新艺术运动对欧洲女装的影响
影响服装变迁的因素分析
-----新艺术运动对欧洲女装的影响
摘要：新艺术运动是19世纪末到20世纪初在欧洲产生并发展起来的一次具有相当影响力的装饰艺术运动，旨在重新掀起对传统手工艺的重视和热衷。服装设计艺术与其他的艺术门类一样,在其漫长的发展历程中,由所处时代的社会、经济、文化的影响而逐渐形成其独特的艺术特征。新艺术运动时期的欧洲女装更是如此,可以说,发生了堪称"革命化"的巨变,尤其是在其精彩的形式中蕴含了深厚的文化艺术内涵。这一时期的女装式样, 从整体造型和图案、局部造型的设计方面,从古典式支柱的裙撑和令女人呼吸、行动困难的紧身胸衣等方面的设计改良，都充分回应并体现了新艺术运动的风格。而新艺术运动对欧洲女装则产生了使其从传统的繁复和约束之美向简洁而自然的现代美的转化,对20世纪女装的发展起着毋庸臵疑的推动作用。
关键词：新艺术运动欧洲女装曲线风格直线风格整体造型局部造型紧身胸衣
服装的产生是人类进化和文明的结果，是为了满足精神上和物质上的某种需要而产生的，是伴随着人类社会的发展而不断演变的。服装的形成和当时、当地社会的政治、经济、文化、科学技术水平、当代艺术思潮，以及人们的生活方式密切相关，是反映社会意识形态的一个方面，通过服装的穿着，在一定程度上可以表现一个人的精神风貌、文化艺术素养、审美情趣等内在气质要素。从原始社会中服装的自然差别，到后来人为制定的等级差别，这种将服装与社会地位、政治状况直接联系起来的现象，在我国的封建社会达到了顶峰。几千年来，服装已成为社会习惯、风俗和传统的一部分，成为社会生活方式的一部分。同样，每一次社会生活方式的变革，都必然导致服装类型和式样上的变革。在每一个特定的历史时期 ,服装总会被深深地烙上时代的印迹 ,反映着特定时代的思想文化特征。
在19世纪末至20世纪初的大约20多年的时间里, 欧洲服装运动经历了历史和时势的又一次检验，成为了传统与现代交替的重要过渡时期。新艺术运动是一座桥梁,凭借着这座桥梁,欧洲女装从古典走向现代,在新艺术运动的曲线与直线两种风格的影响下,欧洲女装从“功能随形”繁复约束的传统造型时代迈向了“形式追随功能”简洁自然的现代造型阶段,经历了堪称“革命化”的巨变,尤其是在其精彩的形式中蕴含了深厚的文化艺术内涵。
1新艺术运动的产生及特征
19世纪末至20世纪初，欧洲艺术领域出现了起源于英国工艺美术运动的“新艺术运动”（ART NOUBEAU）,它是一次具有相当影响力的装饰艺术运动，新艺术运动开始在1880年代，在1892年至1902年达到顶峰。新艺术运动的风格，在当时只是被简单地称为现代风格，就象洛可可风格在它那个时代的称呼一样。这
种风格中最重要的特性就是充满有活力、波浪形和流动的线条，使传统的装饰充满了活力，表现形式也象是从植物生长出来。其主要特征是否定传统造型样式，倡导流动的装饰性曲线造型：S形、涡状、波状、藤蔓一样的非对称自由流畅的连续曲线，线条有的柔美雅致，有的遒劲有力，有的激荡多变，富有幻想色彩，这种从大自然中寻求主题的新艺术，不仅反映于绘画、雕刻等纯艺术领域，而且广泛应用于或者说主要表现在当时的建筑、室内装饰、家具、照明器具、玻璃器皿、广告招贴、服装及服饰品等实用美术方面，其目标是打破过去的传统，创造一种新的艺术样式，受新艺术流动曲线的造型样式影响，这个时期的女装外形从侧面看也是呈优美的S形，因此，把这一时期称作“S形时代”。
准确的说新艺术是一场运动，而不是单一的一种风格，可分为直线风格和曲线风格，装饰上的和平面艺术的风格，并以其对流畅、婀娜的线条的运用、有机的外形和充满美感的女性形象著称。这种风格影响了建筑、家具、产品和服装设计，以及图案和字体设计。
2新艺术运动前的女装
16世纪晚期，当时在欧洲，长统袜、手套、发网、手绢和扇子开始流行，男人们喜欢长及膝部的灯笼裤和长统袜；妇女们则喜欢穿上浆的胸前饰带，紧身胸衣，带鲸骨圈的钟形裙子。贵族妇女则喜欢把围裙当装饰物，年纪较大的妇女和平民妇女则穿长大衣，大轮状皱领，圆顶帽，法国妇女却钟情那种长及脚面的宽大衣。
17世纪初，男人戴假发，女人穿拖裙成为时尚。不久，喜欢时尚的女人们开始热衷于宽大的百褶裙。而男人的假发也由直变曲，卷曲的长假发成国社交场所男人的必备之物。同时，男人们还变得爱留八字胡，穿软领衣和皮制的短上衣。长外套、帽子、佩剑和短裤成为过去。
17世纪后期的法国处于路易十四统治之下，成为欧洲的强国，各种时尚也在欧洲领先。由于路易十四喜欢用卷曲的长假发，欧洲上层的绅士们便也喜欢卷曲长假发。
18世纪时期欧洲的流行服装又发生了变化，男子的时装样式是：梳辫、礼服长衣、背心、三角帽、胸前镶花边、天鹅绒短裤、鸭嘴鞋、手杖和佩剑；女子时装是：钟式裙、紧身胸衣、高跟鞋、卷云状花纹边饰、扇子、衣服镶有荷叶边以及脸上贴美人痣。当时在舞厅，小步的交际舞流行起来。不久，著名的燕尾服开始出现并得到绅士们的喜欢，开始流行起来。于是，燕尾服配上一条围巾成为那个时期欧洲男子的时装。
1793年，时髦的法国人开始使用背带裤。随着工业革命的展开，人们的思想束缚也越来越小，女子时装就是一个明显的反映。那时，袒胸露背的服装成为女子时装。
19世纪中期，当时欧洲男子的时装是大礼帽、小礼服、长裤，节日和重要场合要穿燕尾服；女子的时装是：薄料浅色的钟式裙、露肩的低领上衣、饰有鹅绒带和鸵鸟毛的平顶大帽。
从19世纪以来，欧洲的时装中心就在法国。到19世纪后半叶，法国女装经历了60年代鼎盛的克里诺林金字塔箍裙时代，逐渐转向了80年代流行的巴斯尔样式，其基本特征是女装重点强调一种后半部用铁丝、藤条、鲸须或鸟羽等做成撑架，使之后突的衬裙，外观裙裾后部拖地，装饰重心在于向后突起的臀部，表面装饰用了大量的各式皱褶、流苏和蝴蝶结，同当时上流社会流行的室内装饰一
样繁复，层层堆砌，不同质地的面料相拼接，不同颜色的面料相组合。使女性的臀部夸张到极限，而前面用紧身胸衣将胸高高托起，收紧腹部，强调：前挺后挠“的外形特征。巴斯尔式样去掉了60年代盛行的巨大金字塔裙箍，将其缩小到局部的塑造之用，这无疑是一大进步，但其局部的装饰仍然繁复之极，并仍然是：蜂腰肥臀”式地束缚肉体、突出感官的服装古典式样。不过在身体下半身的量感上有所减少，并且装饰的重心开始由下往上移行。
