十九世纪意大利歌剧演唱风格探析
十九世纪意大利歌剧演唱风格探析
十九世纪意大利歌剧是欧洲歌剧史上最辉煌的一个时期，尤其是在歌唱艺术方面达到了高峰。在当时，意大利歌剧演唱风格被认为是世界上最优雅、最有感染力的。本文将探析十九世纪意大利歌剧演唱风格的特点及其对西方歌唱艺术的影响。
首先，十九世纪意大利歌剧演唱风格强调了一种情感上的沟通方式。为了表达角色的情感，演员必须充分地表现出自己的情感，而不仅仅是演唱技巧。因此，在演唱过程中，演员需要勇敢地展现自己的情感，以感染观众的情感。他们的演唱特点是相当情感化的，包括热情、感性和感情深沉。这使得观众能够感受到角色和故事的情感，因此，演唱风格也被称为“心灵的艺术”。
其次，意大利歌剧演唱风格注重了能力与技巧的平衡。歌唱技巧是其中非常重要的元素，在十九世纪歌剧中，高音唱法的运用非常普遍，包括混响音、颤音、转音、推涨等，这不仅可以加强演员的表现力，还可以提高整个演唱的质量。此外，利用音色和声音的变化也成为了演唱的重要技巧。例如，演员可以在一些情节比较紧张、充满冲突的时候，运用弱音和鼻腔音等细节上的技巧，提高演唱的效果，增加观众的情感体验。
最后，十九世纪意大利歌剧演唱风格对西方歌唱艺术产生了重要的影响。意大利歌剧演唱风格在整个西方歌唱艺术中被广泛地接受和推崇，特别是在19世纪晚期，这种风格已经成为了欧洲歌唱教育的基础。此外，现代歌曲、流行音乐等都从中获得了启发，可见十九世纪意大利歌剧演唱风格在音乐史上仍具有极为重要的地位。
综上所述，十九世纪意大利歌剧演唱风格以情感、技巧、平衡为重点，具有极其丰富的表现力和艺术魅力。由于这种演唱风格的独特性和美感，它已经成为人们认可的一种意大利文化遗产，在全球范围内呈现出强烈的影响力。
十九世纪意大利歌剧演唱风格探析
十九世纪意大利歌剧演唱风格探析 十九世纪意大利歌剧是欧洲歌剧史上最辉煌的一个时期，尤其是在歌唱艺术方面达到了高峰。在当时，意大利歌剧演唱风格被认为是世界上最优雅、最有感染力的。本文将探析十九世纪意大利歌剧演唱风格的特点及其对西方歌唱艺术的影响。 首先，十九世纪意大利歌剧演唱风格强调了一种情感上的沟通方式。为了表达角色的情感，演员必须充分地表现出自己的情感，而不仅仅是演唱技巧。因此，在演唱过程中，演员需要勇敢地展现自己的情感，以感染观众的情感。他们的演唱特点是相当情感化的，包括热情、感性和感情深沉。这使得观众能够感受到角色和故事的情感，因此，演唱风格也被称为“心灵的艺术”。 其次，意大利歌剧演唱风格注重了能力与技巧的平衡。歌唱技巧是其中非常重要的元素，在十九世纪歌剧中，高音唱法的运用非常普遍，包括混响音、颤音、转音、推涨等，这不仅可以加强演员的表现力，还可以提高整个演唱的质量。此外，利用音色和声音的变化也成为了演唱的重要技巧。例如，演员可以在一些情节比较紧张、充满冲突的时候，运用弱音和鼻腔音等细节上的技巧，提高演唱的效果，增加观众的情感体验。 最后，十九世纪意大利歌剧演唱风格对西方歌唱艺术产生了重要的影响。意大利歌剧演唱风格在整个西方歌唱艺术中被广泛地接受和推崇，特别是在19世纪晚期，这种风格已经成为了欧洲歌唱教育的基础。此外，现代歌曲、流行音乐等都从中获得了启发，可见十九世纪意大利歌剧演唱风格在音乐史上仍具有极为重要的地位。 综上所述，十九世纪意大利歌剧演唱风格以情感、技巧、平衡为重点，具有极其丰富的表现力和艺术魅力。由于这种演唱风格的独特性和美感，它已经成为人们认可的一种意大利文化遗产，在全球范围内呈现出强烈的影响力。
