浅析中国画传承的意义
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浅析中国画传承的意义
作者：任文静
来源：《学习与科普》2019年第01期
摘要：从古至今，中国画的发展和创新，都是基于对传统技法和意象的传承。本文通过
深入研究中国画的起源与发展历程，并结合当今多元文化背景下中国画的创新与融合，着重在中国画传承的意义上提出了自己的一些思考和看法。
关键词：中国画;传承;意义
中国画艺术是我国文化宝库中的一颗璀璨明珠，从古至今，它一直在向前发展，犹如一条长河，虽有时狂暴湍急，有时滞流平缓，但从没发生断流，它一直在发展中向前，终于汇成今天这样一条浩浩荡荡的艺术大河。
一、中国绘画历史中的“传承”
具有可探究性的中国画起源，要回溯到两千多年前的战国时代，那时已出现了画在丝织品上的绘画——帛画，这之前就已经有了原始岩画和彩陶画，这些早期绘画奠定了后世中国画以线为主要造型手段的基础。两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定到分裂的急剧变化、域外文化的输入与本土文化所产生的撞击及融合，使得这一时期绘画形成出现以宗教绘画为主的局面，描绘本土历史人物、取材文学作品亦占一定比例，山水画、花鸟画亦在此时萌芽，同时对绘画自觉地进行理论上的把握，并提出一定的品评标准。到了隋唐时期，社会经济、文化高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向;人物画以表现贵族生活为主，并出现了具有时代特征的人物造型。五代两宋时期绘画又进一步成熟和更加繁荣，人物画已转入描绘世俗生活，宗教画渐趋衰退，山水画、花鸟画跃居画坛主流。五代两宋是花鸟画的成熟期，花鸟画在写生的基础上，寄托人的志趣、情操、表达画家的内心感受。这种自然中美的东西通过比兴等艺术手法与人发生关联，寄托人的感情，这就是意象的思维方式。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展。元代文人画以山水画为大宗，托复古以寻求新路，师古而不泥于古。元四大家，集古人之长，融进己意，自成一家。元文人画墨竹和墨梅，寄托文人高洁、孤傲的思想情操，以意写之，多有简逸秀淡之致。明末画家徐渭主张以书法入画，强调个性。清初画家朱耷将写意花鸟发展到一个高水平，完全出自他内心世界白眼向人的鱼鸟形象，是他抒发感情的有力的艺术语言。文人画成为中国画的主流，但其末期则走向因袭模仿，距离时代和生活愈来愈远。
不难发现，这些悠久的绘画变革过程，都是通过不同时代杰出艺术家对既已形成的中国画体系进行传承的基础上，提出自己的主张的，历朝历代皆是如此。从另一个角度看，中国画的发展与西方绘画相比，其发展环境是相对封闭的，至少在清朝闭关锁国之前，中国画的发展都是与中国本土历史文化同步的，这种封闭环境下，若没有有效的传承，中国画显然走不到今
浅析中国画构图
大 众 文 艺 47 摘要：中国画构图是通过在画面上恰当地安排物象形态，从而 展现绘画主题，并创造具有形式美感的意境。中国画构图在实践中日 趋完美，更有其自己的特殊规律。了解和把握好中国画构图的内涵，对于中国画创作有着至关重要的作用。 关键词：中国画；构图；虚实相生；开合呼应 Abstract : The composition of Chinese painting is meant to present the theme and create the emotional feeling of formative sense of beauty through arranging proper objects on the picture. The composition of Chinese painting turns to be perfect in practice as time goes by， also has its special regulars. It