3 新艺术运动时期的女装式样
新艺术运动时期被称作“S形时代”，该时期的女装可谓是“S形女装”。所谓S形，是指用紧身胸衣在前面把胸部高高托起，把腹部压平，把腰部肋细，在后面紧贴背部，把丰满的臀部自然地表现出来，从腰向下摆，裙子像小号似的自然张开，形成喇叭状波浪裙，从侧面观察时，挺胸收腹翘臀，宛如S字形，故得名。这种造型完全顺应了当时新艺术运动强调的曲线和自然的审美标准。
S形样式在局部造型上有两个明显特征：其一是三角布挂在裙装上充分运用，指为了扩大裙摆的量或收紧腹部，形成优美的鱼尾状波浪，用几块三角布纵向夹在布中间构成的裙子，女装开始从整体出发强调服装结构分割的变化对人的合体性，这时裙长及地面，从上半身到臀部做得非常合体，下面呈喇叭状，1898年左右，下摆的量达到顶峰。其二是羊腿袖再次流行，这种袖子的上半部呈很大的圆弧状或灯笼状，自肘部以下为紧身的窄袖，为强调外形，在领、胸及肩部加上许多装饰。由此可见，该时期女装将装饰的视觉中心和量感移到了人体的上半身。当时的发型和帽饰也作为局部的造型显得极为复杂，流行各种假发，大发髻和夸张的帽饰，整个女装的外观感觉从60年代的娇小变得高大而自尊。
新艺术运动不仅在女装的外观造型，而且在服饰图案上也产生了巨大的影响，许多艺术家深受中国、日本及俄罗斯等东方艺术的色彩和图案风格的影响，因此他们在绘画和设计领域都借鉴了东方的艺术风格，在很多裙子的外观上我们都可以看到富有东方情调的花卉和动物纹样，例如枝藤蔓延的牡丹花卉作为图案运用在裙子上就具有强烈的动感和形式构成感。
S形女装在外观造型及服饰图案上均充分呼应并体现了新艺术运动的设计风格和理念。首先，S形女装的名称不仅形象地概括了当时西方女装的外观式样，亦准确地反映了新艺术运动所具有的“流动性”和“曲线性”的装饰特征。
欧洲女装S形流行了20年，同新艺术运动的兴衰一起，从1908年开始走向从S形向直线形的转变，逐渐迈向了女装时装化合现代化的道路，但新艺术运动特有的对曲线和装饰的强调，在欧洲女装中作为女性化的特征被延续下来，在服装的流行和演变周期中结合现时性不断地被重新演绎着。从活跃于20世纪20年代的著名时装界元老ERTE的画中，我们仍能看出新艺术风格对女装造型和装饰的影响。
4 新艺术运动对欧洲女装的影响
新艺术运动是19世纪末到20世纪初在欧洲产生并发展起来的一次具有相当影响力的装饰艺术运动，旨在重新掀起对传统手工艺的重视和热衷。新艺术运动的拥护者热衷于表现华美、精致的装饰，而这正是自然主义者们为追求日常生活的真实所抛弃的特点。设计史家认为新艺术在本质上仍是一场装饰运用，但它用抽象的自然花纹与曲线，剥离了守旧、折衷的外衣，是现代设计的简化和净化过程中的重要步骤。但是新艺术运动最终被具有强大生命力的现代主义运动所替
代，说明其本身是具有局限性的。新艺术运动时期的产品依然是为豪华和奢侈的少数权贵服务为出发点，同时它所采用自然主义风格，大量运用花卉、昆虫和动物作为题材，进行细腻的图案化装饰，具有明显的“女性风格”特征，缺少直线的硬度和阳刚之美，因而它在形式上是具有片面性的。这一时期的女装仍然承袭了古典宫廷服装的基本式样，从古典式支柱的裙撑和令女人呼吸、行动困难的紧身胸衣等方面的设计改良，都充分回应并体现了新艺术运动的风格，局部的繁复和夸张也体现出了上流社会的审美品味。这一时期强调的曲线美是做作的，仍然是束缚自然、约束身体功能。但这时期许多时装设计师，对于服装的改革和探索，对于高级时装业的发展，对于女性身体的解放,是具有进步意义的。同时他们将东方艺术融入服装设计中，开始将设计师的眼光投向世界，也是设计发展的良好开端。总之，新艺术运动对欧洲女装产生了重要的影响，使其从传统的繁复和约束之美向简洁而自然的现代美开始转化，对20世纪女装的发展起着毋庸臵疑的推动作用。
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时尚界十大经典艺术风格解读
时尚与艺术相辅相成，艺术元素作为时尚的灵魂不可或缺，他们阻碍着一季度乃至一个世纪的时尚走向，我们经常听讲某大牌配饰服装为巴洛克风格，或是哥特风格，到底这些风格有何外在表现？用图文一一做答。 拜占庭艺术风格 拜占庭艺术风格 由于罗马帝国的东迁，使得有机会出现融合东西方艺术形式的拜占庭艺术。在艺术的成就上，现在所强调的是镶贴艺术，追求缤纷多变的装饰性。同样，这种特色也反映在服装上。例如：在男女宫廷服的大斗篷、帽饰以及鞋饰上都出现了镶贴、光彩夺目的珠宝和充斥着华丽图案的刺绣。这些情形有不于同时期在欧
洲地区的服饰，营造出一种既融合东西方又充满华丽感的服饰装饰美。 哥特艺术风格 哥特艺术风格 “哥特式”原本是指源自20世纪的一种建筑风格，专门快这种风格便阻碍到整个欧洲，而且反映在绘画、雕刻、装饰艺术上，形成一种被誉为国际哥特风格的艺术形态。这种风格要紧的表现是建筑上的“锐角三角形”，同时也深深的阻碍了当时的服饰审美及服饰制造。例如：在男女服饰的整体轮廓上，在衣服的袖子上，以及鞋子的造型上、帽子的款式上，等等，都充分呈现出锐角三角形的形态。 巴洛克艺术风格 巴洛克艺术风格
巴洛克艺术风格原本是指17世纪强调炫耀财宝、大量使用贵重材料的建筑风格，也因此牵动阻碍到当时艺术全面性的变革。巴洛克的字义源自葡萄牙语，意指“变了形的珍宝”，也被引用作为脱离规范的形容词。巴洛克尽管承袭矫饰主义，但也淘汰了矫饰主义那些暧昧的、松散的形式。由于受到巴洛克艺术风格的阻碍，在西洋服装史上，甚至用“巴洛克风格”一词，来代称17世纪欧洲的服装款式。 洛可可艺术风格 洛可可艺术风格 “洛可可”一词源自法国字汇“Rocaille”，由此演变而来，其意思是指岩状的装饰，差不多是一种强调C型的漩涡状花纹及反曲线的装饰风格。这种风格源自1715年法国路易十四过世之后，所产生的一种艺术上的反叛。洛可可艺术风格与巴洛克
新艺术运动的特征及意义(3次作业)
新艺术运动的特征及意义 论述 2010 级展示一班 耿振东 学号：10056141 新艺术运动的特征及意义论述 一、新艺术运动的概念及特征： 新艺术运动开始在1880年代，在1892 年至1902年达到顶峰。 新艺术运动的名字源于萨穆尔?宾(Samuel Bing)在巴黎开设的一间名为“现代之家” (La Masion Art Nouveau) 的商店，他在那里陈列的都是按这种风格所设计的产品。新艺术运动是在20 世纪之初，位于大众文化最高
