中国传统意境观念对摄影艺术创作的影响
中国传统意境观念对摄影艺术创作的影响
摘要：中国传统意境观念对于中国艺术的发展有着十分重要的影响，中国历代摄影艺术家们都曾将中国传统意境的概念带入他们的摄影创作，为这些创造出来的艺术作品烙上了中华民族的印记。本文通过分析意境观念的美学本质及其与摄影的关系，以及在中国近代摄影艺术发展中的应用，阐释了中国摄影艺术创作的形成和发展与中国传统意境观念之间的关系。
关键词：摄影艺术；虚实观；境观念
一、中国传统意境观念的核心价值
中国传统意境观念中国艺术思想的精髓。无论是当代的摄影创作还是那些历经岁月尘封的摄影艺术作品，其中许多都可窥见摄影艺术创作者们深受传统意境观念的影响。张法说，中国之道是“无”,中国艺术最大的特点就是对“无”的重视，体现在绘画上就是重视对空白处的处理，“虚实相生，无画处皆成妙境”.[1]这也就是中国传统绘画艺术中画面的经营之道，有
形与无形之间的关系，中国艺术妙在虚境。这些作品传达了艺术家们对“道”的理解，中国艺术之道就是重视对“虚”的表现主张空灵的意境，摄影艺术中所营造的“虚境”则是摄影艺术家们不断揣摩与创新的部分。中国摄影艺术家们在不断进行创新的过程中汲取了中国传统文化中意境观念与老庄“虚、静、明”的哲学思想；以及崇尚自然的人生态度和“将天地万物涵于
自己生命之内，以与天地万物直接照面”的以物拟人、以物寄情的“象征”艺术表现手法。[2]通过对诸多作品的分析研究不难看出“意境观念”在摄影艺术的发展中具有举足轻重的地位，对中国摄影艺术的形成与发展奠定了坚实的理论基础，是中国摄影艺术有别于西方摄影艺术的重要标志。
二、近代摄影艺术创作中对“意境”的探索
中国近代的摄影艺术首屈一指的大师可以说是郎静山先生这一代先驱，但要论意境的表现力，郎静山却又不及后来者陈复礼表现方式的婉转悠长。正如美术大家刘海粟对其的评价：“复礼摄影，六法留真，千变万化，不断创新”.一句“不断创新”意味着不断的创作实践，意味着不停地攀登艺术高峰。就是在“耄耋之年”的陈复礼先生仍有一种永不休止的创作精神。毫不夸张地说，陈复礼的摄影之路，是一条永不休止地向着艺术高峰攀登之路。
陈复礼的摄影作品运用中国传统意境观念与道家所崇尚的自然清新的理念来表达自己
的思想与对艺术的追求。如其着名作品《朝晖颂》将黄山的苍劲古松置于前景，飘渺的雾气
与云彩穿插于崇山峻岭之间，通过逆光环境的处理，古松形成剪影，雾气与云彩被阳光所照亮，显露出丰富的层次感，意趣横生令人陶醉。
《搏斗》中划桨的渔民与汹涌的波涛形成一组自然的矛盾关系，渔民头顶天空上的云彩从画面左下方向右上方伸展，如同一朵绽放的生命之花。象征着对那些与恶劣自然环境做斗争的人们的歌颂，照片中的各宗关系极富戏剧意味。薄云亦虚亦实的层次感寄予了作品丰富的内涵，天空中云朵呈现出的形状给观赏者带来了无限的遐想。虚幻缥缈的云彩给《搏斗》这件作品增添了无尽的思考空间，这就是中国传统意境观念中的虚实交融的艺术手法给摄影艺术作品带来的丰富内涵。
“虚实”对于摄影艺术创作来说是非常重要的，用云雾或剪影让“虚”与“实”形成对比，营造出摄影作品的层次。《三塔斜晖》就是通过云雾与光线的配合营造出了如同仙境一般的画面，淡薄的云雾飘浮于三塔寺下，如同天上宫阙的三塔寺和远山交相辉映，一丝光线从山背后撒向三塔寺，照亮了薄雾，俨然是步入了天宫一般，神秘并吸引人不断的憧憬和幻想。“虚”与“实”经陈复礼大师之手被调和成为一曲悠扬的空灵之音，美与自然的和谐被虚虚实实的影像演绎得无比的美妙。
在摄影创作中“虚实”的作用就如同催化剂一般，仅仅具有真实感的作品也许很难得打动观众，而通过“虚”营造意境，在似有似无之中表现作者的审美趣味和思想意识，运用虚境将无限的美表达出来，给观赏者留出了巨大的思考与想象的空间，审美的愉悦由此而生，令观众回味无穷。
三、“虚实观”对当代摄影艺术创作的影响
在当代中国的摄影创作中摄影艺术家们对“虚实观”的解读同样在摄影作品中起到了十
分重要的作用。由于当下摄影技术与计算机技术的不断发展，新的摄影艺术形式悄然而生，很多摄影艺术创作者不需要再通过暗房技术来得到照片，数码摄影技术的出现为摄影艺术的创作提供了极大的方便。摄影艺术家们在拍下照片后，还可以运用Photoshop等软件在电脑上处理照片进行二次创作。在当代摄影艺术的创作中，“虚实”的作用体现在了摄影创作过程中如何去营造虚境，创造出美的虚幻的世界。运用人物、风景、动物等素材的位置、虚实、状态综合调整画面的意味和形式。在当代数字化技术大发展的大背景下，“虚实”的手法变得非常的容易，但这也带来了一个问题，什么时候需要“虚”;需要“虚”什么地方；“虚”到什么样的程度：这变成当代摄影创作中的核心问题。经营一个完美的画面成为当代摄影艺术工作者的终极追求。画面中对于“虚实”的理解关乎到摄影作品的成败，特别是在把握住画面“虚实”的同时进行创新的过程。这需要摄影者对生活、自然、社会全面深刻的理解，只有经历了这样的过程，一件完美的摄影作品才可能被创造出来。
在当下国内的各大摄影展中能找出不少具有意境的摄影作品，通过运用“虚实相生”的艺术手法，在进行了一些创新的同时将摄影创作者的思想表达得淋漓尽致。本文里我列举近年来全国摄影艺术展中的一些获奖摄影作品加以论述，这些作品或在摄影内容上、或在表现技法上、或在审美趣味上都具有一定新意，为观赏者带来审美的享受和愉悦。
在第24届国展中获得金奖的作品《竹园昆梦》组照，画面唯美、古韵悠长、虚实得体、质感细腻可以称得上是极富美感与审美意趣的大作。从《竹园昆梦》作品中我们可以看出作者对于美的追求，虚虚实实之间人物、竹林、亭台楼阁、声声昆曲皆恰如其分的呈现在观者面前，平静优雅富有诗意。多层合成的方式对于Photoshop广泛应用的现在虽已不再是什么难事，但作者着眼于对画面的调整与对虚实的把控，在虚实的调整上作者大作文章，在似有似无之间营造出美的意境。恍若幻境的四幅画面中虚实处理恰到好处，就连色彩都在浓淡清浊之中表现出亦真亦幻的虚实感，可见作者将自己对于中国绘画艺术中“虚实”的理解完全地融入了摄影创作之中，勾勒出了一组富有民族性绘画语言的摄影作品。
中国传统意境观念中对于“虚实” 概念的理解，对当代摄影创作的影响不仅仅是如何处理内容与形式的关系，更多的是源于摄影创作者多年的文化积淀。对“虚实”的理解带给摄影作品的是一种文化的归属感，是作者对中国文化的深刻理解与诠释。《仙居童谣》、《凉山的雾》组照、《鹭舞祥瑞》等国展中的诸多入选作品虽从现实出发刻画出的却是虚幻优雅的意境，“无画处皆成妙境”重视对空白处的表现，突破了自然主义与形式主义的片面性，体现了自然精神与人文关怀的相互交融。这样的交融符合道家思想中超然的艺术境界，神似仙境却又来自人间，当代的摄影创作无形之中让道家所描绘的仙境得以通过视觉作品呈现出来。这些作品透着天地人和之道，看似信手拈来，实则匠心独运。无论对于自然、人物、动物等的描绘都散发出一种恍若天上一般的感觉，通过对留白处精致地处理，表现出作品浑然天成地意境和中国画中虚大于实的艺术表现理念。
四、结论
在中国当代摄影艺术的创作实践中“虚”与“实”这对古老的辩证关系，仍旧上演着它们带给摄影创作者的艺术激情与欣赏者的审美愉悦，向全世界展现出中华民族古老却从未衰褪的独特艺术追求和文化传统。中国绘画艺术中的虚实观并没有因为现代科技的进步而退出艺术舞台，反而因为现代科技的进步极大的促进了摄影创作者对于画面中“虚实”关系的思考，从而创作出那些耐人寻味的摄影艺术作品。
参考文献：
[1]张法.中国艺术：历程与精神[M].中国人民大学出版社，第1版（2003年12月）第13页.
