装摄影师想出名，消费者则把它当作自身欲望投射的对象。人类骨子里的求名逐利的基本需要，竟然都能在一张时装照片中得以解决。在时装摄影的这个永恒主题中，人类流露出了他们的欲望和局限、虚荣和尊严、完美和缺陷。总而言之，时尚界对于人类社会而言，犹如一面能够窥探人类欲望的魔镜，时装摄影则是人类在镜中的映像和倒影。每个人在面对镜子时会忍不住问道：我看起来如何？我是不是最美？时尚引导和评判了人们的审美和品位，时装摄影暗示了一些人的高贵和先知，嘲弄了另一些人的落伍和恶俗。最重要的一点是:时装摄影的存在能够满足人类最基本，也是最终极的欲望----即人类一直在生存中求名逐利的本能。时装摄影的社会文化意义就在于此。
最最经典摄影作品赏析
最最经典摄影作品赏析 [时代广场的胜利日] 这是一张极其经典的照片，作为二战胜利的象征被广为流传，又是人类最美好爱情的见证！当二战结束的消息传到纽约的时代广场，一位狂喜的海军士兵搂过正在身旁的陌生护士热烈地亲吻着她。旁边的人则报以会心的微笑：毕竟胜利来临了，是值得高兴的事！照片出现于《时代》杂志，是反映战争结束后人们轻松欢乐心情的优秀作品。它不饰雕琢，清新自然。40年后，摄影者阿尔夫里德.伊森斯塔特在报上刊登寻人启事找到了当年的这两位照片中的男女，他们已成了子孙满堂的爷爷和奶奶。
[小大人]照片中三位美国女孩在西班牙塞维尔某个地方交谈。这张照片在一段时间内成为了美国销售第二的明信片。
[最著名的吻]这是有关接吻的著名照片中最早的一张。面对这张在公共场合抢拍的照片，今天的人们可能会想到肖像权，隐私权这样的字眼，实际上它的确引发了一场肖像权的官司。但这并没能阻挡它在全世界流传。
[撤退]这是在朝鲜战争中撤退的美国海军士兵。摄影者大卫.道格拉斯.邓肯别具匠心，真切的表现了当时极度的寒冷，1950年美国海军陆战队在朝鲜作战，冬季来临之前战况一直不错。当时麦克阿瑟将军的部队高估了自己的实力，以为他们会顺利推进到朝鲜北部，他们都意想不到地受到中国援朝军队的回击。史密斯将军的话使他们的失利更加出名：“撤退？他*的！我们打错了方向”！ [温斯顿．丘吉尔]1941年1月27日，刚开完会的丘吉尔来到唐宁街10号的一个小隔间拍摄几张表现坚毅刚强的照片。然而，抽着雪茄的丘吉尔显得过于轻松，跟卡特所设想的领导神韵不符，于是卡特走上前去，把雪茄从这位领袖的嘴里拿开，丘吉尔吃了一惊，他被卡特的举动激怒了。就在他怒视卡特的一剎那，卡特按下了快门。这张照片在世界广为流传，成为丘吉尔照片中最著名的一张。
布列松摄影作品赏析汇总
布列松摄影作品赏析 “借最好的一刹那，来使事件产生全新的意义与境界” "在拍摄的时候，我总是闭着一只眼睛，我用这只眼睛观察自己的心灵；我又总是睁着一只眼睛，我用这只眼睛观察整个世界。"——亨利·卡蒂埃-布列松 法国著名摄影家亨利·卡蒂埃·布列松被誉为“现代新闻摄影之父”。 法国总统希拉克在获悉布列松逝世的消息后悲痛地说：“法国失去了一位天才摄影家、一位真正的大师、他是20世纪最具天赋并深受世人尊敬的艺术家之一。” 布列松，这位羞怯、热情的法国人，毕生用他小巧的、35毫米的莱卡照相机走遍全世界，见证了20世纪所有的重大事件，从西班牙内战到德国占领法国、印度的分裂、中国文化革命、1968年法国学生的起义，他的“瞬间美学”理论堪称影响了全球的媒体和影像。他创建的Magnum是世界上影响力最大和时间最长的摄影机构。 他被誉为20世纪最伟大的摄影家之一，及现代新闻摄影的创立人，他个性鲜明的摄影作品曾登上过全世界最著名的杂志和报纸，他让拍摄新闻照片成为了一种艺术。 为了更近距离的接近人群，布列松经常将照相机隐蔽起来。他的拍摄理念富创造性，非常善于用镜头捕捉生活中转瞬即逝的画面。他曾这样描述自己对摄影的迷恋：“我整日在街头寻找，随时准备记录生活的点点滴滴，将活生生的生活完全记录下来。”他用黑胶带遮住照相机的闪光部分，以便更好地融入到人群中。他坚持摄影师必须仅仅使用现有的光，不要在暗房里剪辑，而更应该在“照相机”里现场剪辑。 布列松的照片所截取的瞬间，不仅是当下发生在他眼前的一瞬，更是事件此前此后整个过程中的一个波峰。他的作品集《决定性瞬间》成为无数摄影爱好者的教科书，“决定性瞬间”摄影理念也为广大同行接受和效仿。
服装摄影中镜头的使用
对大型相机来讲，当近摄比例放大到1 : 1 以后，除在拍摄时可以延长轨道之外，还可将广角及标准镜头调到无限远，再采用倒转接环把镜头倒向装入前座，便可获得连续改变的放大倍率。这种做法会使胶片的解像力得到改善。通常镜头在正常位置时，近摄应将光圈缩小至f16 以下；而倒装后，用f8以下就可得到相应的解像力。镜头倒置还增加了镜头与被摄体之间的距离，使布光较易。但长焦距镜头倒置后的物距不但不会增加，反而会缩短。 对中、小型相机，生产厂家大都有配套的固定焦距的微距镜头、近摄镜头，因此可以使用较大光圈进行近摄。此外，镜头前还可加装近摄镜，但放大倍率一般不高。高品质的近摄镜与标准镜头配合使用，解像力会较好。在使用单片近摄镜时，光圈应缩至fs 或fll 以上，使胶片四角的影像清晰度得以有较佳的表现。另外，放大倍率越大的近摄镜或多片叠加使用，影像清晰度都会降低。 除此之外，中、小型相机还可使用厂家提供的专用伸缩蛇腹和移动轨道来进行翻摄。若要得到1 : 1 的影像，只须将蛇腹延伸到与镜头焦距同样的长度即可。