点的艺术和设计风格。当时，它只是被简单地称为现代风格，就象洛可可风格在它那个时代的称呼一样。另一方面，很多小范围团体的互相聚集，稍微改良了当时矫饰的流行风格，形成20 世纪现代主义的前奏。其中包括因时髦的先锋派期刊《青年》(Jugend) 而得名的德国青年风格；维也纳的维也纳分离派运动，那里的高瞻远瞩的艺术家和设计师脱离主流的( 一年一度在巴黎举行的) 沙龙画展，而把风格一致的作品集合在一起展览。在意大利，用伦敦商店的橱窗为来源于工艺美术运动，又归于好的现代设计，命名为自由风格。其包括新艺术运动的商业外观，同时又保留了意大利重要特色标志。这种风格中最重要的特性就是充满有活力、波浪形和流动的线条。象是使传统的装饰充满了活力，表现形式也象是从植物生长出来。作为一种艺术运动，它与拉菲尔前派和象征主义的画家具有某些密切的关系，就像某些名人如奥伯利?比亚兹莱(Aubery Beardsley)。可以把阿尔丰斯?穆卡(Alfons Mucha)、爱德华?伯纳-琼斯(Edward Burne-Jones)、古斯塔夫?克里姆特(Gustav Klimt)和让?图洛普(Jan Toorop) 归入多于一种风格中。不像象征主义画家，无论如何，新艺 术运动具有一个自己的特殊形象，而且不像保守的拉菲尔前派，新艺术运动没有躲避使用新材料、使用机器制造外观和抽象的纯设计服务。玻璃制造使这种风格找到一个可以展示惊人表现力的领域，例如：路易斯?蒂凡尼（Louis Comfort Tiffany）在纽约的作品、艾米里?加 利（Emile Gall &和法国南西市的Daum兄弟。新艺术运动在建筑风格和室内设计方面，避开维多利亚时代折衷的历史主义。通过新艺术运动设计师的挑选和“现代化”某些洛可可风格中萃取的元素（例如火焰和贝壳的纹
外国美术史艺术风格
艺术风格 【史前艺术】(prehistoric art)：指在有文字可考历史前的艺术。如西班牙的阿尔塔米拉岩洞壁画及法国南部拉斯卡的岩洞壁画。 【古代埃及美术】埃及进入奴隶制社会后，国王（即法老王）就是奴隶主阶级至高无上的首领，同时也是太阳神和尼罗河神的化身。他们活着的时候是人间的王，死了以后仍是阴间的统治者。埃及人的宗教观念是相信人死后灵魂只是离开躯体飘泊于宇宙间，如果回归肉体人可以复活。因此埃及人就把尸体做成“木乃伊”妥为保存，并十分重视棺材制作和陵墓建造，以祈求复活。所以埃及人十分重视保护法老王和大奴隶主的尸体，不惜代价地建造陵墓。这就是举世闻名的埃及金字塔的由来。由于担心尸体腐烂就不能复活，他们就想到用石头雕刻国王、王妃的像保存下来。国王在阴间称王称霸，也要享受在人间时的一切欢乐，于是又想到把人间的事都画在墓壁上以供享受。这样就发生、发展了埃及的雕刻、绘画艺术。古代埃及美术具有平面性、装饰性和高度程式化的特点。 【古代希腊美术】真正意义的欧洲美术该从古希腊开始。希腊美术的地理范围以爱琴海为中心，因此也被视为爱琴美术的延续。 雪莱曾在诗中吟道：“我们都是希腊人。”希腊是欧洲文明的发源地和摇篮，没有希腊，无法想像欧洲文明会是什么样子，今日西方世界无处不遗存着希腊文明的传统。可是除了居住在希腊半岛上的公民自认为希腊人外，很少有人像雪莱那样以哲理的想像认为自己是希腊人。那么究竟谁是希腊人呢？ 历史表明，克里特的征服者、特洛伊城的毁灭者——迈锡尼人，是希腊最早的居民之一。后来沦为北方蛮族的奴隶，并逐渐分流为多立克人和爱奥尼亚人，他们都有共同的信仰和语言，所以称他们为希腊人。 “希腊”一词意为典雅、优美。后来创造出许多雕刻艺术杰作的希腊人正与这典雅、优美之名相称，可谓名副其实。 希腊三面临海，北面连接欧洲大陆。境内多天然良港，可以经过地中海通向世界各地，为航海和对外贸易提供了极为有利的自然环境，内陆多山，土地贫瘠，但是盛产大理石，为雕刻艺术提供了极方便的物质材料。 到了公元前12世纪，爱琴海文明受到北方蛮族入侵的严重破坏。但不屈的希腊人在这块曾经有过丰厚文明的废墟上重新建立了灿烂的希腊文明，成为欧洲文明的真正始祖。 进入奴隶社会的希腊半岛，建立了200多个奴隶制城邦国家，每一城邦以城市为中心连同城郊农村组成大小不等的国家，各自为政。其中最强大的是雅典和斯巴达。由于国穷民贫，为了生存和发展，各城邦国家之间不断发生战争，弱肉强食，为了保存自己，掠夺财富，城邦国家实行强国强兵政策，在城邦内部实行民主政治，自由民直接参与城邦治理，十分重视民族体格素质的锻炼，所以管理国家、锻炼身体是每个公民的神圣职责。 希腊本土气候宜人，阳光充足，温度适中，在这样的自然条件下适宜于户外裸体锻炼和比赛。由于裸体运动，改变了人们的观念，不以露体为耻，反以健美身体为光荣，这引起美学家们的关注和艺术家的表现，美学家们发现人体美，艺术家们创造美的人体。大政治家伯里克利斯说：“我们是爱美的人。”希腊民族是爱美、创造美的民族。 希腊人在民主自由和激烈竞争的环境中不仅发现、孕育和创造了美，而且也创造
欧洲风格服饰
一拜占庭风格服饰 拜占庭服装是和其三种异质文化相融合的特殊性相联系的，希腊罗马的古典 风格，东方文化的神秘色彩、宗教文化的禁欲精神在服装中得以体现。拜占庭发 达的染织业，带来了华美的风气出现了服饰衣料丰瞻华美、几近奢华的特点。 色彩的象征性也十分突出，如白色象征纯洁，蓝色象征神圣，红色象征基督的 血和神的爱，紫色象征高贵和威严，绿色象征青春，黄色象征美德，深紫色象征 谦虚，亮黄色象征丰饶。宫廷里最喜爱的色彩配合是红紫色的底上刺以金色绣品 。纹样以几何图形和动植物为主，也有宗教仪式场面。图形也赋予象征意义，如 鸽子表示神圣的精神，圆表示无穷，十字表示对宗教的信仰。 追求缤纷多变的装饰性，形成独特的镶贴艺术，在男女宫廷服的大斗篷、帽饰以及鞋饰上都出现了镶贴光彩夺目的珠宝和华丽图案的刺绣。这种情形有别于同时期在欧洲地区的服饰，营造出一种充满华丽感的服饰装饰美。