浅析威尔第歌剧音乐风格
浅析威尔第歌剧音乐风格 1引言 威尔第是十九世纪意大利最具代表性的作曲家之一，他一生共创作了26部歌剧，他的艺术主张为意大利乃至世界歌剧的发展续写了辉煌的篇章。他的音乐集抒情性与戏剧性为一体，充分实现了“歌剧是用音乐发展的戏剧”这一美学理想。他个性鲜明的艺术风格，对歌剧的演唱提出了更高的要求。笔者以自身演唱威尔第歌剧女高音唱段的体会出发，结合世界歌剧舞台上艺术家们对威尔第歌剧作品的演绎与诊释，探究威尔第歌剧的音乐风格，并从理论上阐述如何在演唱中体现威尔第歌剧作品的声音特色。 2威尔第歌剧音乐及其歌唱声音特色的形成 第一节威尔第歌剧创作的三个时期威尔第歌剧创作大致可分为三个时期:一、十九世纪四十年代前后—创作早期，多为历史题材的爱国主义歌剧。其中，《麦克白》和《埃尔纳尼》的上演，引起了意大利人民反抗奥地利统治者的游行示威。威尔第的这些充满爱国主义激情的歌剧，如果延用早先表现爱情的演唱风格，用柔和、轻巧的风格来演唱，则很难满足要求。表现这样的剧情，要求更为铿锵有力、慷慨激昂。 十九世纪五十年代到六十年代—创作成熟期，转向表现人性冲突的题材。这一时期的主要作品有《弄臣》(1851) , 游吟诗人(1853) ,《茶花女》(1853) .《西西里的晚祷》(1855) .《假面舞会》(1859) ,《命运之力》(1862) .《唐.卡洛》(1867)等。这些作品都带有强烈戏剧冲突，将人物的激情与绝望用对比色调刻画达到戏剧高潮;然而抒情部分又极为婉转、感人:所以在演唱中要做到刚柔相济，用强大的气息张力使声音在平稳深沉中表现戏剧变化. 十九世纪七十年代到九十年代—创作晚期，这一时期音乐造诣不断深化，创作了不朽之作《阿依达》(1871)、伟大的抒情悲剧《奥赛罗》(1887) ,喜歌剧《法尔斯塔夫》(1893)，与前期相比，这个时期的作品致力与表现剧情内容，歌剧风格也从早期的追求政治效果，成熟期的追求浪漫主义情节和感人的人性冲突，到晚期的追求自然的现实主义。管弦乐伴奏越发丰富，与歌声融合成整体。声乐部分也从早期的旋律性为主逐渐转向宣叙性为主，对咬字和吐字的要求也更加严格。第二节威尔第歌剧的音乐风格及其对演唱技术的要求一、戏剧性与英雄性,受幼
十九世纪意大利歌剧演唱风格探析
十九世纪意大利歌剧演唱风格探析 意大利歌剧是世界上最古老、最重要的歌剧形式之一，而19世纪是意大利歌剧的黄金时代。在这个时期，出现了许多杰出的作曲家和歌唱家，他们在意大利歌剧的发展和演唱风格方面做出了重要的贡献。本文将对19世纪意大利歌剧的演唱风格进行探析，旨在了解其特点和影响。 19世纪意大利歌剧的演唱风格以美丽悠扬的旋律和情感丰富的表达为特点。歌剧中的唱段通常采用了奏鸣曲结构，旋律流畅优美，情感饱满动人。作曲家们注重创作歌剧中的咏叹调（Cavatina）和二重唱（Duet），通过这些唱段展示角色的情感和内心世界。歌唱家们在演唱中要求高度的技巧和表达力，能够准确传达作曲家的意图和情感。 19世纪意大利歌剧的演唱风格注重情感的真实和自然。歌唱家们力求将角色的情感和内心世界真实地表达出来，使观众能够深入感受到角色的喜怒哀乐。为了达到这一目的，歌唱家们注重自然而又生动的表演技巧，通过面部表情、肢体语言和声音的运用等方面来传达情感。歌唱家们还注重角色的塑造和个性化，通过声音的特点和表演方式来展现角色的不同性格特点。 19世纪意大利歌剧的演唱风格强调声音的美感和技巧。