小型单镜头反光相机加接蛇腹并倒装镜头，20mm 镜头可将被摄体放大至12 倍，28mm 镜头可放大至9 倍，50mm 镜头则只有4 倍，而135mm 镜头仅为0 . 8 倍。如果直接使用倒转接环将镜头倒转安装在机身上，其放大倍率是固定的，其时对焦环也不起作用，只是缩短了物距而已。20mm 镜头这时的放大倍率约为3 倍。倒转镜头的遗憾是自动光圈不起作用了。 如果将一个短一些焦距的镜头安置在长一点的倒置镜头前，则可获得非常近的近摄。缺点是清晰度逊于蛇腹延长。 使用增距镜近摄，一般解像力都会降低，光损失也大。 瞳孔时尚主要为服装客户提供服装摄影、服装画册、商业摄影、产品摄影、淘宝摄影、商业广告摄影、服装店面设计、品牌定位、品牌策划、品牌视觉营销、媒介宣传、活动推广等全案服务。瞳孔服装摄影方面拥有国内顶尖的硬件配置,数千平米的时尚服装摄影影棚,国际顶级灯光布朗灯,瑞典顶级哈苏相机等 近年来，瞳孔时尚签约了众多国外摄影师,从服装摄影师,化妆师,服装搭配师,等拥有完整的国外服装摄影运作团队！
荒木经惟摄影艺术风格探究论文
荒木经惟摄影艺术风格探究论文 荒木经惟摄影艺术风格探究全文如下： 作为一名世界著名又颇具争议的摄影家，在全球范围内有着众多的仰慕追随者以及批判者。但是这都并不影响其作品的艺术魅力，其艺术风格随着他的人生旅程进而产生、发展、高潮、升华。荒木经惟是当今世界较为另类的摄影艺术家，其风格、审美、品位、艺术感知和文化解读对当下社会有着较高的启示。荒木经惟对“反摄影”、“私摄影”有着不懈的探索，对摄影艺术的创新贡献了不平凡的力量，其艺术风格率性而为、至真至纯、荒诞放逐、神秘深刻。在对其艺术风格进行探究之后，我们应当保持理性的思维，既不一味地宣扬，又不能随意地抛弃，坚持学以致用，敢于突破传统，勇于创新，形成属于自己的独特风格，不断独立思考反省，不断进步。 1 荒木经惟的摄影文化内涵 1.1 荒木经惟艺术创作的文化背景 日本所具有的民独特性对于荒木经惟的艺术创作的风格、心态、潜在倾向具有主导作用，它指导了摄影作品的文化取向和艺术规范。他具有深厚的东方文化培植根脉，有着深刻的日本趣味。例如，日本的浮世绘春宫画就对荒木经惟影响深刻，直接而显而易见。还有《枕草子》这部传统的日本色情文学也很大程度上影响了他的摄影创作。一名摄影家在“光天化日”之下所进行的创作是自己内在心灵不断自我撞击对话的过程，是超越自我，完善自我的结果。现代以来，日本摄影师对死亡、暴力、色情、变态的大量聚焦深刻有力地撞击了人们的视觉感受，荒木经惟们创造的艺术作品风格已经植根于日本的民族精神和民族性格。裸体女人、都市景象等大量出现在荒木经惟的作品之中，神秘而疏远，凝固而易逝，美丽而压抑，荒诞而真实。死亡终不能逃避，尚不如放浪形骸，放荡不羁。 1.2 荒木经惟独特的人生体验 荒木经惟的一生经历不平凡，坎坷却充实，简单却丰富。充满感伤的人生旅程形成了他独特的审美体验，他善于定格人生的某个瞬间，传达真实的情感旅程。荒木经惟70多年的人生旅程，经历了父母双亡、罹患癌症，人生起起伏伏，大喜大悲，毁誉参半，这都为他的摄影作品提供了真实的创作经历与生活经验。作为艺术家要想创作出好的作品，必须是一个热爱生命，热爱生活，敢于迎接质疑与挑战，超越自我界限，并且更加热爱艺术本身的平凡人;还要善于捕捉灵光一现的瞬间，灵感来袭的刹那，会观察适当的时间、空间、背景、地点，在生活中是一个感性的人，但是又要学会理性的独立思考，不断地进行审美实践，提升理论高度，完善理论体系。 荒木经惟 2 荒木经惟的摄影艺术风格 2.1 凸显人性之美
最最经典摄影大师作品赏析
最最经典摄影大师作品赏析 [时代广场的胜利日] 这是一张极其经典的照片，作为二战胜利的象征被广为流传，又是人类最美好爱情的见证！当二战结束的消息传到纽约的时代广场，一位狂喜的海军士兵搂过正在身旁的陌生护士热烈地亲吻着她。旁边的人则报以会心的微笑：毕竟胜利来临了，是值得高兴的事！照片出现于《时代》杂志，是反映战争结束后人们轻松欢乐心情的优秀作品。它不饰雕琢，清新自然。40年后，摄影者阿尔夫里德.伊森斯塔特在报上刊登寻人启事找到了当年的这两位照片中的男女，他们已成了子孙满堂的爷爷和奶奶。
[小大人]照片中三位美国女孩在西班牙塞维尔某个地方交谈。这张照片在一段时间内成为了美国销售 第二的明信片。
[最著名的吻]这是有关接吻的著名照片中最早的一张。面对这张在公共场合抢拍的照片，今天的人们可能会想到肖像权，隐私权这样的字眼，实际上它的确引发了一场肖像权的官司。但这并没能阻挡它在全 世界流传。 [撤退]这是在朝鲜战争中撤退的美国海军士兵。摄影者大卫.道格拉斯.邓肯别具匠心，真切的表现了当时极度的寒冷，1950年美国海军陆战队在朝鲜作战，冬季来临之前战况一直不错。当时麦克阿瑟将军的部队高估了自己的实力，以为他们会顺利推进到朝鲜北部，他们都意想不到地受到中国援朝军队的回击。 史密斯将军的话使他们的失利更加出名：“撤退？他*的！我们打错了方向”！