二巴洛克风格服饰 巴洛克克服装的发展分为荷兰式和法国式两个历史阶段。其中女性服装没有多大变动，总是在强调纤腰凸臀的审美标准中反复追逐。荷兰时期的女服较西班牙时期的女服，从整体上变得丰满圆润，较多的呈现了女性的自然柔美。因为它去掉了用来强调体型的紧身衣和裙撑但法国女装仍然强调纤腰凸臀，紧身衣又开始流行起来，这是一件让人非常困扰的问题这时期的女性们很性感，典雅，她们在穿紧身衣的同时衣领很低，后臀的裙子膨大翘起，裙摆拖得很长。女子喜欢佩戴和男子一样的装饰羽毛的宽檐帽，有时扎头巾，而且佩戴多层扇形发型的假发，还喜欢穿浅高跟，携手杖、阳伞；戴无指手套，在宫廷里还流行在脸上作红色或黑色装饰，被称为美人痣。
三洛可可风格服饰 18 世纪中后期以后，洛可可女装造型上最醒目的特征是由裙撑托起的向两侧突出膨大的臀部，腰部以下呈长方形；由紧身胸衣将躯干在腰部以上束裹成平挺的圆锥体，正视呈倒三角形，有丰富装饰的肚兜强化了倒三角型的轮廓。 以蓬帕杜夫人命名的蓬帕杜领口样式，它是一种设计为宽而低的领口，呈倒梯型，领口部位开口较宽，并且很低，可以坦露四分之一的胸部，而接近肩部的上领口较窄，洛可可装饰艺术在曲线自由的拼接过程中逐渐把传统艺术形式中追求对称的特点改变为不对称的新奇特征。洛可可时期色彩常用白色、金色、粉红、粉绿、淡黄等娇嫩的颜色。服饰上的色彩也表现为柔和艳丽的色调，例如甜美的香槟色和奶油色。当时主要采用的花
现代设计史题库新艺术运动
新艺术运动的代表人物及成就 曲线派： 法国：在巴黎的有 新艺术之家的萨穆尔·宾推行新艺术运动 现代之家 六人集团的吉马德设计了巴黎地铁入口 在南斯的有 南斯派的盖勒进行玻璃装饰与家具设计 比利时：威尔德成立自由美学社、成立魏玛工艺美术学校成为德国工业同盟创始人之一； 博唯从事室内设计与家具； 霍塔设计了霍塔公馆和塔赛勒饭店。 西班牙：最具极端的人物安东尼·高蒂，作品有：文森公寓、圣家族教堂等 直线派： 格拉斯哥四人组：麦金托什是重要人物，作品有格拉斯哥艺术学院建筑和杨柳茶社等。 奥地利分离派：领袖瓦格纳、霍夫曼设计了斯托克列宫。 德国青年风格：德国设计之父贝伦斯设计了AEG厂房。 名词解释 1、新艺术运动 该运动开展时间是1895-1910年左右，对欧美产生巨大影响，它是一场运动，而不是一种风格。 该运动的本质是一种线条装饰，手法分成曲线和直线两派，曲线派以法国和比利时为代表，直线派以格拉斯哥四人与维也纳分离派为代表。 该运动主张技术与艺术的统一，代表人有：高蒂、威尔德、麦金托什等 2、威尔德 比利时新艺术时期最杰出的设计家，也是现代设计的重要奠基人。 他是比利时自由美学社重要的成员。主张艺术与技术结合，反对漠视功能。他在德国时期创立了魏玛工艺美术学校，还是工业同盟的创始人之一。具有现代主义设计的思想，对德国设计影响深远。 3、安东尼高蒂（也叫高蒂的设计风格） 西班牙的高蒂是新艺术运动中最具极端的代表人物。 他深受宗教和自然主义的影响，并经过三个阶段变化：早期为“摩尔风格”阶段，中期是新哥特新艺术风格的混合，后期结合了自然、神秘的色彩，形成自己独特的风格。 高蒂在设计史上有重要的地位，其风格被新一代设计师加以借鉴，代表作“米拉公寓”以及“圣家族教堂”等。 4、格拉斯哥四人（或马金托什）
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新艺术运动对当代平面设计的影响
新艺术运动对当代平面设计的影响 新艺术运动对当代平面设计的影响 摘要 本文介绍了上世纪19世纪末、20世纪初在欧洲和美国产生发展起来的“新艺术”运动在艺术设计史上的重要影响。虽然对于时代发展规律而言，主张复兴传统手工艺是复旧式的运动，但这一时期各国的设计风格和制作工艺却日新月异，在建筑、家具、产品和服饰等领域都开拓了新的局面，为全面思考设计的发展提供了依据，对当代平面设计理论与实践的影响，更是具有深远意义。
关键词：“新艺术”运动平面设计影响 新艺术运动是19世纪末、20世纪初在欧洲和美国产生发展起来的一次影响广泛的装饰艺术运动。1895年从法国发展起来，后蔓延到荷兰、比利时、意大利、西班牙、德国、奥地利、中欧各国乃至美国，成为一场国际性的艺术运动，一直持续到1910年左右。逐步被“现代主义”运动和“装饰主义”运动取代。从意识形态上讲，虽然这是一场由少数知识分子和艺术家为反对工业化带来的做工粗鄙的工业产品和矫揉造作的、过分装饰的维多利亚风格而发起的一场复兴传统工艺的复旧式运动，但却诞生了大量做工精美、设计专究的艺术品和设计品。为20世纪开始的现代艺术埋下了伏笔，在传统艺术向现代艺术的过渡中起到承上启下的作用，其中大量的设计风格与元素对平面设计产生了重要的影响。 “新艺术运动”特点 “新艺术运动”处在世纪之交，它的艺术设计风格具有鲜明的个性特点：第一，它与历史风格决裂，“新艺术运动”时期的设计师反对守旧、折衷而机械的传统模式，他们将艺术设计建立在现实的基础之上，或者是最近的未来基础之上；第二，崇尚自然弯曲的参照物。在设计中，植物、昆虫、女人体和象征主义的手法大量出现，把感觉因素引入设计中，并经常运用明显的性感形象；第三，在设计中强调装饰效果，希望通过装饰来改变由于大工业生产造成的产品粗糙、刻板的面貌；第四，十分强调整体艺术环境，即人类视觉环境中的任何人为因素都应精心设计，以获得和谐一致的总体艺术效果。 新艺术起源于法国，但在欧洲其它国家却有着不同的称谓。如德国的新艺术被称为"青年风格"。在奥地利则以"维也纳分离派"著称。它的名称带给人的印象是清新、活泼、自然、年轻，充分展现人类在世纪末的新期盼。当时欧美社会发生剧烈的变化，不管在政治、经济、社会层面上都经历着前所未有的冲击，当时的人们也都面临着新旧交替、文化混乱多变的局面。欧洲成为孕育新文化和新艺术运动的摇篮。新艺术逐渐成为二十世纪重要的奠基石，对当代平面设计理论与实践也具有深远的影响。 新艺术运动对平面设计的影响时间 新艺术运动对平面设计的影响时间：约1890年～1910年。 平面设计是新艺术运动最早的基础之一，主要以招贴广告和书籍设计为主，平面设
装饰艺术设计专业专科专业介绍
