天津音乐学院考研复习资料 西方音乐史 不同时期音乐表现

音乐各要素在不同风格时代的状况表格

（一）古希腊和古罗马时期

The Age of Ancient Greek & Roman （公元前12世纪—公元5世纪）

旋律melody 绝大多数音乐是声乐的，因此旋律进行与歌词中语言的抑扬顿挫、情感状态有密切关联，句法自由，不对称。

节奏rhythm 自由而丰富多样，不规范，与语言的节奏有直接的关系

调式mode 以希腊民族的名称来命名各种调式，如多利亚、弗里几亚等等，但与后来的调式不是同一种概念。

织体texture 单声织体（monophony），即只有一条单旋律。

体裁types 音乐与诗歌、舞蹈、戏剧等紧密结合，表演为即兴式，但有一定程度的模式，如小型的抒情诗歌与大型的叙事史诗，以及更大规模的悲剧、喜剧。

乐器instruments 主要是弹拨乐器（里拉lyra 、基塔拉kithara 等）和吹管乐器（木制的双管奥罗斯aulos、排箫panpipes）两类，以及称作水力风琴（hydraulis）的原始管风琴。古罗马时期出现了铜管乐器。

记谱法

notation

采用字母记谱。

（二）中世纪The Middle Ages （450—1450）

旋律melody 基本上与古希腊和古罗马时期相同，但由于多数音乐为宗教性质的，因此更加朴素、平和，以级进为主，音域较窄。

节奏rhythm 早期与古希腊和古罗马时期相同，自由、无规律，以歌词的长短韵律为基础。后期出现了复杂的节奏模式（rhythmic modes）。

情绪mood 在宗教音乐中追求肃穆、超脱的气氛，排斥人世激情。但在后期的世俗音乐中情感表现较为多样化，较为生动活泼。

调式mode 沿用古希腊时期调式的名称（实质不同），如多利亚、弗里几亚调式等，共有12种调式：6个正调式（authentic）和6个副调式（plagal mode），统称“教会调式”(church modes)，但并不意味着在世俗音乐中不采用。

织体texture 早期为单声织体，从公元九世纪起出现多声思维，即“复调音乐”（polyphony）的简单形式“奥加农”（organum），随后出现多种变体以及新的形式，如孔杜克图斯等。

体裁types 宗教音乐以圣咏（chant）和编配为多声的圣咏、经文歌（motet）、弥撒（mass）、神秘剧（mystery play）为主；世俗音乐有形式不确定的短小歌曲，如猎歌（caccia）、牧歌（madrigal）、叙事歌（ballata）、尚松（chanson）以及舞曲性质的回旋歌（rondeau）等。

乐器instruments 出现了管风琴（organ）、古钢琴（有两类：clavichord击弦古钢琴，又称楔槌键琴，harpsichord拨弦古钢琴，又称羽管键琴）和形制不统一的拉弦乐器。世俗音乐中乐器使用较多，教会音乐则是严格控制，通常只用管风琴。尚没有独立的器乐作品，乐器基本上是重复声乐旋律。

记谱法notation 从符号谱（纽姆谱meume）、一线谱逐步发展为四线、五线谱，并有了精确的时值。

（三）文艺复兴时期The Age of the Renaissance （1450—1600）

旋律melody 注意旋律与歌词的密切关系，追求用音乐表现歌词中的情绪和形象，出现了所谓“绘词法”，因此丰富多样、鲜明生动，但旋律进行仍以级进为主。

节奏rhythm 有了规范的节拍概念。在复调织体的音乐中以流畅平和的律动为主，在主调织体和舞曲性质的音乐中则拍点鲜明。

情绪mood 在宗教音乐情感深厚、端庄，世俗音乐则自由而大胆，表现细腻的情感和生动的生活场景。

调式mode 与中世纪基本相同，但已出现了一些功能性的和声进行模式（如终止式），并因强调了伊奥尼亚和爱奥利亚调式，为下一个时期的大、小调体系奠定了基础。

织体texture 以复调织体为主，广泛运用模仿（imitation）手法。在少量作品（如舞曲性质的世俗音乐和“新教圣咏”即众赞歌chorale）中运用主调织体（homophony）。

体裁types 宗教音乐除沿用中世纪的体裁外，增加了路德教派的“新教圣咏”。世俗音乐更加丰富多样，最盛行的是法国的尚松、意大利的牧歌（与中世纪名称相同但音乐上完全不同）以及流行于欧洲的琉特琴歌曲（lute song）。在器乐领域中，除了像中世纪时期一样演奏声乐作品外，出现了专门的器乐作品，如写法较为严谨的“主题模仿曲”（ricercare）、变奏曲（variation），比较自由的幻想曲（fantasia）、托卡塔（toccata）、随想曲（capriccio）以及舞曲风格的组曲（suite）等。

