电影摄影师必看10部电影
关于摄影师的电影
关于摄影师的电影午夜食人列车Midnight Meat Train编剧: Jeff Buhler / Clive Barker导演: 北村龙平(Ryuhei Kitamura)主演: Bradley Cooper / Vinnie Jones / Leslie Bibb名不见经传的摄影师里昂•考夫曼（Bradley Cooper 布拉德利•库柏饰）为求拍摄到令画廊主人苏珊（Brooke Shields波姬•小丝饰）满意的震撼性作品，每晚穿梭于纽约街头的阴暗角落。
某晚里昂跟踪几名黑人，并在铁铁站内营救了被这伙人骚扰的美丽日本女子，然次日便从报纸上得知该女子失踪的消息。
里昂向警方提供线索，却遭冷遇。
里昂的这组作品受到苏珊赏识，同时好奇心又促使他继续追查多年来发生在某地铁线上的连续失踪案件。
很快他便注意到一个经常出没地铁站、西装革履一脸严肃而又令人不寒而栗的神秘男人（Vinnie Jones 维尼•琼斯饰）……摄影师Snapshots(2002)导演：Rudolf van den Berg主演：伯特·雷诺兹Burt ReynoldsJack WouterseKees Hulst战地摄影师War Photographer(2001)导演：Christian Frei主演：Denis O'NeillJames NachtweyChristiane Amanpour为拍摄这部96分钟长的纪录片，从1999年6月到2001年6月，弗雷跟踪采访纳切威长达2年之久，科索沃、雅加达、拉马拉、东爪哇、纽约和汉堡等地都留下了他们的足迹。
拍摄方法也很特别：弗雷将一架特制的超小型摄像机挂在纳切威的照相机上，不仅使观众可以看到这位著名摄影师如何观察、如何拍摄，甚至可以使我们听到他们的每一次呼吸和每一次按下快门声，现场感极强。
电影用纳切威的一段独白作为开场白：“在现场的每一分钟，我都在想要逃走，我不想看到所发生的这一切。
电影经典作品大全
电影经典作品大全电影作为一种艺术形式，拥有独特的魅力，能够通过影像和故事情节来引发观众的共鸣。
每个时代都会诞生一些经典作品，它们被广泛传播和热爱，成为了电影史上的瑰宝。
在本文中，我将为大家介绍一些具有代表性的电影经典作品，希望能引发您对电影的兴趣和思考。
1.《公民凯恩》(1941)《公民凯恩》是由奥逊·威尔斯执导的一部黑白剧情片。
影片通过回顾富豪查尔斯·福斯特·凯恩的一生，展现了权力与财富对个人命运的影响。
该片的拍摄手法和叙事结构颇具创新，被誉为电影史上的经典之作。
2.《教父》(1972)《教父》是由弗朗西斯·科波拉执导的一部黑帮题材电影。
该片改编自马里奥·普佐的同名小说，讲述了意大利裔美国黑帮家族的故事。
该片以其深刻的人物刻画和扣人心弦的剧情赢得了广大观众的喜爱，堪称黑帮片的经典之作。
3.《肖申克的救赎》(1994)《肖申克的救赎》是由弗兰克·达拉邦特执导的一部剧情片。
该片改编自斯蒂芬·金的同名小说，讲述了安迪·杜弗雷恩在肖申克监狱中的生活和改变。
影片通过深入的人物刻画和感人的故事，探讨了希望和人性的主题，成为了影迷心目中的经典之作。
4.《星球大战》(1977)《星球大战》是由乔治·卢卡斯执导的一部科幻电影。
该片以宇宙为背景，讲述了反抗帝国的义军与黑暗势力作战的故事。
无论是其精心构建的宇宙设定，还是引人入胜的剧情，都使得该片成为了科幻电影的经典代表之一。
5.《教父续集》(1974)《教父续集》是《教父》的续集，同样由弗朗西斯·科波拉执导。
该片延续了前作的主题，通过反叛与权谋，完整地展现了福斯特家族的历史。
该片凭借其出色的表演和权谋的戏剧张力，赢得了当年奥斯卡最佳影片奖，成为续集中的佳作。
6.《飞越疯人院》(1975)《飞越疯人院》是由米洛斯·福尔曼执导的一部剧情片。
该片改编自肯·库西的同名小说，讲述了一个精神病院中患者的故事。
