巩武天选修课交响乐赏析论文(原创)

“交响乐赏析课”的学习总结与心得

一、各个时期的音乐（17世纪至今）

1.巴赫赋格（1685年－1750年）

赋格是复调音乐的一种固定创作形式,。它运用模仿技法：首先在一个声部上出现一个主题片断, 然后在其他的声部上模仿这个片断, 这时演奏主题的声部演奏与新的声部相对应的乐句, 形成各个声部相互问答追逐的效果。所以又称“遁走曲”，意为追逐、遁走。

就巴赫的赋格曲而言，我们既能看到典型的赋格曲结构、调性布局、写作技法的范例；又能看到不墨守成规，不拘泥于条条框框，而用特殊的、“非常规”的写作形式所结构的作品。巴赫《平均律钢琴曲集》中第一册No.1 的这首赋格，正是这类作品中最典型的范例之一。赋格曲作为一种严格的、有一定法则和写作程序的乐曲结构形式，其表现出来的严格模式在人们看来是必须要遵守的、不可被打破的。但是，在巴赫的这部赋格曲创作中，我们看到的却是一个充满变化的赋格结构形式与写作形式。[1]

赋格曲在巴赫的创作中得到高度发展, 精密完善的思维、深邃的哲理巧妙的构思, 是赋格曲大师或赋格曲的终结者。赋格曲是复调音乐在一个主题上构成多声部对位效果的一种体裁, 声部的重叠是其魅力所在。巴赫把和声与复调有机结合, 主题在后来出现时, 可以扩大节奏、缩小节奏, 或采用反向和逆进的进行。赋格也是一种模仿复调音乐, 形式比较复杂。赋格开始时, 一个声部先单独演奏出一个富于特征的短小旋律；接着, 另一声部把主题移高五度或移低四度来模仿, 好像是主题的答句。原来演奏主题的声部, 这时演奏和答题相结合的对比旋律。[2]

2.欧洲古典主义时期风格（1750年—1820年）（海顿莫扎特贝多芬舒伯特）

古典主义时期是西方音乐史的第五个分期。

18世纪的欧洲，在法国大革命之前经历了一场广泛的思想革命——启蒙运动，伏尔泰、孟德斯鸠、狄德罗、卢梭等法国百科全书派正是身体力行地要以先进的哲学文化知识的光辉照亮黑暗愚昧的社会。启蒙主义者认为“理性”是人们思想和行为的基础。音乐艺术中，古典主义的几代大师，则探索了富有理性和逻辑的庞大的音乐构思形式，最终使情感在其中得到适度的完满表现。音乐家走出宫廷深院的大门，为音乐会的听众构思创作，于是音乐的愉悦性、易解性和动人等品质，成为音乐美的准则。在启蒙运动的人道主义思想影响下，欧洲形成了一个开明君主的统治时期。社会改革的同时，文化艺术获得发展。艺术，特别是音乐的发展呈现出欧洲一体化的倾向。然而这终究是一个行将灭亡的社会，法国大革命敲响了旧社会政体的丧钟，也预示了新的音乐时代的开始。随着工业革命和科学技术的发展及法国大革命的冲击，欧洲的社会发生了深刻变革。艺术已不再仅仅是贵族所欣赏的高雅艺术，新崛起的中产阶级也成了剧场和音乐厅的观众。这个时期的音乐领域古典风格也逐渐表现为艺术上崇尚理性，音乐语言上朴素精炼，表达形式上多以严谨和谐的形式来表达淳朴真挚的情感。

海顿（1732年—1809年）

著名的奥地利作曲家，维也纳古典乐派的最早期代表。他在艰苦的环境中创作了大量作品，成为当时首屈一指的音乐家。后两次去伦敦旅行，写了十二部《伦敦交响乐》，是他一生中最优秀的作品，从此名震全欧。的创作涉及面很广，其中以交响乐和弦乐四重奏最为杰出。他把交响乐固定为四个乐章的形式，并在配器上形成一套完整的交响乐队编制，为现代交响乐的发展奠定了基础。