plays an important role in creating Chinese paintings to know and master the connotation of the composition of Chinese painting. Key words: Chinese painting；composition；emptiness together with occupation；being open echoing to being closed 中国画将构图称为布置和章法，它是构成画面的主要元素，也是画中的骨骼。艺术家就是要在有限的纸素范围内，运用审美的观念安排和处理形象、线条的位置关系，将不同的形象、符号按构图的法则组成完整的艺术空间。艺术家为了更鲜明地表达事物的本质，通过对客观事物的提炼加工并加入自己的文化修养和情绪心态，构图就是这一过程的具体体现。 在中国传统绘画中，为了达到某种艺术效果，画家会选择与自己心性相对应构图方式，因为阅历、气质、修养、环境不同， 所以都有各自表达性灵的构图形式。如朱耷以圆形构图为主，画 面结构严谨、奇险与独特，对抽象结构有敏锐的感受能力，画面萧疏荒凉，而且物象以单个为主，无依无靠，这些形式正是他孤愤、冷寂、悲痛、沉郁的精神气质的表现。潘天寿构图喜作方形结构，每一笔都是匠心经营，充满力量和秩序，他在吸收文人画构图的基础上结合现代社会的发展，建立起自己独特的画面结构，在静态的画面中表现出强烈的生命律动感，表现出沉重、雄阔、质朴的绘画风格。 中国画构图在空间营造方式，画面透视法的处理以及安排与构建画面中都有它的独到之处。 一、中国画构图的重要性 中国画家对构图的研究由来已久，早在东晋时代，顾恺之 就提出了“置陈布势”的构图原理，其后历代画家不断丰富和发展，建立了具有民族特色和完整体系的中国画构图法则。中国构图画有两大特点：一是形式服从于内容的创作原则；二是矛盾统一的辨证规律。从形式上看，是笔墨技法下的构图。画面只有在构图的支撑下才能表达画者的意向和更好的突出主题，可见内容决定形式、形式服从内容，是中国画构图的优良传统。 在构图上，中国画讲究经营，绘画遇到的第一关即是构图。“取得好的题材，还不算大功告成，紧跟着要研究主次如何搭 配得宜，甚至空白处、气势、色彩等细节都要反复推敲，考虑 周全，做到成竹在胸，这种推敲布置的过程即是一种经营。”[1] “经营位置”六法中极为重要。张彦远认为这是“画之总要”，邹一桂也说“以六法言，以经营为第一”谢赫六法之一的“经营位置”，专指画面的布置。它不是立足于某个固定的空间或时间，而是以灵活的方式，打破时空的限制，把处于不同时空中的物象，依照画家的主观感受和艺术创作的法则，重新布置，构造出一种画家心目中的时空境界。所以说，在我国古代对构图就有了很深的理解和重视构图的重要性。 二、中国画构图的特点 1.散点透视 散点透视是我国画家独有的创造，在画幅形式的变化上，西方绘画一般都符合黄金比例，很少有狭长的画幅。而中国画画幅 则不受西方黄金比例的约束，可以是任何形状，根据构图的需要随意安排及经营物象的位置，具有超时空的散点透视在中国传统绘画中得到了充分的运用，如《清明上河图》《韩熙载夜宴图》《万里江山图》等。如此复杂的场景，唯有用长卷的形式才能把握得住，而在这种形式中，空间处理更微妙，画家灵感表现也更自由，焦点透视已经不能完美表现这种形式，散点透视的运用使画家在创作中游刃有余，随意而为。自古至 今，散点透视在中国绘画的表现中得到不断发展，体现出中 国绘画独特的审美心理背景。 2.主次分明，大胆取舍绘画创作要从画面整体构思需要出发，恰到好处地定下各部分形象的宾主位置，才能更好地表现自然美，使主题立意明确， 构图完美。“舍取不由人，舍取可由人，懂得此理，方可染翰挥毫。”[2] 就明确道出了绘画的取舍之法，画家既受真实的自然物象的制约，又有自由创造画面的权利。要做到主次分明，首先要大胆取舍，这样才能突出画面的精彩部分，充分地发挥和表现．而对有碍画面效果的部分，要毫不犹豫地舍去。古谚云：画由心裁。