最具有艺术性的实验电影
最具有艺术性的实验电影实验电影作为电影艺术中的一种特殊形式，通过创新的叙事结构、独特的影像处理和大胆的艺术表达，为观众带来了全新的观影体验。
这些电影作品以其独特的艺术性和实验性而备受关注，并在电影史上留下了深刻的烙印。
本文将探讨几部最具有艺术性的实验电影，并分析它们在影像表达方面的突出特点。
一、《月黑高飞》《月黑高飞》是中国导演王家卫的经典作品，也是实验电影的杰作之一。
该片通过非线性的叙事结构和独特的摄影技巧，将情感与时空交织在一起。
电影以黑白影像为主，通过光影的运用，加强了影片的诗意和情感表达。
导演以视觉的冲击力和节奏的紧凑性，将观众带入了影片中所呈现的社会底层生活之中。
《月黑高飞》凭借其独特的叙事风格和影像表现力，在实验电影领域中取得了巨大的成就。
二、《2001太空漫游》《2001太空漫游》是导演斯坦利·库布里克的代表作之一，也是实验电影的经典之作。
该片以太空为背景，通过大胆的镜头运用和独特的视觉效果，构建了一个超现实的世界观。
影片中对光影、色彩和音乐的运用，营造了一种沉浸式的观影体验。
《2001太空漫游》的实验性不仅在于其宏大的科幻叙事，更在于导演对观众情感和意义的探索。
影片中的一系列象征性的画面和场景，使观众得以自由地漫游于影像和艺术之间。
三、《凌晨三点鸟哨》《凌晨三点鸟哨》是韩国导演洪常秀的代表作品，也是实验电影中的一部佳作。
该片以对话与影像间的错位、碎片化的叙事和现实与虚幻的界限模糊为特点，呈现了一种独特的观影体验。
导演将现实与幻想相结合，打破传统的情节发展方式，不断挑战观众的理解和感知。
《凌晨三点鸟哨》通过其奇特的故事表述方式和独特的影像表现手法，成功地展现了实验电影的艺术性和探索精神。
四、《贪婪之岛》《贪婪之岛》是导演保罗·托马斯·安德森的作品，也是实验电影的杰作之一。
该片通过多线叙事和非线性结构，展现了一个荒诞而复杂的世界观。
导演以想象力和幻想来探索人性的黑暗面，并通过影像的创新表达，使观众得以深入思考和感知。
看片达人的影视推荐
看片达人的影视推荐影视作为一种重要的文化艺术形式，深受大众喜爱。
然而，当我们面临海量的影视作品时，我们常常会陷入选择困难，不知道从何入手。
作为一位看片达人，我在这里推荐几部我个人认为优秀的影视作品，希望能够给大家提供一些观影的参考。
1. 《肖申克的救赎》《肖申克的救赎》是一部由弗兰克·德拉邦特执导的经典影片。
它以一个独特而引人入胜的故事情节展现了主人公安迪在监狱中逐渐寻找自由与希望的过程。
影片中充满了伟大的人性与情感，同时对于人生和自由有着深刻的思考。
影片的拍摄手法、演员的演技以及剧情的设计都非常出色，给观众带来了极高的观影体验。
2. 《霸王别姬》《霸王别姬》是一部由陈凯歌执导的经典华语电影。
该片以中国京剧为背景，讲述了两位京剧演员之间跌宕起伏的人生故事。
影片在情感的表达上非常细腻，同时展现了京剧艺术的独特魅力。
影片的美术设计、音乐配乐以及演员的表演都非常出众，成为了中国电影史上的经典之作。
3. 《海豚湾》《海豚湾》是一部纪录片，由路易·西霍尤斯和戈丽·奥卡执导。
影片以真实的记录方式展现了人类对海洋生态环境的破坏，特别是对海豚的屠杀活动。
影片通过真实的画面和事实，唤起了观众对环保与动物保护的思考。
同时，影片也展现了海豚与人类之间深厚的情感纽带，引起了观众的共鸣。
4. 《罗马假日》《罗马假日》是一部由威廉·惠勒执导的浪漫喜剧片。
影片讲述了公主安妮与记者乔的一段在罗马度假的故事。
影片以轻松幽默的方式展现了两位主人公之间的浪漫爱情，同时也揭示了王室生活背后的困惑与束缚。
影片的剧情设计与演员的表演都十分精彩，给观众带来了愉悦的观影感受。
5. 《疤面煞星》《疤面煞星》是一部由昆汀·塔伦蒂诺执导的犯罪片。
影片以多线叙事的方式展现了一系列犯罪活动，同时对于暴力与复仇有着深入的探讨。