[2]李文杰.“虚实观”与当代设计造境民族化关系探析[J].大众文艺，2012年17期.
论中国传统绘画的“空白加减法”及其运用
论中国传统绘画的“空白加减法”及其运用 论文摘要：空白在中国古典艺术里是有着极其深刻的渊源，受中国哲学思想思维模式的影响。“静故了群动，空故纳万境”，苏轼的这一诗句可以说是中国画“空白加减法”很好的写照。本文从中国传统绘画中“空”的表现形式、中国传统绘画中“空”所蕴含的哲学观、中国传统绘画中“空”的抽象运用等级个方面探讨中国传统绘画的“空白”空间及其运用。 论文关键词：传统绘画,空白,加减,运用 中国水墨画艺术的“空白”运用深层积淀是以中国古典哲学与中国传统美学的基础的，也就必然重视作品中“意象空白”的美学意义，因为中国艺术的存在形式是以这种“自知加减”的思维方式来决定的，其中进一步领悟到老子“知其白、守其黑”的审美意义。它总是会继承过去的优秀部分，而加入时代进步的部分，在创作的程式中强调笔墨意识的同时，也把“空白”的审美价值放在了重要位置。 一、中国传统绘画中“空”的表现形式 1．疏可走马 在绘画中疏密关系的表达大致可分两类，一是符合客观情理的疏密变化，根据现实中景物的不同而构造的疏密情况，通常我们在一般意义上的绘画中便能察觉，另一类是经过缜密的艺术构思，通过艺术化的加工处理将画面中的繁密或疏简布置于作品全局，使画面达到繁不嫌塞，疏不嫌空，可谓密不透风，疏可跑马的艺术高度。疏密与繁简互有异同，相辅相成。 传统水墨画特别强调用笔用墨的疏密关系，“疏可走马，密不透风”，便是对这一关系的总体概括，中国传统绘画的疏密关系是靠空白来完成的，“空白加减法”的运用程度直接影响着整幅作品的节奏感。“加法”不一定密，“减法”不一定疏。上部密下部疏，但是密中有疏、疏中有密，加中有减，减中有加。这就是布局中所谓的繁简和疏密相间，繁密的布局中，可山峦重叠，简疏的画中疏树横坡，就如王蒙与倪云林的画，一密一疏间，各有其趣，何其乐哉。 2.计白当黑 在长期的绘画实践中,历代画家们正是在这一传统哲学理论的指导下,总结出了一整套关于空白的规律，有时候“减法”也可以当做“加法”来运用自如。画家们提出“计白当黑”、“知白守黑”等法则,使中国画的创作表现进入了一个新的高峰。清人汤贻汾深有感触地说，人但知有画处是画，不知无画处皆画，画之空处全局所关，王昱在《东庄论画》中也这样讲：“奇者，不在位置，而在气韵之间；不在有形处，而在无形处。”[1]戴照似乎说得更为贴近国画创作实际。在他们看来，传统绘画中最突出的地方，不在实处，而在无笔无墨的空白处。笔墨不着的空白处，为何却成了一幅画最紧要之处？清代华琳在《南宗抉秘》中道出了个中原委：“于通幅之留空白处尤当审慎。有势当宽阔者窄狭之，则气促而拘；有势当窄狭者宽阔之，则气懈而散。务使通体之空白，亦即通之龙脉矣。”[2]有黑才有白，有了黑色的“加法”在画中的绝妙运用，“减法”才能在画中因此而妙了起来。画面中的空白并不是虚无他物，只是偶然的表现，其中贯彻着独立的审美价值。 正如清代王夫之所说：“凡虚空皆气也，聚则显，散则隐，隐则人谓之无。”正是居于上述认识，历代国画家都很重视构图布白的问题。”[3]柳宗元《江雪》诗:“千山鸟飞绝,万径人踪灭。孤舟蓑笠翁,独钓寒江雪。”可谓是一幅减笔水墨图，运用大片空白,渲染了寒江雪霁的气氛。 3.大象无形 “大象无形”一语出自老子《道德经》第四十一章。"大象无形"可以理解为：世界上最伟
中国古典美学的意境
中国古典美学的意境 意境，指文艺作品或自然景象中所表现出来的情调和境界，以及抒情性作品中呈现的那种情景交融、虚实相生、活跃着生命律动的韵味无穷的诗意空间。如果典型是以单个形象而论的话，意境则是由若干形象构成的形象体系，是以整体形象出现的文学形象的高级形态。意境是中国古典艺术理论的重要范畴，它集中体现了中华民族的审美意识。故而美学与意境就有了那么一层深厚的关系。美学里的意境理论是中国传统美学思想的重要范畴﹐在传统绘画中是作品通过时空境象的描绘﹐在情与景高度融汇後所体现出来的艺术境界。 意境理论最先出现于文学创作与批评。三国两晋南北朝时代文学创作中有“意象”说和“境界”说。唐代诗人王昌龄和皎然提出了“取境”“缘境”的理论﹐刘禹锡和文艺理论家司空图又进一步提出了“象外之象”﹑“景外之景”的创作见解。艺理论界对“境界”说的阐述虽然众说纷纭，为轩为轾，但有一个地方却出人意外，绝大多数评论者都把“境界”和“意境”等同起来。称之为“文学形象”、“作品中的世界”。这种看法无疑是片面的。 “境界”一词作为一般习惯用法，如云“境界有二，有诗人之境界，有常人之境界”，此所谓境界，便当是泛指作品中的一种抽象界域而言者。又如云“古今之成大事业、大学问者，必经过三种之境界”，此所谓境界，便当是指修养造诣之各种不同的阶段而言者。又如云“‘明月照积雪’、‘大江日夜流’、‘中天悬明月’、‘黄河落日圆’，此种境界，可谓千古壮观”，此处之所谓境界便当是指作者所描写的景物而言者。 中国古典美学博大精深,在漫长的发展过程中形成了自己独立的个性,也形成了一系列具有民族特色的独特的美学命题和范畴。“意境”这一中国古典美学的核心范畴,反映了中国古典美学具有如下一些基本特征:追求人与自然的和谐统一;美学范畴的多义性,模糊性和辩证统一性;美学范畴的动态变异性;“以物观物”、“以我观物”的哲学认知和审美认知方式交融的艺术观照方式。“意境”是中国古典美学的独特的范畴，这是从美学范畴说，这个范畴是中国古代思想家提炼出来的，同时也是中国历代许多艺术家有意识去追求的。
中国传统绘画的主要种类
中国传统绘画的主要种类。从美术史的角度讲，民国以前的国画我们都统称为古画。中国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。近现代以来为区别于西方输入的油画（又称西洋画）等外国绘画而称之为中国画，简称“国画”。它是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料，依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。中国画按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷（又称手卷）、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。中国画在思想内容和艺术创作上，反映了中华民族的社会意识和审美情趣，集中体现了中国人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。 