街头艺术解读、
街头艺术，C 。2010年，是杂糅在全球视觉文化的范式，后后现代风格被定义更实时的做法不是由统一理论，运动，或消息的任何意义。与“城市艺术运动”相关的许多艺术家不认为自己是“街道”或“涂鸦”艺术家，但作为艺术家谁考虑城市其必要的工作环境。这是一种形式的一次局部和全局，后期的摄影，后期互联网和后期中等，故意短暂但现在证明几乎痴迷与数码摄影网站，不断地从所有可能的来源挪用和混音意象，风格和技巧。它的做法与自己了解到的守则，规则，威信层次结构和通信手段的社区。街头艺术开始作为一个地下，无政府主义的，在你面前挪用公共视觉表面，并且现在已经成为许多城市的视觉空间和公认的艺术运动穿越到了博物馆和画廊system.1本章的重要组成部分概述了这种混合的艺术类合成认为，来自于我自己的经历和角色，因为在大学一门艺术，媒体理论家组合，作为当代画廊已经以许多街头艺术家的所有者，并且尽可能多的同事艺术家，策展人，艺术经纪人，艺术收藏家谁也有助于界定街头艺术在过去二十年。
街头公共艺术品——人体雕塑
街头人体雕塑是近几年才在中国兴起的前卫行为艺术，在欧洲，行为艺术已经相当普遍了。走在大街上经常能看到各种各样的行为艺术表演，在欧洲称作“人体雕塑”。即使在小城镇里，也能经常看到这些艺术表演家的身影。
在国外街头，一些艺术爱好者会把自己装扮成雕塑，摆出各种姿势，在游客的注视下静静地站着。有些创作往往让人分不出真假。任意一个城市，当地历史上的艺术大师、杰出领袖、自然科学家、社会科学家都可以作为街头雕塑的主体。这些雕塑往往矗立在街道最抢眼的地方，吸引路人纷纷观看。走近这些人体雕塑，你便和它们对上了话，了解发生在它们身上的故事以及它们和这座城市的关系。
行为艺术之我见
行为艺术之我见 行为艺术 行为艺术，是20世纪五、六十年代兴起于欧洲的现代艺术形态之一。它是指艺术家把现实本身作为艺术创造的媒介，并以一定的时间延续。行为艺术,也称行动艺术、身体艺术、表演艺术等,国外目前通用的用法是Performance Ar t,它是在以艺术家自己的身体为基本材料的行为表演过程中,通过艺术家的自身身体的体验来达到一种人与物、与环境的交流,同时经由这种交流传达出一些非视觉审美性的内涵. 行为艺术采取很夸张的表现手法,用行为来表达人对世界的看法.这些行为有的是美的,有的是丑的,但不是人在正 常状态下有的.自行为艺术出现在中国以来,由于和中国人的审美观、道德观以及社会传统反差较大,始终是人们争论的焦点,在“行为艺术”的发展中部分创作者更以自虐、伤害、鲜血等极端行为作为表达的主要方式,直接挑战人性和道德的极限.我们在这里列举,希望可以拓宽我们对于艺术、人的生活乃至生命的思考. 所谓行为艺术是一种艺术家用思维和行为过程来进行创作的艺术形式,现代行为艺术兴起于西方,是西方当代社会的一个奇特现象,行为艺术在本质上可以定义为一种自由的生命活动. 中国的行为艺术是中国艺术现代化进程中向西方拿来的一种艺术形式,从1985年新潮美术时期?（1985—1989）?它就已出现.这一时期宋永平、宋永红兄弟的“一个场景的体验”、丁乙等人的“街头布雕”等具有行为展演倾向的艺术活动,普遍采用包扎或自虐的方式,这与80年代年轻艺术家企图通过反文明、反艺术的手段来求得精神自由的价值取向有关,透露出对“文革”、对精神压抑的反抗,表达了艺术家寻求思想解放的时代愿望. 90年代行为艺术大致可以分为两种：一种是由艺术家参与社会活动的行为过程,一种是艺术家展现自身生存生活状态的行为活动. 第一种往往是规模较大、参与人数较多、涉及面较广的社会性行为,例如有一群艺术家从大都市来到贫困山区,在老乡家的炕头上创作,用来表达艺术家们厌恶商业文化希冀回归自然的心态,这整个过程就是一项行为艺术；一个名为“新历史小组”的团体出售自制的“集邮牛仔服”和著名企业家肖像画,用来说明消费时代艺术家与艺术欣赏者的关系；更有人把成千上万的红伞挂在公园的树上,让游人漫步其中,使观众成为行为艺术的一部分.或许您在不经意间也搞了一把行为艺术呢.但 是这种行为艺术在进入日常生活的同时,也往往受社会、市场、公共秩序甚至法律的限制,所以这种行为艺术目前很难举行大规模的活动. （一）限制不符合大众审美传统习惯的表现形式 行为艺术作为一种源于欧洲的现代艺术形态，往往采用夸张、荒诞的表现手法，用身体和行为表达对世界的看法。由于与大众审美存在一定反差，自进入中国以来，一直存在较大的争议。因此，对于那些以自虐、血腥、庸俗、搞怪等扰乱公共秩序，侵犯人身权利，妨害社会管理的极端行为必须采取必要的措施加以限制。 （二）制定规范行为艺术的相关法规 一切行为艺术必须以不侵害人类社会的整体利益为前提，对在公共场所进行行为艺术表演活动的，应制定相应的行为艺术管理制度和相关的法律法规，使它能够适合大多数人的审美传统习惯，以实现“去其糟粕，取其精华”的目的。 （三）明确行为艺术的管理主体和管理权限
2020年关于艺术的论文范文
关于艺术的论文范文 从哲学角度来讲，任何事物都具有共性与个性，正是这两者的存在才让我们了解到事物的全面特征。下面了有关艺术的论文，供大家参考! 关于艺术的论文【1】 中国的书法文化历史悠久，书法是汉字的主要体现形式之一，毛笔在以写为主的文字系统中扮演主角。 书法的线条和不同类型的字体结构是书法艺术的主要元素，亦是书法艺术美的主要体现。 一、书法艺术的线条美 线条是书法构成的主要元素与基础，是书法形成的重要媒介.亦是作者传情达意，流露情感气质的载体。 汉代的书法是我国书法艺术的重要代表与里程碑，其中以汉隶所体现的解放线路最为典型。 线条可以说是作者与欣赏者之间沟通的桥梁。 线条是书法作者生命的特征体现，在我国书法艺术中，书法线条的美主要体现在以下几个方面： (一)力量感 书法中所体现的力量感是一种巧力。 作者根据自己所要表达的思想、情感，适当调整掌、指、腕、臂的力度大小，将作者的心情、思表达得淋漓尽致。