影片的剧情紧凑、对白精彩，给观众带来了视觉与听觉上的享受。
同时，演员们出色的表演也为影片增添了许多亮点。
推荐摄影师必看10部电影
推荐摄影师必看10部电影电影与摄影有着千丝万缕的关系，摄影追求像电影画面那样的故事性，而电影则追求摄影那样精准的构图。
国外某网站精选了10部与摄影有关的电影，希望能给各位热爱摄影的朋友带来一些启发和灵感。
电影列表（按照IMDB得分升序排列）：10. One Hour Photo《一小时快相》中文片名《一小时快相》。
主演罗宾·威廉姆在影片中饰演一个拥有反社会人格的照片冲印店老板，平时生活孤僻。
客人常会拿着家庭内的生活照片来西摩店里冲洗，通过观看这些生活照，西摩对一个拥有两个孩子的家庭日益了解，并幻想成为其中一员，但随后发现了这个家庭背后的惊天秘密，而西摩接下来的举动更是带来了灾难性的后果。
9. High Art《高潮艺术》中文片名《高潮艺术》。
Lucy曾是一位出色的摄影师，在她事业的顶峰阶段因为吸毒而过上了隐居的生活。
另一位女主角Syd疯狂地迷上了她的摄影作品，并鼓励她为自己的杂志拍摄照片。
而Lucy也仿佛在Syd的帮助下重新找回了创作的灵感。
于是两人在逐渐接近的过程中产生了微妙的感情。
8. Rear Window《后窗》中文片名《后窗》，由悬疑电影大师希区柯克执导。
影片讲述摄影记者杰弗瑞因伤疗养，疗养期间杰奇杰弗瑞经常偷窥后窗，却意外发现一宗分尸命案。
影片展现出了人性最深层的恐怖和最异常的思想。
7. Closer《偷心》美国版《偷心》。
影片讲述人像摄影师安娜（朱莉娅·罗伯茨饰）等四人复杂的男女关系，戏中关于摄影的戏份并不多，但叙事精彩，而且画面也非常精美。
6. Pecker中文片名《派克》或《啄木鸟》。
影片由约翰·沃特斯执导，整部电影充满了讽刺意味。
影片主角Edward Furlong来自一所艺术学校，自认为是新一代杰出摄影师，以玩世不恭的态度对现代艺术进行了讽刺。
5. Blow Up《放大》中文片名《放大》。
这是一部拍摄于上世纪60年代的经典老电影，主角摄影师托马斯在公园意外拍到一具尸体和一个拿着枪的人。
必看电影：最经典的10部好莱坞电影推荐
必看电影：最经典的10部好莱坞电影推荐题目：好莱坞电影是世界电影中的重要一支，经典电影更是享誉全球。
在我们的生活中，许多经典电影成为我们的记忆，让人流连忘返。
以下是我个人对好莱坞电影中最经典的10部电影推荐。
第一部电影是《教父》。
这部电影由弗朗西斯·福特·科波拉执导，于1972年上映。
电影讲述了一个黑手党家庭的故事，描述了权力、家庭、背叛和忠诚等人性的极致。
这部电影因其深刻的主题、精致的制作和演员出色的表现，被誉为“电影历史上最伟大的电影之一”。
第二部电影是《肖申克的救赎》。
这部电影由弗兰克·德拉邦特执导，于1994年上映。
电影改编自斯蒂芬·金的小说，讲述了两位监狱里的犯人之间的友情和他们逃狱的故事。
这部电影因其震撼人心的故事、出色的表演和令人难以忘怀的结尾而获得巨大成功。
第三部电影是《星球大战》。
这部电影由乔治·卢卡斯执导，于1977年上映。
这部电影是系列电影的第一部，它讲述了反抗军与帝国的斗争。
这个电影因其扣人心弦的故事、惊人的视觉效果和动人的配乐，成为了一部永恒的经典。
第四部电影是《指环王》。
这部电影由彼得·杰克逊执导，于2001年至2003年上映。
这个电影是由J.R.R.托尔金的小说改编而来的三部曲，讲述了一个古老的魔戒的故事。
这部电影因其奇幻的故事、宏伟的景象和瑰丽的效果而闻名于世。
第五部电影是《乱世佳人》。
这个电影是由维克多·弗莱明执导，于1939年上映。
这部电影讲述了南北战争时期的一个女人的生活，因其主题、剧情和表演而成为电影历史上最成功的电影之一。
第六部电影是《泰坦尼克号》。
这部电影由詹姆斯·卡梅隆执导，于1997年上映。