四川广播电视大学成人教育 装饰艺术设计专业（专科）专业介绍 一、培养规格与培养目标 专业培养规格：二年制。 专业培养目标：本专业培养思想品德良好，综合素质高，具备装饰艺术设计专业的持续学习能力；具有较强的交流能力、社会适应能力和创新能力；具有较强的包装装潢设计、装饰图案设计和广告设计等基本技能、具有一定的实际工作能力的专门人才。 二、专业特色 本专业学生主要学习和掌握一定的广告设计、企业识别设计、大型展会布置、商业展示以及企业形象策划等专业方向的知识和技能。毕业生应获得以下几个方面的基础知识和职业能力： A.具有一定的美术基础与造型能力，培养创新意识； B.掌握现代社会需要的基本设计技能； C.能在广告公司、传播公司等进行系统的企业识别设计； D.能胜任商业展示、发布会布置等设计； 就业面向：在各类装饰公司、广告公司、平面媒体部门（报纸、杂志等）、电影、电视单位等相关岗位工作。 本专业教学计划提供了三门证书课程，计算机应用基础、计算机平面设计、网页制作与网站发布，总计12学分，为便于取得资格证书，希望本专业学生尽量选修全部证书课程。已持有证书的本专业学生，可免考相关课程。可考取的证书与相关课程对应关系如下表所示： 三、主干课程介绍 1、素描 本课程是装饰艺术设计与制作专业一门专业基础课，为必修课程。通过本课程的学习，使学生能运用素描理论，较熟练地掌握和运用素描技法，从而培养学生的观察能力与造型能
力；通过学习素描静物、人物写生，掌握构图、明暗调子、结构、解剖、透视等知识，掌握一定的绘画基本功。 2、色彩 本课程是装饰艺术设计与制作专业的一门专业基础课，为必修课程。通过本课程的学习，使学生通过色彩静物、风景的写生学习，掌握色彩的寒暖、明度、纯度等知识，学会用色彩表现物体的能力和用水彩、水粉作画的方法。 3、包装装潢设计 通过本课程的学习，让学生了解从包装设计概述,包装的基本概念,市场调查与构思定位,包装设计的基本元素,包装的结构设计,包装装潢设计形成,包装类别与形态,民族包装设计,包装设计与输出程序9个方面，并对包装设计过程和创意进行探讨,强调设计理念在实际操作中的突出地位。 4、装饰图案设计 本课程属于艺术设计专业的一门专业基础课程，分为黑白图案，色彩图案。讲述了图案的基础、分类以及绘制方法。 5、平面构成 通过对这门课的学习，培养灵活的设计构思能力和创造性思维能力，为专业设计打好基础。 6、立体构成 通过对立构造型要素的学习与实践，从而提高我们的感官能力与认识材料、运用材料的技能；并提高对立体设计中形式美规律的认识，从而提高设计能力和审美能力。 7、计算机平面设计 通过这门课程的学习，让学生把电脑辅助设计的形式引入广告设计教学中，运用电脑这一辅助设计的手段为今后广告设计的制作打下基础。通过该课程的学习，学生应掌握以photoshop为主的计算机平面设计的基础知识，熟练使用操作软件，掌握电脑辅助设计的基本技能，为今后从广告制作打下基础。 8、计算机三维设计 通过对本课程的学习，要求学生在原有的基础上对应用计算机进行三维设计具有良好的感性认识和理性认识，并系统掌握三维设计的原理和过程，提高学生对三维造型设计的技术水平，使之具备良好的计算机操作及设计应用的能力。
浅谈古希腊的艺术风格以及代表作品
浅谈古希腊的艺术风格以及代表作品 古希腊是西方历史的开源，持续了约650年（公元前800年- 公元前146年）。位于欧洲南部，地中海的东北部，包括今巴尔干半岛南部、小亚细亚半岛西岸和爱琴海中的许多小岛。爱琴海中最大的岛是克里特岛。克里特岛是古代爱琴文化发源地。“亚什”是“日出之地”的意思，即东方;“欧列伯”是“日没之地”的意思，即西方。亚细亚洲和欧罗巴洲的名称，由此转化而来。公元前5、6世纪，特别是希波战争以后，经济生活高度繁荣，产生了光辉灿烂的希腊文化，对后世有深远的影响。古希腊人在哲学思想、历史、建筑、文学、戏剧、雕塑等诸多方面有很深的造诣。这一文明遗产在古希腊灭亡后，被古罗马人破坏性的延续下去，从而成为整个西方文明的精神源泉。 希腊艺术风格 希腊艺术风格大致可分为五个时期: 爱琴文化时期是古希腊文化产生的前奏和序曲,除此外可分荷马时期，古风时期、古典时期、希腊化时期。此外，希腊艺术包含了建筑雕塑绘画等多个领域，每个领域都有其风格和特点。 古希腊雕塑 在整个西方美术传统中，古希腊雕塑占有十分重要的地位。西方美术崇尚的典范模式，庄重的艺术品格和严谨的写实精神，可以说都是从古希腊开始的。多年来,这种艺术精髓曾滋润着西方美术生生不息。古希腊悠久的神话传说是古希腊雕塑艺术的源泉。希腊神话是希腊人对自然与社会的美丽幻想，他们相信神与人具有同样的形体与性格，因此，古希腊雕塑参照人的形象来塑造神的形象，并赋予其更为理想更为完美的艺术形式。 古希腊雕塑的特点总体特征：希腊艺术是理想主义的、简朴的、强调共性的、典雅精致的，一句话概括是高贵的单纯，静穆的伟大 古希腊建筑 古代希腊是欧洲文化的摇篮，同样也是西欧建筑的开拓者，但毕竟还处在萌芽和胚胎的时期，它们的类型还少，形制很简单，结构比较幼稚，这是因为它的艺术的完美所致。古希腊的纪念性建筑在公元前8世纪大致形成，公元前5世纪已成熟，公元前4世纪进入一个形制和技术更广阔的发展时期。由于宗教在古代社会据有重要的地位，因而古代国家的神庙往往是这一国家建筑艺术的最高成就的代表，希腊亦不例外。古希腊是个泛神论国家，人们把每个城邦，每个自然现象都认为受一位神灵支配着，因此希腊人祀奉各种神灵建造神庙。希腊神庙不仅是宗教活动中心，也是城邦公民社会活动和商业活动的场所,还是储存公共财富的地方。这样神庙就成了希腊崇拜的圣地，围绕圣地又建起竞技场、会堂旅舍等公共建筑。 古希腊建筑的特点 根据所遗留下来的希腊建筑，我们可以归纳出古希腊建筑的几大特点。 第一特点是平面构成为1：1.618或1：2的矩形，中央是厅堂，大殿，周围是柱子，可统称为环柱式建筑。这样的造型结构，使得古希腊建筑更具艺术感。因为在阳光的照耀下，各建筑产生出丰富的光影效果和虚实变化，与其他封闭的建筑相比，阳光的照耀消除了封闭墙面的沉闷之感，加强了希腊建筑的雕刻艺术的特色。第二特点是：柱式的定型。共有四种柱式：1 多利克柱式：朴素挺拔。无柱基，柱身粗壮，向上逐渐缩小，刻有凹糟，糟之间为棱角，在阳光下，柱身因此产生明朗的起伏转换及阴影效果，使建筑物与天空平面分开。柱头无装饰，是一圆盘形柱颈。2 爱奥尼亚柱式：匀称轻巧，有柱基，柱身细长，上下变化不显著，凹糟较深，糟之间无棱角。柱头为涡卷形装饰，卷下饰以图案。