笔力是中国书法的主要特征之一，典型的代表是唐代中期书法家颜真卿，其代表作主要有《多宝塔碑》《颜家庙碑》等。 在这些作品中看似清秀飘逸的书法中蕴含着苍劲有力、铁骨松风的力量感，其笔法精湛，结构严谨，可谓入木三分。 (二)立体感 书法作为平面的艺术形式，立体感仍然是其不可缺少的，如果仅仅是单纯的线条，则会单薄乏味，缺乏意蕴。 融入立体感的书法体现的是沉着、浑厚的并能让人感受到线条中蕴藏的作者的丰富情感。 立体感也可以说是一种骨感美，是作者在作品的创作过程中抽象地经过提炼的空间。 根据作者所要表达的意境和作品的不同，再加上作者的观念思想认识的不同，从而使立体感的表现形式亦有所不同。 立体感也可以说是一种骨感美。 唐代“楷书四大家”之一的着名书法家柳公权，与颜真卿有着“颜筋柳骨”之美誉。 在书法艺术节有着“柳字一字值千金”的说法，其书法作品结体遒劲，而且字字严谨。 柳公权的楷书体势劲媚，骨力道健，以行书和楷书最为精妙。 在书法艺术中中锋技巧是绝对的。 而侧锋技巧是相对的，从书法美的角度来看，其需要与中锋相互融合、交叉，从而突出书法作品的线条美。
街头音乐家
街头音乐家 兰格格《中国青年报》（ 2012年10月23日 12 版）威尔第曾经说过：音乐是属于大家的，如果不能人人共享就不是音乐。 最能贯穿这种音乐精神的，莫过于街头音乐家了。他们的音乐穿越大街小巷，属于每个路人，人人平等，无论贵贱，没有音乐厅高贵的门槛和门票。 一座有足够数量的街头音乐家的城市，就好像一座大音乐厅，而这样奢侈的音乐厅，全世界也没有几座。比如巴黎，地铁分布在城市的每个角落，地铁音乐家的历史大概要追溯到上个世纪；比如纽约，音乐大师谭盾在纽约读书的时候，曾站在街头拉琴；还有巴塞罗那，世界上任何一座城市都会嫉妒它有那么密集的载歌载舞的街头音乐家…… 再就是温哥华了。温哥华的优异之处大概要归功于市政，它可以批准一个四人电子乐队带着电子钢鼓、电子吉他、键盘在午餐时间一星期3次出现在市中心。离这个朝气蓬勃的乐队一个街区，有一对拉小提琴的兄弟；再转一个街区，可能会碰到一个穿着蓝绿格呢裙的苏格兰风笛手……至于那个印第安排箫手，一年四季都会出现在街头。 市中心绝不是这个城市音乐厅的全部曲目。某个地铁站，你总是会遇到一两个沉默的音乐家。他们是街头音乐家中的吉普赛人，今天下午站在这里，明天可能已站在另一个城市的街头。他们一般不会摆出自己的音乐CD，只摆出一个脏兮兮的琴盒。但他们的音乐带着撕心裂肺的力量，让你忍不住驻足，忍不住第二天还在同一地点张望。 还有著名的艺术小岛格兰弗岛。在周末中午，岛上总有5位音乐家在同时表演。因为小岛被海水围绕，绿树丛生，天然的隔音效果好，几个歌手在不同的地点边弹边唱，也决不会互相影响。小岛的时间管理非常严密，每个（组）音乐家在一个地点只有一个小时的演出时间，音乐家们常常自设闹钟，在下个音乐家出场之前已经清好场。这些音乐家绝对是专业级别，在获得小岛批准演出时，一定经过层层挑选。
美术毕业论文范文
美术毕业论文范文 一、南黄海滩涂的美术文化的开辟价值 （一）窥探地点历史渊源 扶海洲（如东古称）从两千多年前的春秋战国阶段长江入海口一片卵形沙洲，后与大陆并接，成为“唐古砂咀”，五代的后周世宗年间（954－958年）当扶海洲与胡逗洲涨结后，扶海洲与大陆之间的古横江最终消逝，如东人因势利导修建了一道又一道的海堤，匡围出一片又一片土地，扩充了如东的疆域。在这片奇特的疆域，孕育了黄金滩涂特有的文明。从远古的渔船到现今的文蛤景画，每处景观、每件工艺品，都在诉说并持久演绎着滩涂繁衍的历史。所以，在时隔数千年的今天，我们肩负着繁荣这方文化的使命，并由此去追溯远古的滩涂文明。 （二）融汇各地移民文化 远古，人类活动随着海岸的逐渐东迁也随之东移。从最早的青墩淮夷古族人、吴越人、“盐丁”、两晋南北朝阶段被迫南迁的山东兖州人、江西客家人，到元末明初的因“洪武赶散”驱赶至扶海洲的苏州阊门人，再到明清阶段各地商贾、建国后三峡移民、婚嫁到如东的三十一具少数民族，如东人祖先来自华夏五湖四海，各地汇聚如东的的客籍人，带来了各地的日子适应，并且也带来了各地的文化，成为南黄海滩涂文化底蕴的重要源泉。譬如江南水乡文化、镇扬文化、徽州文化等等，据说如东五大集镇的石板街算是当年徽州文化的产物。 而今，我们踩着前人的肩膀，开辟属于我们如东人滩涂美术文化，如象征如东人踏实勤恳的海子牛文化、宝地孕育的奇贝——“文蛤景画”以及奏响如东新时代强音的“空中交响曲”和“海上迪斯科”文化。如东的文化就像扎根这方热滩涂的五湖四海的人一样，兼收并蓄，博大且包容。 （三）挖掘地点特色美术 中国民间文艺家协会会员张振华在《把根留住》一文中说“民间美术是本乡本土流传在民间的艺术形式，即所居住日子的地点的美术，既具有有用功能又具有审美价值”。民间美术作品之因此感人，正是因为他们别是无动于衷地摹抄，而是在没有功利驱动的纯真心态下、在游戏般的制造中与民族的艺术精髓和蔼质相交融，并注入了自己的热情和生命力。 从南黄海滩涂的渔船创造工艺、以及如东“板鹞”这些纯手工工艺，在很大程度上丰富了滩涂居民的日子。渔船的优美曲线造型，板鹞风筝的精湛工艺，徐善华先生娴熟的画牛技巧，以及华子裕先生闲暇之余投入的极大热情，以独特的视角发觉并研究出来的文蛤景画，无一别表明古老的扶海洲在今天又重新焕发出勃勃生机。由此形成的地点特色美术极大地丰富了如东文化，增加了滩涂文化的内涵。倾向于东方传统的“空中交响乐”到西化的“海上迪斯科”，给现在的南黄海滩涂美术文化又重新加入现代元素，给如东滩涂美术文化注入新的生命活力。 二、南黄海滩涂的美术文化的资源应用 当前，在市场经济浪潮的冲击下，人们在别断深入挖掘港口带来的经济效益的并且，逐渐忘却了这些珍贵财宝另一方面的价值，我们的文化教育研究也并没有对本地优秀的滩涂文化资源加以很好的利用。由此，我们意识到救护、传承本地美术文化的迫切性，看到学校美术教育对本土美术文化资源的开辟与应用的重要性。 我们认为，要想做好南黄海滩涂美术文化的应用，应该注意以下几方面。 （一）发掘取舍，寻准最佳的整合点 首先，我们要依照美术教学的实际需要，充分发掘可供利用的美术文化资源。 滩涂资源的不少，比如，文蛤、渔船、滩涂景观、风筝节、渔民等等。我们要做的第一项工作算是要充分去发觉、发掘这些可供利用的资源，尽可能多地去研究每一项资源。
