销售十二黄金法则

一、一切皆有可能，永不言败

二、销售就是销售你自己

1、你是不是充满自信

2、衣着是否标准

3、一定给客户留下最美好的印象

4、你没有机会在客户面前树立第二印象

三、设定明确的目标

1、有强烈的渴望

2、下定决心怎样去服务

3、期望的结果

四、充满激情、永不懈怠

1、120%的付出

2、见客户前开始微笑

3、全力以赴、充满激情

五、微笑、倾听、专注

⑧微笑可以增加你脸上的价值

⑧听客户所想、去发问、去探询

⑧要聚焦，拿出解决方案

六、归零的心态

保持谦虚的态度与作风

七、持续的去学习

善于阅读专业知识，每天一小时三年能成为行业专家

不懂就问就学习，什么知识结构就会有什么人脉关系

八、100%承担责任

给客户坚定的承诺（沃尔玛客户永远是对的）

尊重客户不能盲从客户，用尊重的方式转告他

所有问题都是我们的问题

九、让客户随时随地找到你

7天准备24小时意识

要想卓越必须突破8小时（拿破仑说过“真正产生伟大的奇迹是在8小时之外”）

十、建立所有客户档案系统

客户喜好、婚姻、职责、特长

随时给客户一个惊喜

十一、客户是要求出来的

敢于直面客户问题

坚定要理直气壮

十二、要成为专家

把自己当成顾问

我是向你提供帮助（医生与病人）

成为客户的朋友

动画十大运动规律讲解

动画十大运动规律 2008-10-02 23:31:54| 分类：动画进化| 标签：动作分解|举报|字号大中小订阅 1、压缩与伸展当物体受到外力作用时，必然产生形体上的压缩和伸展。动画中运用压扁和拉长的手法，夸大这种形体改变的程度，以加强动作上的张力和弹性，从而表达受力对象的质感、重量，以及角色情绪上的变化，例如：惊讶、喜悦、悲伤等。 “压缩与伸展”应注意的几点： 1、压缩和伸长适合表现有弹性的物体不能使用过度，否则物体就会失去弹性，变得软弱无力。 2、在运用压缩和伸长时，虽然物体形状变了，但物体体积和运动方向不能变。 3、压缩与伸长运用到动画角色人物上，会产生意想不到的趣味效果。

2、预期动作动作一般分为预期动作和主要动作。预期动作是动作的准备阶段的动作，它能将主要动作变得更加有力。在动画角色做出预备动作时，观众能够以此推测出其随后将要发生的的行为。预备动作的规则是“欲左先右，欲前先后” 3、夸张夸张是动画的特质，是动画表现的精髓，。夸张不是无限制的夸张，要适度，要符合运动的基本规律。

美国DIC娱乐公司出品的动画片《Sabrina》猫咪全身根根如倒刺般的立起的皮毛，之字形的尾巴，拉长如一根直线般的身躯等等 4、重点动作和连续动作动画的绘制，有其独特的步骤，重点动作(原画)和连续动作(中间画)需分别绘制。首先把一个动作拆成几个重点动作，绘制成原画。原画间需插入中断动作，即补齐连续重点动作的中间画连续动作，这个补齐中间画的工作叫中割

5、跟随与重迭跟随和重迭是一种重要的动画表现技法，它使动画角色的各个动作彼此间产生影响，融混，重迭。移动中的物体或各个部分不会一直同步移动，有些部分先行移动，有些部分随后跟进，并和先行移动的部分重迭的夸张表演。跟随和重迭往往和压缩和伸展结合在一起运用，能够生动地表现动画角色的情趣和真实感。