莫扎特（1756年－1791年）

莫扎特莫扎特是西方音乐史上最富有智慧的音乐家。这位早熟的神童仅仅有35年的短促生涯，却在众多音乐领域里获得了辉煌的艺术成就。这与海顿漫长的探索历程形成鲜明对比，莫扎特去世后海顿才写出他最重要的《伦敦交响曲》。然而在年龄、个性上存在差异的两位作曲家却相互敬重，他们艺术上的互补推动了古典风格的发展。莫扎特音乐创作领域广阔，包容了当时各种体裁形式。莫扎特的弦乐四重奏和交响曲主要受海顿的影响，他题赠给海顿的六首《海顿四重奏》体现了他与这位前辈的亲密关系，莫扎特在交响曲形式上受益于海顿，较少创新，但是后期的作品，特别是后三部交响曲在情感揭示的深度、音乐形式及紧张与松弛对比处理的完美方面，已经超过了海顿。莫扎特最有特色的器乐体裁是协奏曲，特别是他在维也纳时期，为自己在音乐会上演奏创作的一批钢琴协奏曲。他在巴洛克协奏曲的三乐章格式基础上，运用古典主义音乐形式原则，独奏钢琴与乐队更富有戏剧和交响性效果。莫扎特以其敏感的才能，在其他音乐体裁中都有不同凡响的手笔。他的钢琴奏鸣曲旋律优美，晶莹剔透。而作为一个旋律大师，他也不乏音乐的结构感。莫扎特尽管有一些作品充满了戏剧性，甚至悲剧性，但他的多数作品是纯真、亲切、阳光明媚的。莫扎特生活的世界充斥着烦恼和阴暗，然而从他笔下涌流出的音乐却是一种升华的，具有古典美的艺术。

贝多芬（1770年-1827年）

与海顿、莫扎特不同，在维也纳贝多芬过着一种更为自尊的、有保障的艺术家生活。贝多芬虽与贵族保护人往来，但人格是完全独立的。他不再需要像海顿、莫扎特那样，为了保护人或约定者的特别需要而仓促地写作。贝多芬是发自内心而创作，为理想中的广大听众而创作。贝多芬有前辈音乐家们未曾有过的广博的社会阅历。他身处欧洲最为惊心动魄的政治变革时期，生气勃勃的社会新阶层及其思想，鼓舞、培育着他成为一位具有社会参与精神的艺术家。贝多芬的作品数量比海顿和莫扎特少，他的创作过程是艰难的，构思一部作品，捕捉到一个理想的乐思往往需要很长的时间，但是贝多芬的音乐比前两者更富有个人独创性。贝多芬是一位伟大的交响曲作曲家。他继承了海顿、莫扎特所奠定的古典交响曲体裁和奏鸣曲式的音乐形式，然而他以崭新的时代精神充实丰满了这些音乐形式体裁。贝多芬的交响性思维和音乐激烈狂暴的气势，大大扩展了钢琴音乐的表现力，改变了昔日人们对这种纤巧、细腻的宫廷娱乐乐器的印象。贝多芬是音乐艺术的解放者，他以自身的才能和魅力改变了音乐家必是身穿宫廷仆人号衣的屈辱的历史。他摆脱了音乐为上流社会娱乐装饰的因袭传统，使音乐艺术从一般美的境界进入到崇高的境界，从而在人类文化思想史中上升到一个更高的层次。贝多芬既是古典主义的完成者，又是浪漫主义时代的引路人，更是这个时代的音乐巨人。