[温斯顿．丘吉尔] 1941年1月27日，刚开完会的丘吉尔来到唐宁街10号的一个小隔间拍摄几张表现坚毅刚强的照片。然而，抽着雪茄的丘吉尔显得过于轻松，跟卡特所设想的领导神韵不符，于是卡特走上前去，把雪茄从这位领袖的嘴里拿开，丘吉尔吃了一惊，他被卡特的举动激怒了。就在他怒视卡特的一剎那，卡特按下了快门。这张照片在世界广为流传，成为丘吉尔照片中最著名的一张。 [奥马伊拉的痛苦] 1985年11月13日，哥伦比亚鲁伊斯火山突然爆发，山上的积雪融化后夹杂着泥石流顺坡而下，几乎吞没了附近的阿麦罗镇，造成了毁灭性的灾难。火山爆发后的第三天，美联社的法籍摄影记者富兰克福尼尔赶到现场采访。在现场发现一个叫奥马伊拉的12岁小姑娘被两座房脊卡在中间不能自拔，她的脊椎已被砸伤，尽管福尼尔曾经当过外科医生，但此时也无能为力。只有在他拍下小姑娘那美丽而坚强的面孔的同时，不时同她交谈。希望增强她生存的力量和信心。待救护人员赶到时，她已在泥浆里浸泡了60个小时了。虽然小姑娘接受了治疗，但还是死了。福尼尔从始至终守候在奥马伊拉身边，一直拍到小姑娘下葬的最后一个镜头。翌年这组照片获第29届WPP突发新闻系列一等奖，其中充分表现小姑娘横遭灭顶之灾时仍能保持神情镇定自若的这张被评为1985 年年度最佳新闻照片。
服装类商品拍摄技巧
光照度就是通常所说的勒克司度表示被摄主体表面单位面积上受到的光通量。光照度是衡量拍摄环境的一个重要指标通俗理解就是亮度。网店使用的商品图片要求图像清晰画面真实满足这个标准则要求光源越亮越好这样才能取得最理想的景深拍出清晰真实的照片当然这必须在相机光圈允许的前提下才能做到。 锐度所谓锐度是反映图像平面清晰度和图像边缘锐利程度的一个指标。如果将锐度调高图像平面上的细节对比读也更高看起来更清楚。但并不是将锐度调得越高越好如果将锐度调得过高则会出现白色线条的镶边图像看起来失真而且刺眼。 需要特别说明的是 选择30-40瓦的节能灯拍摄比较大的商品时亮度严重不够拍出来的照片有时候会曝光不足也就是常见的灰蒙蒙的现象 在商品摄影里不能使用相机的内置闪光灯因为会不可避免地出现曝光过度，光线不均匀的问题 不适合商品摄影用的灯具如新闻灯白炽灯石英灯日光灯 光源种类 我们在摄影中用到的光源大致分为以下几种自然光源人工持续光源闪光光源 自然光 在室外自然光下拍摄是很常见的方法但是在拍摄商品时要尽量避免阳光的直接照射因为光线太强可能是照片损失一部分细节而且在这种情况下曝光常常不太理想 适合商品摄影的色温应为5400-6400K 可选的光源为上午九点以后到下午三点的太阳光尽量找天气比较好的时间拍摄需要注意的是白平衡的调整很重要。 拍摄金属物件时要注意周围环境不可有太多杂物拍照时周围可以用白纸遮挡杂乱的光线和反光物体 摄影棚+自然光 摄影棚的确是拍摄商品照片的好帮手原理很简单就是柔和的光线使光线变得比较软减少反射光源用摄影棚拍摄出来的商品。商品硬反射少，反光比较柔和自然。预算少的情况下，这种组合是性价比最好的方法。 摄影棚+灯 静物摄影的用光是非常重要的稍有摄影经验的人都知道晴天阳光下的照片色彩要明显比阴雨天气中的色彩鲜艳所以静物摄影一般都用最强的光线，光圈则大多控制在F22-F32 甚至更小。
摄影艺术结课论文
摄影艺术 浅 谈 摄 影 的 美
妙 学院：经济与管理学院 班级：电子商务141601班 姓名：张丽婷 摄影的美妙 一、对摄影的理解 摄影是一种文化、一门艺术,也是一种带有强烈品质的媒介。它是自然科学与社会科学自然交汇的结晶，是了解、认识、反映社会现实的形象化手段，是具有审美价值的艺术形式，是科学与艺术的完美结合。 摄影者通过画面的构思、色调的均衡、场景的剪裁给观赏者带来美的享受，使观赏者真正得到心灵的满足。与此同时，通过对摄影器材的了解，我们可以接触到现代科学各个领域，拓宽知识范围，提高艺术修养。因此，摄影不仅仅是会摆弄照相机，而是一种包括应用科学、想象与设计、专业技巧和组织能力的综合过程。素质教育相对于
应试教育来说，是一场革命，它是全面发展的教育。将摄影艺术作为学生素质教育的一项内容，对高校学生进行摄影知识和摄影艺术的教育，既是一种科技活动，又是一种美学教育。 摄影主要是培养人的观察力、记忆力、想象力和创造力，其根本目标是使摄影者具有正确的审美观和感受美、发现美、鉴赏美、创造美的能力。这个过程中，它所表现的形象性、情感性、自由性最有助于我们创造性思维的培养。 摄影艺术是一门较为年轻的艺术门类，它是紧紧伴随着每个时代高新科技发展而发展着。摄影艺术是一种对现实高度概括；是来源于生活而高于生活的影像工作方式；是一种高贵的雅文化。摄影艺术就是作者的一种表达，正如说话是一种表达、写作是一种表达一样。摄影的表达方式多种多样，可以“风光”、“静物”、“人像”，也可以“纪实”、“民俗”、“观念”，表达方式没有高下之分。 摄影技术的学习不仅仅是学习光圈、焦距、曝光、色温、反差、感光度、白平衡之类的技术性知识，还要学习构图、造型、色彩、光影等等美学知识。 二、照相机的设备 摄影不仅仅是一个相机这么简单，需要准备的设备还有很多，比如：镜头、三脚架、闪光灯、增距镜、广角镜等等。 对于整部相机来说，镜头是最容易损坏的部件。要保护镜头，一
对一幅摄影作品欣赏与赏析