乐器instruments 乐器制作工艺大大提高，种类增加，并逐步规范化。与此同时，器乐演奏技巧达到了空前水平。

（四）巴洛克时期

The Baroque Music（1600—1750）

旋律melody 华丽复杂，充满装饰音，表现演唱和演奏的高难技巧。乐句长短不一，通常为非对称结构。用音乐“图解”歌词（即“绘词法”）的情况更加常见。

节奏与速度rhythm &

tempo 自由节奏和规范的节奏常常交替使用，如宣叙调与咏叹调的搭配、前奏曲与赋格的搭配等等。规范的节奏通常拍点明确、律动性强，具有较强的推动力。在相当长的篇幅（如一个乐章）里基本保持一种节奏型和速度，在乐章之间有鲜明的速度与节奏对比。

力度

dynamics

力度变化是“阶梯式”的，即没有渐强和渐弱。

情绪mood 有些音乐富于激情，表现出皇室和贵族宫廷的华丽恢宏，有些则深沉内在，具有宗教内省的气质，还有些音乐是娱乐性的，并融入了欧洲各民族音乐的风格。在相当长的篇幅（如一个乐章）里基本保持一种情绪而不作改变。

调式mode大、小调体系取代了“教会调式”。

织体texture 以模仿式复调织体为主，但与前一时期的复调相比，特别强调和声的逻辑。有时运用主调织体，并且两者常常混合使用。在歌剧中强调主调织体。

和声harmony 在创作中得到充分实践和探索的和声理论基本奠定。通过强调低音进行以及和弦的性质，形成了完整的功能和声体系。

体裁types 宗教音乐除沿用过去的体裁如弥撒等，出现了清唱剧（oratorio）、康塔塔（cantata）、受难乐（passion）等。世俗音乐中最突出的成就是歌剧（opera）的形成及早期发展。在器乐领域中出现了大协奏曲（concerto grosso）、独奏协奏曲（concerto）、奏鸣曲（sonata ）、三重奏鸣曲（trio sonata）、赋格曲（fugue）等。

曲式form 形成了一些基本模式，如带再现的三段曲体、赋格曲结构、变奏曲式、回旋曲式等等，调性因素与乐曲结构有紧密的联系。在多乐章的作品中确立了在音乐性格、速度和调性等方面对比的原则。

乐器instruments 形成了以弦乐组和数字低音（figured bass）声部为中心的乐队，其他管乐器和打击乐种类、数目不定。

（1750—1820）

旋律melody 流畅优美，明快简洁，常带有民间音乐特点。句法清晰，平衡对称，形成方整性结构。

节奏rhythm 灵活多变。通过意外的停顿、拍子的改换、节奏重音的人为改变（切分节奏）等手法使音乐富于推动力和戏剧性效果。

力度dynamics 强、弱两端极限的幅度扩大了，渐强和渐弱造成微妙的情绪变化，极强和极弱的突然出现也是获得戏剧性效果常用的手段。

情绪mood 强调乐思的对比、发展，各乐章之间、各段落之间甚至在一个主题内部都包含着不同性格的乐思。剧烈的矛盾冲突造成情绪上大幅度的起落和多个高潮点。曾经是单纯娱乐性的器乐作品逐渐成为思想的“载体”，并预示了下一个时期的“标题音乐”（programme music）、“综合艺术”（Gesamtkunstwerk）创作倾向。

织体texture 以主调织体为主，但有时运用复调织体，或在大型作品中融入复调写法。织体的频繁改变造成丰富的音响变化。

和声harmony 取消了数字低音写法。在功能和声的基础之上注意到了和弦的色彩性运用以及大、小调的色彩性对比。

体裁types 交响乐（symphony）套曲形式的确立是最突出的成就。弦乐四重奏、奏鸣曲等室内乐体裁建立，协奏曲形式也有了进一步的规范。歌剧成熟地发展，出现了多种风格形式，如意大利的喜歌剧（opera buffa）、英国的民谣歌剧（ballad opera ）、德国的歌唱剧（singspiel）以及法国的“拯救歌剧”（rescue opera）等。