【精品】动画十二基本法则

【关键字】精品动画十二基本法则.txtゅ你不用一上线看见莪在线，就急着隐身，放心。莪不会去缠你。说好的不离不弃现在反而自己却做不到╮NO.1手绘技巧(Solid Drawing) 保守的手绘动画需要非常扎实的绘画训练以及对美感的敏锐度,不过在三维动画领域,手绘已经不再是动画师的工作内容.但是,不论是制作保守动画还是电脑动画,动画师都需要有扎实的绘画基础训练,才能将动画中所需要的画面更完整的表现出来.(跑车:在POSE TO POSE 的动画制作中,拿起笔来绘制想要的动作,会让你更准确的把握整体和细节.) NO.2 吸引力(Appeal) 所有的角色都要有它吸引人的地方,无论是英雄,恶棍还是小丑.这就需要清晰的角色设定,简约的设计,鲜明的个性,并且让角色的行为随着故事的发展有所改变.(跑车:一个角色让人们从它的肢体语言看出他的一切,说到容易做到难.) NO.3 慢入慢出(Slow-in and slow-out) 当现实生活中的物体开始运动或是停止下来的时候,它们会经历加速和减速的自然过程.在人的行走中,人在迈出脚步的开始和结束时运动减缓,而在中间加快,从而使整个动作更加饱满舒缓. NO.4 预备(Anticipation) 角色完成一个动作需要经历预备,动作和结束三个阶段.预备通常是在一个大幅度的,快速的主要动作之前,方向与之相反而且比较缓慢,幅度也小一些.预备动作的目的是使观众更清晰的看到动作,明白动作之间的联系,否则角色的动作会显得非常的突兀和僵硬.那么在实际制作过程中预备应该应用到哪种程度呢?这依赖于下面的一些因素: ☆施加了多少力 ☆运动有多快 ☆你希望观众有多惊讶 ☆在一个预备中预备是否正在发生,或者在一个动作中的方向已开始改变 ☆是角色身体的一部分还是整体在为动作做准备 NO.5 弧线(Acrs) 使用弧线来表现角色的动作可以达到非常自然的视觉效果,这是因为有生命的物体都是按照曲线路径来移动的,而非完全的直线运动.例如当角色头部从左向右转时,在中间位置的时候,头部并非水平,儿时应当略微低下来一些,否则观众会有僵硬,受限制的感觉. 在三维动画中,动画师在表现弧线运动时要注意它的前后变化,把握好加/减速原理.作为动画中最常运用的一种原则,动画师必须理解力的基本原理,比如重力,空气阻力,摩擦力和力的传递等对弧线运动的影响和作用.才能更好的使角色动作有优美圆滑的韵律感. NO.6 节奏(Timing) 节奏是角色在一个动作上所用的时间.生活中的一切物体的运动都是充满节奏感的.节奏感是由不同速度的交替变化产生的.这可能是在教授和学习动画中最难的一个环节了,每个人心中的想法和感受都是不同的,通过改变节奏可以使一个动作表现出不同的韵律和情感. ☆静止-慢-快或快-慢-停止,这种渐快或渐慢的速度变化产生柔和的节奏感. ☆快-急停或快-急停-快,这种突然的速度变化产生强烈的节奏感. ☆慢-快-急停,由慢至快再突然停止的转折变化能产生戏剧性. 经过长期的三维动画工作,我认为最好的节奏就是你能让观众用最短的时间理解发生了什么动作. NO.7 直前与姿势到姿势动作(Straight-ahead Action and Pose-to-pose) 直前动作和姿势到姿势动作是两种不同的动画技术.在直前动作中,角色不需要预先设置主

动画的12条基本原理

动画的12条基本原理 1 Timing 节奏 It may seem kind of silly to even have something as basic as timing on the list. Obviously timing is the essence of animation. The speed at which something moves gives a sense of what the object is and why it is moving. Something like an eye blink can be fast or slow. If it's fast, a character will seem alert and awake. If it's slow the character may seem tired and lethargic. 有些人会觉得把timing（节奏）放在法则列表里似乎很愚蠢，因为这个对动画制作来说实在是太基本了。显而易见，“节奏”是动画的基本要素。物体运动的速度说明了物体物理本质，和运动的成因。仅仅是“眨眼”的动作就可或快或慢。如果眨的快，角色看上去就处在“警觉或者醒着”的状态，如果眨得慢，角色就会显得比较慵懒，疲惫，昏昏欲睡。 John Lasseter gave a good example in his famous Siggraph paper using a character with a head that turns left and right. Essentially, he gives different durations for the exact same head turn motions, and shows how it can be 'read' differently based merely on the timing. If the head turns back and forth really slow, it may seem as if the character is stretching his neck. A bit faster it can be seen as saying "no". Really fast, and the character is reacting to getting hit by a baseball bat. John Lasseter在他的那篇著名的Siggraph论文里使用了一个关于头部从左向右的转动的范例。虽然是同一个转头的动作，但他按照不同的时间节奏做出来，却表现出不同的意思，而本质上他仅仅是改动了运动的timing“节奏”而已。如果头从后往前转的很慢的话，角色看上去只是在活动颈部而已。加快一点速度，看上去就象是在说：NO! 再快点，角色看上去就很象被物体砸到头部一样。 Having a good sense of timing is critical for good animation. Cartoony motion is usually characterized as fast snappy timing from one pose to another. Realistic tends to have more to do about going between the poses. But both require careful attention to the timing of every action. 对于好的动画来讲，好的“节奏”感非常重要，非常基本。动作的卡通风格一般要求物体从一个pose(姿势)到另外一个pose的变换很灵活简洁。写实风格的则要求在pose之间细节上要有变化。但是无论哪种风格，都要注意每一个动作的timing节奏问题。 I think it was Chuck Jones who said "The difference between the right timing and the almost right timing, is the difference between lightning and a lightning bug." 记得Chuck Jones曾经说过：“好的timing节奏和差强人意的timing节奏之间的差别就有如“光”和发光的萤火虫之间本质的差别”。 2 Ease In and Out (or Slow In and Out) 渐进和渐出（或慢进慢出） Ease in and out has to do with gradually causing an object to accelerate, or come to rest, from a pose. An object or limb may slow down at it approaches a pose (Ease In) or gradually start to move from rest (Ease Out). 渐进和渐出的规律通常是运用在物体pose的加速或减速变化过程中。一个当物体接近某个POSE时，通常是减速变化的（称之为渐进或慢进）；相反地当它从一个POSE开始向另外一个POSE变化时，应该是加速的（称之为渐出或慢出）。