这个电影讲述了泰坦尼克号的沉船事件和一个年轻的情侣之间的爱情故事。
这个电影因其浪漫主义的情节、动人的描绘和大规模特效而成为一部永恒的经典。
第七部电影是《星际穿越》。
这部电影由克里斯托弗·诺兰执导，于2014年上映。
电影史上16个鬼斧神工的经典长镜头
导演：奥逊·威尔斯摄影：拉塞尔·麦蒂开场镜头：时长3分20秒难度系数：★★★★★完美指数：★★★★★这部电影曾经是电影史上的一个悲剧，环球公司的乱剪，让奥逊·威尔斯的心血毁于一旦，许多年后当人们认识到这部电影的价值，却只能从40年后的重剪版去猜测奥逊·威尔斯的天才构想了。
《历劫佳人》的开始是一个3分20秒的长镜头，如今仍被众多影迷津津乐道，并被称为是电影史上最伟大的长镜头之一。
这个长镜头的的复杂性在于空间调度，它有横向的移动，也有纵向的升降，还有镜头的远近推拉，尤其是镜头从屋顶摇到楼房的另一面，并紧接着后退跟拍，这样的难度在此后50年中竟然难以逾越。
奥逊·威尔斯在这部电影里运用了一切当时可能的技术手段，包括摄影车、起重机吊臂来支持镜头运作，吊臂上的运作至今都是电影史上的经典案例，除了有相当的复杂性，它在广角镜头和大特写之间的切换同样非常自然。
镜头前半部分的俯拍和后半部分的平拍，让我们一目了然的观察到美国和墨西哥边境的混乱和污秽，它始于一个手握定时炸弹的特写，然后放置到一辆汽车的后备箱之中，整个三分钟里汽车在镜头里牵动着剧情发展，造成了惊心动魄的紧张效果。
这个开场镜头后来被许多导演争相效仿，最成功的则是罗伯特·奥尔特曼在《大玩家》中的8分钟镜头，奥尔特曼在日后访谈中大谈奥逊·威尔斯，致敬之心昭然若揭。
天才的奥逊·威尔斯，在现实生活里却命途多舛，《历劫佳人》糟糕的剪辑终至票房惨败，他自己也再次失去了拍片的机会。
为了“伸冤”，威尔斯写过一份58页的备忘录，今日竟被环球公司厚颜无耻的拿来做《历劫佳人》50周年纪念版DVD的赠品。
导演：米哈依尔·卡拉托佐夫摄影：谢尔盖·乌鲁谢夫斯基屋顶镜头时长3分22秒难度系数：★★★★★完美指数：★★★★★如果要从世界电影史上选取一个长镜头和奥逊·威尔斯《历劫佳人》中的开场白相媲美，那一定是米哈伊尔·卡拉托佐夫在《我是古巴》里运用的那个屋顶镜头，在3分22秒的时间里，镜头扫荡了整个屋顶的格局，然后下降两个楼层（此时的高楼边缘清晰可见），最后扎入游泳池而结束。
摄影师们不可错过的十部电影
摄影师们不可错过的十部电影作者微博：@周健__“我们不只是用相机拍照。
我们带到摄影中去的是所有我们读过的书，看过的电影，听过的音乐，爱过的人。
”——亚当斯之前做的关于摄影的电影推荐，反响还不错，本着分享交流的原则，在这里做第二次相关分享，今后会陆续安利一些我个人认为很不错的电影给大家。
都与摄影直接相关，或是电影本身就讲述着摄影的故事，或是电影的摄影画面或着色彩值得关注与学习。
1.枪火枪火应该是杜琪峰的巅峰之作或者至少是代表作品。
这不是个很庞大或是很复杂的故事。
故事虽小，却体现了杜sir在很多影片中都使用到的一种手法-“以小博大”(类似的影片比如PTU)。
不同于吴宇森闻名遐迩的暴力美学，杜sir电影里体现的更多的是一种“动静相宜的美感”，由枪火里迸发出静态的张力。
几段枪战都相当经典。
最值得一提的是商场那段枪战。
五人组的站位气场十足，层次分明，构图感也极强。
不得不说杜sir的空间感真的很强。
他常常通过空间设计来制造始终带着悬念的紧张氛围(类似的影片比如放逐)。
以空间位置的变化暗示人物关系的此消彼长。
他利用立柱在水平和纵深两个方向上将一个完整的空间按照人物站位有层次地进行分割。
镜头开始在有节奏地间隔中运动，让一个静止的场景充满动态的张力。
而原本确定的空间在这种处理下变得难以预测。
从而在视觉上制造错觉借此达到氛围营造的效果。
几个大咖在等老板的时候打发时间踢起了纸团。
踢纸团这种小孩子的游戏，发生在几个“身份显赫”的大人身上，形成一种有趣的反差。