舒伯特（1797年－1828年）

奥地利作曲家，早期浪漫主义音乐的代表人物，也是古典主义音乐的最后一位巨匠。在十九世纪初的音乐名城维也纳，继海顿、莫扎特、贝多芬等伟大音乐家之后，又出现了一颗灿烂的音乐新星作曲家，他就是弗朗茨·舒伯特。1818～1827年是舒伯特创作的中心时期。在这十年中，他除了继续写作歌曲外，还创作了声乐套曲、交响曲、室内曲、钢琴奏鸣曲等比较大型的作品。这一时期他的大型创作逐渐走向成熟，并形成了自己所特有的风格。由于没有固定收入，生活比较贫困，长期的困苦生活，使舒伯特身心受到极大的摧残。所以在他的一些作品里常常反映出苦闷和压抑的情绪，尽管这样，他还是满怀热情地创作了大量的歌颂民族解放斗争的优秀作品。如果说，贝多芬是西欧古典乐派的登峰造极者，那么舒伯特就是西欧浪漫主义音乐的开拓者和奠基者之一。他是十八、十九世纪以来第一个以优秀的歌曲

创作闻名于世的作曲家。在短短31年的生命中，他创作了600多首歌曲，18部歌剧、歌唱剧和配剧音乐，10部交响曲，19首弦乐四重奏，22首钢琴奏鸣曲，4首小提琴奏鸣曲以及许多其他作品，人们称誉他为“歌曲之王”。

3.浪漫主义音乐价值（1830年—1900年）

浪漫主义音乐是古典主义音乐（维也纳古典乐派）的延续和发展，是西方音乐史上的一种音乐风格或者一个时代。浪漫主义音乐比起之前的维也纳古典乐派的音乐，更注重感情和形象的表现，相对来说看轻形式和结构。浪漫主义音乐往往富于想象力，相当多的浪漫主义音乐受到非现实的文学作品的影响，而有着相当大的标题音乐成分。浪漫主义音乐强调多样性，发展和声的作用，对人物性格的特殊品质进行刻画，更多地运用转调手法和半音。浪漫主义音乐体现了影响广泛和民族分化的倾向，浪漫主义音乐在瓦格纳和勃拉姆斯时代式微。

浪漫主义音乐价值主要有以下几个方面。

首先，浪漫主义是对人文主义价值的延伸，是对“人”的价值的提升。文艺复兴时期虽然在文艺创作上提倡复兴古希腊古罗马的文艺，但其主旨精神是提倡人文主义精神，把人文主义精神作为艺术创作的主体，反对原来固有神权精神，而浪漫主义虽然提倡回到“中世纪”并且经历了启蒙运动理性主义的洗礼，但浪漫主义却是对人文主义的延伸，它所提倡的追求个性自由、追求个性解放以及个人情感的主观表达，正是对于人文主义在十九世纪的新的解读，也是对人文主义人权的新的尊重。

其次，浪漫主义是对艺术表现能力的新型扩展，为艺术创作提供给了广阔的空间和新的表现手法。古典主义的创作理论在很长一段时间内以其固有的创作规律，使得很多艺术作品呈现出呆板的模式，并且很大程度上影响了艺术创作的思想发展。浪漫主义的出现打破了这一原有的艺术创作模式，艺术创作者可以随心所欲的发挥自己的艺术想象力，而且不受其他条件的限制，运用夸张、对比等新型创作技法，创作出更多新颖的艺术作品。

最后，浪漫主义对自然的赞颂使得人们开始真正的关注自然，以自然为一种精神寄托，并且对文艺创作中的“自然状态”有引导作用。

4.浪漫主义民族乐派（十九世纪中后期）

浪漫主义民族乐派是十九世纪中后期在俄罗斯、东欧、北欧各国兴起的一个音乐流派。它的形成与东欧、北欧各国民族、民主运动的空前高涨有关。随着各国人民民族、民主意识的日益觉醒，进步的艺术家们产生了摆脱外国文化统治、建立本国民族文化的强烈要求。加上西欧浪漫主义、批判现实主义思潮的影响，古典主义、浪漫主义音乐中不断增长的民族性因素的影响，民族乐派应运而生。