曲式form 逻辑严密的奏鸣曲式（sonata form）确立。动机发展手法成为主要的写作方式。多乐章作品强调各乐章之间的逻辑关系，因而形成了有机的整体。

配器orchestration 形成了标准的管弦乐队，即由四个乐器组（弦乐、木管、铜管和打击乐）构成的演奏团体。有了基本的分部和配器模式。

（1820—1900）

旋律melody 富于歌唱性，讲求线条的精美，追求个性化、民族性与异国情调。音域较宽，句法自由，避免古典式的方整性结构。

节奏与速度rhythm &

tempo 变化多端，运用自由，渐快、渐慢手法的出现使节奏有了更加突出的表现力，造成了细腻的情感变化。

力度

dynamics

强与弱的幅度进一步扩大，渐强和渐弱运用更加频繁。

情绪mood 表现个人情感成为创作的主旨。刻意表现民族精神和音乐特色，如“民族乐派”（Nationalism in Music）。追求音乐与其他艺术的紧密结合，因而在题材选择上广泛而新颖，常见的有对悲剧性爱情故事、特殊事件以及神话传说、民族历史的描写，或以个人的体验、幻想为题材，情感状态更加个人化，强烈而微妙。

织体

texture

主调和复调织体共存，但以主调织体为主。

和声harmony 追求和声的色彩性而不是功能性。后期音乐中由于变音和弦大量运用、离调和转调频繁，造成了调中心的不稳定，使大小调体系走到了崩溃的边缘。

体裁types 除继续沿用过去的体裁以外，还出现了“交响诗”（symphonic poem）、“音画”（orchestra picture）等将音乐与其他姊妹艺术联姻的、属于“综合艺术”观念的新体裁。其特点是具有文学性标题或文字提示，音乐结构自由，具有较强的描绘性。同时打破原来的体裁界限、将各种原有体裁相互结合。艺术歌曲、器乐小品等短小的体裁受到空前的重视。

曲式form “交响诗”一类新体裁的曲式结构较为自由，通常是单乐章，音乐逻辑常常服从于文学性构思。但传统的对称性、对比性原则以及奏鸣曲式的原则仍然是音乐发展的基本逻辑。

配器orchestration 强调色彩。追求每一种音色的个性表现，对音色的混合以及非常规运用也极感兴趣。更加重视管乐器和打击乐器的作用。整体音响或丰满嘹亮，或细腻灵巧，变化频繁。扩大了管弦乐队编制。“配器”作为一门学科正式建立起来。

（七）二十世纪的音乐

The Twentieth Century Music （1900—2000）

创作倾向tendency

多元化。有客观、冷静的“反浪漫主义”的风格，比如“新古典主义”（Neo-Classicism）；也有以新的方式继承浪漫主义风格的，如表现人类潜意识的“表现主义”（Expressionism）；有些作曲家深入研究民间音乐，从中汲取活力和新鲜的音乐语汇，如“新民族主义”（Neo- Nationalism ），也有些人从自然科学得到启发，追求音乐形式的严密逻辑，如“序列音乐”（Serial Music）、“电子音乐”（Electronic Music）。还有人从古代或东方哲学中获得灵感，彻底摆脱传统的音乐创作观念，如“机遇音乐”（Aleataory Music）、“具体音乐”（Musique Condrete）。

旋律melody 非歌唱性，较少长线条，而以片段式为多。由于失去了调性的依托，旋律进行格外自由无羁，大跳很多，且常是不谐和音程，因此难唱难记。句法不对称。旋律在音乐中的重要性被大大削弱了。

节奏与速度rhythm &

tempo 节拍和速度变化频繁，常用奇数拍子以及几种不同节拍的组合形式，并出现了因不同声部采用不同节拍而形成的“复合”节奏（Polyrhythm）。小节线的作用被削弱了。

织体

texture

多样化。极其复杂和极其简洁共存。

和声harmony 多样化。调性（Tonality）、多调性（Polytonality）、泛调性（Pantonality）和无调性（Atonality）共存。不谐和音与不谐和和弦得到彻底解放，并且出现了不同功能叠置的“复合和弦”（Polychords），打破了和弦三度叠置的传统，而采用四度、二度叠置。

体裁types 一些人以新的方式使用已有的模式，如交响曲、室内乐、歌剧甚至是古老的清唱剧等；另一些人则创作出全新的、无法归类的体裁。

曲式form 虽然对比、变化的原则仍然起作用，但在具体运用上却完全不同于过去。有些作品难以划分段落，有些则干脆利落地去掉任何连接与过渡；句法自由，显得没有规律。在“偶然音乐”中则根本没有固定的音乐形式。

配器orchestration 追求音响的清晰度而非融合性。一些人打破了传统的乐队编制，按需要自由组合乐器。弦乐不再占有主导地位，管乐和打击乐成为主角。开拓了新的音响领域,包括乐器和人声的非常规演奏演唱法、运用民间乐器、电子合成器（synthesizer）以及生活噪音等。