音乐课程教学实施与策略

音乐课程教学实施与策略——感受与欣赏

郑莉（首都师范大学音乐学院，教授）

金亚文（人民音乐出版社《中国音乐教育杂志》，编委、资深编辑）

前两讲我们对2011版《音乐课程标准》的课程性质、课程理念以及课程目标这三大领域进行了分析，下面我们将对音乐课程内容与教学实施做进一步的探讨。

一、新课标音乐课程内容的微调

（一）“鉴赏”改为“欣赏”

在2001版的《音乐课程标准》当中，课程内容包括四个学习的相关领域，分别是感受与鉴赏、表现、创造、音乐与相关文化。在其实施的十年中，老师们也是围绕着这样的课程内容进行教学和引领课程的。

但是，新的课程标准在课程内容上有了一些调整。首先，就是把原来实验版课程标准中的“感受与鉴赏”调整为“感受与欣赏”。虽然只有一字之差，但这里面还是存在一些含义的。“欣赏”在辞海里面的意思是“怀着一种喜悦的心情，感受、体验美好的事物”。而“鉴赏”则是对照和比较，就不仅仅是怀着一种喜悦、美好的心情去领略和体验了。而且，鉴别和比较是更高、更进一个层次的赏析活动。把“鉴赏”回归为“欣赏”，就更切合、更准确地表达了九年义务教育小学到初中阶段在这个领域的学习内容。而高中阶段的课程标准中使用的是“鉴赏”，可见“鉴赏”和“欣赏”还是有差别的，它体现了小学、初中、高中这三个学段在程度内容上的差异。这个改变可能有利于老师在这个领域上更好、更准确地进行教学，也有利于和高中课程的衔接。

原来老师们在中小学课堂教学当中，带领孩子欣赏作品的时候，可能更多强调的是心情的愉悦，从快乐的心情进入到感受音乐的程度，但是还没有进入到一个更深的层次研究、对照、比较作品。但现在在理解教学领域感受与欣赏这个问题的时候，就应该知道带着中小学生进行音乐欣赏与高中生在程度上有一个明显的差异。

（二）“创造”改为“编创”

“鉴赏”改为“欣赏”是关于学习领域的调整。除此以外，在创造领域也有一个微调，就是将创造当中的“即兴创造”调整为“即兴编创”，也是改了一个字。这里有两个意思：第一个意思，“创造”是比较宽泛、宏观的一个概念，而“编创”的针对性就很强，比较微观、清晰，具有指向性，小学生的活动就以编创为主；第二个意思，编创是由“编”到“创”，它体现了教育的有序性，把学习的顺序体现出来了。“编”相对容易些，然后再“创”，既使指向性更加清晰，同时又体现了音乐学习的顺序，

也体现了孩子们的认知过程。在“创”之前，先对这个领域熟悉、了解，然后再循序渐进的发展，这就符合孩子们的认知规律。

特别是在义务教育阶段，因为学段跨度大，从小学一年级到初中三年级，必须要有一个循序渐进、由简单到复杂的过程。另外，“编创”的指向性更为具体，进一步明确了教学领域内容。

二、新课标音乐课程内容的解释

按照四个领域，我们对音乐课程内容进行逐个梳理。

（一）感受与欣赏

老师们首先要明确这个领域内容的定位和教学要求，就是在面对这样的课程内容教学时，首先要搞清楚这个领域的定位是什么、总的教学要求是什么。

1．内容定位

2011版新课标在表述这个领域内容定位时，用了这样一段文字:“感受与欣赏是音乐学习的重要领域，是整个音乐学习活动的基础，是培养学生音乐审美能力的有效途径。”这就是说，感受与欣赏领域是所有音乐学习领域的基础。这个提法跟原来的表述就不太一样，应该说是要求更高了。

对第一句话：“感受与欣赏是音乐学习的重要领域”，我们可以这样理解，原来老师们教学当中认为唱歌是重要领域（今天边远地区老师们依然这么认为）。事实上，唱歌过去表述为基本内容，感受与欣赏才是音乐学习的重要领域。

第二句话：“是整个音乐学习活动基础”，这个提的很高，就是说其他领域的学习要建立在感受与欣赏的基础上，这是根据音乐学科的特征和性质决定的。音乐是听觉艺术、声音艺术，所有的音乐活动，包括聆听、歌唱、演奏、创造，都需要通过“听”的方式来进行。不是说完全靠听觉，但是听觉必须参与。比如唱歌，音高、节奏、音准都需要听觉来调整。一个人五音不全，其实不是嗓子、肌肉的问题，而是耳朵出了问题，听的不准，所以才唱出不准的声音。我们经常说，音乐教学的主要任务就是培养学生善于聆听的耳朵，也就是良好的听觉。听觉的培养是音乐课堂教学的主要任务，有了良好的听觉，才有了音乐学习的基础。