要做到对一幅摄影作品的欣赏与赏析，首先应该需要摄影的艺术特征。 1892年创刊号的《斯汀迪奥》精美地再现了摄影和绘画作品，并把摄影与绘画、雕塑并列在艺术领域，杂志的第三期刊登了布林古尔《摄影艺术的诞生》的文章，这是摄影史上具有开创性的事件，从此，摄影正式踏入艺术殿堂。摄影艺术有着他特有的性质。 首先，摄影与其他视觉艺术形式之间的主要区别在于摄影创作依赖于照相机。在意识上，摄影更趋向于客观。摄影家在创作的时候，无论怎样选择他的拍摄对象，却总要面对物质世界的某个方面，它不以摄影家的意志而转移。虽然现代摄影技术和数字影像技术使摄影家的创造发挥空间得以扩展，但反映和揭示现实生活仍然是摄影创作的主流和本质。正如苏珊桑塔格所言：“画家的任务是构筑，而摄影家的任务是揭示。” 其次，摄影的时间性。摄影者必须适应自己的拍摄对象，而且往往要完全取决于它。摄影大师布列松的“决定性瞬间”理论把摄影的时间性和瞬间性简述的淋漓尽致。他提出：“摄影主要在一张照片里抓住事物的全部精华，”因此，摄影者的思考必须抢在曝光瞬间之前，一旦按下快门就无法改变注意。 再次，摄影与机遇也体现于好的摄影创作之中。这需要摄影者对手中相机的熟练掌握成都及预见能力。 第四，再现细节。摄影再现一切细节的能力其精确度是任何其他视觉手段都无法企及的。摄影能精确地再现物体的形态、色彩、光影、体积、空间、质感、机理等，体现拍摄对象本身材质的美、肌理的美、秩序的美。 第五，摄影家根据相机的曝光速度进行创作，产生真是与虚幻的效果，从而表达摄影家的思想和想法。 第六，在某种程度上，摄影者是“用光来作画”。摄影者在为拍摄画面进行视觉设计即构图时，摄影的这六个特点是决定性的，最重要的。摄影者一方面要有对客观世界敏锐的观察能力，也要有摄影者所特有的预见能力，并能在按下快门之前安排被摄体，选择角度、视点、俯仰，运用线条、块面、形状等形式，突出作品主题，使画面简洁，有条不紊。 对摄影作品的赏析需要一定的条件。首先了解摄影技术知识是欣赏摄影作品的基本条件。其次，对摄影艺术语言的解读能力。对一幅摄影作品的光线、色彩、透视、影调、清晰与模糊的解读可以为我们进一步欣赏做好铺垫。但很多摄影艺术作品所蕴藏的内涵却并非画面表现出来的那样简单，要求我们在更深的层次去探寻。第三，对作者及作品的时代背景的了解可以更好的帮助解读摄影作品的艺术语言，从而更好的欣赏一幅摄影作品。第四，建立与作者的心灵沟通，认真体会摄影作品的思想，读懂作品的思想内涵，才能达到欣赏摄影艺术作品的最高境界。要对一幅摄影作品进行分析，首先要了解摄影作品的拍摄主题。只有首先根据作品的主题思想来明确该作品的思想深度和人文立场，进而体会到作品的价值及对社会的影响，确定其思想品味的高低。其次，分析摄影作品的表现技巧，读懂摄影家运用的摄影技巧所表达的思想目的，继而对其进行正确客观的分析。对一幅摄影作品分析的步骤课分为读图、了解作者的拍摄意图、解读创作者、再回到读图；摄影图像是具有深刻意义、富含大量信息的平面，既然摄影是一种视觉语言，那么分析摄影作品先要从读图做起。当一张照片摆在我们面前时，我们首先想了解作者在画面里拍的是什么。拍摄的主体是什么，陪体是什么；进而我们想要知道作者在何时、何地拍摄的；然后我们会利用所知的摄影知识推断作者拍摄的角度，运用的摄影技巧、光线的处理、色彩处理等；最后再分析作者是如何运用视觉心理学、摄影视觉语言和构图原理组织画面。作者的拍摄意图（即作品的主题）是摄影作品的灵魂所在，摄影的拍摄技巧、构图原则都是为拍摄主体服务的。如果体会不到摄影家的真实拍摄意图，那你所看到的摄影技巧、表现形式、绚丽画面只不过是一个没有灵魂的空壳。我们应运用所知的相关知识从前面内外尽可能多地了解摄影画面所要表达的真实内涵。虽然
经典广告之摄影作品赏析
经典广告摄影作品赏析(2) 广告摄影作品鉴赏(一) 广告摄影作品鉴赏(二)
广告摄影作品鉴赏(三)
广告摄影作品鉴赏(四)
不同的商业摄影领域需要进行不同的准备工作，一般而言，摄影师需要选择设备、布置场景、准备道具、制作时间排期表等所有繁琐的工作，还要以最完整的方案防止计划的临时改变，例如发生意外情况时所增加的费用由谁来承担，拍摄是不是有序进行，是不是需要调整拍摄方案，在拍摄的前期一定要协商到位。在拍摄准备阶段，摄影师与策划人员的沟通非常重要，当然有时摄影师本身就是策划者，如果把摄影拍摄想象为电影拍摄，策划者就像是整部电影的制片人，负责很多繁杂的工作，对于所有的细节都要全部考虑周全。 对于场景的制作，一般分为移动与固定场景，置景的空间、材料的质地纹理是置景效果的衡量要点，一般来讲，为了追求丰富的画面效果，摄影师对于场景的陈列效果与肌理细节十分重视，另外考虑到便于摄影师选取角度，也便于控制成本，在商业摄影前期的拍摄准备阶段，一般选择专业的有一定审美标砖的置景团队完成前期的场景制作。
广告摄影作品赏析(五) 商业摄影的拍摄必须符合一个规则，即摄影师与客户需要在摄影创意、风格、角度等达成共识。在商业摄影拍摄流程中，从摄影师与客户进行沟通、制定方案、签订合同、到前期的准备工作之后，一般比较大的摄影项目或者有条件的客户会给摄影师试拍的机会和时间，以便进一步确定拍摄的成片效果，顺利完成最终拍摄。 商业摄影的拍摄并不是取景、构图、按下快门的简单动作，为了在合作上取得成功，往往需要摄影师与客户方不断的沟通、磨合和融合。另外，摄影师即使与客户的意见达成共识，并制定了让客户十分满意的拍摄方案，最终的拍摄结果也有可能和客户所期望的有一定偏差，毕竟对于摄影来说，拍摄计划与草图终归是有些纸上谈兵。 摄影师的试拍需要方案确定后客户的签字，根据之前的商讨计划和拍摄方案进行，以此避免客户中途所进行的一些意见性干扰。拍摄过程中，摄影
大学生摄影艺术课论文
大学生摄影艺术课论文 题目：电影《大腕》的摄影艺术分析 学生姓名元晓帅 学院名称软件学院 专业软件工程 学号3011218154 2012年11月14日