浪漫主义民族乐派是指与民族文化运动或民族解放运动密切相关的作曲乐派。该乐派具有明确的民族意识，主张在西欧传统音乐的基础上，采用本民族固有的音乐语言或题材，重视民间音乐等民族文化传统，致力于表现本民族的愿望、性格和风土人情，反映本民族的历史与现实。在艺术上他们主张创造出具有鲜明民族特性的新音乐。民族乐派的音乐家经常采用本国优秀的民间音乐素材去表现具有爱国主义的英雄主题，借以激发本国人民反抗封建和外族统治。民主性、人民性、民族性，始终是他们艺术活动的鲜明标志。

它在题材方面有下列四类内容。 1、取材于本民族的历史和传说，描写人民反抗异族的侵略和压迫，反抗封建暴政，颂扬民族英雄、歌唱人民的爱国主义精神； 2、赞美祖国瑰丽的山河及人民的生活风俗，表现作者对祖国，对人民的无限热爱； 3、直接抒发作者的生活体验及内在的感情； 4、直接表现现实生活中的民族阶级斗争。

在艺术风格上，民族乐派作曲家大量运用民族民间音乐素材，创作性地与西欧传统音乐的表现手段及艺术技巧相结合，使音乐作品既具有鲜明的民族风格，由具有高度的艺术水平。

民族乐派的贡献，不仅在于创立、繁荣了本国近代专业音乐，也丰富发展了十九世纪全欧洲的音乐文化，还对其后的音乐文化产生了重要影响。

5.拉威尔《波莱罗舞曲》（20世纪）

《波莱罗舞曲》是拉威尔最后的一部舞曲作品，是他舞蹈音乐方面的一部最优秀的作品，同时又是二十世纪法国交响音乐的一部杰作。本曲是拉威尔受著名舞蹈家伊达·鲁宾斯坦委托于1928年而作。民间舞蹈风格的旋律是这部作品的基础。"波莱罗"原为西班牙舞曲名，通常以四三拍子、稍快的速度、以响板击打节奏来配合。形式上，由主部、中间部和再现部构成。但拉威尔所作的这部舞曲，只是借用了"波莱罗"的标题，实际上是一首自由的舞曲，也是拉威尔为数不多的专为乐队而写的作品之一。本曲特点主要有以下几个：

1、舞曲前半部分配有和声，除了独奏就是齐奏，后半部分附有淡淡的和弦；

2、全曲始终在C大调上，只是最后的两小节才转调；

3、主题及答句同样地反复九次，既不展开也不变奏；

4、节奏自始至终完全相同，节拍速度不变；

5、舞曲自始至终只有渐强的变化。

6.现代主义音乐（从19世纪末20世纪初至今）

现代主义音乐泛指19世纪末20世纪初印象主义音乐以后，直到今天的全部西方专业音乐创作。从历史风格的范畴而言，现代音乐特指20世纪中所创作的有特殊风格的作品，并非指所有写于20世纪的作品。由于在近90年的时间里，西方音乐的风格、流派十分繁杂，演变也非常剧烈；某些作曲家虽然也在20世纪写下了不少重要的作品，但从总体风格上看，他们仍属于19世纪的浪漫主义音乐。

特点

现代音乐一个极重要的特点是开始有所谓传统及前卫之分别，它们的音乐原则在一方占极其重要性者，在另一方往往不是那么重要或不被接受。随着时间，前卫的概念已经逐渐的被接受，两个领域彼此之间的分野不再那么壁垒分明，并且出人意表的，这些开拓性的技巧常常被流行音乐所引用。20世纪的经济和社会型态对音乐也有重大的影响力，世界在工业化时代有了逐渐进步的录音和回放设备，从录音带到CD到DVD，有了广播和电视，以及整个资本主义脉络的内嵌。