第三句话：“是这个领域是培养学生音乐审美能力的有效途径。”“感受与欣赏”领域的教学载体就是大量的音乐作品，包括声乐、器乐。聆听大量的声音作品和器乐作品正是学生提高审美能力的有效途径。多听才能熟悉，熟悉了以后才能喜欢，有情感，所以这些都必须建立在多听的基础上。

我们还可以从另外一个角度去理解，学生可欣赏的作品相对于可演唱或演奏的作品量要大得多，远远高于孩子们能够直接去演奏的作品。另外，由于学生演奏水平的局限，很多有内涵的作品学生是接触不到的。所以，今天把“感受与欣赏”

的音乐学习提到“重要”、“基础”的层次上，还有“有效途径”的高度，可见它的重要性，老师们要把握好它的定位。

2．教学要求

课标在“感受与欣赏”内容定位的后面，又写了一段关于这个领域的教学要求，也是三句话。

第一句话：“教学中应该首先激发学生听赏音乐的兴趣。”课标里明确提出了这个问题，欣赏音乐要建立在兴趣的基础上。

第二句话：“要鼓励学生对所听音乐表达独立的感受与见解。”这是鼓励孩子们谈自己的感受。原来实验版课标里也有这句话，但是缺了两个字，即“表达”。这就要求仅让学生心里知道还不行，还要通过各种各样的方式进行交流，能够表达出来，表达自己对音乐个性化、个人化的感受，，并与同伴进行分享。

另外，当孩子们把内心的一些活动，表达出来，和同伴交流的时候，其实也是互相影响的过程，又能使学生确认自己的感受是否更贴近作品。

第三句话：“养成聆听音乐的习惯，逐步积累欣赏音乐的经验。”今天的基础音乐教育培养的是听众，那么培养听众的有效途径和手段就是聆听音乐，在这个过程中培养良好的学习音乐的习惯，逐渐积累欣赏音乐的经验。聆听音乐是终极目标，是一辈子的事。无论在小学、初中、高中，还是大学，它都应该是音乐教育的最终目的。不管将来是否以音乐为职业，我们都应该养成良好的聆听音乐的习惯，成为一个音乐爱好者。良好的聆听音乐习惯的养成，不是一件小事，一个人是不是能够爱好、欣赏、经常安安静静聆听一段音乐，甚至经常去音乐厅、歌剧院听音乐，观摩歌剧演出，代表着一个人的品位和素质。

比如，国外对中产阶级的定义不仅依据财富，除了你有房、有车、挣多少钱以外，还有一个要求标准，就是每周至少要听一到两次音乐会和歌剧，而且要求着正装，这是对艺术家的一种尊重和敬意。认认真真地走进剧场去听音乐会，也是一种生活质量，标志着一个人的生活质量和生活品位。所以，老师们还肩负着一个任务，就是帮助孩子们养成听音乐的习惯，并能够在这个过程中逐渐积累，学会如何去欣赏音乐。

提到如何欣赏音乐，这就牵扯到“感受与欣赏”领域的教学问题了。课改十年以来，应该说在这个领域老师们创造了很多好的经验，也涌现出了很多好的课例。大致梳理一下，这十年围绕着这个领域教学，有很多研究成果。那么，老师们关注欣赏课怎样才能体现高质量是一个必然的现象。

在以聆听为背景、聆听为主的教学背景中，“感受与欣赏”已经不仅仅表现为一种单纯的教育方法。它是一种教学研究，或者是教学实践，而不仅仅是一个方法问

题，因为它体现了聆听与其他教学的关系。在研究2011版课标“感受与欣赏”领域时，老师们应该关注聆听与讲解的关系、聆听与记忆的关系、聆听与实践的关系、聆听与表达的关系。实际上，如果处理好了这些关系，我们感受与欣赏教学一定会提高一个台阶。

（1）聆听与讲解的关系

举个例子，有一个初中学生，曾经给老师提了一个建议：“我们正在聆听乐曲的时候，请您不要讲解，我知道您是好心，但是你不知道我们的感觉有多难受。”这是孩子们的心里话，当然老师也是好心好意，在引领学生听，在解读音乐、解读内容，讲解这段表现什么、那段表现什么，但是却打断了学生听音乐的兴致。

这个案例很典型，所以引发了一系列的思考，就是孩子们在聆听音乐的时候，老师要不要讲，什么时候讲。有些老师认为，如果在学生聆听的过程中不说话，好像是失职，好像是没有认真备课。其实，在学生聆听音乐的时候，老师讲话会打断学生聆听的注意力。很多老师甚至会在学生欣赏音乐时滔滔不绝，而且说话的声音是压过音乐的。那么在这个时间，学生是听音乐还是听老师讲呢？如果注意听老师的提示，音乐就断了。所以，教师的语言是“金”，不要说那么多自己以及教参当中的理解，因为教师的理解不能代替学生的理解和感受。