歌唱家们在演唱中注重发声技巧和音色的塑造，力求达到声音的美感和和谐。他们通常采用明亮、柔和而富有穿透力的声音，同时注重声音的控制和运用，使之能够准确地表达作曲家的音乐意图。歌唱家们还注重声音的装饰和色彩，通过装饰音和音乐性的变化来丰富歌剧演唱的效果。 19世纪意大利歌剧的演唱风格对后来的歌剧发展产生了重要影响。意大利歌剧中的演唱风格成为了后来不同国家和地区的歌剧形式的基础，对整个歌剧界产生了深远的影响。意大利歌剧也成为了全世界歌剧爱好者的共同语言，其曲调和唱段至今仍被广泛演唱和欣赏。 19世纪意大利歌剧的演唱风格以美丽悠扬的旋律、情感丰富的表达和声音的美感和技巧为特点，注重情感的真实和自然。这种演唱风格对后来的歌剧发展产生了深远的影响，并成为了全世界歌剧爱好者的共同语言。
威尔第三首女高音咏叹调演唱风格探析
威尔第三首女高音咏叹调演唱风格探析 威尔第是19世纪最重要的意大利歌剧作曲家之一，共创 作了27部歌剧作品。他的作品中涵盖了广泛的音乐风格和主题，其中著名的三部歌剧《茶花女》、《仇敌》和《阿依达》中都有女高音咏叹调的出色演唱。本文将对威尔第三首女高音咏叹调的演唱风格进行深入探析。 首先，我们先来分析《茶花女》中的女高音咏叹调。这部歌剧中最著名的女高音咏叹调是主角维奥莱塔的咏叹调《半岛上的凄凉风景》。演唱这首咏叹调的女高音需要具备出色的技巧和灵活的音域。威尔第通过音乐表达了维奥莱塔内心的痛苦和决绝。在演唱时，女高音需要展现出受伤的情感和深沉的内心世界。同时，威尔第运用了多变的音乐语言来表现维奥莱塔的情绪起伏，包括颤音、装饰音和高音的运用，使得这首咏叹调极具感染力。 接下来我们来谈谈《仇敌》中女高音咏叹调的演唱风格。该歌剧的女主角埃梅麗娜的咏叹调《燃烧着的仇恨》中，女高音需要展现出火热的激情和决然的意志。这首咏叹调的演唱风格更加激烈，音域更高，要求女高音具备更强的技巧和音乐动感。威尔第通过运用较快的音乐节奏和强烈的音乐冲突，将埃梅麦娜内心的愤怒和痛苦表现得酣畅淋漓。演唱时，女高音需要在高音区域展现出力量感和表现力，并通过咏叹调中的转音和滑音来表达出埃梅麦娜内心的坚定与不屈。 最后，我们来探析《阿依达》中的女高音咏叹调。这部歌剧的女主角阿依达的咏叹调《祈祷音》是其中最受欢迎的部分。这首咏叹调展示了阿依达的柔情和坚强。女高音需要展现出柔美动人的音色，同时通过演唱技巧和情感投入，将阿依达内心
的平静与自豪表现得淋漓尽致。威尔第在这首咏叹调中运用了连续的高音和装饰音来增加音乐的表现力，使得整个演唱更具感染力。 综上所述，威尔第的三首女高音咏叹调具备不同的演唱风格和技巧要求。从《茶花女》中的悲伤和决绝、《仇敌》中的愤怒和坚定，到《阿依达》中的柔情和自豪，演唱者需要根据不同的歌剧及角色要求，灵活应用不同的演唱技巧和情感表达，使得每一首咏叹调都能够真实地展现人物内心的情感世界，让观众们陶醉其中。威尔第的女高音咏叹调不仅是歌剧中的亮点，也是对女高音声音和表演能力的一种挑战和考验。通过对这些经典咏叹调的演唱风格的探析，我们可以更深入地理解威尔第的音乐语言和创作风格，以及对这些咏叹调的更深层次的理解和演绎 综合来看，威尔第的三首女高音咏叹调展示了不同的情感和人物形象，要求演唱者在演唱技巧和情感表达上具备高超的能力。从悲伤和决绝到愤怒和坚定，再到柔情和自豪，这些咏叹调展现了威尔第作品中丰富多样的音乐语言和创作风格。演唱者需要根据不同的歌剧和角色要求，灵活运用各种技巧和表达方式，真实地展现人物内心的情感世界。威尔第的女高音咏叹调不仅是歌剧中的亮点，也是对演唱者声音和表演能力的一种挑战和考验。通过深入理解和演绎这些经典咏叹调，我们能更好地欣赏和理解威尔第的音乐艺术