电影《大腕》的摄影艺术分析 摄影并非是一项简简单单的照相，其中也存在很大的学问、、技术、技巧。众所周知著名的导演冯小刚的成功于此就存在很大的关系。 就从简单的拍照说来讲，不同技术的拍同样的东西，效果确然迥然不同，效果差异很大。给人拍照，一般选择本人的前、后、左、右的45度角较好，这样更能突出人物的特征和个性。当然不仅如此，一些背景的选择也非常重要。如身后有一些线条的建筑物或其他的一些东西，这样在拍摄过程中就有好多技术啦！一般要使这些线条拍成直线，这样的话照片中的人物看起来更加沉着，稳定；不懂的人很有可能会把它拍为线条倾斜，这样的照片看起来里面的人则会显得不稳定，焦急，效果不好，如是在高楼上就会感觉到像是有一种掉下的感觉，照片中的人看起来比较消极。还有很多许多需要注意问题，其中重要的就是在照相时要适当的留一些空隙，比如适当的露出天空，一般不要使背景特别闷，这更有助于提高看照片人对照片人做出好的心理判断。电影《大腕》中十分注意对人物的摄影，尤其是对尤优，露茜，泰勒的特写，以及人物在各种不同场合下，不同背景，不同环境中的表情，神态，性格表现的近乎完美。像泰勒在太庙中拍戏，以及和露西，尤优在一块儿走并且谈论葬礼的问题，这一段将他们各自的神态，表情，表现的淋漓尽致。另外尤其在最后结局的时候，对人物的摄影将尤优与露西之间的爱情，以及泰勒与露西和尤优之间的友情通过画面间接表现出来，更现内涵。同时由于摄影艺术的特点，将主角的特色表现了出来，并且更加突出了演员的有点，尤其是将关之琳饰演的露西那美丽漂亮，而又略微调皮的神态表现的形象，给人以深刻的印象。 另外在电影《大腕》中存在一些虚化的运用，使其要表现的主题更加突出，清晰。例如，在拍摄尤优在做打击盗版广告时候，特写尤优，而虚化王小柱逐渐走来的场景，更加突出了尤优的人格特点，以及个性。还有在拍摄结局的时候，这样使图片中的人物显得更加清晰，人物的特征显得非常明显，个性也会显示出来，给人留下深刻的印象；当然啦,电影中把人物虚化的情景也很多。另外，在拍摄景色，如在拍摄太庙，尤优住所，以及大雨天尤优开车去接露西的场景，都把附近的一些人物作虚化处理，这就使得所拍摄的照片中风景显得更加清晰，为了达到这一目的，拍摄者往往是附近的人物作虚化处理，这样就能表现出景物的美。虚化则是摄影中一总要的技巧，在一些电影和电视剧的拍摄之中也往往采用这种方法，是主题更加突出、鲜明，起升华的作用。 电影《大腕》中对色彩，灯光的控制表现的相当精彩，各种侧逆光，逆光，黑白，鲜明色彩，以及人物场景的搭配表现的很和谐，令人感觉舒适享受。其中在乐哈哈广告时那种有黑白到彩色的过度，形成了一中十分鲜明的对比和幽默感。另外其中许多室内的摄影，像对尤优住所的摄影，从而完美的表现出了尤优的生活场景和生活状况。 电影中充分利用立体效果的摄影方法，从而使得画面更加真是，令人身临其境的感觉，例如，泰勒和尤优还有露西三人一起走在故宫的走廊中的场景。 另外从总体效果来说的话，往往要讲究一些均衡的问题，均衡的照片更加适合我们视觉观念。对于均衡一般想做到这一点，往往需要来找一些东西做映衬。电影《大腕》中对均衡做的很好，对色彩，灯光，人物，背景等，就完美的做到的均衡摄影，从而使得影片整体流利，顺畅。 摄影课的知识丰富多彩，摄影选修课是我受益匪浅，我懂得一些摄影的技术与方法，给我的人生增添了更多。
经典影像作品赏析
1.约翰汤姆逊是如何展现他的东方视角 约翰·汤姆逊（John Thomson）是第一个最广泛拍摄和传播中国的西方摄影家，是第一个对中国早期摄影术进行珍贵记录的摄影家，是第一个在拍摄中国人时孜孜追求摄影审美的艺术家和沟通大师，同时还第一个对中国人民表现出广泛友好和同情的西方摄影家。 “街头摄影家”出版了四卷本摄影集《图说中国及其人民》 作品：《老妪1868-1870》 1868-1870年汤姆逊年虽然是在大街上拍摄的这位老妪，但照片很像一个照相馆的作品。关于这位老妪和他的丈夫，汤姆逊在照片说明中写道：他们的儿子和孙子已经支撑起了这个家庭，但这位老妪仍然忙着家务。她针线活很熟练，在别人病倒时是个很好的护士。她的头发已经变细和发白了，但她每天都精心地梳理和呵护它。汤姆逊独特的拍摄视角，和老妪独特的姿势产生了巨大的视觉冲击力。 《满族新娘（1871-1872年）》 汤姆逊拍摄了大量身着盛装的满族新娘的照片，但他对这些新娘的未来生活并不乐观，甚至和奴隶制相比：富人的孩子一般比穷人的孩子结婚早，但满族少女只有到了十四才能订婚。一般来说，人们会雇用媒婆来提早安排一桩婚事，但未来的主妇必需符合四个标准：一是要和蔼，二要文静，三要勤快，四要好看。对比这个新娘的盛装，她忧郁的眼神也许正反映了摄影师的心境。