引物设计的11条黄金法则

PCR引物设计的11条黄金法则 1.引物最好在模板cDNA的保守区内设计。DNA序列的保守区是通过物种间相似序列的比较确定的。在NCBI上搜索不同物种的同一基因，通过序列分析软件（比如DNAman）比对（Alignment），各基因相同的序列就是该基因的保守区。 2.引物长度一般在15~30碱基之间。引物长度（primerlength）常用的是18-27bp，但不应大于38，因为过长会导致其延伸温度大于74℃，不适于TaqDNA聚合酶进行反应。 3.引物GC含量在40%~60%之间，Tm值最好接近72℃。 GC含量（composition）过高或过低都不利于引发反应。上下游引物的GC含量不能相差太大。另外，上下游引物的Tm值（meltingtemperature）是寡核苷酸的解链温度，即在一定盐浓度条件下，50%寡核苷酸双链解链的温度。有效启动温度，一般高于Tm值

5~10℃。若按公式Tm=4（G+C）+2（A+T）估计引物的Tm值，则有效引物的Tm为55~80℃，其Tm值最好接近72℃以使复性条件最佳。 4.引物3′端要避开密码子的第3位。如扩增编码区域，引物3′端不要终止于密码子的第3位，因密码子的第3位易发生简并，会影响扩增的特异性与效率。 5.引物3′端不能选择A，最好选择T。引物3′端错配时，不同碱基引发效率存在着很大的差异，当末位的碱基为A时，即使在错配的情况下，也能有引发链的合成，而当末位链为T 时，错配的引发效率大大降低，G、C错配的引发效率介于A、T之间，所以3′端最好选择T。 6.碱基要随机分布。引物序列在模板内应当没有相似性较高，尤其是3’端相似性较高的序列，否则容易导致错误引发（Falsepriming）。降低引物与模板相似性的一种方法是，引物中四种碱基的分布最好是随机的，不要有聚嘌呤或聚嘧啶的存在。尤其3′端

迪士尼黄金十二法则

《动画规律》第四章迪士尼动画黄金十二法则张杨阳一、挤压与伸展（Squash and Streth） ●自然界中，除了如铁球、石头等刚体外，其他的物体或生命体在与他物碰撞或自行运动时，都多多少少会产生变形的现象，也就是挤压与伸展。二、预备动作（Anticipation）以及缓冲动作（Settle Cushion） ●预备动作的用意有两项：一是为了要引起观众的注意，要观众准备好看清楚角色的肢体表演，以免错失了故事情节；二是为了蓄积动作所需的动能。

三、动作表现力（Staging） ●这是12项规则中定义最广泛的规则，因为好的表演布局包含了多项要素，不过言简意赅的说，好的表演布局就是要能清楚明确的传达故事中的讯息。四、连续动作和关键动作（Straight Ahead Action & Pose To Pose） ●简单来说，Straight Ahead Action就是从头开始一张接着一张画下去，而Pose To Pose则是先绘出表演中的关键动作，我们称之为key Pose。

五、跟随与动作重叠（Follow Through & Overlapping Action） ●跟随动作指的是如动物耳朵、衣服、毛发等在角色无意识控制下的自然飘动或延迟动作的物理现象。六、慢入、慢出（Slow in & Slow out） ●自然界中无论是生物的动作或其他现象都极少有等速运行的状态，单单就人的肢体动作而言，要是都以等速进行，看起来会比较像机器人而不象人了。

七、动作弧线（Arcs） ●所有的有机生命体的运动都多多少少是以弧线的路径方向运动的。八、次要动作（Secondary Action） ●所谓次要动作就是在主要动作外的有助于表现角色内心状态或角色个性的额外肢体表演动作。九、节奏与间距（Timing & Spacing） ●好的＜Timing＞指的就是看起来生动、有趣、自然的＜速度感