经典的踢纸团还有结尾的五人拿枪互指，酷的没话说了，最后我还是要再次强势安利一波银河映像的所有电影2.青木瓜之味整部片子给人很安静很祥和很美好的感觉，片子看着很真实，素面朝天的梅、青翠的树叶、浓郁的木瓜汁、长鸣的知了、跳动的青蛙、濯枝润叶的雨水、轻风拂动的蚊帐、床前的旧拖鞋，每个画面都那么美仑美奂，光影处理和明暗对比都恰到好处，陈英雄对细节的铺陈和雕琢透着一种女性才有的细腻。
十部史上最美的电影，美到窒息
⼗部史上最美的电影，美到窒息这是⼀份视觉⼤餐。
由外国专业电影⽹站CineFix，于去年评出的，有史以来颜值最⾼的10部电影。
这⼗部电影，随便在哪个地⽅按停⽌键，出来的画⾯，都美到窒息。
不信，你试试？⼗俄罗斯⽅⾈Russian Ark(2002)整部⽚采⽤“⼀镜到底”的⼿法，96分钟，不加任何剪辑，镜头没有⼀次切换。
但是，画⾯丝毫不会有单调之感。
原因在于摄影师对摄像机漂亮的操作：推，摇，拉……镜头时⽽俯冲滑⾏，时⽽平缓拉进，画⾯在同⼀个镜头⾥产⽣了丰富的变化。
⾃然精巧的构图，演员井然有序的⾛位，凭借空间切换来实现场⾯调度。
让我们得以不知疲倦地观赏这场俄罗斯贵族⽣活，⼀步步⾛向衰落的过程。
你可以批评它的故事，但你不能不为它的创意和执⾏⼒献上持久的掌声。
九曼哈顿Manhattan(1979)这是伍迪·艾伦写给纽约的⼀封情书。
当时宽银幕刚流⾏不久，该⽚的摄影执导⼽登·威利斯（Gordon Willis），决定要⼤胆地给这部⽚，涂上⿊⽩⾊。
⽽伍迪·艾伦也同意，因为这才是他童年记忆中的纽约。
电影⿊⽩画⾯之间的灰⾊⾊阶⾮常微妙（暧昧），让整座纽约城极具情调。
⽽夜间灯光点点的曼哈顿，让它看起来像⼀座浮在星星上的天空之城。
⽚中，最让影迷津津乐道的是以下⼏张⿊⽩剪影，纽约浪漫的⽓氛溢满整个银幕。
⼋公民凯恩Citizen Kane(1941)不论在哪个榜单，只要想服众，《公民凯恩》绝对会在前⼗占据⼀席之地。
本⽚解放当时电影⼈在拍摄和想象上的限制，让观众看到电影捕捉⼈类情感和经验的更多可能性。
同时，它也是最美的电影之⼀。
这⾥⾯⽤了太多⾰新电影这项艺术的技术和风格了，各种景深镜头、长镜头、低⾓度的仰拍镜头，闪回的叙事、开放性的结局等等。
最疯狂的是，这是奥逊·威尔斯的处⼥作。
他之前完全不知道应该要怎么去拍摄，电影⾥所使⽤的技术，也是他借鉴⾃平时看到的⽚⼦。
七2001太空漫游2001: A Space Odyssey(1968)当电影⼤师们想要为头上的星球，编织⼀部戏时，他们总会让观众感到惊喜。
电影场景解析
电影场景解析电影作为一种艺术形式，通过精心构建的场景和画面，向观众传递情感和信息。
每个电影都有各自独特的场景设置，它们呈现出不同的时间、地点、灯光和音乐，创造出独特的氛围和情感共鸣。
本文将解析几个经典电影场景，探索它们在推动故事发展和表达主题方面的重要作用。
（请注意，本文中所有的电影场景都是由笔者独立创作的，仅用于解析和说明。
）一、《阳光灿烂的日子》：黎明之中的小巷在这个场景中，我们看到主人公走在一个狭窄的小巷中，太阳才刚刚升起，光线透过树叶的间隙，投射出斑驳的影子，给人一种淡淡的温暖感觉。
这个场景的设置与剧情发展息息相关，小巷的狭窄代表了主人公的压迫感和无奈，而闪烁的阳光则象征着希望和追求。
通过对比，观众可以更好地理解主人公内心的冲突和挣扎，从而更深入地投入到故事中。
二、《肖申克的救赎》：雷电交加的监狱院子这个场景中，主人公安迪站在监狱院子里，雷电交加，暴雨倾盆。
院子的灰色和褐色建筑显得阴暗而沉重，与天空中犹如天罗地网般的闪电形成强烈的对比。
这个场景通过天气和环境的描述，传达了主人公在监狱中的困境和压抑感。
雷电和暴雨象征着主人公内心的冲突和煎熬，同时也为他后来的行动埋下了伏笔，展现了他与外界的对抗和追求自由的决心。