《福建厦门夫妻》1870-1871年 这是身穿传统服饰的一对厦门夫妻。根据中国习俗，当时的夫妻是不会有这样对望的姿势的，这肯定是沟通大师约翰逊的杰作。虽然，他们的表情有点勉强，目光也没有完全相对。 汤姆逊有意识地发现平凡生活之美，比如他拍摄了大量中国妇女的发式的特写照片，拍摄了大量妇女头饰的影像，从沿海的香港、厦门、福州到内地北京，从客家农妇到满清格格，这些珍贵的照片对我们研究清末女子头饰和服饰演变提供了珍贵的参考。 纵观汤姆逊拍摄的中国照片，虽然他也拍摄了达官贵人，风景名胜，但他更多是拍摄了大量普通人的生活和街头小景。在这些照片中，我们看到了很多悠闲的市民小姐，也看到了街边正在享受午餐的"苦力"，还有正沉浸在欣赏"西洋景"的孩子们。可以说，在汤姆逊镜头下，我们发现了许许多多大清帝国臣民纯朴、美好的一个侧面，这样的影像不论在早期外国摄影师还是中国照相馆的拍摄中都是很少见的。这张旗人女子梳头的照片中，端坐的小姐自然、放松，面带微笑，旁边站立的丫环面容敦厚，神情专注，而一侧的孩童天真无邪，直到今天，这张照片依然有着强烈的艺术感染力。 对中国人民的广泛友好和同情，拍摄时孜孜追求摄影审美，发现细节，勤于沟通 作品题材 在汤姆森这本影集中，有关风景古迹和社会风俗的照片占有很大比重。在题材选择上，力求全面地反映中国社会的各个方面。这也是汤姆森创作个性在作品上突出的体现。影集中既有表现中国锦绣河山、城市风光的作品，也拍摄了人民从事生产劳动和日常生活的情景，既有广州洋行买办藩仕成奢华的私人园林，也有处在社会最低层的劳苦人的生活状况。这些照片所表现的人物具有一定的代表性，如辛酉政变后的恭亲王，贵族妇女，集市上待雇的城市贫民，鸦片吸食者，瘦弱的更夫，戴木枷的囚犯，以及剃头、修脚、拉洋片等手艺人，无不成为拍摄对象。 为了更多地展现不同人的生活侧面，汤姆逊拍摄了大量不同的中国人的肖像。“翻看西方摄影师早期在中国拍摄的照片，大部分人是抱有一种猎奇的心态，因此，小脚女人、乞丐等社会的阴暗面成为摄影师拍摄的主题，拍摄的人物大都神情木讷、呆板。但当你去审视汤姆逊拍摄的中国照片时，更多的中国人的笑脸和放松下的中国人的状态。汤姆逊一直致力于 记录真实的中国和中国人
摄影艺术赏析论文
摄影艺术赏析论文 摄影是一门实践与理论相结合的学科。现在照相机已经普及了，手机上也都有自带的摄像头随时可以拍摄，但是我们只是处于简单的拍摄并无任何技巧而言，拍出的照片也没有美感。学会欣赏摄影作品是摄影者的基本功之一，因为会欣赏才能从别人的作品中吸收营养，学习到更多的东西。经过《摄影艺术赏析》这门课的学习，我对摄影艺术赏析的认识有了很大的提升。以下是我经过学习学到的知识和一些感想。摄影艺术欣赏也叫影鉴赏。所谓鉴赏，是指“人们对艺术形象感受、理解和判的过程。人们在鉴赏中的思维活动和情感活动一般都从艺术形象的具体感受出发，实现由感性阶段到理性阶段的飞跃”。因此，摄影欣赏和摄影创作一样，都是人类的审美创造活动。它具有以下的性质和特点：1.摄影艺术欣赏是对摄影作品的接受与反馈摄影家创造出来的摄影作品，必须通过观众的审美再创造活动。才能真正发挥它的社会意义和美学价值。接受主义美学认为，艺术作品的审美价值只能在欣赏过程中才能产生并表现出来。就如同文学作品无人阅读，就只是一叠印着铅字的纸张，雕塑作品无人欣赏，就只是一堆没有生命力的石块，摄影作品也是如此。只有通过观众的再创造，才能使它们获得现实的生命力。 2.摄影艺术欣赏是一种主体创造活动观众在摄影欣赏活动中，并不是被动、消极地接受，而是积极主动地进行着审美再创造。这是因为任何摄影作品无论表现得如何全面、生动、具体，其中总会有许多“不确定性”和“空白”。它们需要欣赏者通过想象、联想等多种
心理功能去丰富和补充。 3.摄影艺术欣赏是审美经验与综合效应的活动从根本意义上讲，摄影欣赏和摄影创作一样，都是人类自身主体力量在审美活动中的自我肯定与自我实现。在摄影欣赏活动中这种主体力量集中表现在观众总是要根据自己的生活经验、艺术修养、兴趣爱好、思想情感和审美理想，对作品中的艺术形象进行加工改造，补充丰富，将这多种经验综合起来进行审美的再创造。在这个过程中，观众同样可以享受到创造的愉悦，获得强烈的美感。对于摄影艺术的受众，特别是对于普罗大众而言，怎样才能在面对一幅摄影作品时不但能懂得摄影家所使用的艺术手法，而且能够捕捉到摄影家在作品中带给观众的激情，从而体会到美的感受呢？这就需要从以下几个方面着手：首先，要调整好自己的心态。在欣赏一幅摄影作品时，首先要把自己的心情调整到一种“其次，要深入体会摄影画面所传达的情感。一幅优秀的摄影作品和普通照片最大的不同就是优秀的摄影作品中蕴涵着人类的丰富的情感。、色彩这些形式手段终究只是传递情感的中介物，摄影者要达到的最终目的还是要以情感动观众，让观众在欣赏过程中能体会到摄影者按下快门时那一刻的感情，从而引起共鸣 再次。要努力唤起自己内心的联想和想象。事实上，任何的艺术性活动都离不开丰富的联想和想象。在对一幅摄影作品唤起想象和联想的时候，不要忽视标题所提供的信息。摄影作品的标题非常重要，它常常标示出这幅作品想要表达的主题。另外摄影作品还非常注重画面的节奏，观众可以从画面提供的音乐性节奏展开联想，从而更好地
摄影作品赏析论文