迪士尼12黄金法则

1. Squash and Stretch压缩与伸展物体受到力的挤压，产生拉长或者压扁的变形状况，再加上夸张的表现方式，使得物体本身看起来有弹性、有质量、富有生命力，因此较容易产生戏剧性。 2. Anticipation 预备动作动画角色的动作，必须让馆长能够产生“预期性”，透过肢体动作的表演，或者分镜构图的安排，让观众与之角色的下一步动作，也就是让观众更能融入剧情中。 3. Staging演出布局戏剧是经由编剧和导演设计安排出来的，动画更是如此，因为动画的所有动作安排与构图，都是需要靠动画师的手创造出来，所以在动画中的构图、运镜、动作、走位都需要仔细的设计安排，避免在同一时间又过多琐碎的动作与变化。最重要的还是精心设计好每一个镜头与动作，经过设计之后，不仅可让动画整体更好，也可以省去许多不必要的成本浪费。 4. Straight Ahead Action and Pose to Pose连续运动与姿态对应连续动作和姿态对应是两种动作动画的技巧，连续动作是将动作从第一张开始，依照顺序画到最后一张，通常是制作较简易的动态。姿势对应，将动作拆解成一些重要的定格动作。补上中间的间补动画后，产生动态的效果，通常适用于较复杂的动作。 5. Follow Through and Overlapping Action跟随与重叠动作跟随动作，是将物体的各部位拆解，通常是没有骨架的部位较容易产生跟随的动作，例如动物的尾巴，头发，衣服的末梢等等。重叠动作，是将一栋中物体的各部位拆解，将其动作的时间错开，产生分离重叠的时间差与夸张的变形，增加动画戏剧性与表现力，达到更容易吸引观众的目的，也强化了动画的趣味。 6. Slow In and Slow Out 慢进慢出一般动作在开始与结束时速度较慢，中间过程速度较快一些，因为一般动作并非等速度运动，这时正常的物理现象。静止的物体开始移动时由慢而快，而将要停止时的物体则会由快变慢，若以等速度方式开始或者结束动作，则会产生一种唐突的感觉。 7. Arcs 弧形运动动画中的动作，基本上除了机械的动作之外，几乎所有的动线都是以抛物线的方式进行，所以在绘制动线时，非机械式的物体，移动时不要完全以直线的方式运行，而机械式的物体，则使用较僵硬的直线运动，这样可以较容易的区别机械与非机械物体的属性，也可强化这两种完全不同的物体的个性。 8. Secondary Action 第二动作依附在主要动作之下的细微动作，虽然是属于比较微小的动作，但实际上却有画龙点睛的效果。第二动作并非不重要的动作，而是强化主要动作的关键，不仅可以使角色更生动真实，更可让角色感觉有生命。 9. Timing and Weight 时间节奏与量感动画的灵魂就是物体与角色的运动，而控制运动的关键就是动作的节奏与重量感。动作的节奏就是速度的快慢，过快或者过慢都回让该动作看起来不自然，而不同的角色也会有不用的节奏，因为动作的节奏会影响到角色的个性，也会影响到动作自然与否。

论迪士尼吸引观众的原因

迪士尼动画艺术史结业论文题目：论迪士尼动画的创新与传承系（院）：应用外语系专业：商务英语一班学生姓名：黎尽昭指导教师：付培 2015年5月1日

论迪士尼动画的创新与传承 —举例分析迪士尼动画能够吸引观众的原因摘要：迪士尼作为全球闻名的涉及领域众多的娱乐性公司，其电影部门更是迄今为止唯一一家没有被交易过的好莱坞大公司。它的粉丝众多，遍布全球各地。而论及支撑它走过八十多年风雨，仍然饱受欢迎的原因，必然也是不计其数。本文从音乐、故事设定、画面感、电影感、领导人的角度出发，并落脚于对其公司文化的创新与传承，再结合迪士尼经典动画实例，有层次地分析了迪士尼动画能够吸引观众的原因。关键词：音乐；故事设定；画面感；创新；传承 1.引言人们总是喜新厌旧的，迪士尼公司经刘国罢工的浪潮，经历过二战的冲击，经历过与其他公司的激烈竞争，但它仍然在观众心中屹立不倒。这其中的原因种种，但这个公司最初唯一的产出-动画，为它的成功做出了不可磨灭的贡献。而论及迪士尼动画吸引了众多观众，我想说的是，“Keep moving forward”才是它如此博人眼球的根本原因。“Keep moving forward”并不只是意味着创新与发展，同时也意味着他们对自身优秀传统的保持。 2.音乐每当观众想起那些经典的迪士尼动画片时，音乐往往是他们第一个回忆起的元素。《小美人鱼》的《Part of your World》,《美女与野兽》的《Beauty and the Beast》,《狮子王》的《circle of life》，还有迪士尼公园总是在循环的《A whole new world》……往往是音乐让迪士尼动画由如此不朽的魔力。从第一部迪士尼动画长片《白雪公主》开始，美妙的旋律与匠心独运的舞蹈场面就成为了迪士尼动画电影中的标志性元素。迪士尼动画首创将百老汇音乐剧的魅力引入其中，让动画与音乐达到超越真人电影的契合度，加上歌舞场面与剧情推进的无缝衔接和融合，制造出让一代又一代观众回味无穷的歌舞段落。这些歌舞段落在迪士尼动画长片中俯拾皆是，在《幻想曲》、《狮子王》等作品中，更是达到了殿堂级的表现力，画面与音乐的高度统一，带给人极高的艺术享受。也是迪士尼，首先让作曲家参与电影的制作全过程。以《冰雪奇缘》为例，为了让音乐成为叙事的一部分，Chris Buck和Jennifer Lee这两位作曲家积极地与导演合作、沟通，而导演组也并没有在一切都决定好以后再‘通知’他们二位去写几首歌，像《Do You Want to Build a Snowman》这首全片最催泪的曲子在一开始是没有被采用的，但是由于这一首曲子广受喜爱，导演组甚至改变了原先的叙事。这其实是很欣慰的一件事，因为这体现了电影制作的核心—合作。导演不是独裁者，他们没有守着已经定好的创意一点变化不许有，而是积极的与其他艺术家合作，经过改变和尝试以达到更好的效果。这使本片音乐出色的达到了叙事效果，而没有为唱而唱。事实上，《Let It Go》是全片第一首确定的歌，也正是这首歌让导演们意识到，Elsa不是邪恶的反派，她只是一个压抑的青少年，