艺术作品赏析论文参考范文
艺术作品赏析论文参考范文 艺术赏析课应充分发挥艺术感性形式的优势,以情切入,以理导引,情理并重,才能引导学生以切实的内心体验参与艺术的感悟,以情感激发理性,促进艺术教育目标的达成。下文是学习啦小编为大家搜集整理的关于艺术作品赏析论文参考范文的内容，欢迎大家阅读参考! 艺术作品赏析论文参考范文篇1 试谈《镀金时代》中黑色幽默语言艺术的应用 《镀金时代》是马克?吐温的代表作，这部小说揭露了当时美国社会扭曲的价值观以及人们对于财富的疯狂向往。其中，应用了大量的黑色幽默表达方式，让“镀金时代”这个词语成为美国社会的代名词。本文拟对《镀金时代》中黑色幽默语言的应用进行探析，以深入理解马克?吐温的写作手法。 一、《镀金时代》的创作背景 《镀金时代》是马克?吐温创作生涯中的首部长篇小说，这部小说受到了业界的高度评价，为读者展现是美国经济膨胀时期人们价值观和道德观的扭曲。《镀金时代》完成于1873年，当时南北战争结束，为经济的发展扫平障碍，大量移民聚集到美国，希望可以趁机发笔横财，而当时美国西部的矿产资源也吸引了大量的外来者，整个美国经济实力开始膨
胀，一跃成为当时的世界强国。美国南北战争彻底摧毁了奴隶制度，为美国资本主义经济的发展奠定了基础，工业革命大大提升了当时的工业生产效率，让美国经济得到进一步发展。在这种历史背景下，马克?吐温用诙谐、幽默的表达手法创作出了具有里程碑意义的《镀金时代》。 二、《镀金时代》中蕴含着现实主义的黑色幽默语言 《镀金时代》中，作者应用大量蕴含现实主义的黑色幽默语言来讽刺与鞭笞当时美国社会的掠夺和投机行为，成功的刻画出西部投机者、政府官吏与东部企业家等人物形象，将当时社会的投机取巧、贫富差别、巧取豪夺刻画的入木三分。书中内容描写的是美国经济社会迅速发展的阶段，看起是“黄金时代”，实际上人性异化、物欲横流。人与人之间的关系不再单纯，而演变为赤裸裸的金钱交易，每一个人都为了自己的利益打着小算盘。 在《镀金时代》中，郝金斯老爹为了给子女带来巨额财富，期望他们“生活得像王子，受到追求和崇拜，名字在大洋与大洋之间传播”，于是乎大肆买地，在当时人们的思想中，有钱就拥有了一切。小说的主人翁塞勒斯上校一贫如洗，但是内心深处却有很多的发财计划，其中一个计划就是在全国甚至全世界销售假的眼药水。一些贪婪的投机者，骗取他人钱财来给自己投资，露丝的父亲正是因为想一夜暴富而屡屡被骗子欺诈。露丝不禁向父亲提出了这样的问题：
艺术发展史
I a艺术发展史 第一部分：名词解释 1.饕餮纹青铜器上常见的花纹之一，盛行于商代至西周早期。饕餮纹这种纹饰最早出现在距今五千年前长江下游地区的良渚文化玉器上。此兽是古人融合了自然界各种猛兽的特征，同时加以自己的想象而形成的，其中兽的面部巨大而夸张，装饰性很强，研究者称为兽面纹，常作为器物的主要纹饰。兽面纹有的有躯干、兽足，有的仅作兽面。纹形多以鼻为中心，左右对称，结构丰满，形象威严。 2.帛画艺术中国古代画种。因画在帛上而得名。帛是一种质地为白色的丝织品，在其上用笔墨和色彩描绘人物、走兽、飞鸟及神灵、异兽等形象的图画，约兴起于战国时期，至西汉发展到高峰。帛画的本质是为死者助丧，一般分为三种：一为非衣，用以祭魂、安魂、招魂、护魂用，二为巫术辟邪类，是死者生前使用，死后随葬的，三为描绘墓主生前生活场景的。 3.马王堆汉墓帛画中国西汉绘画作品。1972～1974年先后出土于湖南省长沙市马王堆1、3号汉墓。帛画共5幅，创作时间为汉文帝时期，是迄今发现的汉代最早的独幅绘画作品。其中侯夫人墓的帛画交友代表性，画为“T”形，又称非衣，画面内容丰富，可分为天界、人界、下界三部分，作品构图细密严谨，用线流畅。 4.昙曜五窟云冈石窟创建于公元450年,北魏文成帝令沙门统昙曜(音坛耀)开凿5个大石窟(第16- 20窟),后人称为昙曜五窟。“昙曜五窟”:开凿于公元460－465年，是云冈石窟的第一期工程。昙曜五窟（16-20窟）是云岗开凿最早，气魄最宏大的窟群。五窟六窟毗连成一组双窟，规模宏伟，雕饰瑰丽，技法熟练，为云冈艺术之精华。 5.大小李将军唐代商场青绿山水画的父子二人，李思训（651-716）唐代杰出画家。字建睍，任过武卫大将军，世称“大李将军”。明代董其昌推其为“北宗”之祖。李思训擅画青绿山水，笔力遒劲。题材上多表现幽居之所。画风精丽严整，以金碧青绿的浓重颜色作山水，细入毫发，独树一帜。李昭道，李思训之子，善画山水，继承家学，并能变父之体，有所创新，造诣精深，后世称之为“小李将军”。 6.北方山水画派中国画流派之一，中国山水画至北宋初，始分北方派系和江南派系。北方画派以荆浩、关仝、李成、范宽为代表。李、关、范的画风，风靡齐、鲁，影响关、陕，实为北方山水画派之宗师。 7.南方山水画派亦称“江南山水画派”。中国画流派之一。至宋初始分北方派系和江南派系。南方山水画派产生于五代北宋间。宗师为董源、巨然。 8.