另外，当今媒体发达，教育质量越来越高，很多孩子还在学习各种各样的乐器，他们的音乐修养并不差。因此，教师应该怎么引领孩子真正的聆听、感受，把握音乐的整体风格，进入到音乐本体操作，是老师们要认真思考的。

老师们在进行“感受与欣赏”教学的时候要“精讲”。精讲、少讲，总之是不能多讲，在非讲不可的时候，教师要考虑语言的精炼。一些老师在提示学生的时候，是不用语言的。比如李存老师，他的欣赏课上得是很精致的，他在上课的时候一直在指挥，用肢体语言提示学生注意听，并不打断学生，让学生一直跟着音乐走。所以，这个办法老师们可以采纳一下。

我们不赞成在教学过程中多讲话的理论依据就是音乐是一种直接经验，是一种音响艺术。直接经验意味着音乐具有不确定性、非语义性，具有不可指向性等一系列特点。老师过多的讲解，而且代替学生讲很多音乐本身的内容，这都是老师自己的理解，而不是学生的理解。所以，这会影响学生对音乐真正属于自己的感受和理解，我们要鼓励学生进行独特的、个性化的音乐学习，这也是音乐教育的一个基本特征。因此，音乐音响的非概念性就决定了老师不要讲太多，要引导学生直接面对音乐本身，让学生直接跟音乐交流，不要用过多的讲解来代替学生的思考。尤其不要用过多文学的语言跟学生有交流，而要用音乐语言和孩子们进行交流。

但是，可能有些老师会问，对于低年级的学生，老师不讲，学生听不懂怎么办？根据音乐本身非语义的特征，它既然不是具象的，那么我们怎么来确定学生是否听懂了呢？这就涉及到一个理论问题。中央音乐学院周海宏教授提到过一个观点，叫做“音乐何须懂”。既然音乐是非语义性的，那么所谓“懂”，就要有一个参照物。比如是前人留下来的，比如参考书里的，还有一些书籍里面的解释，但这

些解释都是每个人自己对音乐的理解，不能代替所有人的感受，那么也就不存在老师们说的学生不懂的问题了。

其次，不是说上课的时候，老师干脆就不讲话，要讲，但是讲什么、怎样讲，这也是一个问题。教师应该重点从文化的角度来解释音乐、阐释音乐、描述音乐，而不是作具体的解释。比如一段非标题器乐曲，老师解释内容，这是不好的。

当时中国音乐教育杂志里边有一篇文章，是一位老师写给曹理老师的，就是关于听赏《空山鸟语》。这位老师做了一个活动，让学生听完以后，给这个作品取个名字，学生起的名就特别多，百花齐放，什么都有。当时有一个孩子，他取了一个名字叫“捉鸡”，很多孩子都在笑他，但这个同学自己还有解释。他说这只鸡从这儿跑到那儿，他追到那儿，然后鸡又跑到那儿，扑腾着翅膀，叫着，他就把音乐理解成这样，当时还进行了讨论。这个案例说明了一个道理，特别是这类器乐曲，这个男孩子是从农村转入北京来的，他的生活经验、音乐经验，就是这样的，所以他听的音响连起来就像一个老太太在院子里捉鸡，这个应该是可以理解的，这其实是适合了他对音乐的经验。

因此，我们单纯地评价“捉鸡”对了或错了，都是不可取的。音乐没有唯一标准，没有对错，这就是他的感受，他的体验，他的理解，他参与了，并通过音响分享到这样一个经验，就值得尊重，不要用一个标准答案去套、去框学生。

所以，老师在课堂上，并不是什么也不讲，而是围绕音乐本身、外围的一些文化，一些大的背景进行描述，这样非但不干扰学生对音乐的理解，还能够引发学生对这个作品独立的、深刻的思考。这些思考都是学生自己的，而不是老师强加给学生的。

其实有的时候我们还需要考虑到，一个音乐作品在不同的情境下，也会有不同的理解角度。有一个故事片，讲述了德国纳粹占领了多兰之后，两个德国军官进了小乡村里的一个小酒吧，酒吧里有几个乐手在演奏着抒情的音乐。他们让里面的女歌手唱一首德国的爱情歌曲，这个女歌手拒绝了，在几次的强迫之后，女歌手依然宁死不屈，那么这个时候本来抒情的音乐就变了性质，女歌手坚持不唱，一枪打过去，女歌手就倒在血泊里。然后，德国军官就让小提琴手用小提琴演奏这首德国作品，男青年也不服从，随之也倒下了。最后剩下一个老者，他用大提琴奏着哀婉、凄楚，带着哭泣感觉的旋律，但是整个音乐在那个特定背景下，已经完全变了。