探研意大利歌剧“三杰”作品演唱风格
探研意大利歌剧“三杰”作品演唱风格 19 世纪是意大利歌剧发展的又一个高峰。受浪漫主义时期现实主义影响，歌剧更注重戏剧的真实性，着重体现角色的个性，因此歌唱家的演唱技巧也受到重视。19 世纪上半叶，意大利杰出的作曲家齐阿基诺安东尼奥?罗西尼、盖塔诺?多尼采蒂、文森佐?贝里尼被誉为歌剧“三杰”，他们的歌剧作品把意大利歌剧推向了一个新的高峰。 齐阿基诺安东尼奥?罗西尼( Gioachino Antonio Rossini 1792-1868 年)是意大利杰出的歌剧作曲家，一生创作了39 部歌剧。他在歌剧创作方面的巨大成就让他成为了誉满全球的歌剧大师，在歌剧史上有着崇高的地位。 罗西尼生于意大利佩萨罗的一个音乐家庭。他自1806 年起开始正规的学习音乐，1810年至1829 年是他创作的旺盛期，罗西尼主要的创作活动正逢欧洲封建主义复辟的时期，也是意大利民族运动兴起的时期，这种社会环境在他的作品中打下深深的烙印。罗西尼的作品体现的既有先进的一面也有消极的一面。一方面，为了迎合统治阶级的需要，他写了很多反映宫廷生活方面的歌剧；另一方面，他的作品也反映了资产阶级的民主思想，对当时的社会发展起到了积极的推动作用。从艺术领域上讲，罗西尼可谓造诣颇深，他的作品如《塞维利亚的理发师》《威廉?退尔》等，无论是歌剧的戏剧性、抒情性，还是人物性格的鲜明性、旋律性等都充满了强烈的生命力。罗西尼的创作可以说使传统的意大利正歌剧与喜歌剧在某种意义上重新获得了新生，他在正歌剧
中加入了喜歌剧的成分，这些改革对后来的作曲家的歌剧创作产生了巨大的影响。罗西尼从现实生活出发，利用现实主义的手法，以民族音乐为素材使歌剧的音乐形象更加鲜明。他特别注重美声唱法的旋律性、连贯性，在伴奏上也多采用更加丰满的管弦乐以使其更具有交响性， 他的创作手法对后来的多尼采蒂、贝里尼乃至威尔第等都有着很深的影响。 盖塔诺?多尼采蒂( Gaetano Donizetti 1797 ―1848 年)是意大利浪漫主义歌剧乐派的代表人物，可以说他是一位高产的歌剧作曲家，一生大约著有75 部歌剧，被誉为19 世纪上半叶意大利歌剧作曲家“三杰”之一。 多尼采蒂先后就读于那不勒斯音乐学院和波罗尼亚音乐学院。从19世纪30 年代起任那不勒斯音乐学院教授和院长。多尼采蒂早期创作的歌剧受到罗西尼影响较深，后期逐渐形成自己的风格，即旋律性很强，技巧娴熟，戏剧效果鲜明。多尼采蒂创作的歌剧《拉美莫尔的露齐亚》充分显示出他的戏剧才能，令他一举成名，被认为是体现多尼采蒂独特风格的代表作。多尼采蒂的歌剧富于戏剧性，善于通过音乐来塑造人物形象，细腻地刻画人物的内心世界。他的旋律曲折委婉，富于表现力和歌唱性，同时在伴奏的配器上追求丰富的效果。多尼采蒂的创作也令后来的作曲家们受益良多。 文森佐?贝里尼( Vincezo Bellini 1801 ―1835 年)是19 世纪上半叶意大利杰出的歌剧作曲家。他出生于意大利西齐丽亚岛的一个风琴演奏世家，3 岁开始学习钢琴，6岁开始创作，被誉为神童。
罗西尼艺术歌曲《诺言》的演唱技法探析