艺术类设计专业
装饰设计： 综合造型训练、西方 装饰艺术设计史、髹漆工艺、金属工艺、 纤维工艺、装饰形式构成、造 与造型设计、公共 物品装饰设计、产品生产与工艺流程设计 、实用装饰品设计、首饰设计、 间配饰设计、纪念 品开发设计 陶瓷艺术设计专业 的主要课程有：素描 、色彩、中外陶瓷史论、装饰基础、器物 装饰艺术设计系 该系设有壁画、雕塑 、金属工艺、漆艺四个专业。 ; 金属材料学、首饰设 计、金属挂件、金属饰品与金属立体 造型设计与制作等。 陶瓷艺术设计系 设计、陶瓷装饰基础 、陶艺技法等。 清华大学艺术类 工业设计 艺术史论 雕塑 绘画 工艺美术 属艺术、漆艺、纤维 艺术和玻璃艺术四个工艺实验室。共有教 教授 9名、讲师 4 名、助教 2 名、教辅 2名。 主要课程有：素 描、色彩、绘画、雕塑、专业艺术史、图 设计、材料与工艺、 金属艺术、金属雕塑、漆画、漆艺、纤维 艺术以及相关的选修 课。 培养能在企事业、学 校、科研单位从事壁画、雕塑、金属工艺 及漆艺等创作设 计、教学与研究的高 级专门人才。专业课程主要包括 : 中国传统绘画史、软质与 硬质材料壁画设计与 制作、装饰基础 ; 浮雕、圆雕、彩塑、 木雕; 中国漆艺史、漆 该专业培养能在企事 业、学校、科研单位从事陶瓷艺术设计、 创作、教学和科研 的高级专门人才。主 要课程有陶瓷造型基础、陶瓷造型的形成 与构成 , 日用陶瓷 工艺美术系的前身为 特种工艺系，后改名为装饰艺术系， 2000 年更名工艺美术系。设有 金 概论、陶瓷工艺学、陶瓷塑造 辅助设计等。 基础、日用陶瓷设计 、艺术陶瓷设计、建筑陶瓷设计、计算机 画和漆器设计与制作 师 18 名，其中教授 1 名、副 案与装饰、构成、计算机艺术 艺术、壁毯、玻璃艺术、首饰
欧洲四大艺术风格
欧洲四大艺术风格：罗马，哥特，文艺复兴和巴洛克 在欧洲影响最广最深的艺术风潮。分别为罗马式风格、哥特式风格、文艺复兴式风格以及巴洛克式风格。 罗马式艺术风格 现在人们普遍所说的罗马式建筑，罗马式花园，罗马式画风都是指欧洲在11~13世纪的艺术风格，主要泛及整个西欧和大部分中欧地区。主要表现在建筑，绘画等主要艺术作品当中。其中因地域不同而又各有区别。在建筑方面，最典型的是教堂罗马式教堂建筑艺术自公元1096年开始的十字军东侵，使欧洲兴起宗教的热潮，封建主对宗教的狂热达到如醉如痴境地，他们全力为自己领地兴建规模壮观的教堂和修道院，建筑史上称这种新形制为“罗曼内斯克”即罗马式。而这个时期的其他造型艺术如雕塑、绘画等都成为与教堂不可分割的装饰部分，因此在美术史上统称为“罗马式”。 罗马式建筑外观巨大、繁复，但装饰简单大方。最特别的是建筑的屋顶，罗马式风格建筑的设计都是一拱顶为主，以石头的曲线结构来覆盖空间。 法国Tournus的Saint Philibert教堂拱顶
Cluny大教堂（于18世纪至19世纪初被毁，该图为效果图） 在罗马式繁华的教堂艺术风格之中又有最典型的两种：伦巴第(Lomb arda)和诺曼底(Normanna) 图为意大利米兰的sant'ambrogio大教堂，它是典型伦巴第风格。它是第一个使用拱肋来加强交叉拱顶的教堂。伦巴第风格的建筑给人很强的节奏感 而诺曼底风格的教堂又要比伦巴第风格的教堂显得更加精致优雅，最著名的就是英国Durha m的Cathedral大教堂。
说到罗马式建筑不得不提到雕塑。教堂雕塑也是十分典型的，其在教堂建筑中是画龙点睛的一笔。在中世纪的欧洲，人们认为艺术不应该独立存在，每种艺术都得以自身的手段和方式为建筑所创造。在这样的观念下。雕塑、绘画都是臣服建筑这个主体。常常运用杏型结构图为Moissac圣彼得修道院门楣雕塑 既然是宗教建筑，怎么能少了著名的耶稣受难象呢？ 在罗马式风格影响下，雕塑家把作品创作得紧凑、复杂、色彩丰富。在不同国家有着不同风格。德意志的很具感染力；意大利的神圣；西班牙的很简单。。 罗马式风格艺术的绘画流传至今的基本上是壁画、绘画，但也有书籍插图及少量的羊皮画。内容基本上是当时的主流思潮-宗教故事及圣人生平。绘画的重点是耶稣，几乎都是坐像，周围是圣徒、凡人、被制服的恶魔。。。（发现和我们古代绘画格式差不多） 当时的绘画风格多用象征性的手法来表现活动或环境，不是很注重真实的表达。而更多的是表现人物，运用了夸张、变形等构图，强调整体效果，突出细节。 图为Tahull的米歇尔大教堂的耶稣坐
新艺术运动对工业设计的影响
新艺术运动对工业设计的影响 新艺术运动 新艺术运动新艺术运动开始于十九世纪八十年代，在1892到1902年达到巅峰，持续时间为1880~1910年。新艺术运动以其对流畅、婀娜的线条的运用、有机的外形和充满美感的女性形象著称。新艺术运动在欧洲大陆一时的风靡体现了欧洲大陆文化基本上的统一性，同时也表现了各种思潮的不断融汇和演化。这种风格影响了建筑、家具、产品和服装设计，以及图案和字体设计，标志着设计由古典传统到现代运动的转折与过度。 新艺术运动起源于很多先前的风格。它可以追溯到强调装饰的英国工艺美术运动，莫里斯（Willianm Morris,1834-1896）的纺织物和壁纸中细密的图案以及马克默多(Arthur Mockmurdo,1863-1942)作品中连续的曲线都对它产生了影响。 工艺美术运动对机器的态度是暧昧的，将手工艺推向了工业化的对立面。新艺术运动没有躲避使用新材料、使用机器制造外观和抽象的纯设计服务。在如何对待工业的问题上，新艺术的态度有些似是而非。从根本上来说，新艺术并不反对工业化。新艺术的理想是为尽可能广泛的公众提供一种充满现代感的优雅，因此，工业化是不可避免的。新艺术的中心人物宾（Samuel Bing，1838—1905）就认为“机器在大众趣味的发展中将起重要作用。”但是，新艺术不喜欢过分的简洁，主张保留某种具有生命活力的装饰性因素，而这常常是在批量生产中难以做到的。实际上，由于新艺术作品的实验性和复杂性，它不适合机器生产，只能手工制作，因而价格昂贵，只有少数富有的消费者能光顾。 新艺术运动潜在的动机是彻底地与19世纪下半叶的西方艺术界流行的两种趋势决裂。