国画在世界美术领域中自成体系。按表现对象大致可分为；人物，山水、界画、花卉、瓜果、翎毛、走兽、虫鱼等画科；按表现方法有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种 水墨画 中国画的一种。指纯用水墨所作之画。基本要素有三：单纯性、象征性、自然性。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提出“水墨为上”，后人宗之。长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。 院体画 简称“院体”、“院画”，中国画的一种。一般指宋代翰林图画院及其后宫廷画家比较工致一路的绘画。亦有专指南宋画院作品，或泛指非宫廷画家而效法南宋画院风格之作。这类作品为迎合帝王宫廷需要，多以花鸟、山水，宫廷生活及宗教内容为题材，作画讲究法度，重视形神兼备，风格华丽细腻。因时代好尚和画家擅长有异，故画风不尽相同而各具特点。鲁迅说：“宋的院画，萎靡柔媚之处当舍，周密不苟之处是可取的。”（《且介亭杂文·论“旧形式的采用”》）以张铨、江宏伟、贾广键、赵蓓欣、喻慧等为代表的现代中青年画家为现代院体画的发展作出了一定的贡献。 文人画 亦称“士夫画”。中国画的一种。泛指中国封建社会中文人、士大夫所作之画。以别于民间画工和宫廷画院职业画家的绘画，北宋苏轼提出“士夫画”，明代董其昌称道“文人之画”，以唐代王维为其创始者，并目为南宗之祖（参见“南北宗”）。但旧时也往往借以抬高士大夫阶层的绘画艺术，鄙视民间画工及院体画家。唐代张彦远在《历代名画记》曾说：“自古善画者，莫非衣冠贵胄，逸士高人，非闾阎之所能为也。”此说影响甚久。近代陈衡恪则认为“文人画有四个要素：人品、学问、才情和思想，具此四者，乃能完善。”通常“文人画”多取材于山水、花鸟、梅兰竹菊和木石等，借以发抒“性灵”或个人抱负，间亦寓有对民族压迫或对腐朽政治的愤懑之情。他们标举“士气”、“逸品”，崇尚品藻，讲求笔墨情趣，脱略形似，强
意境作为中国传统美学的核心范畴
意境作为中国传统美学的核心范畴，对它的研究可谓早已形成一门“显学”。学界从各个角度进行探析研究，并取得了一系列有价值有分量的学术成果。 我们常常会随口说某样东西有“意境”，但是如果继续追问下去什么是“意境”；就往往无疾而终。什么是意境？关于这个问题，自王国维以来对它的定义就没有断绝过。 叶朗的《说意境》一文通过对意境这一重要范畴的分析，区别了“意境”和“意象”两个概念，说明了中国传统美学和中国传统艺术的一些特点。在《说意境》中作者首先区分了“意境”和“意象”两个概念，认为情景交融指的是“意象”；而“意境”除了有“意象”的一般规定性（情景交融），还有一些自己的特殊规定性。作者认为意象说和意境说的思想根源是老子的哲学；王夫之建立了一个以审美意象为中心的美学体系，认为作为艺术本体的意象具有宽泛性，某种不确定性，其基本规定是情景交融。老子“道”的思想促使了中国古代艺术家不重视一个具体事物的刻画，而是突破具体的“象”去追求“道”的无限。因为“意境”是要进入无限超越具体的有限，因此就会有一种哲理性的人生感﹑历史感﹑宇宙感——这就是它的特殊规定性。作者从中国绘画﹑诗歌﹑园林等三方面举例证明自己的观点。此外，有“意境”的艺术作品会超越具体的事物而从一个角度去揭示整个人生的意味，如苏东坡的《前赤壁赋》。“意境”还会给人一种特殊的美感，这种美感往往表现为一种惆怅。在这种美感中，包含了对于整个人生的某种体验和感受，是一种最高的美感。 孟二冬的《意境与禅玄——中唐诗歌意境论之诞生》主要是从中唐时期的一些诗歌理论入手分析，认为其产生中唐时期作家和理论家标志着中国古代诗歌意境理论的正式诞生。。。主要探讨了中唐的意境论。。。。首先探讨了其产生的前提条件。前人以及同时代人的创作实践；魏晋以来，文艺理论家对于文学创作中主观情意和客观物象的融合的重视；儒释道中有关学术与哲学的思想，尤其是玄学中“言﹑象﹑意”关系的辨析和佛教中关于“象外”说的理论与意境理论的产生有着密切的关系。其次作者着重分析了《诗格》和《诗式》中对于意境问题的论述。《诗格》中所言及的境象超越了眼前的确定之景，与佛教中“观心”，“象外”之说完全相同；其注重“心法”的理论和见解 意境不可能凭空出世，关于它的诞生一定会有一个漫长的发展过程；可能起
艺术作品中的意境和典型都是艺术创作的高层次形象
艺术作品中的意境和典型都是艺术创作的高层次形象，也是最富于审美价值的艺术形象和境界。 毕加索曾说过：“艺术是时代的索引，任何一个时代的特殊感情都会诱导出与这些意境一致的艺术形式。”意境是人对自己，对自己与周围世界关系的一种主观态度和评价，它与人的需要、欲望和理想密切相关，具有强烈的主观倾向性。意境在审美心理活动中，一方面，诱发各种心理因素积极参与创造活动，另一方面，融入其他各个环节的心理活动中，使整个创作活动都感染上意境的色彩。意境指文艺作品或自然景象中所表现出来的情调和境界。端木蕻良《关山月的艺术》：“画梅花的，很少能闯出林和靖式的梅花品格，总是强调暗香疏影这般意境。” 意境蕴涵着中华民族的审美观念，其美学思想贯穿于中国文学艺术的整个历史过程，并体现在每个具体的艺术领域。书法艺术的意境是书法艺术作品的灵魂，它使作品氤氲着灵虚之气，其特征表现为：语言寓意的模糊性、审美时空的无限性、格调审美的超逸性。简逸玄淡而饱蕴张力的线条，是意境创造的基础，旷达空灵的构图是意境创造的关键。书家具有与“道”冥合的天人合一的人生境界，才能使作品意境天成，而达到天籁自鸣的自然之境。佛道哲学思想对意境论的形成起了重要的作用。道家所阐述的“道”的最高境界和玄妙的特征及“言不尽意”的思辨性，给文学艺术家审美创造以深刻的启迪，为意境理论的产生和发展奠定了哲学基础。道家的哲学思想形成了中国的艺术精神，开辟了中国的审美之路。印度佛教的输入及中国禅宗哲学的兴起，对中国文学艺术理论的建构与发展起了极其重要的作用。野，并直接导致了意境论的诞生。 意境论萌发于魏晋，形成于唐，宋至清代得到了发展和完善。意境论蕴涵着中华民族的审美观念，它贯穿于中国文学艺术的整个历史过程，并体现在每个具体的艺术领域。书法艺术将其丰富的审美内涵熔铸在精湛的笔墨线条之中，使作品韵味无穷，意境深邃。 书法艺术是中华民族特有的一种传统艺术形式，它以艺术化了的汉字形象来表现人的气质、品格和情操，从而达到美的境界。书家将自己的诗意憧憬、情感意绪倾注在笔墨之中，通过线条的枯润浓淡和结体章法的虚实相生、起伏迭宕来表现自己的审美趣味及书法艺术的意境之美。书法艺术的意境美是书法作品的总体审美意向和审美氛围，氤氲荡漾着一股灵虚之气，是书法艺术的灵魂。它使作品超越有限的形质，而进入一种无限的境界之中。1.语言寓意的模糊性如孙过庭所说：“夫心之所达，不易尽于名言；言之所通，尚难形于纸墨”。2. 审美时空的无限性。 书法作品中的结体章法，是以笔墨点线巧妙地分割纸面的空白，使有墨处呈现出牵丝、仰俯、向背、疏密、长短、参差等变化之美；空白处浩渺无际，荡漾着一股灵虚之气，蕴涵着无穷的意象，这虚象即“象外之象”，使作品超越有限的形质，而进入一种无限的境界之中，它提供给欣赏者的是自由想象和驰骋情感的心理空间。