南宋四家南宋四家指中国画史上的南宋院体山水画家李唐、刘松年、马远、夏圭的合称，亦称“南宋四大家”，亦有“李刘马夏”之称。四家画属豪纵简略一路画风。发展出了南宋独具特色的山水画。这种“一角半边”的构图，在画面中留下大片空白，使画面和景物变得更加简洁、主体鲜明突出而意境完整。9.《女史箴图》中国东晋绘画作品。作者顾恺之。原作已佚，现存有唐代摹本，原有12段，因年代久远，现存《女史箴图》仅剩9段，为绢本，设色。此图依据西晋张华《女史箴》一文而作，原文十二节，所画亦为十二段，作品注重人物神态的表现，用笔细劲联绵，色彩典丽、秀润。 10.明四家明四家指中国画史上沈周、文征明、唐寅、仇英四位明代画家。他们都在江苏苏州从事绘画活动。因苏州古为吴地，故又称为“吴门四家”。四人中沈周、文征明都擅长画山水，上承北宋山水画的传统；唐寅山水、人物都很擅长，他以南宋院体为法；仇英以人工笔人物、青绿山水见称。四人各有所长，先后齐名。但除沈周、文征明有师承关系外，唐寅、仇英各有内格。因此“吴门四家”（“明四家”）只是明代四位成就很高、不同风格的大家，而并非一个画派之称。 11.南陈北崔晚明时代的画家陈洪绶（也称陈老莲）与崔子忠在中国绘画史上并称为“南陈北崔”，两人不仅均以画、尤其是人物画名世，为人、处世、遭际、性情乃至画风也各有相通之处，画史经常将两人相提并论。 12.清六家清初山水画家王时敏、王鉴、王翚、王原祁、吴历、恽寿平六人的合称。亦称“四王、吴、恽”。他们继明代董其昌之后享有盛名，领导画坛，左右时风，当时被目为“正统”。 13.清四僧四大名僧：是指明末清初四个出家为僧的画家。原济（石涛）、朱耷（八大山人）、髡残（石溪）和渐江（弘仁）。四人都擅长山水画，各有风格。其特点：石涛之画，奇肆超逸；八大山人之画，简略精练；髡残之画，苍左淳雅；弘仁之画，高简幽疏。都自具风裁。作品多表现不平之气，个性鲜明；既学习古人，也敢于突破古人成法，而取材直接来自自然，贴近生活，故作品中生机勃勃，充满活力。 14.扬州八怪扬州八怪是中国清代中期活动于扬州地区一批风格相近的书画家总称，或称扬州画派。在中国画史上说法不一，较为公认指：金农、郑燮、黄慎、李鳝、李方膺、汪士慎、罗聘、高翔、边寿民等人。因其艺术活动多在扬州、故有“扬州八怪”之称。 15.颜真卿和颜体颜真卿（709年—784年，一说709年—785年），字清臣，唐代中期政治家、杰出的书法家。“颜体”是针对颜真卿的楷书而言的，其楷书结体方正茂密，笔画横轻竖重，笔力雄强圆厚，气势庄严雄浑。 16.《游春图》游春图作者是展子虔，展子虔是北齐至隋之间（约550年~600年）的一位大画家，他擅长画山水人物，这幅经宋徽宗题写为展子虔所作的《游春图》卷，是画家唯一的传世作品，也是迄今为止中国存世最古老的画卷。这幅画的技法特点是以线勾描物象，色彩明丽，人物直接以粉点染。其双勾夹叶法和点花法等对唐李思训一派青绿山水产生很大影响。《游春图》的出现，结束了“人大于山和水不容泛、树木若伸臂布指”的早期幼稚阶段，使山水画进入青绿重彩工整细巧的崭新阶段。
西方艺术发展简述
西方艺术史简述 一、西方艺术史基本脉络 1、分期：埃及美术、希腊罗马美术、中世纪美术、文艺复兴、巴洛克、罗可可 2、艺术中心随经济中心的演变而转移：希腊、亚平宁半岛、弗罗伦萨、罗马、威尼斯、 巴黎、纽约 埃及美术： 一般指公元前332年以前的埃及美术。它的形成和发展主要经过了史前期、早期王朝、古王国、中王国、新王国和后期王朝时期。埃及美术的产生和发展与埃及人的宗教信仰、墓葬习惯和王权思想有很大关系。他们认为，人的生命和宇宙万物是永 恒的,死者是可复活的。相应地，陵墓作为人的永久住宅，它的修建和装饰，也受到重视。这些原因导致了金字塔、雕刻、墓室壁画等一系列艺术品的产生。埃及美术 的一般特点是：建筑宏伟壮观；雕刻朴素写实，整体性强，表现方法遵守正面律； 绘画线条流畅优美，色彩丰富，人物表现采用正、侧面混合法。 希腊美术： 希腊美术发源于地中海的克里特岛，早期希腊文明被称为“爱琴文明”，希腊文明一直延续到罗马帝国占领希腊各地，希腊艺术按照时间可以如下分期：1.爱琴文化时 期、2.荷马时期、3.古风时期、4.古典时期、5.希腊化时期。希腊人创造了神，在希腊人的心目中最完美的人就是神，因此希腊人尊重人，神和人同形同性。希腊美术 最重要的方式是神殿等建筑、雕刻和少量壁画。希腊美术的主要特点是无所不包的 和谐与规律性，还有庄严与静穆。 罗马美术： 罗马美术吸收了希腊美术成就，继承了埃特鲁斯坎美术传统，而将美术更加推向实用主义，在内容上侧重描绘享乐性的世俗生活，在形式上追求宏伟壮丽的风格，在 人物表现上强调个性化。其突出成就主要反映在建筑、肖像雕刻和壁画方面。 中世纪美术： 自公元476年西罗马帝国灭亡到15世纪文艺复兴运动开始的一段时期，史称中世纪。 它包括拜占庭美术、爱尔兰-撒克逊和维金美术、奥托美术、加洛林美术、罗马式美 术和哥特式美术等。在公元313年，罗马皇帝君士坦丁颁布米兰敕令，承认基督教 会的合法地位。由于基督教的影响占有统治地位，决定了艺术浓厚的宗教色彩。位 于东方的拜占庭美术，在一定程度上成为古希腊美术的保存者与传播者，并与当地 民族美术相融和，而自成体系。西欧其他诸国基督教美术，也都带有本民族原始艺 术的明显烙印。中世纪美术最重要的成就是建筑的发展。无论是拜占庭式教堂高大 的圆穹，还是哥特式教堂火焰般的尖券，既充分显示出封建宗教的权威，也体现出 当时工匠们的创造才能。同时与教堂建筑一起应运而生的装饰性雕塑、镶嵌壁画与 彩色玻璃窗画，以及圣经、文学作品的插图画和各种小型艺术等，又赋予中世纪美 术以丰富多彩的面貌。 文艺复兴美术： 文艺复兴是指十四世纪到十六世纪西欧与中欧国家在文化思想发展中的一个时期。 “文艺复兴”的原意就是指“在古典规范下，文学和艺术的复兴。”在经历了封建教会势力的千年统治之后，人们开始挣脱精神上的奴役，被禁锢多年的古典文化又引 起人们的重视。文艺复兴首先发端于意大利，然后逐渐传播到欧洲其他国家。其变 化的基础就是思想基础关怀人、尊重人，以人为本的世界观。在人文主义思潮的影