首先，新艺术是与先前的历史风格决裂，这种风格体现了一种怀旧的趋势和折衷主义的混乱局面，只是冷漠而机械地照搬经典的传统形式。与这种热衷于对过去传统的顺从态度相反，新艺术的艺术家们声称希望将他们的艺术建立在当今现实，甚至是最近的未来基础上，为探索一个崭新的纪元打开大门。为此，必须打破旧时代的束缚，抛弃旧有风格的元素，创造出具有青春活力和现代感的新风格来。第二，新艺术又拒绝了西方艺术的另一趋势——自然主义。新艺术的拥护者热衷于表现华美、精致的装饰，而这正是自然主义者们为追求日常生活的真实而抛弃了的特点。新艺术指责自然主义者是对自然奴隶般的模仿者，使自己囿于细微末节之中而不是努力综合、提炼，以更为自由和更富想象力的方式来表现它们。然而，尽管新艺术反对自然主义，新艺术运动的艺术家们实际上又是崇拜自然的，只是他们崇尚的是热烈而旺盛的自然活力，这种活力是难以用复制其表面形式来传达的。他们认为应该去寻找自然造物最深刻的根源，发掘决定植物和动物生长、发展的内在过程。这样，自然的精髓才能被把握住。新艺术最典型的纹样都是从自然草木中抽象出来的，多是流动的形态和蜿蜒交织的线条，充满了内在活力。它们体现了隐藏于自然生命表面形式之下无止无休的创造过程。这些纹样被用在建筑和设计的各个方面，成了自然生命的象征和隐喻。 享利·凡德·威尔德堪称19世纪末和20世纪初叶比利时最为杰出的设计家、设计理论家和建筑家。他对于机械的肯定，对设计原则的理论，以及他的设计实践，都使他成为现代设计史上最重要的奠基人之一。他于1906年在德国魏玛建立的一所工艺美
欧洲中世纪时期艺术的基本特征汇总
欧洲中世纪时期艺术的基本特征 并 对《弗拉基米尔圣母像》作详细的图解说明 一、早期基督教美术 公元一世纪中叶正值罗马帝国的鼎盛时期，在西亚巴勒斯坦一带诞生了一种新的宗教——基督教，它是从犹太教的一个教派演化出来的。 早期的基督教宣扬平等，道德完善，鄙夷富人，具有一定的进步性，博得了下层人民的拥护，传播十分迅速。基督教不崇拜罗马众神，也不敬仰罗马皇帝，因此基督教在最初的二、三百年间受到罗马统治者的的残酷压制，基督教徒不能公开建教堂，他们的宗教仪式也只能在私宅或埋葬基督教徒的地下墓室进行。在这些地下墓室的顶部和墙壁上他们画满各种圣经题材的壁画，这些墓室成为早期基督教艺术的宝窟，公元4世纪君士坦丁堡大帝承认基督教的合法地位后，教徒们才开始在地面上兴建基督教堂，早期基督教艺术主要包括墓室壁画和建筑。 地下室壁画的题材多取自圣经，采用隐喻性和象征性的手法，例如鱼和善良的牧羊人表示基督，鸽子表示圣灵，孔雀代表永恒，心象征博爱等等。这些墓室壁画虽然表现形式不同，但都有一个共同的特点，即试图用新的手法来表现抽象的灵魂和对宗教的虔诚，而不在乎所画的形象是否真实生动，故有的作品显得抽象怪异，不够自然和谐。看来他们还没有找到恰当的艺术形式，而且也未能完全摆脱希腊、罗马古典艺术的影响，所以往往作品中借用古典艺术的形象，甚至借用古代神话中的情节。 早期的基督教堂中都有壁画和镶嵌画作为装饰，5世纪后镶嵌画逐步成为教堂主要的装饰形式。圣康斯坦察教堂拱顶就采用了华丽的玻璃马赛克作装饰画，获得极佳的效果。圣马利亚教堂也有以圣经为题材的镶嵌画。 二、拜占庭美术 “拜占庭美术”不仅是对东罗马帝国美术的称谓，它同时亦指一种样式，即君士坦丁堡的宫廷美术样式。在美术史上，这一样式直到6世纪初的查士丁尼时代初现风采。而拜占庭美术与早期基督教美术之间并不存在任何可明确标定的分水岭，强烈的传统感贯穿了拜占庭美术的发展史。 查士丁尼在为时期是拜占庭踢过的黄金时代，不论是在政治上还是在文化艺术上，都领到着整个基督教世界。在拉文纳的圣维塔里教堂保存着《皇帝查士丁尼与他的亭沉闷》和《皇后狄奥多拉与她的侍从们》。拜占庭美术的独特个性于此第一次得到充分的表达。高度提纯的色彩与明暗关系强调了人物作为物质的精神性存在其形式上的抽象性，程式化的人物造型则向我们展示了欧洲艺术中一种新的人向美的理想：瘦高的身材纤巧的双足，尤其是杏仁形的小脸和凝神谛视着的大眼睛，小嘴、弯眉以及窄长的鼻子——这种理想的相貌将在此后的拜占庭美术中反复出现。扁平的人像“悬浮”在金色的背景前，没有动作，没有表情，时间与深度空间的维度在这里都不存在了，于是尘世中流逝的现象（生命及权力）就被升华成了天国永恒的存在。
【精品】欧洲艺术风格服饰服装史
欧洲艺术风格服饰（服装史) 拜占庭艺术风格与服饰 由于罗马帝国的东迁，使得有机会出现融合东西方艺术形式的拜占庭艺术。 在艺术的成就上,此时所强调的是镶贴艺术，追求缤纷多变的装饰性。 同样，这种特色也反映在服装上。例如：在男女宫廷服的大斗篷、帽饰以及鞋饰上都出现了镶贴、光彩夺目的珠宝和充斥着华丽图案的刺绣。这些情形有别于同时期在欧洲地区的服饰，营造出一种既融合东西方又充满华丽感的服饰装饰 美。 国际哥特艺术风格与服饰
”哥特式"原本是指源自20世纪的一种建筑风格,很快这种风格便影响到整个欧洲，而且反映在绘画、雕刻、装饰艺术上，形成一种被誉为国际哥特风格的 艺术形态。
这种风格主要的表现是建筑上的"锐角三角形"，同时也深深的影响了当时的服饰审美及服饰创造。例如：在男女服饰的整体轮廓上,在衣服的袖子上，以及鞋子的造型上、帽子的款式上，等等,都充分呈现出锐角三角形的形态。 巴洛克艺术风格与服饰 巴洛克艺术风格原本是指17世纪强调炫耀财富、大量使用贵重材料的建筑风格,也因此牵动影响到当时艺术全面性的变革。 ”巴洛克"的字义源自葡萄牙语，意指”变了形的珍珠",也被引用作为脱离规范的形容词。巴洛克虽然承袭矫饰主义，但也淘汰了矫饰主义那些暧昧的、松散的形式。由于受到巴洛克艺术风格的影响，在西洋服装史上，甚至用"巴洛克风格"一词，来代称17世纪欧洲的服装款式.
洛可可艺术风格与服饰 ”洛可可"一词源自法国字汇“Rocaille”,由此演变而来,其意思是指岩状的装饰，基本是一种强调C型的漩涡状花纹及反曲线的装饰风格。这种风格源自1715年法国路易十四过世之后，所产生的一 种艺术上的反叛. 洛可可艺术风格与巴洛克艺术风格最显著的差别就是，洛可可艺术更趋向一种精制而幽雅，具装饰性的特色。这种特色当然影响到当时的服装,甚至以"洛可可"一词代表法国大革命之前18世纪的服装 款式。
国际工人运动与马克思主义的诞生.