浅谈中国传统绘画的特点
浅谈中国传统绘画的特点 中国画这一艺术形式之所以能在世界绘画史上占有极其重 要的地位，是因为它代表了东方民族特殊的艺术审美观念。纵观中国绘画史，我们会清醒地发现，创新并不是现在才提出的问题。从隋代的展子虔到清代“四僧”再到近代的黄宾虹、齐白石、徐悲鸿等，哪一个不是在创新中崛起、发展、壮大的呢？ 艺术贵在创新。对于这一点，中国画家似乎没有太大的分岐。但关于中国画传统与创新之间的关系怎样把握、如何去创新等问题倒是众说纷纭，因此，我们很有探讨的必要。对于传统，多数画家仅把画史上几个著名画派的技巧及风格当做传统的本质而加以继承。画派的技巧和风格是形成与发展传统的重要因素，是传统的具体体现，但绝不能代替传统。所谓传统，笔者认为，指的是对具有民族特色的艺术观点、艺术方法、艺术形式、艺术风格等的概括，具有本质性。什么是中国画的传统？根据中国画发展的特点，笔者将其概括为以下五点： 一、以形写神、形神兼备，是中国画创作的一个重要原则。中国画讲究气韵、追求意境。一个画家应具备“画得像”的功
夫。但如果作品有形无神，那么即使画得再像也不是中国画所要达到的目的。有形无神的画是存在的，而有神无形的画是不存在的。写形是为了传神、为了畅神。形可在“似与不似之间”。我们要知道，“以形写神”的最终目的是“达意”。苏轼曾言：“文以达吾心，画以适吾意。”没有“形”的支架，“神”无处依附。相传五代荆浩为松写生的画集达几万册，所以用笔能够“运转变通”、“如飞如动”，用线既不专以浑朴胜，也不专以娟丽胜，而是达到了所谓“神化”的境地。中国画历来要求以“形”这个支架表现“神”。这个“神”指的是客观对象的生命力、生动气韵和本质特征。“形”是次要的，而“神”是主要的。现代大家齐白石、黄宾虹都提出“妙在似与不似之间”的画才算是好画。也就是说，画得太像就太俗了；画得一点儿也不像，更不是中国画。所谓“意象造型”就是这个道理。而从西方绘画史来看，古希腊以及文艺复兴以后的绘画着重于形的逼真再现；发展到现代派，则走上了另一极端。现代派画家主张绘画是“自我表现”的凭借，因此，可以随意摆弄“形”。既然如此，“神”就更谈不上了。 二、中国画以线、墨为主，讲究笔法，追求“笔精墨妙”的艺术效果，讲究骨法用笔。这些都是对笔墨内涵的要求。“骨法”又作“骨力”，指书写点画中蕴蓄的笔力。它是构成点画与形体的支柱，也是表现神情的依凭。画家以挺劲的笔法将自己
论中国传统艺术精神在当代山水画中的表现(一)
论中国传统艺术精神在当代山水画中的表现(一) 摘要：本文以论带评，试图描述中国山水画在走向当代化的过程中是如何继承和发展传统艺术精神的，也论及了中国山水画在当下语境中创新和发展的几种状态和特征。分析了传统型、新传统型、实验水墨在不同创作理论指导下，立足本土，秉承中国传统艺术精神的探索，同时也对所存在的某种导向上的问题提出了批评。 关键词：传统型新传统型实验水墨 作为一种正在不断探索和发展中的艺术创作，中国山水画的当代化还有许多个不确定性，因此，试图对这一正在不断演进着的艺术现象做出任何解释都可能带有某种片面倾向。但是，关注中国画的当代化走向，关注当下中国画该如何秉承中国传统的艺术精神，应该说是极具现实意义和研究价值的。特别是在当前文化全球化的形势下，古老的华夏文明如何保存自身文化内核的传承，则就更有深究之必要。 中国传统艺术精神经历了几千年的发展演化，已经成为一个严密的系统。李泽厚先生曾指出：“中国美学要求美与善的统一，而所谓善的最高境界，儒道两家虽各有不同的说法，但归结到最后，都以‘天人合一’为最高境界，不同处只在于如何达到此种境界，以及对达到此种境界的意义和价值的理解。”①不仅如此，阴阳五行、佛学等各流派都含有“天人合一”的观念。“天人合一”作为一种最高审美境界或者人生境界是经过道家的推动而形成的。为此，笔者曾进一步认为：“真正能成其为最高审美境界的，是以庄子哲学为主流的道家的‘天人合一’思想。庄子以反对异化和提倡绝对自由为己任，第一个把‘人化的自然’作为审美对象，在中国文化思想史上，最早地较明确的提出了超功利的人生态度。这种美学思想，为后来的禅宗所大量吸收，对中国传统的美学和艺术理论都产生了极为深远的影响”。②而且理当肯定的是，“中国文化以儒化了的思想为其基本内容，又由道的精神建筑了传统的艺术思维模型和艺术精神的基本框架。以后，道、佛、儒三者互补，使这一传统艺术精神得以成型和完善。”③千百年来，传统文化精神可以说渗透了包括绘画在内的各种中国艺术样式，从书法到绘画、雕刻、舞蹈、音乐等等无一不受其影响和滋养，传统绘画理论同样也得益于中国传统精神的陶冶。比如谢赫在《古画品录》中提出的“论画六法”，又如古代关于“笔墨”的理论等不一而足。而意象、气韵、空灵和境界(意境)作为传统艺术精神的主要审美范畴又充分体现了道、佛、儒互补的这种中国所特有的东方艺术韵味。 纵观上个世纪末期的中国绘画艺术格局，我们不难看到从80年代的伤痕绘画、乡土绘画、理性绘画、实验水墨，到转向90年代的达达主义、艳俗绘画、玩乐现实主义、政治波普等的轨迹。与此同时，山水画艺术家也在前行的中国画现代化和当代化的道路上实践着一条前无古人的艰辛之路，摸索着中国当代绘画在不断变革中属于自己的艺术定位，并开创了新一轮百家争鸣的局面，成绩可谓喜人。然而各种争论亦从来没有停止过。“笔墨等于零”和“守住中国画的底线”，依然是艺术家和学界长期争鸣的一大焦点。无须否认的是，争论将带来一种冲破束缚的动力——而这也可能是当前艺术创作中急需的理论资源。在文化的趋同性和多样性并行的当代审美中，艺术家自身的艺术立场将决定创作的走向。发扬传统艺术精神不管是自觉的还是不自觉的，对于文化传承，并在传承的基础上积极创新始终具有至关重要的意义。 传统中国画发展到近代以后，面临着西方理论、西方的制作方法、作家作品和中国画如何现代化、当代化的双重压力，中国绘画的求新求变，始终在不断受到冲击又不断自我反思的过程中步履蹒跚地摸索着。自20世纪初期始，中西合璧的艺术样式就已出现，比如吴冠中曾评价林风眠的作品：“是企图用中国画的气韵生动来消化西洋画的形式。”④实际上，近现代的一大批画家都在努力实践着这一创作道路，从高剑父、林风眠到傅抱石、李可染等人的创作中，我们不难看出他们沿用中国画的气韵生动来转化绘画内涵的探索是令人敬佩的。笔者把这种以传统山水画为基础，引进西方绘画的一些艺术审美规则，以其达到一种新的欣赏