摄影作品赏析论文 经过一个学期的学习后,我对摄影艺术有了更深入的了解,也懂得了其中的乐趣。我渐渐了解到了景深原理,知道该如何通过对快门和闪光的调节来得到想要的效果。接下来对摄影光影、色调、构图等知识的学习,通过生活中摄影时常出现的情况,让我初步了解了该如何选择合适的时间拍照,比如说正的强光下就不是很适合拍具体的物体,也懂得了要巧妙地运用相机的模式以得到自己想要的色调的照片,比如可以通过阴天模式让朝霞更加红艳。之后对每一类摄影类别的介绍也让我对摄影有了更多的了解,在春天花开时节花卉摄影让我们能够在这个时节拍下美丽的校园花卉。人物摄影的艺术也是颇受关注的一个方面,其中有许多细节会影响到整个摄影作品的质量,比如女生适合柔光下拍照,而男生则最好用强光来体现男性的轮廓等等。 我最喜欢的还是风景摄影,他有许多值得注意的技巧,比如构图时首先就是要找一个吸引人的景物,放置景物时也要避免将景物居中,这也是初学者们常犯的错误,既然要避免居中,就要知道所谓的“三分法则” (rule of the thirds),也称“黄金分割”,“九格宫”。。。“三分法则”是构图的基本的规则,意思是:把画面按水平方向在1/3,2/3位置画两条水平线,按垂直方向在1/3,2/3位置画两条垂直线,然后把景物尽量放在交点的位置上,另外照片是两维的,要在两维的照片里表达出三维不是一件容易的事情。我们的大脑告诉我们:大的物体是比较近的,小的物体是比较远的,所以,通过物体大小在照片里的对比,就可以让人感觉出出距离。在摄影的世界里,长焦拍摄效果是把景物?压缩?在一起,而广角的效果则是缩小了远处的景物,让人产生距离感。所以,在这种场合,我们一般使用广角镜头。另外光对于摄影的重要性,不言而喻。在风景摄影中,有了光的照射,画面才会产生明暗层次、线条和色调。拍摄风光,主要是以太阳光作为光源。太阳的位置不同,照射在景物上能产生的效果也不同。 侧光在风光摄影中是用得较多的一种形式。尤其是45°角的前侧光,不仅能够使景物具有一定的明暗反差,增强景物的立体感和画面影纹层次,同时,对画面色彩的还原也比较理想。而90°角的侧光,能够使景物的明暗各占一半,画面的明暗反差和立体感非常明显。尤其是在表现建筑物等表面不平整的物体时,效果更为突出。摄影者在利用侧光拍摄时,要注意尽量对画面的明亮处进行测光,避免造成画面局部曝光过度。在风景摄影中,用顺光拍摄景物,能够给人明
摄影冷知识：摄影师工作时该穿什么
摄影冷知识：摄影师工作时该穿什么？ 作为一名摄影师，经常需要面对不同的人，外在形象显得极其重要。你一定有想过：“我应该穿什么衣服去拍照？摄影师有没有什么着装规范？”答案因人而异，这取决于你拍摄的类型，你所服务的客户，还有你工作的环境。 如果你只是一个拍写真的摄影师，可能你的着重会有较多的灵活性，毕竟这种类型的拍摄较为生活化。但如果你需要去一个企业或者某个活动现场拍摄，或许你就要穿得稍微正式一点。在这里，我们抛开所有的变化不说，仅仅从摄影师的一些工作习惯去介绍，摄影师平时该如何着装。1、一双结实、舒适的鞋 无论是进行什么类型的拍摄，选择一双结实、舒适的鞋是非常重要的，因为每一次拍摄可能需要站几个小时甚至更久，此外，还要考虑到拍摄的过程中需要到处走动，爬高爬低，鞋子是否舒适会直接影响了工作的状态。轻便舒服的平底运动鞋一般作为首选。2、服装一样要结实耐穿、宽松舒适 摄影师经常要外出工作，情况复杂多变，再加上拍摄时动作一般都比较大，如果身着紧身或是材质比较脆弱的衣服，不但不便拍摄，还可能一不小心就撕裂了。3、避免走光 摄影师为了找到最佳拍摄角度，时不时就需要摆出各种各样的身体动作，弯腰、下蹲、爬树、趴在地上等等。所以，如
果你不想在人群中走光出糗，不想在拍摄时一蹲下就露出半个屁股，就赶紧把你的低腰裤收起来吧。同时还要提醒女摄影师们，一定要避免低胸上衣、裙装和紧身的衣服，我相信你的客户不希望在拍摄时因为你走光而感到尴尬。4、选择全黑着装 黑色具有庄严、稳重、低调的特性，是摄影师在工作中最常选择的着装颜色。特别是在活动和婚礼现场，黑色的着装让你在人群中显得不太起眼，你可以更好地做一个透明的记录者。同时，黑色着装让你看起来更正式，更像一个工作人员。如果你懒得去思考怎么搭配，一件黑色的T恤加深色的牛仔裤，就是最佳选择。5、工作室的制服 如果你的工作室有统一的工作制服，那就最好不过了。首先，身着制服可以树立你的品牌形象，其次，制服上一般都会印上工作室的LOGO，因此还可以顺便帮工作室做广告。6、如果你真的不确定，最好提前问清楚 如果你真的不确定该穿什么去拍摄，最好提前和客户沟通清楚。特别是对于大型活动，或者一些企业的拍摄，对工作人员的形象有一定的要求。提前沟通好这些细节，避免不必要的差错。对于很多摄影师而言，穿什么衣服出去工作看上去好像不是什么大问题，但我坚信，你的着装却也正反映了你的品牌，所以这是一个至关重要的元素。 关于着装方面，你还有什么不一样的建议？也欢迎在留言区
世界最著名的32张摄影作品
世界最著名的32张摄影作品 1、《受伤的女子》——这幅照片是摄影史上的经典之作。一个受伤而只绑绷带裸睡的女子，是那幺安详而不带一丝猬亵。显示了布拉弗观察事物的智能：摄影是人们经历多年的努力结果，并且会继续开拓下去--摄影必须朝改善人的形象和生于斯的环境而努力。人和环境是多样性，且经常会改变的，我们要把观点放在上面，才有可能使影像表现永保丰富。 2 、《枪》——在纽约105街区，一个小流氓将枪直指摄影家的镜头。"他只有11岁，却学会了一切狰狞。"克莱因回忆说："当然，他手里是一把假枪，他正玩的也不过是美国
孩子街头巷尾惯玩的游戏。但在我看，这一瞬间早已不再是儿童的游戏。" 3、《最著名的吻》——这是有关接吻的著名照片中最早的一张。面对这张在公共场合抢拍的照片，今天的人们可能会想到肖像权，隐私权这样的字眼，实际上它的确引发了一场肖像权的官司。但这并没能阻挡它在全世界流传。
4、《她叫玛格丽特马瑟》——这幅坐姿人体使韦斯顿的人体摄影达到巅峰状态，也是人体摄影最伟大的经典之一，并由此产生了一系列抽象的人体艺术.