三、《阿甘正传》：贝康军事基地的正午在这个场景里，主人公阿甘坐在贝康军事基地的长椅上，阳光正午，光线明亮而刺眼。
相比于前两个场景的压抑和阴暗，这个场景给人一种明快和活力的感觉。
阳光和明亮的环境象征着主人公内心的纯真和善良，同时也代表了他所处的环境相对宽松和自由。
这个场景对比鲜明地展现了主人公的成长和变化，让观众更加深入地认识到他面临的挑战和追求幸福的努力。
四、《罗马假日》：咖啡店的对话在这个场景中，观众看到主人公和男主角在一个精致的咖啡店里坐下，对话开始。
咖啡店的布置精致，色彩明亮，营造出一种浪漫而温馨的氛围。
这里是两个主要角色相互了解和交流的场景。
通过这个场景，观众更好地理解了他们之间的关系和故事发展的方向。
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摄影师十大必看电影欣赏并观摩电影，并不仅仅是摄像师的专利，拍摄静态照片的摄影家们，同样可以从中获得许多教益。
从摄影家的角度欣赏电影，注重的并不是演员的投入表演，也不是惊心动魄的视觉效果。
那么，摄影师选择电影的基本条件和原因究竟是什么呢？首先，最重要的是用光的角度和环境。
其次是场景的选择。
为此，我们选择了以下的十部电影，它们的场景令人过目难忘，恨不得身临其境。
这些电影大多可以买到正版的DVD，但也有些有些极其罕见，这也显示出它们的珍贵。
1. Baraka（天地玄黄）Baraka是一个古代伊斯兰苏非派单词，含义是“祝福”。
这部影片在刚推出时评价极高，被一些疯狂的影评家称为“二十世纪最伟大的纪录片”。
几年前甚至有人声称如果被流放到荒岛上，唯一愿意携带的电影就是它。
这部电影以地球与人类的进化，及人类与环境的关系为题材，自始至终没有一句对白。
面前的景色究竟来自何方，完全靠观众自己揣摩。
据称，导演Ron Fricke为了拍摄这部电影，带着三人拍摄小组，花费14个月，走遍了六大洲的24个国家。
共耗费四百万美元。
对于这部无需支付演员的高额出场费的电影来说，投资是相当可观的。
如此高投入的另一个原因是拍摄器材：它使用昂贵的TODD-AQ 70毫米格式。
同时，本片的音乐效果极为优秀，为你带来不可多得的视觉和听觉双重震撼。
Baraka中的场景，是任何一个摄影师都梦寐以求的。
前一分钟你还在为短尾猿那极似人类的脸而浮想联翩，后一分钟就来到了日本积雪的富士山；来不及细味印度恒河边的火葬仪式，又在叙利亚寺庙前徘徊驻足。
这是一部值得一看再看的电影，因为其中的内容如此丰富，浮光掠影的浏览根本无法完全吸收。
除了风景之外，导演还利用电脑程控技术，拍摄了大量延时镜头，以反映曼哈顿和东京街头的繁忙场景。
这固然是动态影片的特点，但是静态照片摄影师能不能考虑使用延时曝光效果来表达一些忙碌的景象呢？随这部电影上市的还有一本精美的画册，详细的记录了电影拍摄的种种有趣的经历。
同时附有大量的彩色和黑白照片。
如果非要说这部电影有什么不足的话，它的创意和拍摄手法似乎和1983年的一部名为《Koyaanisqatsi》的电影颇为雷同。
有意思的是，《Koyaanisqatsi》的导演和摄像也是这位Ron Fricke。
正如这部电影颇为怪诞的片名一样，这是一部献给所有懂得，并愿意欣赏视觉艺术的人士的杰作。
2. Barry Lyndon（乱世儿女）在看这部电影之前，先请教各位一个问题：那就是：谁有f0.7的镜头？即使是在工业发达的21世纪，这样的东西恐怕也无处寻觅吧。
或许，全世界只有一块f0.7镜头——就是导演库布里克拍摄这部《乱世儿女》所用的那一块。
这块珍贵的镜头，据说是蔡司为美国航空航天局定制的产品，不知为什么流落到了库布里克手中。
他将这块镜头稍加改装后，安装到了摄象机上。
f0.7的巨大透光量，使得他在拍摄室内景物时可以完全使用烛光照明，而没有任何其它的人造光源。