行为艺术
行为艺术 行为艺术，也称行动艺术、身体艺术、表演艺术等，国外目前通用的用法是Perform ance Art，它是在以艺术家自己的身体为基本材料的行为表演过程中，通过艺术家的自身身体的体验来达到一种人与物、与环境的交流，同时经由这种交流传达出一些非视觉审美性的内涵。 [编辑本段] 行为艺术概论 行为艺术是指在特定时间和地点，由个人或群体行为构成的一门艺术。行为艺术必须包含以下4项基本元素，除此之外不受任何其他限制：时间，地点，行为艺术者的身体，以及与观众的交流。该艺术不同于绘画、雕塑等仅由单个事物构成的艺术。 虽说理论上行为艺术可以包含一些相对而言更为主流的活动，比如：杂耍、喷火、体操等杂技，以及戏剧、舞蹈、音乐等，但这些一般归为表演艺术。行为艺术通常仅指视觉艺术范畴中前卫派（avant-garde）或观念艺术（conceptual art）的一种。 起源 行为艺术，是20世纪五、六十年代兴起于欧洲的现代艺术形态之一。它是指艺术家把现实本身作为艺术创造的媒介，并以一定的时间延续。 行为艺术的鼻祖是法国著名艺术家伊夫-克莱恩(Yves Klein，1928-1962)。1961年，他张开双臂从高楼自由落体而下，把这称作《自由坠落》。 行为艺术的特征 特定的环境和含义为依托而进行艺术创造活动的艺术形态。行为艺术相较于架上绘画、传统雕塑等艺术注重艺术行为的结果留存而言，它更是强调、注重艺术家的行为过程意义，是典型的具有表演性特征的过程艺术形态。作为行为艺术家，大多坚信——艺术家个人的艺术创造自由。 其次，艺术泛化性特征。行为艺术家以自己特有的艺术创造行为过程展示，把传统艺术从高不可攀的、精英文化高度的神圣殿堂，摆放到了普通观众心目中的“不过如此”的“平淡”状态。尤其在有的作品中，还请一般观众参与，这就更消解了艺术家与观众之间的心理距离。增强了观者对艺术创造行为的认同感，同时，行为艺术强调的
艺术设计-论文范例
广东工业大学高等教育自学考试本科毕业论文笔答辩记录表专业艺术设计姓名（必填）准考证号（必填） 论文题目（必填） 问题一： 问题二：
问题三：
高等教育自学考试 毕业论文 高职院校名称：广东环境保护工程职业学院论文题目：（必填） 专业名称：艺术设计 准考证号：（必填） 学生姓名：（必填） 指导教师：
现在的广告文化已经为人们所熟知，广告人在制作广告的同时，把商品所要表达的思想，价值观念，审美情趣，文化内涵都体现出来。这就使得广告本身已经不仅仅是作为商品促销的方式，也间接的折射出一定的文化内涵。其中创新性是其最为主要的影响因素，面对着充满着巨大挑战和竞争的市场经济，如何制作出独树一帜的广告来吸引观众的眼球成为广告人积极探寻的方法。现代传播学和市场营销理论的发展，无疑为广告业注入全新的活力，进而使得广告的丰富内涵性得以提高。本文主要是研究广告创意策略：品牌形象策略、广告定位策略等，从而吸取一定的经验和教训使得广告创意趋于完美，促进广告市场的蓬勃发展。关键词；广告创意表现方法措施
一、前言 (1) 二、广告创意的概念与其表现原则 (1) （一）广告创意的概念 (1) （二）广告创意表现的基本原则 (1) 三、广告创意表现的具体形式 (3) (一)设置悬念 (3) （二）创造意境 (4) （三）体现价值 (4) （四）制造矛盾 (5) 四、完善广告创意表现的具体思路 (6) （一）寻求生活创意灵感 (6) （二）采用拟人手法 (6) （三）以帮助解决问题为着眼点 (7) 结论 (8) 参考文献 (9) 致谢 (10)
一、前言 在竞争激烈的社会主义市场经济中，广告人和商家之间的竞争也就随之而激烈。随处可见的广告，充斥着我们的日常生活，成为商品的有效代言人。或是新颖独特引人深思，或是平淡无味传达不出所要展现的文化内涵，或是趋于低俗化等等各种质量的都存在着。广告制作的程序还是颇为复杂的，首先要经历策划阶段，然后进入创意阶段。一旦达到这个步骤，广告人就要挖空心思的考虑如何才能做出新颖的广告，艺术性地表达阐释广告主题。创意是评判一个广告是否成功的标志性因素，创意是抓住消费者的眼球，使得他们产生购买的欲望。 二、广告创意的概念与其表现原则 （一）广告创意的概念 创意是广告的核心因素，成功的广告战略首先来自于不同凡响的广告创意。广告创意是一个众说纷纭的谈论焦点。李奥·贝纳曾经说：“我常常感到，模糊不清的所谓‘创造力’的重要影响因素，就是如何运用可信的、品调高的方式，使得原本没有联系的事物之间建立起一定程度的关系，这种关系也会折射出商品的具体价值所在。”在我国的广告行业中，广告创意是用一种独树一帜的表达方式来诠释单个意念的技巧和才能，由实际真实的事物展现进行表达。面对着我国广告业发展的局面，很多的问题还是亟待解决的，经济的发展必然在促进其他行业发展的同时，也会带来一系列负面的影响因素，竞争的激烈也是企事业单位寻求更加开阔市场的不竭动力。运用艺术手段，把所掌握的材料进行创造性的组合，以塑造一个意象的过程。简单地表达就是广告主题意念的意象化。 （二）广告创意表现的基本原则 1. 言简意赅 现在社会信息过度地泛滥，来源广泛的信息资源充斥着人们的日常生活中。因此，广告创意必须有着鲜明活跃的主题思想，表达的信息比较简单明了，创意
中国绘画艺术发展简史