心在取之，心不在则舍之。强调和渲染能够与创作者达成心里共鸣，在观者眼中投射出审美需要的物象就已足够。画家 匠心取舍，观者心领神会。3.穿插错落穿插错落之法在中国画的构图中非常重要，既要在画面中表现出主题姿态。又要错落有致，繁而不乱。古人有无“女”不成 梅之说，一个“女”字就定出了梅花枝干的大的走向。又有“三笔交凤眼”画兰说和“个”“介”字型画竹的穿插之法，其目的是把纷繁错乱的真实自然条理化，以便把画面分割成有一定秩序，有对比和统一又疏密不均的面和线，使画面构图既有一定的规律可循又天趣自然。在一幅作品中，为了让画面灵活，有生命，主 观地将所描写的物象安排得参差错落，齐而不乱，穿插有致，复杂而又有条理，错落而又有秩序，使画面自然灵活，巧妙天成。 4.疏密相间、虚实相生疏密关系是绘画结构的要着，古人很早就提出画面当“疏可走马，密不透风。”画面如果被景物挤满，没有一点空白，就会有一种很压抑的感觉，如果画面上空白留的恰当．能让人体会到画面的延伸，思路也会发生变化。方薰《山静居论画》说：“石翁风雨归舟图，笔法荒率，作迎风堤柳数条，远沙一抹，孤舟蓑笠，宛在中流，或指曰：‘雨在何处？’仆曰‘雨在画处，又在无画处。’风中柳飞，远沙迷茫，孤舟蓑笠等物象已构成雨景的 特色，故不画雨而自有雨意，而在形象之外的空白，则是若隐若现的雨中远景，是无所见的空濛雨意。”空白处常常隐藏着画者 的感情，观众的思绪。空白留取得当，会使画面有生气，空灵俊秀，作品的境界也能得到升华。中国画讲求“虚实相生”。隐藏、松动、含蓄为虚，显露、实在、明确为实。实处是画，虚处也是画。古人追求无画处皆成妙境，要虚中有实，实中有虚，两者相互衬托，相互对比和依存。中国画的以纹代水、以月代夜、以白代云、以势代风、计白当黑等都是“虚”的表现技法。画中常规的虚实关系为厚重者实，色淡者虚；近者实，远者虚；主为实，次为虚；外为实，内 为虚；有笔墨处实，无笔墨处虚。当然，这也不是绝对的定法，要根据画面的需要灵活运用。 5.开合呼应开合呼应是中国画构图的总构成方式，开合呼应贵在得势，势是一幅画的整体趋向和层次变化所形成的视觉感受。中国画的开就是要使画面有有蓄势的感觉，有张力，能将画面的物象展开。“合是合拢，是与开的照应，开则逐物有致，合则通体联络，中有转承曲折的变化。”[3] 是将画面协调统一起来。开要豁达、痛快，合要严实，做到“神合气闭”。要把握好开与合之间的节奏、韵律、幅度、疏密、聚散等变化，增强画面的感染力。呼应，在作品中，表现人、景、物之间相互联系、顾盼传情的呼 应关系，不仅要表现人物、动物的神态及情趣的呼应，也要有景物闻的姿态、韵致、趣味、节奏等关系的呼应，还应有笔、墨、线、色及形式和内容的呼应，从而使画面的人、景、物之间产生互动、交流和传情的效应。 6．诗、书、画、印诗书画印的结合，是中国画构图又一个特点。“中国画艺术是融诗文、书法、篆刻、绘画于一体的综合性艺术。”[4] 对于一幅中国画来说，唯有把诗、书、画、印结合起来，才能表现的完 浅析中国画构图 马天栋 (商丘师范学院美术学院 河南商丘 476000)理论研究?美术
浅谈传承中国传统文化的重要意义
中国的传统文化。是我们的先辈传承下来的丰厚遗产，曾长期处于世界领先地位。传统文化是历史的结晶，但它并不只是博物馆里的陈列品，而是活着的生命，传统文化所蕴含的、代代相传的思维方式、价值观念、行为准则，一方面具有强烈的历史性、遗传性，另一方面又具有鲜活的现实性、变异性，它无时无刻影响、制约着今天的中国人为我们开创新文化提供历史的依据和现实的基础。因此，传统文化距离我们并不遥远，在现实生活的强劲脉搏里，时时刻刻都能感觉到它的存在。传统文化在影响现实的同时，也在新的时代氛围中发生蜕变。加进新的文化内容。 一、文化与中国传统文化 什么是文化?在我国，“文化”一词，古已有之。“文”的本义，系指各色交错的纹理，有文饰、文章之义。《说文解字》称：“文，错画也，象交文。”其引中为包括语言文字在内的各种象征符号，以及文物典章、礼仪制度等等。“化”本义为变易、生成、造化，所谓“万物化生”(《易?