迪斯尼动画的12条运动规律~~经典!

迪斯尼的12条动画规律迪斯尼动画技巧原理之一——挤压与拉伸我们所说的挤压和拉伸是动画中最重要的发现。当用图画的变换来表现一个物体的移动，但其形体不发生变化的时候。它的动作会明显的表现出僵硬。在真实的生活中，这只能表现在一些坚硬的物体上。比如象椅子、器皿和盘子等这类物件。但是任何有生命的物体，无论它的骨骼怎样，每做一个动作，它的形态会体现出相当多的运动。象手臂的弯曲和伸展引起二头肌明显的隆起和拉伸这就是很好的一个例子。外形明显的向体内收缩和外形极端的拉伸形成对照。对于面部，无论咀嚼，微笑还是讲话仅仅表现一个表情的变化,要使其更有生命力，应该在面颊，唇部和眼睛处加以刻画。不然的话，就象蜡像一样僵硬。我们能够用使物体受到压力而变平或者被推挤成一块来表现挤压。对于拉伸，我们始终用一种相似的形式来表现，就是将物体合适的延长或扩大。从一幅图画的动作到下一个动作这是动画的本质。我们不再用脸上的一条简单的线来表现一个微笑；现在它包含了唇形定义和与面颊的关系。我们不再将腿表现的象一个小管子或橡皮水管；增大弯曲和伸展使他们显得更加有柔性。动画师竞相使用大量的挤压和拉伸技巧来制作动画,以将那些原有的动画法则推动到极限：象在表现眼睛闭合时，可以将眼睛挤压使之倾斜；和表现眼睛睁开时，可以将眼睛拉伸的象瞪出眼珠一样；“吸气”时的脸颊的凹陷和与之相反的吐气时面颊的膨胀；在表现咀嚼动作时，先将嘴拉伸到在鼻子下较远处，然后再上提压缩超过鼻子的位置（最好改变嘴的形状）。在三十年代中期，动画师专门制作出两张图画，用于确定挤压位置和拉伸位置。为了避免使被挤压的图画看上去不会过于发涨和被拉伸时不会显得象萎缩一样，这里有一些好的建议。就是在考虑挤压和拉伸的时候，把物体的形状或体积看成一个装了半袋面粉的布袋。当它掉落在地面上的形态，与它的初始状态相比它好象被压扁了，如果逐渐的将它提高，它会比它装满时候的形态表现的还要伸展，然而它的体积并没有发生变化。我们甚至绘出面粉袋不同的姿态——直立，扭曲和各种带有情绪的动作，直至我们使它看上去不再象一个面粉袋。这样可以迫使我们去寻找，用最直接的绘制方法和最简单的描述来表现它。我们发现其中有许多内部的细节在对与整个形状的表现上是不必要的，所以我们必须进行适当的构思和删减。这些经验被运用到米奇的身体，他的面颊，其他动物的鼻子，嘴巴，甚至于唐纳德的头上。在每日报纸的运动页上我们发现一个平常没有注意到的宝藏。这里的照片展现出人类肢体各种各样的拉伸、伸展和激烈的动作表现出人类肢体的弹力。我们的动画原理能够很清楚的在其中展现出来。这些与整体的形态一起传达着喜悦、挫折、专注和所有在运动世界中体现出来的强烈的情感。这些开拓了我们的视野，让我们开始用一种新的方式来观察。所有初期的动画艺术家的动画测试标准是画一个跳跃的球。让人感到惊讶的是，它快速表现和容易变化的特点，使它成为检验我们所学到东西的依据。其方法是先简单描绘一个圆圈来表示球，然后在连续的画出使它掉落碰撞地面，反弹后回到空中，这样循环的图画。我们可以让球从画纸外跳入，前进直至跳出画纸，或者在任意一点上开始小球的循环跳跃反弹的动作。这些看上去似乎很单调，但是经过这样的测试，我们可以生动的掌握到关于节奏，挤压和拉伸的技巧。