区别

和浪漫主义及其以前的西方传统音乐相比，现代音乐不仅有了非常大的变化,而且风格也十分多样化。在现代的经济、政治、科学以及其他艺术思潮的影响下，在音乐艺术本身内在规律的作用下，西方传统音乐的基本法则相继被一一打破了；在这个过程中，由于各个作曲家所采纳的途径、手段不同，因而流派之间、作曲家之间以及作品之间都呈现出比历史上以往任何时候都更为复杂的面貌。在以往的历史时期中，总有一种占统治地位的主要音乐风格，而在20世纪中，几种不同的、甚至相对立的音乐思潮平行发展的现象是屡见不鲜的。

音乐风格的变迁决定了音乐内部各个组成要素的创新。在音高、节奏、音色、力度、组织结构法等各个方面，现代音乐都作了前所未有的突破。这一方面形成了现代音乐本身的主要音响特征，另一方面音乐的表现范围也空前扩大了。作曲家获得了更多、更丰富的创作手段，但是由于这些技法常常越出了人们的听觉习惯和熟悉的音乐思维的范畴，听众与现代音乐之间常常出现深刻的隔阂。

7.歌剧的价值（17世纪至今）

歌剧的价值在于能提高审美能力和陶冶情操，对人的智力开发，尤其是提高人的想象力和创造力，锻炼表达和解决问题的能力，而歌剧欣赏能很好地起到歌剧美育的效果。因为歌

剧美育不只是一般地提高审美能力和陶冶情操，它对人的智力开发特别是提高人的想象力和创造力，锻炼表达和解决问题的能力等方面都有帮助，歌剧对社会的文明进步也有着深远的影响。

1)歌剧丰富并提高了歌唱的艺术

歌剧中一切要为歌唱让路。美声唱法是l7世纪产生于意大利的一种歌唱方法。在西方，这种唱法具有深厚的群众基础，经过三百多年的传统和实践，已形成了其独有的审美观念。推崇奔放、宽广、洪亮的音质，更加看重辉煌的个人演唱效果，因而促使美声唱法的发展主要采用偏重于歌剧的演唱形式。如果我们把人类发出的声音加以仔细研究的话，就不难发现给人以美好感受的声音具有以下特点：声音本质纯净，音色优美圆润而富有感染力；声音高位置，丰满富有穿透力；发声自如，声音均衡平衡，声区统一，高低同型；声音富于韧性，可大可小，可刚可柔，花腔装饰乐句华丽灵巧。

2)歌剧能够培养人们理解歌剧情节的能力

歌剧是一门综合的艺术，它和交响乐、室内乐等纯歌剧形式不同，它是综合了歌剧、戏剧和美术等各门类艺术的体裁。没有文学剧本这个基础，就无从产生歌剧的歌剧。为了在欣赏时不受不懂剧情的影响，能够获得更大的乐趣，最好读一下剧本简介。

3)歌剧能够让观众更加投入到音乐的世界中

比如在伟大的西班牙女高音歌唱家蒙塞雷·卡巴叶及世界男高音之首卢契砸诺·帕瓦罗蒂演出时，我们不要把注意力集中在他们肥胖的身体上，只需要把他们当作漂亮、英俊的男女主人公，尽管去享受他们动听的歌声好了。因为歌剧中歌声总是第一位的，无论我们的男女主人公是以何种面貌出现在舞台上的，我们都必须把我们对真实的渴望暂时搁置在一边，平心静气欣赏歌剧，才能有更大的收获。

4)歌剧能够提高人们欣赏艺术的能力

歌剧是综合了听觉和视觉的艺术，没有演员的动作、方位的调度和舞蹈场面等，就不可能生动而明确地体现出情节和人物的关系；没有舞台设计、服装、道具灯光也不可能完整地表现出歌剧剧情所发生的环境。在听到美妙歌剧时，感受舞台上演员的形体表演，讲究的舞台设计，不同时代、不同风格的服装，甚至剧场里的气氛，对于我们理解歌剧内容是会有极大帮助的。歌剧是综合了声乐和器乐的艺术，我们不能只听高超的歌唱技巧的展示、咏叹调的戏剧性和抒情性及重唱的立体感，我们还要注意到乐队伴奏的情感渲染、气氛烘托，因为它也是歌剧不可缺少的一部分，它能帮助我们去体会作曲家及歌者的意图，从而加深对这部作品的理解。歌剧的各种形式是相通的，如我们多听一些其它歌剧形成，就会提高对歌剧的理解能力，提高我们的歌剧素质和修养，这对提高我们对歌剧的欣赏能力是很有帮助的。