系辞下》)，其引申义则为改造、教化、培育等。文与化并联使用，则最早见于《周易?贲卦》之“观乎天文，以察时变；观乎人文，以化成天下”。最先将“文化”合为一词而用的是西汉的刘向，他在《说苑?指武》中写道：“凡武之兴，为不服也，文化不改，然后加诛。”晋柬皙《补亡诗-由仪》称：“文化内辑，武功外悠。”南齐王融《三月三日曲水诗?序》中云：“设神理以景俗，敷文化以柔远。”中国古代的这些“文化”概念，基本上属于精神文明范畴，往往与“武力”、“武功”、“野蛮”相对应，它本身包含着一种正面的理想主义色彩，体现了治国方略中“阴”和“柔”的一面。既有政治内容，又有伦理意义。其次，古代很大程度上是将此词作为一个动词在使用，是一种治理社会的方法和主张，它既与武力征服相对立，但又与之相联系，相辅相成，所谓“先礼后兵”，文治武功。“文化”一词在中国古代不很流行。近代以来，人们对文化概念进行了多方面的探讨。粱启超在《什么是文化》中说，“文化者，人类0能所开释出来之有价值之共业也。”粱漱溟在《中国文化要义》中说：“文化。就是吾人生活所依靠之一切……文化之本义。应在经济、政治，乃至一切无所不包。”庞朴主张从物质、制度和心理三个层面去把握文化概念的内涵，其中“文化的物质层面，是最表层的；而审美趣味、价值观念、道德规范、宗教信仰、思维方式等，属于最深层；介乎二者之间的。是种种制度和理论体系。”20世纪40年代初，毛泽东在论及新民主主义文化时提出：“一定的文化是一定的社会的政治和经济在观念形式上的反映。”《现代汉语词典》则把文化定义为：“人类在社会历史发展过程中所创造的物质财富和精神财富的总和，特指精神财富，如文学、艺术、教育、科学等。” 从以上关于“文化”的概念我们可以看出，其实“文化”内涵可以有广义和狭义之分，就广义而言，文化是人类生活的总和，或如梁漱溟先生所说，是“人类生活的样法”，它包括精神生活、物质生活和社会生活等极其广泛的方面。狭义而言。文化就是人的全部精神创造活动，是意识、观念、心态和习俗的总和。 民族性、国度性。是文化的重要属性之一。在世界历史上，各民族、各国家分别在不同的自然、社会条件提供的舞台上，演出了性质不同、情节有别、风格各异的文化正剧。中国文化，是中华民族对人类的伟大贡献。独具特色的语言文字，浩如烟海的文化典籍，嘉惠世界的科技工艺，精彩纷呈的文学艺术，充满智慧的哲学宗教，完备深刻的道德伦理，共同构成了中国文化的基本内容。在历史性意义上，中国文化既包括源远流长的传统文化，也包括中国文化传统发生剧烈演变的近代文化与现代文化。中国传统文化是中国文化的主体部分，也是我们从先辈传承下来的丰厚的历史遗产。它不仅记录了中华民族和中国文化发生、演化的历史。而且作为世代相传的思维方式、价值观念、行为准则、风俗习惯，渗透在每个中国人的血脉中，制约着今日之中国人的行为方式和思想方式。
我对中国画的认识
我对中国画的认识 班级：建筑092 姓名：胡晔 学号：24
我对中国画的认识 -----胡晔 中国画是中华民族传统的绘画，它扎根于中华民族浓厚的土壤之中，历经数千年文化积累、发展，已成为中华民族独特的文化瑰宝之一。它包含了中国人的文化素养、审美意识、思维方式、美学思想、哲学观念以及技法、理论等程工具有鲜明的中华民族特色、特点和风格、气魄，区别于世界各国的绘画艺术，不仅为中国人民所喜爱，而且也受到世界各国人民所赞赏，能与西方没画相媲美，是另一座艺术高峰，立于世界艺术之林。 一．中国画的分类： 简单的来讲就是两大类：工笔和写意 严格来说中国画的分类很复杂： 从画的内容来看可分为：人物画、山水画、花卉画、禽鸟走兽虫鱼画、界画等。 从画的形式或颜色上可分为：水墨、青绿、金碧、浅绛等。 从画的技巧上可分为粗笔（泼墨）、细（工）笔、写生、写意、皴法、白描、没骨、指头画等。 从画的时代上可分为：古画、新画、近代画、现代画等。 二. 中国画历史发展过程： 中国画发展和演变分为六个时期： 1.先秦两汉时期民族绘画风格的初步形成 战国时代，那时已出现了画在丝织品上的绘画——帛画，这之前就已经有了原始岩画和彩陶画，这些早期绘画奠定了后世中国画以线为主要造型手段的基础。 