浅谈中国古代首饰艺术的意象美
摘要：意象就是寓“意”之“象”，就是用来寄托主观情思的客观物象。意象是中国古典美学的一个基本和核心的范畴，也是中国传统艺术思维模式和造型方法的重要特征，因此，对其进行研究是探索具有中国传统艺术精神的现代首饰设计方法的途径之一。从首饰艺术特有的表现形式主题、造型及材质、装饰方式出发，通过分析、比较最能体现传统意象审美特征(整体性、多义性、象征性和真实的生命特性)的典型首饰作品，探讨中国古代首饰艺术的意象美表现特点。 关键词：意象意象美审美意象中国古代首饰艺术造型艺术 正文： 1、概述 1.1意象 意，指心意；象，指物象。所谓意象就是指认知的主体在接触过客观事物后，根据感知来源传递的表象信息，把在思维空间中形成的有关认知客体的形象加工，在头脑里留下的物理记忆痕迹和整体的结构关系。这个记忆痕迹就是感觉来源信息和新生代理信息的暂时连接关系。 意象是思维活动的基本单位，是用来指代事物，以唤起相对应的感觉，激发思维活动的涟漪，并不同于思维。思维是基于意象单元的互动，记忆中的图象、文字、声音都只是外界的信息在主体中用意象储存的一种形式，意象是外界的信息在主体内部构件成的精神体，是思维的工具与元件。 文学艺术上的对意象的解释与上述解释有一定出入。文学艺术上认为，意象即客观形象与主观心灵融合成的带有某种意蕴与情调的东西。且不同时代对意象的解释有所不同。 中国古代文论术语。指主观情意和外在物象相融合的心象。正如苏联诗人马雅可夫斯基所说，“用你的想像套上人间的这辆大马车去飞奔。南朝梁刘勰《文心雕龙》“积学以储宝，酌理以富才，研阅以穷照，驯致以怿（绎）辞；然后使之宰，寻声律而定墨；独具之匠，窥意象而运斤：此盖驭文之首术，谋篇尤端。”明清后专指借助具体外物，用比兴手法所表达的作者情思。 他们认为，意象是比情节更小的单位,一般由描写物象的细节.象征.双关等词语构成。它的含义非常广泛，主要有４种: １.心理意象.它表示过去的感觉上知觉上的经验在心中的重现或回忆,只在知觉基础上所呈现于脑际的感性形象. ２.内心意象.人类为实现某种目的而构想的新生超前的意象设计图像. ３.泛化意象.是文学作品中出现的一切艺术形象或语象的泛称,基本上相当于艺术形象. ４.观念意象和审美意象,这两者都是表达某种抽象观念和哲理的艺术形象
专插本艺术概论资料共享第四章 艺术创作论
第四章术创作论 比例约占25%，比重很大，以简答题和论述题的形式来考察。 第一节创作主体——艺术家 一、艺术家与社会 （一）社会生活对艺术家的影响 （二）艺术家要有为社会和人类的进步而献身的精神 二、艺术家的主体性 （一）艺术家是艺术生产过程的主宰者 （二）艺术生产和艺术产品的不可替代性 三、艺术家的修养和审美创造力（2010年论述题30） 艺术修养——在取得一定基础知识和一定艺术实践的基础上，才有可能提出进一步努力提高自己的艺术理论修养和艺术创作技巧，以达到一定高度和水平，并熟练自如地创作出具有一定艺术意蕴和神韵的艺术作品。 （一）艺术家修养的几个方面（以下内容按照旧版书排版整理！） 1、进步的世界观和审美理想 2、深厚的文化素养（2011年简答26题，文化素养包括哪几方面） （文化素养大致分为三类：①一般文化，指非艺术类所涉及的知识，包括社会科学相关学科及自然科学中的一些基础知识；②姊妹艺术文化。各门类艺术之间是互相影响、互相促进的；③专业文化，指本专业所涉及的相关史论与技能知识。 3、丰富的生活积累 4、超常的艺术思维活动能力 （1）发现的目光与独到的感受力 （2）丰富的想象力 （3）独特的记忆力 5、卓越的创造力与精湛的技能技巧 以上这些方面相互促进、相互提高和相互完善，有机结合在一起，表现出艺术家独有的艺术创作才能。 （三）不断优化艺术心理定势是艺术修养的最高目标 1、“定势”概念的提出 1889年由德国缪勒和舒曼提出。 2、艺术心理定势（2011年，名词解释22。） 定义：艺术工作者在掌握了一定的文化科学基础知识、艺术基础理论与艺术创作的基本技能基础上，在长期进行艺术修养过程中，在头脑中逐渐形成的稳定而又习惯成自然的艺术心理态势。
论吴冠中绘画中的意境之美
龙源期刊网 https://www.360docs.net/doc/1a18690554.html, 论吴冠中绘画中的意境之美 作者：杨国丽 来源：《世界家苑·学术》2018年第02期 摘要：“意境”在艺术中是一种情景交融的境界，是艺术中主客观因素的有机统一，它是我国传统绘画表现方式和艺术思想的核心范畴。中国传统绘画追求画面中的“气韵生动”，而这种“气韵生动”就是一种意境美，油画自传入中国，就开始与中国传统文化发生碰撞，我国对于油画和意境之美研究最为深刻的当属吴冠中了，他的绘画作品致力于将中国的传统绘画精神与油画技法结合在一起，通过对客观主体的再现或模仿，传达画家主观的思想情感，把中国传统绘画中的“意境”在油画中接近完美地表现出来了，使油画具有独特意味的中国油画形式。本论文将系统论述吴冠中绘画中的意境之美，并分析其艺术思想对我国当代油画发展的影响。 关键词：意境；气韵生动；当代油画；吴冠中 画家吴冠中，是上世纪我国乃至世界艺坛绘画史上举足轻重的代表画家之一，终生投身于中西绘画语言与思想融合的研究中，把中国传统绘画的意境语言与西方现代绘画的表现手法相结合，利用中国传统水墨方式来表现西方绘画的观念，同时又利用西方的油画艺术形式表现中国传统绘画的意蕴，是吴冠中先生绘画艺术上最突出的成果，他所倡导的油画民族化和中国画的现代化，为我国绘画艺术事业做出了巨大的贡献。欣赏吴冠中先生的作品可以感受到他和自然的对话，这是中国诗性文化与意境精神的对话，绘画作品中饱含中国画影响下深含的意境之美，使他的油画艺术让人回味无穷。笔者认为，深入探究吴冠中先生绘画作品中的“意境”之美，对我国当代油画创作和艺术理论研究都有重要的启发意义。 一、吴冠中绘画中的“写意”趣味 西方没有“写意”之说，却有“抽象”的概念，就其内涵而论，“写意”在“写实”和“抽象”之间，它是写实和抽象的“中庸”，它更具有包容性。