中国绘画艺术发展简史 1.上古绘画（先秦、秦汉时期） 魏晋以前，绘画主要是“设色之工”所从事的职业，多是在岩壁和器物上作画，服务于礼教。 2.中国画样式的确立与发展（魏晋南北朝时期） 魏晋南北朝时期是中国绘画最重要的发展是时期。在这一时期，中国绘画渐渐摆脱了各种羁绊，走上了独立发展的道路。 顾恺之：东晋画家。提出“以形写神”、“迁想妙得”等主张，至今仍成为中国画的基础理论与指导纲要。顾恺之第一次提出“凡画，人最难”的观点，将绘画引导到人的精神 表达之高度。他是中国历史上第一位被正式列入传记的画家，也是有画迹，画论著 述流传至今的最早的著名画家。与其弟子陆探微，南朝齐梁之际的张僧繇，盛唐时 期的吴道子一道被尊为“画家四祖”。 谢赫：南朝齐梁时期著名画家和理论家。首次在其著作《画品》中总结“六法”，标志着中国绘画理论体系的确立。“六法”是绘画创作要求和评定标准的六个范畴，即“气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、位置经营、传移摹写”的准则。《画品》亦成为世界上第一部系统的评论画家及其创作风格的著作。 中国画中主要门类之一的山水画，在此时期开始渐次独立形成。隋代画家展子虔所做的《游春图》，标志着山水画已成为一种独立的品类进入中国画的殿堂。 3.中国画特殊语汇体系的完成（唐宋元时期） 1）从初唐到宋代是中国画全面发展完善的时代。“唐工宋巧”。 （1）唐代 阎立本：是初唐著名的人物画家，有“丹青神画”、“冠绝古今”之誉。传世之作有《历代帝王图》、《步辇图》等。 吴道子：是唐代最具代表性的画家。善于处理各种题材，绘制过大量的壁画，亦兼工雕塑，对唐代画风影响极大。有后世人摹本《天王送子图》。 张萱：玄宗时代的著名画家。著名作品《捣练图》和《虢国夫人游春图》。 周昉：晚唐画家，善画贵族妇女，严装华饰，雍容丰满，且注重仪态表达。传世作品《簪花仕女图》可被视为唐代仕女经典绘画的精品。 （2）唐末五代至宋代是绘画重大变革时期，产生了山水画的几位大师，也形成了花鸟画的重要派别与风格，人物画亦有相应的发展。 山水画：五代至宋初时期，荆浩、关仝、董源、巨然四位画家为山水画做出了里程碑式的贡献。基本完善了山水画中最重要的笔法——皴法的探索和总结，在擦、染方面， 也有不用程度的创造与突破。 北宋的山水画充分发挥了各种皴染的技巧，将中国山水画那种宏大的把握能力发展 到极致，在北宋画家李成与范宽的作品中表现得最为充分。范宽作品《溪山行旅图》。 “南宋四大家”：刘松年、李唐、马远、夏圭。 花鸟画：五代时期是花鸟画发展并形成流派的重要时期。宫廷画院对花鸟画的发展起到重要作用。中国花鸟画开山鼻祖黄筌，传世作品《写生珍禽图》，有着高妙的写实技巧。 五代南唐金陵布衣徐熙。独创“落墨法”，为后世“没骨法”开创先河。“黄家富贵， 徐熙野逸”。 宋徽宗《芙蓉锦鸡图》是院体花鸟的代表作品。“院体画”精美豪华，雅致细腻。人物画：五代南唐人物画家顾闳中、周文矩，为人物画描写现实生活做出开拓性贡献。顾闳中《韩熙载夜宴图》为古代历史人物画中不可多得的杰作。 《清明上河图》——北宋画家张择端。该图以手卷的形式展示出北宋晚期的都市生活与民
西方艺术史基本脉络
西方艺术史脉络 1、分期：埃及美术、希腊罗马美术、中世纪美术、文艺复兴、巴洛克、罗可可 2、艺术中心随经济中心的演变而转移：希腊、亚平宁半岛、弗罗伦萨、罗马、威尼斯、巴黎、纽约 埃及美术：一般指公元前332年以前的埃及美术。它的形成和发展主要经过了史前期、早期王朝、古王国、中王国、新王国和后期王朝时期。埃及美术的产生和发展与埃及人的宗教信仰、墓葬习惯和王权思想有很大关系。他们认为，人的生命和宇宙万物是永恒的,死者是可复活的。相应地，陵墓作为人的永久住宅，它的修建和装饰，也受到重视。这些原因导致了金字塔、雕刻、墓室壁画等一系列艺术品的产生。埃及美术的一般特点是：建筑宏伟壮观；雕刻朴素写实，整体性强，表现方法遵守正面律；绘画线条流畅优美，色彩丰富，人物表现采用正、侧面混合法。 希腊美术：希腊美术发源于地中海的克里特岛，早期希腊文明被称为“爱琴文明”，希腊文明一直延续到罗马帝国占领希腊各地，希腊艺术按照时间可以如下分期：1.爱琴文化时期、2.荷马时期、3.古风时期、4.古典时期、5.希腊化时期。希腊人创造了神，在希腊人的心目中最完美的人就是神，因此希腊人尊重人，神和人同形同性。希腊美术最重要的方式是神殿等建筑、雕刻和少量壁画。希腊美术的主要特点是无所不包的和谐与规律性，还有庄严与静穆。罗马美术：罗马美术吸收了希腊美术成就，继承了埃特鲁斯坎美术传统，而将美术更加推向实用主义，在内容上侧重描绘享乐性的世俗生活，在形式上追求宏伟壮丽的风格，在人物表现上强调个性化。其突出成就主要反映在建筑、肖像雕刻和壁画方面。 中世纪美术：自公元476年西罗马帝国灭亡到15世纪文艺复兴运动开始的一段时期，史称中世纪。它包括拜占庭美术、爱尔兰-撒克逊和维金美术、奥托美术、加洛林美术、罗马式美术和哥特式美术等。在公元313年，罗马皇帝君士坦丁颁布米兰敕令，承认基督教会的合法地位。由于基督教的影响占有统治地位，决定了艺术浓厚的宗教色彩。位于东方的拜占庭美术，在一定程度上成为古希腊美术的保存者与传播者，并与当地民族美术相融和，而自成体系。西欧其他诸国基督教美术，也都带有本民族原始艺术的明显烙印。中世纪美术最重要的成就是建筑的发展。无论是拜占庭式教堂高大的圆穹，还是哥特式教堂火焰般的尖券，既充分显示出封建宗教的权威，也体现出当时工匠们的创造才能。同时与教堂建筑一起应运而生的装饰性雕塑、镶嵌壁画与彩色玻璃窗画，以及圣经、文学作品的插图画和各种小型艺术等，又赋予中世纪美术以丰富多彩的面貌。 文艺复兴美术：文艺复兴是指十四世纪到十六世纪西欧与中欧国家在文化思想发展中的一个时期。