有效提升销售的12大黄金法则

大客户的开发与管理 1、什么是大客户？ 20%的客户带来80%的收入。遵循Pareto定律：80/20法则 2、实施大客户服务的好处实现企业利润最大化保持企业持续性发展例：杰克。韦尔奇——“数一数二”战略（1982年）李践——“抓大放小”战略（1997年）3、大客户分类铂金客户级——业绩最高、价值最大黄金客户级——业绩比较高忠诚度也比较高的客户铁客户——一般客户十二条黄金法则法则一：世上无事不可为一切皆有可能永不言败，永不放弃一定能想出解决问题的方法具有极大的勇气，克服恐惧不断地说：“我能做到” 法则二：销售就是销售你自己热爱产品，热爱客户，热爱自己建立客户喜爱的第一印象客户会被感动：因为你的敬业、你的执着，你的坚持。法则三：设定明确的目标强烈的渴望下定决心明确知道想要的结果法则四：充满激情，永不懈怠让客户感受到你的能量把所有的发动机全部启动120%的付出全力以赴坚持不懈法则五：微笑、倾听、专注

微笑能为您增加你脸上的价值倾听产生信任让客户每次想到你，见到你就开心而非痛苦像激光一样聚集法则六：归零的心态——打开心灵的木桶谦虚的态度与作风开放的胸怀法则七：持续地学习善于阅读花时间学习专业所有技能都是通过学习掌握的善于自我反省、不断改进知识就是资本你拥有什么样的知识结构，你就拥有什么要样的人脉法则八：100%承担责任永远给客户一个坚定的承诺对待问题时保持乐观，想尽办法给客户满意的结果，并超出他的期望任何问题都是我的问题法则九：让客户随时随地都能找到你一周工作7天的准备每天工作24小时的意识24小时手机开机，随打随通真正产生生产力：是8小时以外的付出8小时以内求生存，8小时以外求发展法则十：建立所有的客户档案系统法则十一：客户是要求出来的——想清楚你到底需要什么样的结果敢于直面客户问题没有要求就没有签单合作是双赢法则十二：要成为专家把自己当成顾问向别人提供帮助成为客户的朋友提供解决方案如何才能销售成功卓越的服务就是要达到物超所值物超所值就是让客户感动

迪斯尼经典动画原理—动画的12条基本原理

转载]迪斯尼经典动画原理—动画的12条基本原理【转贴】 (2011-05-10 17:14:11) 转载原文标签：转载很好，很有用原文地址：迪斯尼经典动画原理—动画的12条基本原理【转贴】作者：动画er 动画的12条基本原理【转翻译】 Introduction 简介翻译: CG先锋什么是角色动画?就是让一张张的图片中了魔法一样动了起来!!表现的内容也千奇百怪, 可以是扫把走路,老鼠说话,也可以是跳舞的虫子,甚至是会飞的玩具.可制作过程却是非常艰苦的,得花时间来从策划,绘制,到校订,其间还有不断的调试测试,过程非常艰苦,但却是一项非常有成就感的艺术创作. 随着计算机技术的突飞猛进,越来越多的人从事创作高质量的CG角色动画这项事业.然而,高质量却不是那么容易达到的.很多顶级的动画师都花了几年甚至更长时间来磨练他们的技术.因结合了计算机和艺术两方面知识,动画也许是最难掌握的一种. 作为动画师,不但要掌握绘画或者速写的技术,还要有时间感,洞察力,表现力,和对物体运动规律的理解.此外,角色动画师同时也要是个演员,具有赋予一件事物生命活力的能力.通过这些不同领域知识的融合,动画师仿佛具有了魔力,让角色活灵活现,具有了生命力. 下列所述,是一些大家学习制作动画过程中要掌握的传统的法则.它们不仅对传统角色动画十分重要,同样也适用于计算机角色动画.除了一些最基本的理论,我还对一些传统意义