罗西尼艺术歌曲《诺言》的演唱技法探析 罗西尼是十九世纪意大利歌剧的代表人物之一，他的作品以抒情、明快、古典优雅著称。他的艺术歌曲《诺言》是一首广受欢迎的音乐作品，被广泛演唱并被认为是歌唱家的 经典之一。在这篇文章中，我们将对《诺言》这首歌曲的演唱技法进行探析，包括演唱中 的表现技巧、情感表达和声音处理等方面，以期对这首经典艺术歌曲进行更深入的了解。 我们需要了解《诺言》这首歌曲的背景和特点。《诺言》是罗西尼的一个著名作品， 它采用了意大利语进行演唱，是一首抒情性质较强的歌曲。它的旋律婉转动听，曲调优雅，洋溢着浓郁的意大利风情，表达了爱情的美好和纯洁。在演唱《诺言》时，歌手需要将这 种细腻的情感和优美的旋律表现出来，从而赢得听众的共鸣。 对于演唱《诺言》，歌手需要具备一定的技巧和经验。歌手要有一定的唱功，能够轻 松地应对曲中的高低音段，并且在演唱时保持声音的清晰、通透。歌手需要具备一定的表 演技巧，能够通过面部表情、姿势等方式将歌曲中蕴含的情感充分地表现出来。歌手还需 要具备一定的音乐理论知识，能够理解曲中的节奏、和弦等内容，并将其融入到演唱中， 使整个表演更加协调、完美。 在演唱《诺言》时，歌手需要注重情感的表达。这首歌曲充满了爱情的美好和纯洁， 歌手需要通过声音和表演将这种情感充分地传达给观众。在演唱时，歌手可以利用声音的 高低音、音量的大小、音色的变化等手段来表现不同部分的情感，如在高潮部分可以用更 加高亢的音色来表达爱情的热烈，而在低沉部分则可以用更加低沉的音色来表达爱情的忧伤，从而使整个表演更加丰富多彩。 歌手在演唱《诺言》时还需要注意声音的处理。这首歌曲中有许多连续、飘逸的音符，需要歌手具备一定的技巧才能够演唱得流畅自然。在演唱时，歌手可以通过适当的呼吸控 制和声音调整来保持音符的稳定和通透，使整个表演更加流畅和动听。 演唱《诺言》需要歌手具备一定的唱功、表演技巧和音乐理论知识。只有将这些要素 都融入到表演中，才能够将《诺言》这首经典艺术歌曲演绎得更加完美。希望这篇文章能 够对大家对《诺言》这首歌曲的演唱技法有所帮助，也希望更多的歌手能够通过自己的努 力去演绎这首经典之作，让更多的人能够欣赏到它的美妙。
十九世纪意大利歌剧演唱风格探析
十九世纪意大利歌剧演唱风格探析 作者：李梦捷 来源：《中国民族博览》2019年第12期 【摘要】本文十九世纪时期为背景，追溯意大利歌剧的渊源以及风格、特征。本文是从罗西尼歌剧《意大利女郎在阿尔及尔》中伊莎贝拉的咏叹调《残酷命运》入手，从作品的曲式结构、演唱技巧、人物形象塑造并结合十九世纪意大利的社会文化为角度出发，探究此时期对作曲家的创作影响，以及演唱者对演唱风格的诠释。 【关键词】十九世纪；意大利歌剧；风格；罗西尼；声乐演唱 【中图分类号】J613.3 【文献标识码】A 歌剧（Opera）是一种音乐、戏剧、文学、舞蹈和美术等融为一体的综合性舞台艺术。它通常是由咏叹调、宣叙调、序曲、重唱、合唱、间奏曲、舞蹈场面等形式组成，有时也会加入对白与朗诵。歌剧的起源可以追溯到古希腊悲剧。逐渐发展为中世纪戏剧，它是以合唱、重唱、乐器伴奏和舞蹈动作相结合的一种艺术表现形式。十二世纪至十三世纪，又出现了以音乐、诗歌、戏剧为手段表现生活场景的田园剧，其盛行至十六世纪。文艺复兴时期的牧歌也同样预示着歌剧的诞生。十五世纪末的幕间剧也可以说是歌剧最直接的起源。意大利歌剧起源于佛罗伦萨，佛兰德斯风格所体现的就是音乐所表达的歌词内容；注重歌词性质；追求内蕴的过程。“十六世纪后几十年，将音乐内蕴推到音乐的戏剧性，诚然，音乐的戏剧道路已经开通”。 