2.魏晋南北朝时期绘画的发展阶段 两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定到分裂的急剧变化、域外文化的输入与本土文化所产生的撞击及融合，使得这一时期绘画形成出现以宗教绘画为主的局面，描绘本土历史人物、取材文学作品亦占一定比例，山水画、花鸟画亦在此时萌芽，同时对绘画自觉地进行理论上的把握，并提出了一定的品评标准。如南朝画家张僧繇提出“笔才一二，像已应焉”、“笔不周而意周”的观念，他画人物吸收了天竺的晕染法，形成了“张家样”的风格特征。北周曹仲达的“其体稠叠而衣服紧窄”，他吸收了印度笈多造佛的特点，有曹衣出水的风格特征，形成了“曹家样”。这时人物画开始重气韵，注重人物的精神气质描写。以谢赫《画论》中的六法为主要的美学规范，超越形似追求传神的传统为后世绘画奠定了发展道路，这种追求神似和气韵的方法，就是中国画意象和写意的表现。 3.绘画趋向全盛的隋唐五代时期 隋唐时期，社会经济、文化高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向；人物画以表现贵族生活为主，并出现了具有时代特征的人物造型。唐代画家吴道子的作品有“天衣飞扬，满壁风动”，的效果，他发展了中国画线条的表现力，使其更加的简练生动。画家张萱和周昉的人物画刻画人物内心情绪栩栩如生，这些都奠定了写意表现的基础。 4. 蓬勃兴盛的二宋时期绘画
浅谈中国画与中国文化
浅谈中国画与中国文化 高三（9）班黄旖韵 摘要：中国画是我们中华民族灿烂文化的组成部分，在世界美术艺苑中独树一帜。中国画融诗、书、画、印为一体，代表了一个国家、一个民族的文化修养和内涵，是我们中华民族的国之瑰宝和骄傲。中国画博大精深，内容多而杂，反映了中国古代的哲学、文化、建筑、雕塑等方方面面，是中国艺术的精髓。 关键字：国画，本质特性，博大精深 正文：中国画又名国画，是现代人为区别于西洋画而对中国传统绘画的泛称。它包括水墨画、墨笔画、彩墨画、工笔重彩画、白描画等。中国画是我们中华民族灿烂文化的组成部分，在世界美术艺苑中独树一帜。中国画融诗、书、画、印为一体，代表了一个国家、一个民族的文化修养和内涵，是我们中华民族的国之瑰宝和骄傲。 中国画有着悠久的历史，早已是中国文化的重要组成部分，因此它必然受到中国文化的巨大影响，或者说中国画体现着中国文化的特点。历朝历代有着众多的著名画家，有着数不尽的作品，可时至今日，画中国画的人，看中国画的人，很多并没有弄清楚中国画的本质特征，这就影响了从文化的高度欣赏中国画，影响了判断中国画与西方画的各自特性，影响了画家坚守中国画独特优势的自信心。所以弄清这个问题是很重要的。下面就从几个方面分析中国画的本质特征。 一、注重个体心灵体悟 中国画之所以被称作中国画首先是因为中国文化的宇宙观是它的理论基础。众所周知，人类的精神文明受不同的宇宙观制约。依照不同的宇宙观而产生不同的民族精神，产生不同的审美观和不同的艺术观，创造不同的艺术表现方法和产生不同的艺术效果，这是民族艺术发生发展的生命路线。宇宙观是指人与宇宙万物的关系，也就是人对世界万物的看法，以及人怎样与它们相处。我们的祖先与西方先人相比有其独特的地方，西方文化比较看重人与神、人与物之间的关系，形成了西方文化中宗教与科学交错而行、并行不悖的特色。中国的先哲几乎从一开始就着力从人与人之间的关系上探玄求奥，而不看重人与“天”(神)、人与“地”(物)的关系，从而中国文化中宗教文化贫乏，在人与物关系上，强调感情色彩的“役万物为人所用”。中国文化思考方式是整体性的，所谓“天人合一”就是中国文化信奉人与自然合一的观念。庄子云：“天地与我并生而万物与我为一。”也就是人与自然始终处于一种和谐的融为一体的关系之中。由此形成中国文化中的“以和为贵”、“中庸之道”等精神品质，渗透到审美意识中就是“万物静观皆自得”、“无为”、“不着意”、“以人之天而合天之天”，崇尚自然优美。