“文艺复兴”的原意就是指“在古典规范下，文学和艺术的复兴。”在经历了封建教会势力的千年统治之后，人们开始挣脱精神上的奴役，被禁锢多年的古典文化又引起人们的重视。文艺复兴首先发端于意大利，然后逐渐传播到欧洲其他国家。其变化的基础就是思想基础关怀人、尊重人，以人为本的世界观。在人文主义思潮的影响下美术创作发生了相应的变革，显示出鲜明的时代特征。按照时间可分为：1.佛罗伦萨早期文艺复兴美术，2.罗马盛期文艺复兴美术，3.威尼斯后期文艺复兴美术。 巴洛克：巴洛克艺术产生于16世纪下半期，它的盛期是17世纪，进入18世纪，除北欧和中欧地区外，它逐渐衰落。巴洛克一词本义是指一种形状不规则的珍珠，在当时具有贬义，当时人们认为它的华丽、炫耀的风格是对文艺复兴风格的贬低。巴洛文艺术最早产生于意大利。概括地讲巴洛克艺术有如下的一些特点：首先是它有豪华的特色，它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩；二是它是一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩；三是它极力强调、运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂；四是它很关注作品的空间感和立体感；五是它的综合性，巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段；六是它有着浓重的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导的地位。
我看艺术家
艺术家 艺术文化创造活动主题是人，没有这个主体，艺术活动便无法存在。艺术从根本上说是艺术家从特定的精神，审美和文化角度对世界的理解，思考和创造性把握，苏珊·朗格认为：艺术结构与生命结构具有相似之处，这使得艺术品成为一种生命形式。他说：“真正能够使我们直接感受到人类生命的方式便是艺术方式。 那么什么是艺术家呢？ 艺术家都是一些有着独特禀赋和个性的人。比方说，勃拉姆斯在李斯特演奏时竟然睡着了，而布鲁克约的狗被训练的对着瓦格纳的音乐嚎叫，威尔第讨厌街头管风琴演奏他的歌剧咏叹调而一气之下租下所有街上管风琴锁起来，还有齐白石的吝啬，梵高的神经质等等，都说明不能完全从凡人角度去理解一个艺术家，所谓艺术家就是指融集深刻艺术思想，饱满情怀鲜活艺术表达能力和创造经典艺术作品于一体的人，简单的讲，艺术家就是指从事艺术创造或表演活动而有一定成就的人。 有一个美丽的地方，地处意大利半岛中部亚平宁山脉的南麓，北接博洛尼亚，南与罗马为邻西与拿破仑的家乡科西嘉岛隔海相望。这是一块人文与自然的荟萃之地，是一块充满魅力的神奇之地，意大利人称之为托斯卡纳区，他们骄傲的宣称“托斯卡纳是世界上最美丽的地方”1452年4月15日这一天是星期六，凌晨3点，列奥纳多·达芬奇降生在托斯卡纳一个叫昂奇雅诺的小村落，这个地方属于芬奇镇离佛罗伦萨不是很远。 童年的达芬奇常常从叔叔那里听到各种新鲜的事，并时时跟随叔叔徜徉于托斯卡纳的原野之间，这使达芬奇逐渐养成了亲近自然，观察自然，研究自然，依赖自然，热爱自然的习性，也正是弗朗西斯科叔叔第一次用炭笔教达芬奇在纸上绘画，500年前的纸张价格不菲，但达芬奇家并不缺，因父亲是律师有的是纸。所以达芬奇爷爷也养成了经常在纸上写写算算的习惯，凡事都喜欢记录在案。达芬奇的出生年月如此详尽准确，原因正是他爷爷的这一习惯。这份资料现在仍然完好的保存在达芬奇故乡。达芬奇再亲近自然的过程中，不仅注意到水流的变化莫测和能量惊人，还观察到了飞鸟翱翔与空气的承托有关，他甚至还发现了化石。所以后来他到了佛罗伦萨，连见多识广的老师安得列·德尔·维罗基奥也赞评这件托斯卡纳的小青年比谁的见识都多。 1472年，20岁的达芬奇被列入圣·卢卡团名册。翟年他开始独立作画，他的第一幅杰作诞生了。他的第一幅画叫《圣胎告知》，根据《圣经》故事，圣母玛利亚受神示而怀孕，这是文艺复兴以来最常见的绘画题材之一，但达芬奇除了要表现庄严圣洁的气氛外，还试图描摹出人物的特殊心里，画家有意把场景安排在一个树木茂盛，鲜花盛开的花园，使画面充满了生机，富有人文主义精神，天使加白列从天而降，玛丽亚为突如其来的消息感到惊奇而抬起了他的左手，严格说这幅画还不是十分的完美，如玛丽亚身边的读经台和花草遍布的地面其细节描绘的过于细腻繁琐，笔法也略显单一，玛丽亚放在读经台上的手，透视表现不够准确，从而使画面略显呆滞和突π，不过这幅画的画法基本摆脱了以往的模式，完美是达芬奇式的风格体现。当时有座叫圣·巴尔托罗米奥的修道院很快就订购了这幅画，从此，达芬奇开始被世人认为是一位杰出的天才，人们恭敬地称他为“列奥纳多大师”。 大约在1476前后，达芬奇创作了一幅宗教题材的作品，一般被称为《手拿康乃馨的圣母》，达芬奇是一位深受文艺复兴时期人文主义思潮影响的人，人文主义的核心之一就是人的尊严与生命是高于一切的，即使描绘的是神像，也应该灌输这样的理念，并试图表现在作品中，画家将符合人体结构的圣母描绘与画中，运用理想的构图法，人物是稳定的三角造型，为了使画面均衡，画家在画面的右下角花了一个花瓶，所以这幅构图严谨的画还有另一个名称《花瓶圣母》。完成《手拿康乃馨的圣母》后不久达芬奇又创作了另一幅圣母像，这幅被称为《贝诺瓦的圣母》的圣母像非常有意思，本来达芬奇的青年时代，人文主义已蔚然成风，表现在圣母像处理上，已不再因袭乔托时代罩在圣母头顶的光环，以此圣像更接近自然，达
艺术设计概论论文范文