8.奏鸣曲式（17世纪末至今）

奏鸣曲式是一种曲式，自古典时期以来开始广泛使用，一般用于奏鸣曲、交响曲、协奏曲等多乐章体裁的第一乐章。

奏鸣曲式分为呈示部，发展部和再现部。

呈示部包括主部、连接段、副部及小结尾。古典奏鸣曲式要求主部与副部之间保持严格的调性关系，即副部出现在主部的属调上。一般来说，主部和副部的乐思往往是对比并置的或者是对比冲突的，这种并置或者冲突构成了奏鸣曲式的主要结构力量。主部和副部的主题是后面发展部发展的主要素材。早期奏鸣曲一般会要求演奏时呈示部反复一遍。协奏曲使用奏鸣曲式的时候，一般采用双呈示部，在第一个呈示部由乐队演奏，而第二个呈示部则由独奏乐器和乐队共同演奏。

发展部

也称展开部或自由幻想部。呈示部中的乐思在发展部中得到展开和发挥。这些乐思可能

是独立在不同的调性上出现，也可能是主部和副部的乐思同时出现或交替出现增强对比。主题常常在发展部里面变形，模进等等。发展部中有时会引入新的乐思，也有时使用复调手法发展原有的乐思。发展部往往使用隐蔽的或者不完全的终止，并且经常把主题中的某个动机单独加以发展，使乐思能够不断以新的方式展开，甚至造成尖锐的矛盾冲突。有时作曲家使用和主题关系不大的一些乐思发展，这样的发展部更近似于插部。有时作曲家会多次呈示在发展主题或者在发展部当中直接对主题做变奏，近似于回旋曲或变奏曲的形式，也被称为回旋奏鸣曲式或者变奏奏鸣曲式。有一些奏鸣曲式没有发展部，而是仅有短小的过渡段。

再现部

主部在原调上再现，并通过连接段，使副部也在主调上出现，以取得再现部的调性统一。有的奏鸣曲会先出现副部再出现主部，有的则省去主部或者副部。

引子和尾声

奏鸣曲式可能有引子和尾声。引子一般在速度，调性上与呈示部相呼应或者产生对比，在快板奏鸣曲乐章中往往为慢速。早期奏鸣曲的引子一般不参与发展，但是舒伯特等人都曾在发展部当中引用引子的材料。有的尾声很长，如贝多芬钢琴奏鸣曲“华尔斯坦”的尾声有第二展开部的性质。

9.交响乐队的组织形式（19世纪20年代至今）

由5个器乐组构成：分别是弦乐组、木管组、铜管组、打击乐组和色彩乐器组。

弦乐组是一个提琴的家族，包括小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴；木管组包括短笛、长笛、双簧管、单簧管、英国管、大管等；铜管组包括圆号、小号、长号、大号等；打击乐组则有定音鼓、小军鼓、大鼓、三角铁、钹、锣、排钟等。色彩乐器组：钢琴、竖琴、木琴、铝板钟琴、排钟、管风琴、钢片琴等。由于交响乐队采用了这么多的乐器编制，所以它有着非常丰富的表现力。根据作品需要，可以将其同异域文化结合，甚至同电声乐器组合。交响乐队根据作品风格的需要，它又分为编制上的不同。如单管编制、双管编制、三管编制、四管编制等等。乐器比例：交响乐队以木管作为判定编制的标志：“双管”编制的乐队（总人数约有60余人）；“三管”编制的乐队（总人数约有90余人）；“四管”编制的乐队（总人数约有110多人）。为了让各组乐器之间的数量比例合理，例如当木管乐器有所增减时，弦乐器及其它乐器的数量也要随之变化，以保持声部音响的平衡。