吴冠中先生一生不懈的探索东方与西方绘画的语言，将中国文化上的写意与西方的绘画理论相结合，其艺术思想不断在自己的创作实践中运用，经过刻苦的研究吴冠中先生不仅找到自己的绘画形式，并在油画作品中营造着中国写意趣味的“意境”之美。80年代，吴冠中开始为艺术形式辩诬，他认为“美术的东西方结合，简单地说，不是东方的形式加西方的形式，而是中国的审美观与西方的审美观的互相渗透，既要了解中国传统画的优点，又要了解西方美感怎么产生。”吴冠中先生的作品《水巷》，画面中充满节奏感的直立线条，使江南水乡的质朴美跃然纸上，笔触中流露出作者对故乡深深地爱。《北国风光》这一作品，吴冠中运用自己在中国传统画的学习来解构油画构图中的主次关系，艺术作品通过审美形式与载体内容的有机统一，展现虚、灵、空、淡、深、远等精神内涵，让这幅作品既烘托出主景，又让中景和远景的层次得以丰富的展示，而且整幅作品给人雄壮辽阔的意境。吴冠中先生借助自己抽象的形式美，生动的表现出中国传统绘画的意境和韵味，洋溢着中国传统文化的美学精神和民族意识。
从中国传统艺术精神中去看中国古典舞的创作与发展
从中国传统艺术精神中去看中国古典舞的创作与发展 摘要：本文尝试对中国传统的艺术精神在中国各个门类艺术发展中起到的重要作用的简述，从而提出了中国古典舞剧目的创作与发展应该从中国传统艺术中去继承、借鉴，从中国传统的艺术精神去吸取中华民族优秀文化的精华从而 不断发展、完善中国古典舞剧目创作与中国古典舞学科体系。 关键词：中国古典舞艺术精神继承借鉴 一、前言 中国古典舞是上个世纪50年代初提出的一个概念并创 建的一个学科，到了20世纪80年代后，敦煌派、身韵派、汉唐派、昆舞派的相继建立，中国古典舞学科建设也正在一步步完善。虽然在近些年来对于中国古典舞的各种抨击和批评不绝于耳，但是值得欣慰的是无论在舞蹈表演，课堂教学和剧目创作等方面的发展都有所成就的。中国古典舞体系的创建是有根源的。它的根源都植根于中华民族优秀的文化中。这也说明了中国古典舞体系的创建和对中国传统美学思想 的继承是成功的，从而带动了整个古典舞学科在表演、创作、教学等各个方面的建设。近年来在国内各个舞蹈比赛中出现了许多优秀的古典舞剧目，并涌现出了一大批杰出的古典舞演员。这就充分印证了中国古典舞这一学科成功的创建，以
及在其训练体系下所取得的各个方面的成就。 二、中国传统艺术精神 如今中国古典舞已经历经了半个多世纪的发展。而在当下经济全球化文化多元化的今天，如何继续发展中国古典舞，如何不断的创作出更多优秀的古典舞剧目，这都是我们应该去思考的。而中国古典舞身韵派的创立就是一个最好的实例。正是它继承、借鉴了戏曲舞蹈的动作和武术的套路和技巧，从中吸取了中国几千年舞蹈文化的精髓以及中国特有的美 学思想和审美意识，才使其有了脱胎换骨的变化，才使其从戏曲艺术中分离了出来。如今的中国古典舞要想发展与创新那就必须秉承着“以我为主，以我化外”①的观点去回到中国古代舞蹈历史发展的长河中去追根溯源去继承借鉴。对于失传已久的古代舞蹈的寻根虽不可取，但我们可以另辟蹊径从融汇相通的中国传统艺术精神中去再续中国古典舞的创 作与发展，或许这也是一条可行的方法。因为它们都是在中国的传统文化、社会背景和哲学美学思想的影响下产生的。它们有着共同的先祖和母体，那就是中国独特的传统艺术精神――意境、气韵、形神。 当今中国文化主要是受到儒家、道家和佛教这三方面的美学思想的影响。恰恰是这三种思想交织、融汇、凝聚才形成了中国文化独特的艺术精神。经过了上千年的发展，如今这些传统的艺术精神都蕴藏在了中国的各个艺术门类，从而
浅谈中国传统音乐的“意境”
浅谈中国传统音乐的“意境” 传统音乐是我国民族音乐的一个极为重要的组成部分。中国传统音乐有着漫长的发展史，与西方音乐的发展相比，由于民族思维方式不同而形成的审美观念不尽相同。中国传统音乐以淡泊、含蓄，不描述、不渲染为上品，讲究情意，追求意境，通过意境引发人的想象，升华人的情感。 一、什么是意境 “意境”是音乐美学理论中很重要的一项内容。它所指的是属于主观范畴的“意”与属于客观范畴的“境”二者合二为一的一种艺术境界。意境是实物在人心中所创造的虚境，是源于现实又高于现实的一种虚境。我们常说一首诗很有意境或某件艺术品体现出了一种独特的境界，指的就是它在现实基础上更深层次地体现出的那种只可意会不可言传的意境，与此同时这种意境与观赏者的心境达到了共鸣。意境一般是用来描绘艺术作品审美的规定型的术语，在中国传统的审美观对中国传统音乐起着重要的作用。中国传统
音乐以含蓄、空灵为上品，它所追求的最高境界就是意境。 意境理论的提出与发展，使中国传统艺术作品在审美意识上具备了客观事物与主观精神表现的双重性，而二者的有机联系则构成了中国传统艺术作品中的意境美。因此，我们所强调的意境，既不是对客观物象的简单描摹，也不是主观意念的随意拼合，而是主? 客观世界的统一，是自然与心灵，生活与艺术各方面高度和谐的体现。 “境”从中国古代以来一直是一个很重要的理论范畴，这与中国哲学的基本特点有关。中国人对宇宙的认识，并不十分强调以科学的态度对待，更多的是强调以心灵契合它，宇宙是与生命息息相关的对象，是每个生命的统合体。所以，只以外在的科学远不如用内在心灵去体会，去谛听，去感受。中国的哲学不重知识论，而重存在论，重视将人的生命存放到世界中放到宇宙中去，寻求其意义；中国哲学将世界视为一个有生命的整体，每个生命都是整体生命中的一部分；中国人将艺术人生化，人生艺术化，艺术与人生密切相关等等。这些思想都对“意境”理论的形成产生了重要的影响。
论摄影艺术作品意境