摘要 CIS设计对当今世界企业发展意义重大，通过传统装饰纹样中的吉祥观念引用到现代CIS设计中的应用进行分析，总结。认为传统装饰纹样中的吉祥观念对企业有宝贵的形象资源和巨大的品牌发展空间，引用传统装饰纹样中的吉祥观念在CIS中对文法学院的内涵、策划、基发展本原则、理念的传播、以及传统纹样的吉祥观念与现代CIS设计的结合最终发展到融合。 传统装饰纹样在CIS设计中应用的色彩构成有着密切的关系，企业形象识别系统的色彩构成对企业的发展起着决定性的作用。全方位的设计构思，改变原有CIS设计的单向思维，来实现吉祥纹样在CIS设计中成为一个完美的整体并且也在CIS设计中延续。以及他的内涵在国际性的差异，最终让传统装饰纹样中的吉祥观念在CIS设计中影响全世界。 关键词：传统；纹样；吉祥观念；企业形象设计；应用
ABSTRACT CIS design of enterprise development is of great significance in today's world, through the traditional decorative patterns in reference to the modern concept of CIS auspicious design analysis, summarized.That the traditional concept of decorative patterns in the auspicious image of the enterprises have valuable resources and huge brand development,Reference to the traditional concept of decorative patterns of auspicious and Law in the CIS in the development of content, planning, basic principles, the concept of communication, as well as traditional auspicious patterns and modern concept of CIS development to design the ultimate combination of integration. Traditional decorative patterns in the CIS application design is closely related to color composition, corporate image recognition system of color constitute the development of enterprises play a decisive role.A full range of design ideas and change the wa y thinking CIS design to achieve the design of auspicious patterns in the CIS as a whole and also the perfect continuation of CIS design.And his meaning in the international differences, and ultimately to the traditional concept of decorative patterns in the auspicious influence in the CIS design world. Key words：Traditional；Patterns；Fortune concept；Corporate image design；Applications
古希腊古罗马古埃及艺术对西方艺术文化的发展及现状的影响
古希腊，古罗马，古埃及艺术对西方艺术文化的发展及现状的影响在西方美学史与艺术哲学中，形式美是一个非常重要的范畴，无论是在艺术创作中，还是在艺术鉴赏与审美活动中，形式美发挥着极其重要的作用。这里值得认真探究的是，形式美是如何与艺术之本性相关联的尤其是进入现代，形式美不再局限于经典认识论中关于内容与形式的一般论述，这种探究对于艺术及其本性的认识和理解具有崭新的意义。 一、“美在于形式”的思想及其变化 作为重要的范畴，形式美一直是西方美学史与艺术哲学中极其关注的问题，同时这也是一个仁智各见、充满纷争的问题。关于什么是形式的问题，源远流长，可一直追溯到古希腊早期，又可后延至后现代思想家。尽管有着近似的问题域，但各个时期的观点都是不同的，相互区分开来，这种区分折射出了思想自身的变化。 1．古希腊：形式作为本质 古希腊的哲学家与美学家认为，美是形式，倾向于把形式作为美与艺术的本质。在毕达哥拉斯学派看来，艺术产生于数及其和谐，而这和谐就关涉形式的问题。柏拉图将具体的美的事物与“美本身”区分开来，那么，具体的艺术作品作为美的东西，只能是美本身的赋予和对美本身的摹仿，艺术则是摹仿的摹仿，与真理相隔三层。柏拉图把形式分为内形式与外形式，这里的内形式指艺术观念形态的形式，它规定艺术的本源和本质；而外形式则指摹仿自然万物的外形，它是艺术的存在状态的规定。亚里士多德认为，任何事物都包含“形式”和“质料”两种因素，在他看来，形式是事物的第一本体，由于形式，质料才能得以成为某确定的事物。在亚里士多德看来，摹仿是所有艺术样式的共同属性，也是艺术与非艺术相区分的标志。当然不同的艺术样式摹仿的形式也是不一样的。总之，毕达哥拉斯学派、柏拉图和亚里士多德均认为，形式是万物的本原，因而也是美的本原。古希腊时期，还用“隐德来希”意指质料中的形式。在温克尔曼看来，形式的美乃是希腊艺术家们的首要目