有了这样的拍摄利器，这部电影无论是野外风景还是室内空间，构图用光都极其用心，就像是一幅幅流动的精美油画，随便拉出一幅，都能挂到墙上。
但是值得注意的是，影片有意识的采用大量的“中心构图”，尤其在室内场景中，总是用柱子、门窗、桌椅等物品标明画面的中心点，而那里也正是即将展开的场景的中心，是摄影机想要引导观众关注的中心。
从视觉心理上来说，只有在对称发生偏转或变动时，才会有活跃动态的感觉，这种静止镜头中的标准对称，只能产生沉闷的心理的感受。
而这也正是库布里克想要传达的：一个死气沉沉的社会，等级森严，无所事事。
这部电影讲述的是18世纪的欧洲，当时英普同盟和法奥俄同盟正打得不可开交。
一文不名的爱尔兰无赖、穷小子Barry，由于机缘巧合，结识了一个富有的寡妇，并藉此挤入了上流社会。
但他为了追求贵族爵位而和勋爵决斗，最后被驱逐出英国。
或许这部电影该译作《欧洲版鹿鼎记》更合适。
在这部电影中，主角Barry Lyndon的扮演者Ryan O'Neal很好的把握了小无赖自由自在，毫无道德压力的心情。
他本人和这部电影也获得了最佳电影艺术学员奖，最佳艺术导演奖，不列颠最佳电影奖等一系列奖项。
在这部超过3个小时的电影中，至少有二三十处值得记录为静态画面的场景。
当然，如果你没有以上所说的f0.7镜头，还是试着打几快反光板吧。
毕竟，f0.7听上去比神话还遥远。
3. The Conformist（顺从者）这部电影可说是大导演Bernardo Bertolucci的扬名立万之作。
虽然情节编排没有选用传统的“开始——经过——结尾”模式，但是，摄影师Vittorio Storaro充满灵性的拍摄，使得这部片子成为电影史上的经典。
极为讲究的用光，罕见的拍摄角度，以及各种色彩滤镜的使用，都使这部电影增色不少。
虽然拍摄于35年以前，但是，今天的摄影师们仍旧可以从中学到许多，那就是：跳出陈旧的框框，创造自己的风格。
这位来自帕尔马的Bertolucci导演，后来拍摄了家喻户晓的《末代皇帝》，自己也拿到了当年的奥斯卡最佳导演奖。
他的其他作品还有《遮蔽天空》，《巴黎的最后探戈》等等。
4. Day of Heaven（梦断情天）静态摄影家经常会谈到所谓的“魔幻时刻”，也就是每天的黎明和黄昏。
在这些时间，微弱，温暖的日光使物体显得分外美丽。
但是对于电影摄像师来说，常常由于剧情和资金预算的限制，而无法选择“魔幻时刻”。
很显然，没有任何一个剧组愿意花大钱请演员和工作人员呆坐一天，就为了黄昏那片刻时分的拍摄。
唯一的特例是这部拍摄于1978年的《梦断情天》。
这部电影讲述的是二十世纪初的一段三角爱情故事。
导演马利克难得的聘请到了当时的两大著名摄像师：Nestor Almendros和Haskell Wexler。
它的绝大多数镜头都是在黄昏拍摄的，并因此获得了1978年的最佳摄影金像奖。
总之，这部电影的情节甚为离奇，也多少经不起推敲。
但是，无法掩饰的是它杰出的视觉效果。
以下是Nestor Almendros在电影杀青后的感想：“马利克告诉我，他要拍摄一部注重视觉效果的电影，通过视觉效果讲述故事。
很多人并没有意识到视觉效果的重要性，许多导演也把更多的精力放在演员上。
但是，这是一部用视觉效果说话的电影。
这部电影讲述的是电发明之前的事，没有电灯，因此光线常常很弱，完全依赖由窗外透进来的光线，这就是当时人们的生存状态。
”“所谓的魔幻时刻，其实是一种委婉的说法，每天最多不过25分钟。
在这段时刻里，太阳刚刚落山，天空还没有黑下来，却已看不到太阳了。
这段时间的光线最为柔和，常常有一种魔幻的效果。
有时，我们每天只能拍摄20分钟。
但是这确实物有所值，影片效果非常美丽，浪漫。
”5. Dreams（梦）这是日本电影天皇黑泽明对梦的勾画。
全剧由八个梦组成，分别是太阳雨、桃园、风雪、隧道、乌鸦、红色富士山、垂泪的魔鬼和水车之村。
这八个梦几乎贯穿了人类生活的所有主题，战争与和平、社会与人生。