所以这也说明音乐是流动过程中的音响，每个人都有自己独特的理解、感悟和诠释。所以，我们要尊重孩子们的领悟。

除此以外，老师们还比较关心一个问题，就是学生在聆听音乐的时候，老师应该做什么。03年，首师大园丁班的韩影，她上小学课的时候，我就发现她是第一个在聆听音乐时，改变老师教学位置的人。她不是站在讲台后边或前边，而是选择了和学生坐在一起，和学生一起聆听。这样老师就没有交流的压力，更没有讲课的压力了，一方面老师也要听音乐，另一方面，老师认认真真的聆听，对孩子本身就是一种无形的影响，让所有的人都关注到音乐的音响。

当问到韩影为什么会选则这样一种方式时，她说：“首先，我要求学生全神贯注地听，那么我也要听。其次，坐在学生中间，更有利于观察学生在聆听过程中出现的一些问题。”

这是比较好的方式，另外就是李存的例子，多用肢体语言，用丰富的表情，一个眼神，一个手势，都可以提示引领学生对作品的体验感受，而不是通过直白的语言去告诉他们。

园丁班在进行骨干教师培训的时候，吴斌老师说：“听李存老师上的那节《黄河》，我感动得热泪盈眶。我就带着园丁班的学生去听李老师的这节课，当时我在旁边摄像，我们感动得已经不是热泪盈眶了，而是眼泪止不住地往下淌。而且不是一个人，我们当时一个班70个人，还有他们的学生，都是如此。李老师上课的时候，就像一个指挥家，双手一直挥动着，他好像指挥着所有的乐手，好像真的在演奏这个作品。他很少讲话，非要讲的时候，就在音乐音量小的时候，或者间歇的时候，提醒那么一点点，或者用动作来表示。”

“有一个地方，我们的眼泪都控制不住了，其实他一句话也没说，水深火热，劳苦大众，没有这种词，就是音乐的感染力。当音乐演奏到最高潮，出东方红主题的时候，李老师就把手势给了当时坐在后面合唱台上的那些音乐老师，潜台词就是，孩子们，你们没有这个经历，我们让后边的老师表现一下。当时70个人，男老师、女老师，齐声高唱…东方红，太阳升?，歌声恰好和乐队的整体效果融在一起，把大家都给震撼了。”所以，打动听众的并不是语言，而是音乐本身。老师们要关注音乐本体，避免讲解过多音乐之外的东西。

（2）聆听与记忆的关系

十年的教学，还出现了一个大家比较关注的问题，除了聆听和讲解的观点，老师们还关注到聆听和记忆。这也是一个普遍性的教学关系，很多老师反映，学生听了作品，但记不住。这究竟是什么原因呢？为什么那么多优秀的音乐作品，却没有给学生留下印象，很多音乐作品成了过耳之声？所以很多老师都在反思，怎样才能让学生记住，应该记住什么。

这里面就涉及到一个音乐记忆的问题。我们都知道，音乐除了是听觉艺术以外，还是时间艺术。音乐不像绘画，它是流动的，是瞬间即逝的，所以记忆是音乐形成印象的一个必要条件。那么音乐作品的音响能够保留在记忆之中，这是一个比较复杂的心理过程，它需要对外界所有的音乐信号进行加工、编码、储存和提取等一系列的过程。那么要解决这个问题，老师们必须要进行研究，研究用什么样的方法才能符合学生音乐记忆的规律，这是一个教学方法问题。

不是音响播出去了，就叫欣赏。老师在做欣赏课教学设计的时候，要动脑筋。我们看到过一些成功的欣赏教学，教师在课堂上充分体现了教师主导的作用。他们前期案头准备工作做得很充分，另外采用了具体有效的教学方法，就能够帮助学生对音乐的主题进行记忆。

有时候，学生一节课下来能够记住数段音乐，有时候教师上完一节课，学生稀里糊涂什么都没留下。《名师大讲堂》中刘宏伟老师上的《苗岭早晨》，虽然是换班上课，但下课以后，学生往台下走时，全都在唱主题旋律，这说明他们记住了。

总结一下，老师们在加强学生音乐记忆可以遵循以下三个方面。第一，就是要引起学生对音乐注意。就是教师要关注学生有没有形成一个良好的审美心境，他对音乐音响是不是有了一个有效的注意，这是第一点前提。所以，老师要想办法，运用各种方法铺垫，创设情境，来解决学生的音乐注意问题。很多老师通过情境、语言、多媒体等方方面面，让学生把注意力集中到音响上，是很正确的。