第17课国际工人运动与马克思主义的诞生[教学目标] 知识与能力：通过本课的学习，使学生了解和掌握19世纪三四十年代以英国宪章运动为代表的工人运动；马克思主义的诞生的前提、标志着马克思主义诞生的《共产党宣言》；19世纪七十年代初的巴黎公社等主要历史史实。 过程与方法：指导学生围绕本课题目“国际工人运动与马克思主义的诞生”两个问题在课前进行预习，并尝试写出本课三目内容涉及的知识结构；课堂上，教师启发、诱导学生积极开展活动，通过不同活动方式，让学生大胆展示自己的看法、观点；课后，独立或与他人合作完成布置的作业。学习本课，要指导学生应用抓住主线掌握历史知识的方法。 情感态度与价值观：通过本课的学习，要使学生树立正确的人生观、价值观和世界观。马克思、恩格斯选择为人类谋福利作为自己职业的高尚情操和巴黎公社的战斗精神都是全人类的宝贵财富，值得继承发扬。 [教学过程] 屏幕显示恩格斯《英国工人阶级状况》书中有关工业革命过程中英国工人的生活状况资料，让学生阅读、思考，回答：⑴英国工人阶级为什么要进行斗争？⑵采取什么样的方式进行斗争？ 教师总结：工业革命使社会生产力有了飞速发展。随着工业革命的开展，资本主义制度的各种弊端逐渐显露出来。资本家越来越富有，可
是工人的待遇却很差，工人阶级为改善恶劣劳动条件和生活状况，不断开展各种形式的斗争，工人运动兴起。工业革命初期的工人运动，一般是捣毁机器、焚烧工厂的自发斗争。这个时期工人们还不能把机器同使用机器剥削工人的资本主义制度区分开。随着工业革命的深入，工人运动和工人斗争水平不断提高。19世纪30~40年代，国际工人运动蓬勃兴起。 板书：英国的宪章运动（1836~1848） 师：为什么工人运动的斗争水平能够逐步提高？ （学生讨论回答） 师：工人的处境没有因为工业革命而有所改善，相反更加恶化。工人开展的争取经济利益的斗争往往遭到维护资产阶级利益的国家机器镇压。长期斗争实践，使工人逐渐认识到，要想从根本上改善自己的处境，就必须改变政治上无权的地位。于是欧洲三大工人运动兴起，反映了工人运动已从单纯的经济斗争发展到独立的政治斗争。英国宪章运动就是这个时期工人运动的一个代表。 师：英国的这场工人运动因其有一个政治纲领《人民宪章》而得名。宪章运动的核心是工人要求取得普选权，以便有机会参与国家的管理。为什么要采取和平请愿的方式来实现上述目的呢？（工业革命后，资产阶级的统治更加稳固） 性质：英国宪章运动是世界上第一次群众性的、政治性的无产阶级革命运动。 师：英国宪章运动与马克思主义诞生的关系是什么？
装饰工程专业毕业论文选题
1浅析现代装饰艺术设计 2剪纸对陶瓷装饰艺术的影响探析 3从乡土文化背景探析黔北民居装饰艺术的特质性 4 商务空间中纤维艺术装饰功能意义的研究 5从中国传统文化看室内设计情感的表达 6浅谈色彩语言中的色彩对比 7室内环境设计的基本内涵》 8室内装饰设计的功能、设计与审美》 9家居环境的无障碍设计研究》 10家居环境的色彩设计初探》 11家具的绿色设计浅论 12某某的装饰艺术与地方酒店设计 13数字化背景下的装饰艺术发展趋势 14装饰陈设艺术在现代商业空间的应用 15浅析纤维艺术与室内环境装饰 16某某装饰艺术的美学意蕴 17马克思主义实践观下的装饰艺术发展历程 18浅谈青花及釉里红的装饰艺术 19试论中国书法艺术在陶瓷装饰中的应用 20家具设计的人性化思考
1居住区环境的绿色设计 2居住区环境设计的生态化设计 3高校校园的外部空间设计 4居住小区中交往空间设计初探 5浅析居民小区的无障碍设计 6室内装饰织物的色彩应用 7谈儿童房设计的人性化 8谈现代家居设计风格 9谈现代家居设计元素——材质语言的设计 10用新型建材打造新农村人居环境 11浅谈陶瓷装饰艺术 12粉彩陶瓷的装饰艺术审美浅谈 13浅析中国传统装饰图案在艺术设计专业教学中的作用 14装饰材料技术与艺术想象的综合表现思考 15某传统聚落中的建筑装饰艺术研究——以某某装饰艺术为例 16论社旗山陕会馆木雕装饰艺术 17某宗祠建筑装饰的文化内涵与艺术特色探析 18论室内设计中的人情味 19民居建筑空间美浅析 20材质语言在现代建筑装饰或室内外设计中的作用
1现代室内××（灯光色彩）设计中的创新思维 2语言在室内设计中的运用 3空间的古典精神与设计的当代意境 4餐饮建筑的文化特征分析 5关于现代服装装饰艺术的探究 6漫谈黑陶艺术的工艺及其装饰 7浅谈陶瓷印章装饰艺术的特点 8建筑装饰设计中陈设艺术研究——浅析艺术品与室内设计 9浅谈斗栱的装饰艺术解析根雕的艺术装饰风格 10浅谈浙东沿海传统渔船装饰艺术与民俗文化 11一首“落后文明”的灿烂之歌——伊斯兰装饰艺术风格初探 12大理白族民居书画装饰艺术的文化内涵 13海之馈赠——新西兰鲍贝装饰艺术 14传统装饰艺术中的民俗意蕴 15新疆维吾尔民居拼砖装饰艺术初探 16加拿大“装饰艺术”建筑邮票小全张 17（某石窟）卷草装饰纹样艺术特征 18某传统民居装饰艺术品鉴 19我国古代装饰造型艺术的神似与形似问题研究 20浅谈紫砂的装饰艺术且饮且读
西方服饰史中的典型风格及其主要设计元素
西方服饰史中的典型风格及其主要设计元素 【哥特式服装】 一面料哥特式服装的面料多选用蕾丝，鱼网，pu皮，漆皮，软羊皮，雪纺，绸缎，羽毛，有弹力的棉，麻等。 二辅料常用的辅料有金属或银制的搭扣，铁链，拉链，铆钉，珍珠，钻饰等 三颜色哥特风格的颜色选择以黑色为主，给人神秘，性感和高贵的感受。其次选用红色（大红，暗红），深紫色（茄色），墨绿，湖兰以及灰色与黑色搭配使用。 四款式特色 现今的哥特式服装继承了中世纪服装的特点，又在社会的发展中不断结合新的概念，派生出实用性强的，非舞台夸张效果的服装，只强调一种感觉，哥特式的神秘感觉。另外与苏格兰格相结合而产生的略带punk风格的哥特服装，代表着从post punk 到gothic转型的过程。还有将淑女风格的洋装，娃娃服加入哥特元素形成的lolilta风格。 哥特风格注重的是细节与整体的协调性。通过一些细节的处理突显哥特味道。 1 镂空：蕾丝与面料的叠加产生很好的镂空效果。从黑色花纹网中透出的红或紫色，产生神秘而性感的视觉感受。在镂空面料的服装下隐约透出苍白的皮肤，这正是哥特风格的特点之一。 2 面料上的暗花纹：这种在面料上的暗花多以图腾或圆线条为主，也有花草图案，通常是直接织或绣在面料上，而印花并不常用。这种面料不显张扬却也不失内容，更代表了哥特族人的细腻与考究，充满了贵族的气质。 3 捆绑束腰带有自虐色彩的女士束胸衣代表着中世纪对女性的压迫，虽然已经被现今舒适服帖的胸衣所取代，但是这种装束仍延用到现在的哥特服装中。加上漆皮，金属打造的捆绑式sm装束，更呼应了哥特风格中性与虐恋的主题。没有什么比丝带捆绑出的纤细腰枝更能让人激动的了。 4 繁杂的褶皱与简约的线条褶皱堆砌出的层叠效果给哥特装增添了一丝奢华，大荷叶边的领口，袖口，巨大的裙摆延续了十八世纪没落贵族华丽的颓废。而与之相对应的细线条简约风格的裁剪不但可以修长身型，塑造魔鬼般的身材，更体现出沉稳与凝重，这正与哥特族的内心世界不谋而合。 五塑造哥特风格的关键在女款服装中，我们多用柔软的雪纺面料和绸缎，纱，蕾丝来表达女性婀娜与性感。特别是轻薄的雪纺，衣者宛若从地狱飘来的邪恶天使，让人渴望却不可及。男装中除用华丽的绸缎面料外还采用了合成面料，皮与帆布来表现男性刚强与坚韧。让男性充满了统治者的风范。 1 领高耸的立领夸大的荷叶领 V字领 2 肩高垫肩小窄肩 3 袖高袖笼修长的窄袖收紧的袖口与散边的袖口 4 腰高腰身束胸衣 5 裙修长的礼服裙大下摆的公主裙 6 裤紧身鸡腿裤宽大的裙裤 7 鞋 【古典主义风格服饰】 服装中的古典主义风格源起于古希腊。古希腊的服装和雕塑一样，强调对人体自然美好的推崇。它一般属于块料型，大多不用缝纫，以各种形状和品种的材料披覆和包缠在身上，用别针、金属扣或腰带等固结或系结，充分表现了人体的自然之美。基同(CHITON)和希玛申