由这种理论所产生的审美意识一旦用于艺术创造，必然产生独特的观察事物的方法和表现事物的方法，展现出这种艺术区别于其他艺术的本质特征。这就形成了中国画是最心灵化的艺术。 中国画注重个体心灵的体悟，常常于静寂观照中，求返于自己内心深处的心灵节奏，以结合宇宙内部的生命节奏。中国画不是纯客观刻板的自然描绘，而是把作画的客体作为传达情感的载体，来抒发画家自己内心的情绪，用笔墨的浓淡、点线的交错，去创作意境深远的胸中画面。作画首要是观察自然，中国画家是在行动中观察自然、感悟自然，边走边观察景物，逐渐将自己融入景物之中。此时在画家的心目中“物”即“我”，“我”即“物”，只有这样才最能表达画家感
浅析中国画的情感表达
浅析中国画的情感表达 摘要 中国画历经千年的发展，融入了诸多画家的心血，是画家观察自然、表达情感的一种方式。它不但具有丰富的绘画技法，更具有丰富的人文情感。文章概括了中国画的定义，并从多个角度探究了“情感”在创造中国画过程中的表达与传递。 关键词：中国画；情感表达；传递情感 中国画是中华民族优秀传统文化的典型代表之一，是画家对自然物象与社会百态的感受、并通过对笔墨的探讨与研究来表达这些感受的一种表现形式。它呈献给我们的，是人对自然和社会的一种思想感悟。中国画以特有的毛笔、墨汁、颜料为工具材料，以水调和，作于绢帛或宣纸上，是一种特有的、中国的绘画表现形式。它凝聚着画家的智慧、性情、心理、气质，是画家文化素养、审美视野、哲学思想的综合体现，具有丰富的情感内涵和情感表达。 一、中国画的情感表达分析 大多数中国画，在技术表现上，主观色彩都比较浓烈，并且集中注重绘画中的情感表达，是人类情感表达的精华。中国画创作过程中所表现出的情感，可以充分提升中国画的艺术价值。同时，观赏者们在心中产生共鸣，创造出新的内心情感，展现了中国画的整体艺术审美价值。 （一）艺术情感的内涵 人类通过艺术，表达和交流某种独特的情感，同时创造相应的精神生活。创作者的主观体验，和观赏者能感受到的情感，都与绘画作品息息相关。当绘画和情感彼此分离时，绘画就不是艺术。因此，艺术涉及到情感的方方面面。每位绘画艺术家都有自己的风格和特征，完美融合了艺术家自己的个人技能和丰富情感。 （二）中国画艺术中的三种情感 （1）生活的情感。当创作者创作中国画时，都会表达出对生活的感受。在生活中，人有各种各样的情感情绪：幸福、憎恨，好感、厌恶；喜悦、愤怒，悲伤、沮丧。创作者通过各自独特的技术和艺术，表达了这些情感情绪,反映了自己的感受。艺术成为媒介，观众可以通过它感受到创作者的情感变化，体现人类的生活情境。对于中国画的创作，如果创作者不注意观察、感受和表现生活中产生的情感，那么作品就没有灵魂，就难以展现出作品的艺术价值。 （2）现实主义情感。今日的中国画创作者,必须维护和继承传统，并注重现实主义因素。中国画在早期开始就注重于“成教化、助人伦”的作用。画面上表达的情感，都是现实生活的折射。那么，如果仅继承和追求传统，中国画的艺术
中国传统绘画在中学美术教育中的现实意义
中国传统绘画在中学美术教育中的现实意义 发表时间：2016-09-19T09:21:26.263Z 来源：《教育学文摘》2016年8月总第202期作者：蓝有 [导读] 中国的传统绘画是一门独特的艺术，是我国五千年文明的一种传承，因此中国传统绘画具有悠久的历史、丰富的人文精神和崇高的价值。 广东省佛山市顺德区均安镇文田初级中学528329 摘要：现代教育理念的核心将学生作为全面发展的根本，将课本教学知识和社会的发展联系起来，实现科学技术和人文艺术的结合。中国现代中学美术教育在素质教育的引导下，注重学生个性和天赋的挖掘，注重初中生创新思维和创造能力的提升，利用初中美术教育最大程度地发展初中生的人格和良好的思想品行。文章立足于传统绘画的视角来分析现代中学美术教育中中国传统绘画的影子，分析美术教育现状和传统绘画的美学价值，目的在于能够更好地提升初中美术教育的水平。 关键词：传统绘画中学美术教育传统文化 中国的传统绘画是一门独特的艺术，是我国五千年文明的一种传承，因此中国传统绘画具有悠久的历史、丰富的人文精神和崇高的价值。