十九世纪初的意大利，在浪漫主义思潮解放运动大环境的引领下，现实的世界与个人的思维，外界与内核的碰撞，必定会迸发出优秀的作曲家与作品。歌剧即是社会背景下的产物。“由于当时的意大利仍处于各自为政的封建割据局面，加上长期受法国、奥地利等外国侵略者的统治。因此，反对专政统治，外来占领和争取民族解放、国家统一就成为意大利一切有识之士的共同斗争目标，此时期许多作曲家的创作就以爱国主义题材为中心内容”，如：罗西尼的《意大利女郎在阿尔及尔》；威尔第的《纳布科》《欧那尼》等。从声乐演唱者的角度出发也大抵相同，二度创作的过程是从当时的社会背景着手探索作曲家写下的思绪、探寻人物与人物之间所表达的冲突与冲突背后隐照着怎样的社会含义以及根据歌剧的发展，不同作曲家创作时运用的艺术创作特点；再从人物的形象、性格、演唱唱技巧入手，从一个角色窥探出整个社会的文化思想，表达所需要的舞台形象。 一、19世纪意大利歌剧风格趋势 “文化艺术的大部分历史学家都承认古典与浪漫相互交替的说法，但是有时二者不是交替而是并驾齐驱，既相互对立又相互渗透。”十九世纪初的意大利歌剧，在古典主义的渗透影响下，一部分所追求一种以古典主义为结构，在一定的规律下创作，不能否认，某些唱段虽有一
罗西尼的歌剧改革及其音乐风格
罗西尼的歌剧改革及其音乐风格 《棚陵譬院霉{《;}2ol1年第3期文化艺术 罗西尼的歌剧改革其音乐风格 刘继平 (皖西学院,安徽六安237012) 摘要:意大利歌剧作曲家罗西尼是l9世纪意大利歌剧复兴的奠基人.罗西尼对意大利歌剧的创新主要体现在:写出咏叹调 的华彩段落.改变了以往歌唱家为了炫耀技巧而随意改动旋律声部的现象.重视重唱,使之成为歌剧中最能表达音乐 和戏剧要求的部分.在歌剧的管弦乐上,开创了”罗西尼渐强”,率先使用打击乐器等.罗西尼的创新精神在美声,罗西 尼武终曲,合唱方面对后来作曲家产生了深远的影响. 关键词:罗西尼;歌剧;创新;音乐风格 中图分类号:J617.2文献标识码:A文章编号:1672—0547(2011)03—0092—02 十九世纪初,浪漫主义思潮席卷整个欧洲,而意大利正 歌剧却已走向穷途末路.这时候以罗西尼为代表的意大利浪 漫主义歌剧流派逐步崛起.罗西尼及其以后的多尼采蒂,贝 利尼的歌剧音乐受到文学戏剧的均匀节奏流动的感染,显示 出连贯性的特点.正是由于罗西尼的出现才挽救了颓废时的 意大利歌剧,继罗西尼之后,经过多尼采蒂,贝利尼,l9世纪 意大利浪漫歌剧终于在另一位歌剧大师威尔弟的手中达到 了光辉的顶峰. 一 ,罗西尼歌剧的风格特征 (一)民族音乐特色 罗西尼以鲜明的意大利民族音乐特色,给面临衰落的意 大利歌剧注入了勃勃生机.他的《丹科雷迪》中”我心激动”, 《威廉?退尔》的渔夫歌等简直就是用民歌填词写成似的.意 大利民歌常见的同名大小调的转换,由下行小三度和大二度 构成的音调及充满活力的节奏型等,在他的歌剧中几乎俯拾 皆是. (二)出色的即兴创作才华和喜剧因素 罗西尼具有极高的即兴创作才华,既熟悉美声技巧又懂 得剧场效果,因此他的作品既能让演员发挥特长,又能恰如 其分地获得听众的欢心.即便是华彩乐段也不是单纯地让歌 唱家卖弄技巧,而是紧密地与剧情贴切结合.罗西尼的主要 成就是喜歌剧.这些喜歌剧的故事内容大多肤浅,轻率,带有 即兴的特点,然而由于它们的剧情生动,富有讽刺幽默意味, 而作曲家又能在其中加入正歌剧的因素,这就相应地提高了 它们的情趣.同时,他也能以喜歌剧的因素丰富正歌剧,使其