二、单个音乐和人物及音乐内容的讨论

1.音乐有没有内容

音乐是表现感情的, 但人的感情活动是非常复杂的。不能认为感情就只是指通常所说的喜、怒、哀、乐等等, 这些只是对人的感情的最一般性的概括而已。正如我们不能用好人、坏人这种最一般的品质区别来代替人的多种多样的品质表现的区别一样。凡是人从客观世界获得一定的感受而引起的内心感情活动, 都可以成为音乐表现的对象。人的感情活动, 大多数是不可能用语言贴切地描述的, 因为到目前为止, 人类还没有创造出可以表述人的全部感情活动的多种多样的概念。

可能因为创造语言的主要目的是在于表达思想, 而不是在于表达感情。也可能是由于这在日常生活中是没有必要的。由于这种条件的限制, 语言只能近似地或提示性地描述感情活动。但音乐却能够以感性形象直接表现感情活动。这也是音乐被人们称为感情的语言的原因。音乐表现的感情内容虽然是多种多样的, 但是从感情活动过程中主观和客观的关系来看, 基本上可以分为两类: 一种是主观性的感情活动, 一种是客观性的感情活动。

音乐作品的思想内容, 是通过感情的表现反映出来的。因为, 一定的感情是以一定的思

想为基础的。“世上决没有无缘无故的爱, 也没有无缘无故的恨，有了对某事物喜爱或憎恨的思想, 才会产生对某事物喜爱或僧恨的感情。因此, 通过音乐作品表现的一定的感情内容, 也就反映了一定的思想。我们反对把音乐的精神内容排除在音乐本身之外, 肯定音乐的精神内容是决定它作为精神创造事物的性质的首要条件, 是不是它的物质形式—乐音运动形式就不重要了呢? 绝对不是! 首先, 音乐艺术之所以具有区别于其他种类艺术的特性, 是由于它所采用的物质材料, 是由于以乐音的组合运动作为它的表现形式, 不然, 它就不成其为音乐艺术。其次, 音乐作品的精神内容和乐音运动形式是统一体, 精神内容只有通过乐音运动形式才能表现出来。精神内容是无形的, 即不具备任何可被感知的条件的, 只有通过有形的, 可以被感知的乐音运动形式的表现, 音乐的精神内容才有可能传达给它的接受对象。尤其重要的是, 要使音乐作品的精神内容, 即它所表现的感情能够感染人, 真正打动人心, 就必须创造出能生动而准确地表现这种感情的乐音运动形式。[3]

因此, 对于音乐的精神内容和乐音运动形式这两个对立面, 片面强调哪一面, 偏废哪一面, 都不可能创造出真正动人的艺术品。强调精神内容的重要性, 宜称要表现具有多么重大社会意义的内容, 但它的表现形式却是和它需要表现的内容不相称的, 平庸的, 在这种情况下, 即使它企图表现的内容如何伟大, 它还是不可能成为一个伟大的艺术作品, 而只能在整脚的艺术作品的行列里占一个席位。

强调乐音运动的重要性, 甚至如汉斯立克那样把它作为唯一的东西(因为在他看来, 乐音运动形式既是形式, 又是内容) , 这样就会把形式的创造当作目的, 并不考虑这样的形式创造表现的是什么内容, 它是否能恰当地表现出它应表现的内容等等。这样创造出来的乐音运动形式, 即使很精致, 很巧妙, 终究只能是一个没有灵魂的躯壳。至于那种把对奇怪的形式追求当作艺术创造的作法, 那就离音乐艺术的目标更远了。

德国古典哲学家黑格尔谈到音乐的内容与形式的关系时说: “只有在用恰当的方式把精神内容表现于声音及其复杂组合这种感性因素时, 音乐才能把自己提升为真正的艺术, 不管这种精神内容是否已由乐词提供详明的表现, 还是用比较不明确的方式, 即单从声音及其和谐的关系与生动美妙的曲调中体会出来另。他说的就是不论是声乐作品还是器乐作品, 只有用恰当的形式来表现它的精神内容, 才能成为真正的艺术。