论摄影艺术作品意境 关于摄影艺术作品意境，毕加索曾说过：“艺术是时代的索引，任何一个时代的特殊感情都会诱导出与这些意境一致的艺术形式。”二十一世纪的今天，摄影艺术日新月异、空前发展，摄影文化的内涵也被赋予了新的意义：摄影已逐渐成为人们交流思想、表达意境的手段。 意境，是人对客观现实的一种特殊反映形式，是人对客观事物所作出的一种心理反映，它不是对客观对象本身的反映，而是对对象与主体之间的某种关系的反映。具体地说，意境是人对自己，对自己与周围世界关系的一种主观态度和评价，它与人的需要、欲望和理想密切相关，具有强烈的主观倾向性。意境在审美心理活动中，一方面，诱发各种心理因素积极参与创造活动，另一方面，融入其他各个环节的心理活动中，使整个创作活动都感染上意境的色彩。也即在摄影艺术创作中意境是形象思维的一种重要方式，正是意境的诱发， 审美表象才升华为审美意象；在审美感知时，意境就会诱发形象记忆和情绪记忆以及形成一定的意境体验。海伦曼泽说过：“视觉艺术的极致，在于利用具体的形象来表达难以具体化的感情。”同样，没有意境便没有摄影艺术，在整个摄影艺术中，意境体现在以下四个方面： 一、体验生活的意境注入 摄影艺术作为一种特殊的精神生产，它的突出特点是把摄影家强烈的主观因素渗透到摄影创作之中，并且“ 物化”为艺术作品和艺术形象，因此，摄影家的内在精神世界显得尤其重要和突出。故摄影家自身的感受、意境、思想、心境、愿望、志趣等因素，对于摄影创作活动都有着至关重要的作用。正因如此，摄影家必须具有超出常人的丰富意境。杜勃罗留波夫曾经说过，在思想家与艺术家之间，还有这种区别，后者的感受力要远比前者生动得多，强烈得多，他们两者都是根据他们的意识已经接触到的事实，来提炼自己的世界观的。可是一个感受力比较敏锐的人，一个有‘艺术家气质’的人，当他在周围的现实世界中，看到了某一事物的最初事实时，他就会发生强烈的感动。由此可见，作为摄影创作主体的摄影家，对待生活绝不能冷若冰霜，也不应象思想家、科学家那样冷静客观地对待事物。摄影家艺术修养的全过程，也是培养和陶冶自己深挚的艺术意境的过程。 艺术意境是伴随着体验生活能力、艺术构思能力和艺术表现能力的提高而逐步丰富和深挚起来的，在摄影创作的全过程中始终充满着艺术意境，没有意境的艺术形象是苍白的、无力的、没有生气和神韵的。摄影作品之所以能以情动人，就在于摄影家在其中饱含着、凝聚着、燃烧着强烈的思想感情，艺术意境之所以成为艺术创作和艺术思维的重要特征之一，也在于在艺术思维的每一个环节上都渗透着、伴随着与之相应的艺术意境。因为艺术意境是摄影工作者对客观事物所持态度的一种情绪体验，所以，只有具有深厚的艺术修养和对生活认识深刻的摄影家，才会在摄影创作中产生深刻而真挚的意境；才会在生活对象面前自觉或不自觉地产生“浮想联翩，夜不能寐”的艺术创作激情，才会在摄影作品中表现出感人至深的艺术形象。欧威特认为自己的摄影创作思想极为简单：“我力图使观众获得快乐，但我首先要求的是富有意境、具有人性的照片。
论艺术创作活动过程
论艺术创作活动过程 艺术创作是指艺术家运用已经掌握的艺术创造本领，将生活中得来的素材，围绕一定的主题倾向，进行艺术思维，从而在头脑中形成比较完整的艺术意象，随机运用艺术语言和各种表现方法，把它物化为供人欣赏的艺术形象，即艺术作品的全部创作活动过程。 艺术创作活动过程可以分为三个方面，分别是艺术体验、艺术构思、艺术传达三个阶段。艺术体验是指艺术家对生活的感受、观察和思考，是生活在心灵的积淀。是一种瞬间性直觉，带有顿悟的特征、往往伴随着强烈的情感活动和心理活动。艺术构思是指在艺术体验的基础上，艺术家对生活素材进行加工、提炼、组合、形成艺术形象的过程。通过提炼与概括，实现从生活到真实的转化。具体的方法有简化，夸张，变形，综合等。艺术传达是指在艺术体验和艺术构思的基础上。艺术家借助一定的物质材料和艺术语言运用艺术方法和艺术技巧，将构思成熟的艺术形象转化为艺术作品。 在艺术创作时，不仅需要三个阶段。在创作过程中，内容与形式的融合也同样显得重要。内容是指构成事物的诸要素，而形式是指这些要素的结构关系。从艺术作品的形成过程来看，我们会发现这样一个事实：作为艺术作品自身，它并不能结构出一个可供观照的对象，它必须借助于某些物质材料才能体现自身。然而，这些物质材料(如石头、泥土等)，对于那些“借助者”却是独立存在的，它自身就是一个既有内容又有形式的可供观照的“实体”。这就不能不使我们想到，当它成为某种“意象”的体现者而进入艺术的范畴之后，它到底扮演着一个怎样的角色?一些观点认为，它的存在就是艺术的存在，它的毁灭就是艺术的毁灭。笔者认为，在艺术作品中，作为基础性的东西不是一个而是两个。它们是相互借用的两种材料，即物质材料和感性材料有序和有机的融合。这两种材料，一个是艺术家的观念世界，一个是体现观念世界的物质构成形式。“意象”通过“物象”的绘声绘色方式显现为可供观照的艺术形象，从而使艺术成为一个个客观存在的“实体”。因此，这个转化过程对于“意象”来说，它因得到了一个物质的形式，从而显现为艺术作品，对于“物象”来说，它因得到了一个形象的形式，从而使它以艺术面貌出现。于是，作为感性材料和物质材料的各种要素交融在一起，达到了同一。 我们从人对自然物质的加工改造方面看，如果艺术家凭借自己的手和自己的想象力、创造力把物质(如：一块石头或一块画布等)改变一种形态，赋予它们一种新的结构、一种新的形式。那么，这些物质由于在形式上起了变化，它们在观照者的眼中就不再是它们自己，不再是石块和画布，而可能是一个动物、一组静物或者其他可视形象。这种由形式结构的改变所引起的“内容”的质变是惊人的，它们从无生命物质变成了有生命物质。当然，并非这些物质材料本身发生了质变，而仅仅是在观照者的心目中引起一种“质变”的幻觉。而从这种幻觉中，人类看到了自己，看到了自己创造的价值，看到了自己改造物质世界的能力，因此也就看到了美。然而，按形式主义的概念，造型艺术作品本身是由可触可视的形体和色彩构成的，认为形和色是艺术作品的血肉生命，这种“形式和结构”就是艺术的精髓，这种说法有悖于事物的一般规律，淡忘了艺术品的创造者的观念或意愿。笔者认为，物质材料作为艺术的物质基础，作为艺术产生的物质要素是不容忽视的。艺术生命只有靠这些物质材料的结构组合才能诞生，艺术的灵魂也只有“有体可附”的时候，才能成为可以感受到的活的灵魂。
论中国传统绘画的审美特点
论中国传统绘画的审美特点 摘要：中国传统绘画有着深厚的文化底蕴和独立的价值取向，承载着中国人独特的审美意识和艺术哲学。中国画线条的节奏与韵律美的特征，笔墨的骨力风韵之美以及情景交融的意境美和天人合一的和谐之美等，这些都赋予了它独特的审美价值和内在属性。 关键词：线条、笔墨、意境、和谐 中国传统绘画有着鲜明的民族属性和悠久的历史渊源，并且这一艺术形式在世界绘画史上也占有极其重要的地位，是因为它代表了东方民族特殊的艺术审美观念。绘画的一般审美特征主要表现在线条美、色彩美和构图美上，而中国传统绘画在其基础上又有独特的美学体系。这主要表现在中国画线条的节奏韵律之美、笔墨的骨力风韵之美以及情景交融的意境美和天人合一的和谐之美。这些审美特征构成了中国传统绘画的外在形式之美和内在精神之美，是中国传统绘画经久不衰的灵魂之所在。 一、线条的节奏韵律之美 线条是中国传统绘画独特的艺术语言，构筑着延续了几千年历史的中国绘画艺术。线条美是构成绘画形式美的一个重要形式，凌继尧曾说：“中国画的笔法不是静止立体的描绘，而是流动的，有节奏的线纹，借以象征宇宙生命的节奏。比较中西方绘画，可以发现这一特点。希腊的画，如庞贝古城遗址所见的壁画，远看如重的雕塑，他们强调对称、比例、平衡、整齐；而中国古代花纹图案或汉代壁画，则是飞动的线条。中国人物画也是一组流动线纹的有节奏的组合。”[1] 线是中国画造型的基础，从留存至今的新石器时代陶器上，可以明显的看出描绘几何形纹样的线。至殷周时期，人们在铜器上描绘的狩猎、交战及动植物形态等已把“线条”的应用提升到中级阶段，除了表现形之外，同时也表现了动态。继而汉代时期绘画用线表示动态的能力达到了高峰，如汉代壁画中奔驰的马及人物画等，到了晋代，顾恺之的《洛神赋图》和汉代壁画虽同为线条，但感觉已大不相同，这时的线不仅只是表述形态，同时对物象质感的表现及线本身的形式美已有所发展。至唐代线已可以成功得表现出物的质感，如唐代张萱的《虢国夫人