前人的艺术创作对于当代的学生来说是十分宝贵的财富，就现代中学美术的教育层面来看，西方形式的教学方式是主要形式。虽然西方的美术教育可取之处很多，对于我国初中生的美术教育具有提升学科基础知识的帮助，但是我国传统艺术和文化在其中的价值得不到体现，传统艺术的作用被削弱，不利于中国美术教育的长久发展和传统文化精神的传播。我国传统绘画基于中国传统的绘画工具，即笔墨纸砚文房四宝，在传统美术工具的支撑下结合对应的审美文化和丰富理论知识，由此形成了具有东方文化特色的艺术作品。我国传统绘画中有很多当代教育审美中需要借鉴和学习的内容，对于弘扬我国传统文化、学习传统的艺术表现形式具有积极作用。 一、传统绘画的美学价值 1.文化美。传统绘画的类型主要有三大种，即山水画、花鸟画、人物画。可见传统绘画和人们的生活联系很紧密，很多古代文人都是复合型的人才，在作诗、书法绘画和传统绘画上的能力很强，能够将书法的美感、诗歌的美感和绘画的美感结合起来，利用我国特色性强的传统文化将其展现出来。例如，郑板桥非常喜欢画竹子，其曾经在绘画上写下了“吾之竹清俗雅脱乎，书法有行款，竹更要行款，书法有浓淡，竹更要有浓淡，书法有疏密，竹更要有疏密”的诗句。郑板桥十分擅长画竹子和写竹子，能够将自己对竹子的喜欢体现在绘画上和诗词上，对竹子的情感体现在竹子的绘画中。例如，“咬定青山不放松，立根原在破岩中。千磨万击还坚劲，任尔东西南北风”中显著体现出郑板桥类似于竹子一样的坚强意志，其将竹子的精神总结成“四时不谢之兰，百节长青之竹，万古不败之石，千秋不变之人”。蒋士铨在题画兰诗中写到：“板桥作画如写兰，波磔奇古形翩翩；板桥写兰如作字，秀叶疏花是姿致。”这段话，将“书”与“画”在郑板桥作品中的关系说得十分通透，体现了书与画在郑板桥作品中的完美融合。 2.历史美。中国悠久的历史沉淀了多民族的文化内涵，传统绘画艺术源远流长，与历朝历代的政治、经济、思想、生活情况息息相关，更有文人墨客将其作为社会安定、经济发达时期的国家象征。从商周动物画、春秋战国肖像画，到汉代帛画、北魏的敦煌艺术、唐代宗教画，乃至宋元山水画、清代宫廷画，中国传统绘画在不同时期、不同朝代所呈现的美是不同的，一些优秀作品不仅让古人叹为观止，也让今人感慨万千，恨不能与画家相逢于古时。深厚的历史文化知识是吸引学生的一个要点，如今，学生可以通过电脑、电视、手机等媒介了解世界，加深学习的广度，却忽略了学习的深度，使很多知识流于表面。传统绘画中蕴含的丰富的历史文化知识可以提高学生的人文素质和艺术修养。 二、传统绘画对中学美术的指导意义 1.激发学生的民族自豪感。文化是国家软实力的象征，也是教育中最基础、最核心的部分。中国作为一个拥有五千多年历史的文明古国，需要将传统文化进行精炼和传承。传统绘画拥有深厚的文化底蕴且表现形式丰富多样，是中学教育中不可多得的借鉴教材。传统绘画所传达的文化知识和文化情感也将促使学生对自己的民族产生认同和骄傲，让学生明白中国在绘画艺术上的造诣并不比西方逊色，甚至在某些方面是优于西方的。教师要让学生了解古人绘画时关于题材、造型、用色、工具等多方面的内容，给现代学生更多的启发和借鉴。如在想象力方面，中国美术教育中创造性的培养一直被认为是比较薄弱的环节，进而影响到对美术的一些认知，甚至认为中华民族是缺少想象力的，这种观念无疑是错误的。如敦煌艺术中的飞天神女，仿佛一挥袖子就可飞天而去。中国传统绘画中的想象是十分丰富的，通过对传统绘画的学习，很多本民族的优秀特点将会被学生所熟知。 2.扩展学生的知识文化层面。传统绘画这一艺术形式，是以线描为主要造型手段，这是由于民族历史和科技发展的特点所形成的。以前的画家将生活中的大小细节用线描记录下来，用看似简单的线描艺术形式变化出多姿多彩的艺术形象。达·芬奇的手稿中就有大量物理学、机械学的插图，将西方线描结构准确、实用性较强的特点表现出来。中国也有很多优秀的线描作品，如唐代画家阎立本创作的《历代帝王像》、《步辇图》等佳作。在绘画的题材方面，中国有许多关于建筑方面的绘画作品，可以为喜欢建筑设计、以后想要学习建筑设计的学生提供构图、手法等方面的参考与实例。 