5 、《奥马伊拉的痛苦》——1985年11月13日，哥伦比亚鲁伊斯火山突然爆发，山上的积雪融化后夹杂着泥石流顺坡而下，几乎吞没了附近的阿麦罗镇，造成了毁灭性的灾难。火山爆发后的第三天，美联社的法籍摄影记者富兰克福尼尔赶到现场采访。在现场发现一个叫奥马伊拉的12岁小姑娘被两座房脊卡在中间不能自拔，她的脊椎已被砸伤，尽管福尼尔曾经当过外科医生，但此时也无能为力。只有在他拍下小姑娘那美丽而
坚强的面孔的同时，不时同她交谈。希望增强她生存的力量和信心。待救护人员赶到时，她已在泥浆里浸泡了60个小时了。虽然小姑娘接受了治疗，但还是死了。福尼尔从始至终守候在奥马伊拉身边，一直拍到小姑娘下葬的最后一个镜头。翌年这组照片获第29届WPP突发新闻系列一等奖，其中充分表现小姑娘横遭灭顶之灾时仍能保持神情镇定自若的这张被评为1985 年年度最佳新闻照片。 6 、《裸跑者》——在1975年英联邦橄榄球决赛上，包括伊利莎白女王在内的英国政要聚集在主席台上。这个体型优美的裸跑者－澳大利亚会计师米歇尔．奥．布瑞恩
摄影不能忽略服装色彩的搭配
在人像拍摄中，很多POCOers都为拥有精湛的摄影技术感到得意，也很庆幸能找到一位有天使脸孔，魔鬼身材的模特！但是，小编发现有些好的片子里会很可惜地发生一些大煞风景的问题： 1，模特自身不会搭配衣服（或者平时穿着还ok的，但是一等到拍摄就紧张起来，不小心把自己穿得不协调了！） 2.摄影师没有注重拍摄主题，拍摄背景与模特的颜色协调或者碰撞性！（如果颜色不对，会很影响整个画面，或者影响模特美观的） 这个专题并不是摄影技巧，也不是后期制作，而是要教POCOers如果服装搭配， 小编希望模特与摄影师都来学习一下，希望以后能多出些好片！ 搭配技巧一： 掌握主色、辅助色、点缀色的用法
主色是占拒全身色彩面积最多的颜色，占全身面积的60%以上。通常是作为套装、风衣、大衣、裤子、裙子等。辅助色是与主色搭配的颜色，占全身面积的40%左右。他们通常是单件的上衣、外套、衬衫、背心等。点缀色一般只占全身面积的5%-15%。他们通常以丝巾、鞋、包、饰品等，会起到画龙点精的作用。点缀色的运用是日本、韩国、法国女人最擅长的展现自己的技巧。 据统计，世界各国女性的技巧中，日本女人最多的饰品是丝巾，她们将丝巾与自己的服装做成不同的风格搭配，并且会让你情不自禁地注意他们的脸； 法国女人最多的饰品是胸针，利用胸针展示女人的浪漫情怀。（注：衣服并不一定要多，也不必花样百出，最好选用简洁大方的款式，给配饰留下展示的空间，这样才能体现出着装 者的搭配技巧和品位爱好。）
自然色系搭配法暖色系 暖色系给人华丽、成熟、朝气蓬勃的印象
除了黄色、橙色、橘红色以外，所有以黄色为底色的颜色都是暖色系。暖色系一般会给人华丽、成熟、朝气蓬勃的印象，而适合与这些暖色基调的有彩色相搭配的无彩色系，除了白、黑，最好使用驼色、棕色、咖啡色。 冷色系以蓝色为底的七彩色都是冷色。与冷色基调搭配和谐的无彩色，最好选用黑、灰、彩色，避免与驼色、咖啡色系搭配。 冷色系 搭配技巧三：有层次地运用色彩的渐变搭配 方法一、只选用一种颜色、利用不同的明暗搭配，给人和谐、有层次的韵律感。 方法二、不同颜色，相同色调的搭配，同样给人和谐的美感。
摄影艺术入门与欣赏论文
摄影艺术入门与欣赏论文 摄影在日常生活中有着越来越多的运用，但真正懂得摄影与欣赏的专业却比较低。 摄影画面中形象展现的方法与手段，有别于其它艺术门类。画家用的是画布与笔，雕刻家用的是刀，文学家用的是纸与笔。而摄影者运用的则是感光材料（录像磁带）、光学镜头，经过光线的特殊作用，记录再现生活中的种种形象。也就是说，摄影画面因其独特的记录生活、反映现实的技术、艺术处理过程与表现形式，形成了摄影画面的若干特点。 纪时性是摄影画面的本性，它要求镜头前的一切物体必须是真实的：真人、真事、实景、实物。摄影画面创作必须在真实的时间和空间中进行。正是摄影画面创作的这一重要特点，使之成为一门独立艺术。人们之所以对摄影画面感到可信、可亲，首先由于它是运用现实生活中的可视形象作为信息载体来表达客观事物的特征及其含义，抒发作者对生活的感受，因而给观众以身临其境之感。 摄影镜头同人们的眼睛—样，有一定的视角范围，凡是在这个视角范围内的一切：人、事、景、物，都能被真实地摄入画面。换言之，镜头视角之内的一切事物，必须是存在于真实的空间之中，创作也必须在这样真实的空间中进行。离开了这一点，就不能够获得摄影画面形象的真实性，也就失去了摄影艺术的个性特征。 影画面的可视形象，直观，生动，通俗易懂，便于同观众相互交流，便于观众领会作者的创作意图（从作品主题思想到作者对生活的认识、评价），并给观众以一种“临场感”。 摄影画面是用可视的形象有选择性地反映生活。画面的形象并不是纯客观地“临摹”生活，而是渗透着作者审美态度和审美情感的。摄影画面形象是作者在拍摄现场通过其独特表现手段，诸如：角度方位的变化、画框的合理裁剪、光线的描绘处理、线条影调的选择配置、不同焦距镜头的运用等等，从而把作者对生活的审美态度和情感溶灌于画面之中，使之内容鲜明，富于感染力，给观众以某种美的享受。 摄影画面内容与形式的完整统一，富于典型性，也是一个重要的特点。单幅的、静止的摄影画面，在内容的表达、形象塑造、形式的运用上，都要达到和谐统一的境界，使画面形象成为“凝练的诗句”，富有哲理和说服力。对于电视节目制作人员来讲，从拍摄静止的单幅画面人手，了解、掌握“画面语言”的特点，是一项基本功，掌握了它，是大有益处的 一切艺术都是社会生活的反应，而社会生活又是艺术的源泉。车尔尼雪夫斯基说：“再现生活是艺术一般性格特点，是它的本质”。（《生活与美学》，人民文学出版社，1957年版，第109页）摄影画面同其它艺术相比，对于再现生活来讲，可谓是最形象、最直接、最真实的了。 画面创作的前提是摄影者对于生活的观察、体验、认识、思考和评价。在创作过程中，无论选择什么样的题材，运用什么样的表现形式，探其实质，都是摄影者对现实生活的认识、理解的反映。 在一切艺术的创作活动中，认识生活都是表现生活的基础。对于摄影创作来说，虽然也需要想象，但因它受到空间和时间的真实性的严格限制，不具有画家、音乐家、文学家那种虚构的自由。大干世界，亿万民众，社会百态，浩瀚自然，经过摄影创作最终表现在画面上的仅仅是生活中的一瞥、广阔空间中的一个