2.布兰诗歌（1935年—1936年）

以前就听过类似改编自这首歌曲的旋律，现在再一次细细品味，又是别一番滋味。整部乐曲给人一种雄浑悲壮的感觉。在开始大气磅礴的略带悲壮的气氛后，声音变小，如人们在窃窃私语般，似乎是在超度逝去的亡灵。一段低音之后，音乐变得急促起来，似乎在对那些逝去的亡灵表示哀悼、悲愤，要起之对施暴者进行反抗，反抗这世间的一切不公。乐曲的最后以高昂激进的曲调结束，给人的心灵带来强烈的震撼，并有一种意犹未尽之感。

布兰诗歌作于1935—1936年，是奥尔夫最著名的代表作。其歌词选自修道院中发现的一本13世纪的诗集。共分25个乐章，内有14个乐章为管弦乐曲。

奥尔夫说过："音乐表现越是本质、单纯，效果也就越直接、强烈。"奥尔夫的美学思想就是简朴、单纯。他偏爱强烈、明快的节奏，认为节奏是一切音乐的开始。他使用最原始，最简单的节奏，不断反复，用尽之后才换另一节奏。他的节奏干脆，利落，不重视和声行进，不属于动力型，属静态型。《布兰诗歌》中的旋律语言包罗较广，从单旋律歌曲、民间歌曲到弗拉曼戈歌曲和浪漫歌剧，面貌多姿多彩。

3.迈克尔·杰克逊（1958年—2009年）

来到现代音乐，就不得不谈到一位伟大的歌者和舞者了，那就是迈克尔?杰克逊。

当第一次在课上看到迈克尔·杰克逊的现场演唱会时，一开始就看到数以万计的粉丝们

疯狂的尖叫，感觉不能理解，就像不能理解如今某某男子偶像天团受到少女们的疯狂迷恋。现在想想，万物的存在都是有它自己的原因的。而在深入了解之后，才发现，伟大的迈克尔·杰克逊和现在的那些靠作秀红起来的偶像团体不同，他是一个有才能的人。再回过头认真看一次一代天王的演唱会时，才发现无论从舞台表演的整体效果，还是场景的布局安排，抑或是迈克尔·杰克逊的个人表演，都当之无愧“king of pop”这个称号。第一次看到迈克尔·杰克逊的服装和舞姿时，觉得很土，动作也很怪，但是当你逐渐静下心来，没有偏见的观看迈克尔·杰克逊的表演时，你会被他身上的一些东西打动。例如他在表演时沉醉在音乐时的那种表情，随着音乐起舞，从那一刻开始，身体就不仅仅是他自己的了，他与音乐融为一体。这时我才明白，他的表演是发自内心的、随性的、毫不做作、浑然天成的，不受任何规则所约束，就像“月球漫步”一样。看似“不太好看”的舞姿，其实是他对音乐最虔诚的诠释，没有任何矫揉造作的痕迹，每一句歌词，每一个舞姿都直击人的灵魂，让人们感受到迈克尔·杰克逊的音乐中蕴含着一股灵魂的力量，一股人们为之疯狂的力量。就是这种发自内心、毫不掩饰、艺术性地表达出来的音乐，才能引起人们灵魂上最原始、最深切的共鸣！

References:

[1]. 孙博, 万变不离其宗的巴赫赋格——解析《平均律钢琴曲集》第一册No.1之赋格曲. 乐府新声(沈阳音乐学院学报), 2007(02): 第43-47页.

[2]. 周晓梅, 巴赫与他的赋格艺术. 乐器, 2009(03): 第45-47页.

[3]. 伍雍谊, 关于音乐的内容. 音乐研究, 1984(04): 第25-38页.