上的法则做了调整和综合.其间,感谢很多CG-char上列出的许多CG界的朋友们!(参见“special thanks section”特别感谢部分) 每条法则都会做定义，同时也会做些解释说明，外加一个动画范例配合讲解。其目的不仅是为了定义这些法则是什么，还要讲清楚这些法则是怎么应用的，在哪里运用。同时每个人都可以在真实的场景中运用这些法则。但无论怎样，这些文字都还只是起着引导作用，道理还是需要你们自己去学，去实践，去理解。通过综合运用，可以做出很真实，很有趣味的角色动画。我期待我写的这些文字能对读者们有所帮助，如果你们有任何的意见或者建议，可以发EMAIL给我：comet@https://www.360docs.net/doc/4b3484925.html,我本人其实也是在学习掌握这门艺术，同大家一样对真正的动画大师也是非常敬仰的。 Timing节奏有些人会觉得把timing（节奏）放在法则列表里似乎很愚蠢，因为这个对动画制作来说实在是太基本了。显而易见，“节奏”是动画的基本要素。物体运动的速度说明了物体物理本质，和运动的成因。仅仅是“眨眼”的动作就可或快或慢。如果眨的快，角色看上去就处在“警觉或者醒着”的状态，如果眨得慢，角色就会显得比较慵懒，疲惫，昏昏欲睡。 John Lasseter在他的那篇著名的Siggraph论文里使用了一个关于头部从左向右的转动的范例。虽然是同一个转头的动作，但他按照不同的时间节奏做出来，却表现出不同的意思，而本质上他仅仅是改动了运动的timing“节奏”而已。如果头从后往前转的很慢的话，角色看上去只是在活动颈部而已。加快一点速度，看上去就象是在说：NO! 再快点，角色看上去就很象被物体砸到头部一样。对于好的动画来讲，好的“节奏”感非常重要，非常基本。动作的卡通风格一般要求物体从一个pose(姿势)到另外一个pose的变换很灵活简洁。写实风格的则要求在pose之间细节上要有变化。但是无论哪种风格，都要注意每一个动作的timing节奏问题。记得Chuck Jones曾经说过：“好的timing节奏和差强人意的timing节奏之间的差别就有如“光”和发光的萤火虫之间本质的差别”。

时间管理的条黄金法则完整版

时间管理的条黄金法则 HEN system office room 【HEN16H-HENS2AHENS8Q8-HENH1688】

时间管理的10条黄金法则进行有效的，必须把握以下十大法则：细微边界法则细微边界法则是指时间上的细微差别可能导致最终结果上的巨大差异，即所谓“失之毫厘，差之千里”。细微边界法则在生活中无处不在，如因一分之差错过了列车，可能要再花几个小时或更长时间等待下一列；抢救危重病人延误一分钟，可能会夺去病人的生命；而在比赛中慢了一秒钟，就可能与奖牌擦肩而过……细微边界法则在经济领域表现得更为突出，现代市场竞争已经由“大鱼吃小鱼”转变为“快鱼吃慢鱼”，企业间在对市场反应速度上的细微差距，可能导致利润率上的天壤之别。英特尔公司就是因为总能比竞争对手快一步推出性能更高的处理器，成功攫取了CPU市场80％的利润。而那些动作总比别人慢半拍的企业，均难以摆脱最终覆灭的命运。细微边界法则告诉我们，决定一个人能否成功，有时不在于其是否比别人付出了更多的辛苦，而在于其是否比别人先行一步。先行一步天地宽，抢先一步，就会领略到别样的风景，就会占尽先机，而办事拖拉、没有时间观念，就可能因一步赶不上，而步步赶不上。为此我们必须增强时间观念，无论做什么事情，都要有时不我待的紧迫感，早谋划、早准备、早着手，这样才会在工作和生活中争取主动；凡事都要打好时间提前量，这样才会避免因一步之差而与成功失之交臂的遗憾。帕累托法则帕累托法则又称80/20法则，是由英国经济学家和社会学家帕累托发现的，最初只限定于经济学领域，后来这一法则也被推广到社会生活的各个领域，且深为人们所认同。帕累托法则是指在任何大系统中，约80％的结果是由该系统中约20％的变量产生的。例如，在企业中，通常80％的利润来自于20％的项目或重要客户；经济学家认为，20％的人掌握着80％的财富；心理学家认为，20％的人身上集中了80％的智慧等。具体到领域是指大约20％的重要项目能带来整个工作成果的8 0％。并且在很多情况下，工作的头20％时间会带来所有效益的80％。帕累托法则对我们的启示是：大智有所不虑，大巧有所不为。工作中应避免将时间花在琐碎的多数问题上，因为就算你花了80％的时间，你也只能取得20％的成效，出色地完成无关紧要的工作是最浪费时间的。你应该将时间花于重要的少数问题上，因为掌握了这些重要的少数问题，你只花20％的时间，即可取得80％的

动画10大运动规律

max2012魅力动画动画10大运动规律（扩展知识） 1、压缩与伸展当物体受到外力作用时，必然产生形体上的压缩和伸展。动画中运用压扁和拉长的手法，夸大这种形体改变的程度，以加强动作上的张力和弹性，从而表达受力对象的质感、重量，以及角色情绪上的变化，例如：惊讶、喜悦、悲伤等。 “压缩与伸展”应注意的几点： 1、压缩和伸长适合表现有弹性的物体不能使用过度，否则物体就会失去弹性，变得软弱无力。 2、在运用压缩和伸长时，虽然物体形状变了，但物体体积和运动方向不能变。 3、压缩与伸长运用到动画角色人物上，会产生意想不到的趣味效果。