中国传统意境观念对摄影艺术创作的影响
中国传统意境观念对摄影艺术创作的影响 摘要：中国传统意境观念对于中国艺术的发展有着十分重要的影响，中国历代摄影艺术家们都曾将中国传统意境的概念带入他们的摄影创作，为这些创造出来的艺术作品烙上了中华民族的印记。本文通过分析意境观念的美学本质及其与摄影的关系，以及在中国近代摄影艺术发展中的应用，阐释了中国摄影艺术创作的形成和发展与中国传统意境观念之间的关系。 关键词：摄影艺术；虚实观；境观念 一、中国传统意境观念的核心价值 中国传统意境观念中国艺术思想的精髓。无论是当代的摄影创作还是那些历经岁月尘封的摄影艺术作品，其中许多都可窥见摄影艺术创作者们深受传统意境观念的影响。张法说，中国之道是“无”,中国艺术最大的特点就是对“无”的重视，体现在绘画上就是重视对空白处的处理，“虚实相生，无画处皆成妙境”.[1]这也就是中国传统绘画艺术中画面的经营之道，有 形与无形之间的关系，中国艺术妙在虚境。这些作品传达了艺术家们对“道”的理解，中国艺术之道就是重视对“虚”的表现主张空灵的意境，摄影艺术中所营造的“虚境”则是摄影艺术家们不断揣摩与创新的部分。中国摄影艺术家们在不断进行创新的过程中汲取了中国传统文化中意境观念与老庄“虚、静、明”的哲学思想；以及崇尚自然的人生态度和“将天地万物涵于 自己生命之内，以与天地万物直接照面”的以物拟人、以物寄情的“象征”艺术表现手法。[2]通过对诸多作品的分析研究不难看出“意境观念”在摄影艺术的发展中具有举足轻重的地位，对中国摄影艺术的形成与发展奠定了坚实的理论基础，是中国摄影艺术有别于西方摄影艺术的重要标志。 二、近代摄影艺术创作中对“意境”的探索 中国近代的摄影艺术首屈一指的大师可以说是郎静山先生这一代先驱，但要论意境的表现力，郎静山却又不及后来者陈复礼表现方式的婉转悠长。正如美术大家刘海粟对其的评价：“复礼摄影，六法留真，千变万化，不断创新”.一句“不断创新”意味着不断的创作实践，意味着不停地攀登艺术高峰。就是在“耄耋之年”的陈复礼先生仍有一种永不休止的创作精神。毫不夸张地说，陈复礼的摄影之路，是一条永不休止地向着艺术高峰攀登之路。 陈复礼的摄影作品运用中国传统意境观念与道家所崇尚的自然清新的理念来表达自己 的思想与对艺术的追求。如其着名作品《朝晖颂》将黄山的苍劲古松置于前景，飘渺的雾气
论艺术创作中的灵感
论艺术创作中的灵感 灵感源于生活，这句话，已被千千万万人传诵，灵感不仅仅来源于生活，它还渗透到各个方面。首先从生活开始。 画家必须深入生活，随时留心观察自然景色、周围环境、各阶层人物、各民族风情、各种建筑、社会现象、特别是人情世故、风俗习惯、历史渊源等。将这些观察、感受、分析、研究的信息储存在脑海中，形成许多艺术显现，成为日后创作的积淀。伴随着创作思路，逐渐从已有的积累中迅速地搜索出有关信息，并将其范围逐渐缩小，向创作思维靠拢、逼近、诱出若干思想火花，当突然爆发出一个偶然的奇想时，点燃了整个思路而突然贯通，形成灵感。这就是灵感产生的过程，生活中看到的景物，有的当时没有引起我的注意，有的是一时没悟出合适的表现形式。在冥思苦想进行创作的构思时，这些潜藏在脑海深处的东西，在翻阅速写的偶然启示下，会突然爆发出来。如果创作时没有真实甘受，就应该放下画笔去感受生活，等充实后再回到画架前。生活是艺术的源泉，也是灵感的源泉，一切灵感都是生活经验的产物。所以说生活的积累是产生灵感的基础源泉。 灵感源于文化底蕴：艺术各门类是相通的、交叉的、互动的，文学、诗歌、绘画、音乐、雕塑、舞蹈、建筑都有相互融通和渗透的界面。文学的美和境界有助于提高绘画的品味。诗歌与绘画更是关系密切。唐代大诗人、画家王维的作品既是诗中有画，画中有诗。音乐中的标题音乐如贝多芬的田园交响乐既是音画，以音乐语言表现田园风光。雕塑的表现手法也与绘画有许多相通之处。舞蹈也是一种造型艺术，生动绚丽的舞姿是绘画的丰富素材。叶浅予的画表现舞姿最为传神。建筑艺术中的对称、高耸、曲线、直线的协调、凝重、流畅等要素对绘画都有借鉴价值。作为一个画家，要对文学、诗歌、音乐、舞蹈、建筑等学科都要涉猎，加深研究以拓宽自身的文化底蕴。 灵感源于勤奋：灵感只是创造性活动中认识的飞跃和升华，他只是提供了解决问题，取得成功的契机，起到催化的作用，并不能代替整个创作过程，还需要付出创造性的劳动，画家的成长必须经过艰苦的学艺过程。齐白石画鱼虾经常每日观察鱼虾的动态。刘海粟曾遍游国内名山大川，在自然环境下作画，年逾九十仍上黄山。通过长期观察、临摹、体验、耳濡目染，自然而然地掌握画法的奥秘，达到浑然天成，出手不凡。无论走到哪里我都喜欢手拿一个速写本，记录自己喜欢的人与物，在创作时也多了很多素材和灵感。俄国大画家列宾写到：“灵感是对艰苦劳动的奖赏”。柴可夫斯基也说过：“灵感是这样的一个客人，他不爱拜访懒惰者”。所以没有勤奋就难以产生创作灵感。 灵感源于独立思考：画家的作品所表现的是自己独特的思路、见识、表达和感受，是具有个性的产物。因此，不能止于摹仿名家、名作。要从大家的作品中吸取营养，经过消化吸收，依自身的人生观和艺术感触来进行创作，独立思考才能触发灵感。深藏的苦难岁月刻记跃然画上，是源于画家对生活的深切感受和想象的迸发，突出其个性；是源于心灵的再创作；是思想、理念、观察和情感结合后的升华；是超越自然物表层向提炼出来的更高层次的情感倾诉。 灵感源于个性：“个性，从广义讲是一个人区别于他人的稳定的、独特的、整体的特性。”它包括一个人的性格、气质和能力等。画家的个性不同，他们对生活的兴趣、关注点也不同，对生活的感受、心理体验也不同，所表达的思想、情感也不一样，灵感的形成和产生也有很大差异。绘画创作灵感的激发和降临，因人而异，因个性不同而有别。一些画家在创作实践中，形成了一些独具个性的、