在不同的梦境里有着不同的场景，配合不同的色彩，把人类所面对的所有主题一一呈现。
超现实的视觉效果在当年颇为引人注目。
抛开小日本的民族性不谈，这部电影给静态摄影家们的最大启示就是：要尽最大可能挖掘内心深处的想象力。
很多摄影家受困于应接不暇的商业工作或“上层意见”，而无法充分发挥自己的灵感。
但是我认为，作为艺术工作者，摄影家总要尽可能的追逐自己的灵感吧。
从摄影家的相机中出来的，不应仅是现实的反映，还应该努力反映心中的构思。
本片中，黑泽明大胆的使用了极为鲜艳的色彩范围，从明媚的春光，到阴冷的隧道，或许每个人，都有个彩色的梦吧。
总之，《梦》已经不仅仅是黑泽明个人的一种感情宣泄，在我们的感觉和感情被烂片弄得越来越迟钝和粗糙的今天，我们其实需要的是这样一种真实的童话，而不是那些让人越看越蠢的傻瓜教科书。
6. 末代皇帝（The Last Emperor）这又是一部贝特鲁齐的电影。
对于全世界任何一个导演来说，拍摄末代帝王溥仪的故事，都是巨大的挑战。
贝特鲁齐成功的完成了这部跨度长达59年（从1908年到1967年）的电影，并使其成为电影史上的经典。
故事的气势宏大，色彩浓郁，场面壮观。
故事从1950年冬天开始讲述起：清王朝废帝溥仪，作为战犯从苏联被押回中国。
火车抵达中苏边境的满洲里火车站后，溥仪认为此去性命难保，便溜进卫生间企图割腕自杀。
中国战犯管理所所长发现情况有异，急敲卫生间的门。
敲门声使溥仪陷入了回忆……色彩的运用绝对是这部史诗的亮点。
贝特鲁奇和摄影师Vittorio Storaro使用了相当罕见的色调渲染气氛。
有人说，这部电影的真正主角不是尊龙，而是摄影师Storaro。
例如，在溥仪的童年时代中，他的生活还算丰富多彩，这时的色调以桔红色和明黄色为主。
（溥仪在回忆录中也说过，小时候，由于他身边的绝大多数物品都是代表帝王的黄色，因此他认为所有东西本来都是黄色的。
）而在“伪满洲国”时期，电影的色调变为压抑的靛青色。
而当他受到毛主席的关怀，接受再教育的时候，色彩变为朴素的灰色。
在溥仪生命的最后阶段，颜色慢慢趋向柔和，暗示着这个历经大起大落的人最后的觉悟……1998年，贝特鲁奇出版了一本书，《The Last Emperor: Multiple Takes》。
在这本书中，他详细的阐述了在《末代皇帝》中的色彩运用心得。
作为一个静态摄影师，应该知道：照片的色调至关重要，它极微妙又难以把握，甚至能在不经意间引导观看者的心情。
另外值得一提的是，虽然在故宫取景的电影和电视剧有很多，但是能真正拍摄出故宫的宏伟庄严的却没几个。
虽然是意大利导演的作品，但是，《末代皇帝》足以给我国的众多“清宫戏”做典范。
该片在西方上映后。
立即掀起了“中国热”。
1988年，第60届奥斯卡奖颁奖揭晓，《末代皇帝》一举夺得最佳影片。
最佳导演、最佳改编剧本、最佳服装、最佳作曲、最佳剪辑、最佳音响效果、最佳摄影和最佳美工9项奖。
7. 大红灯笼高高挂（Raise the Red Lantern）作为一部心理片，《大红灯笼高高挂》对色彩的运用极为讲究。
张艺谋不愧是摄影师出身，不同色彩基调的反复出现，使观众的情绪也随着剧情忽高忽低。
乔老爷想在哪位太太的房中过夜，那位太太的门前就挂起大红的灯笼。
经典三原色冲印法的使用，使这部电影的红色和黄色十分鲜艳，而这在西方国家的电影中是不多见的。
同时，各式各样色彩鲜艳的服装，也使这部电影显得更为精致。
这部电影获得了数不清的荣誉：十届香港电影"金像奖"十大华语片之一；意大利第四十四届威尼斯国际电影节"银狮奖"、国际影评人学会大奖、天主教影评人协会大奖、金格利造型特别奖、艾维拉诺塔特别奖；获美国第六十四届奥斯卡"金像奖"最佳外语片提名；意大利全国奥斯卡"大卫奖"最佳外语片大奖、最佳外语片女主角提名（巩俐）；意大利米兰电影协会颁发观众评议本年度最佳外语电影第一名大奖。