12条摄影黄金法则

错误！未找到引用源。12条摄影黄金法则摄影是一门技术，同样也是经验的积累。下面是无数摄影师的经验汇聚而成的12条最经典、实用的摄影技巧Tips，将其熟记于心，将帮助你应对很多难以掌控的拍摄场景。 1.Sunny 16 Rule （阳光十六法则） “Sunny 16 Rule”是在没有测光表时，正确估算日光下曝光数值的方法，所以这条法则只有在阳光充足的情况下适合使用。将光圈设为F/16，快门与I SO同步，或者略快。如，ISO设为100时，快门应该设为1/100秒（1/125秒）。所以，根据这个法则，在海滩上摄影时，应该使用F/22光圈，在多云时应使用F/11光圈。

2.Moony 11,8, and 5.6 Rules （月光11，8和5.6法则）如果你想拍摄月亮，那么这里有一条很好的法则。快门与ISO同步的时候，拍摄满月用F/11光圈，弦月的时候用F/8光圈，新月则使用F/5.6光圈。 3.Camera Shake Rule （相机抖动法则）当你手持相机拍摄时，快门的速度不能小于镜头焦距的倒数。如果快门速度越慢，那么拍摄抖动时就越可能降低锐度。如果用50mm焦距的话，快门就要达到1/60秒以上为宜，只有当环境实在昏暗时，用闪光灯、脚架或者把相机放在硬物上防止抖动。 4.Anatomical Gray Card （灰板法则）随身携带18%的中灰度板是拍摄的利器。可是如果身上没有灰度板怎么办呢？可以将手掌摊开面向阳光，对手掌进行测光，然后加一档曝光。 5.Depth of Field Rules （景深法则）当被摄无题比较深的时候，应该对焦点选择在景深的前1/3处，因为这样，对焦点后的景深是之前的2倍。各种光圈和焦段组合都可以使用这个法则。记住，光圈越小，焦距越短，距离被摄物体越远，景深就越大。 https://www.360docs.net/doc/4b3484925.html,rgest Digital Print Rule （数码冲印尺寸法则）如果你想把你的作品打印成大尺寸的照片时，照片的尺寸不能大于数码图片的长宽像素各除以200.如果你对作品要求很高，那么至少得除以250。

动画的12条黄金法则

Twelve Basic Principles of Animation (1) The 12 basic principles of animation are a set of principles of animation introduced by the Disney animator Ollie Johnston and Frank Thomas in their book The Illusion of Life: Disney Animation (1981). Johnston and Thomas in turn based their book on the work of the leading Disney animators from the 1930s onwards, and their effort to produce more realistic animations. The main purpose of the principles was to produce an illusion of characters adhering to the basic laws of physics, but they also dealt with more abstract issues, such as emotional timing and character appeal. The book and its principles have became generally adopted, and been referred to as the “Bible of the industry”. In 1999 the book was voted number one of the “best animation book of all time” via an online poll. Though the original intention was to apply them to traditional, hand-drawn animation, the principles still have great relevance for today’s more prevalent computer animation. Squash and stretch The most important principle is “squash and stretch”, the purpose of which is to give weight and flexibility to drawn objects. It can be applied to simple objects, like a bouncing ball, or more complex constructions, like the musculature of a human face. Taken to an extreme point, a figure stretched or squashed to an exaggerated degree can have a comical effect. In realistic animation, however, the most important aspect of this principle is the fact that an object’s volume does not change when squashed or stretched. If the length of a ball is stretched vertically, its width (in three dimensions, also its depth) needs to contract correspondingly horizontally. Anticipation Anticipation is used to prepare the audience for an action, and to make the action appear more realistic. A dancer jumping off the floor has to bend his knees first; a golfer making a swing has to swing the club back first. The technique can also be used for less physical actions, such as a character looking off-screen to anticipate someone’s arrival, or attention focusing on an object that a character is about to pick up. For special effect, anticipation can also be omitted in cases where it is expected. The resulting scene of anticlimax will produce a feeling of surprise in the viewer, and can often add comedy to a scene. This is often referred to as a “surprising gag”. Staging This principle is akin to staging as it is known in theatre and film. Its purpose is to direct the audience’s attention, and make it clear what is of greatest importance in a scene; what is happening, and what is about to happen. Johnston and Thomas defined it as “the presentation of any idea so that it is completely and unmistakably clear”, whether that idea is an action, a personality, an expression or a mood. This can be done by various means, such as the placement of a character in a frame, the use of light and shadow, and the angle and position of the camera. The essence of this principle is keeping focus on what is relevant, and avoiding unnecessary detail. Straight ahead action and pose to pose There are two different approaches to the actual drawings process. “Straight ahead action” means drawing out a scene frame by frame from beginning to end, while “pose to pose” involves starting with drawing a few, key frames, and then filling in the intervals later. “Straight ahead action”creates a more fluid, dynamic illusion of movement, and is better for producing realistic action sequences. On the other hand, it is hard to maintain proportions, and to create exact, convincing poses along the way. “Pose to pose” works better for dramatic or emotional scenes. A combination of the two techniques is often used.