一个国家、一个民族想要在世界舞台上拥有自己的一席之地，就必须重视自身的传统文化教育，培养学生的民族情结和审美能力，以自身的文化艺术为核心，积极吸收他国的精华，呈现交流互补的趋势。中国传统绘画的资源十分丰富，与西方绘画各有所长，都是现代社会的重要宝藏。“民族的就是世界的”，现代中学美术教育应该加强对本国传统艺术形式的深入学习，将文化内涵和民族情感融入教学工作中，多下功夫研究、探索适合传统绘画的教学模式，让学生在课堂中对传统绘画形成一定的认识，学会欣赏和借鉴，做到薪火相传。参考文献 [1]徐立试论中学美术教育中传统绘画的指导意义[J].美术教育研究,2015,05，144-145。 [2]刘雪冬综合材料在中学美术教学中培养学生创造力方面的应用探究[J].美与时代(中),2015,08，92-93。 [3]李冬青传统元素与流行元素相结合的初中美术教学研究[J].美育学刊,2012,01，63-74。 [4]霍岩中国传统绘画对现代美术教育的意义[J].天津美术学院学报,2014,02，96。
论中国国画在美术教学中的重要性
论中国国画在美术教学中的重要性 中国画博大精深，内容多而杂，反映了中国古代的哲学、文化、建筑、雕塑等方方面面，是中国艺术的精髓。我们在教学中应该渗透这些优秀的文化，让学生了解并学习这些优秀的文化。 中国画又名国画，是现代人为区别于西洋画而对中国传统绘画的泛称。它包括水墨画、墨笔画、彩墨画、工笔重彩画、白描画等。中国画是我们中华民族灿烂文化的组成部分，在世界美术艺苑中独树一帜。中国画融诗、书、画、印为一体，代表了一个国家、一个民族的文化修养和内涵，是我们中华民族的国之瑰宝和骄傲。 中国画在小学美术教学中占有很大的比重，低年级以水墨游戏为主，主要是让学生随意的涂抹，感受毛笔在宣纸上留下的笔墨变化。中高年级主要是通过中国画教学，使学生认识中国画、了解中国画、喜欢中国画、会画中国画，产生美的悟性和创造力，是中国画教学的重要任务。 在美术教学中，中国画教学分为这样两类：一种是传统国画教学，学生学习传统国画中常见的内容。另一种是儿童水墨，学生用毛笔在宣纸上画，可以临画或创作各种形象，也可以用毛笔写生，严格说来，这仍属于儿童画范畴。我个人认为：两者有相同之处，也有不同之处，各有利弊。儿童水墨利用基本笔墨原理，画各种形象，学生容易上手，形象
夸张，有动物、人物、植物、花卉、建筑等内容，学生能在作画时大胆表现，画面效果灵活，视觉冲击力强，但也有弱点存在，如：过多关注画面形象，不注重墨色浓淡，学生的画面效果的好坏存在着较大的偶然性，很多学生调笔调墨的方法也存在一定问题，只是偶然碰到好作品，有的学生绘画习惯不好，用笔用墨也存在问题，包括线的处理，水分的掌握，墨色的浓淡，尤其对一些文化方面的理解是一个弱项。儿童学习传统国画，在笔墨方面，尤其是墨色的浓淡，水分的掌握，尤其对一些文化方面的理解要比儿童水墨画的学生要好，但也有弊端：有些内容学生画起来枯燥，学生如果不喜欢，教师可以多让学生欣赏，来激发学生对中国画的兴趣和爱国主意情感。 在中国画欣赏课教学中，利用作品的创作背景、反映的内容以及作者的爱国名言和爱国事迹，来教育学生、启发学生，培养学生的爱国主义情感、民族自尊心和自豪感。徐悲鸿大师就是其中代表之一，他擅长以马喻人、托物抒怀，以此来表达自己的爱国热情。徐悲鸿笔下的马是"一洗万古凡马空"，独有一种精神抖擞、豪气勃发的意态。《奔马图》作于1941年秋季第二次长沙会战期间。此时，抗日战争正处于敌我力量相持阶段，日军想在发动太平洋战争之前彻底打败中国，使国民党政府俯首称臣，故而他们倾尽全力屡次发动长沙会战，企图打通南北交通之咽喉重庆。二次会战中我方一
我对中国画的认识
我对中国画得认识 班级：建筑092 姓名：胡晔 学号：24 我对中国画得认识 -----胡晔 中国画就是中华民族传统得绘画，它扎根于中华民族浓厚得土壤之中，历经数千年文化积累、发展，已成为中华民族独特得文化瑰宝之一。它包含了中国人得文化素养、审美意识、思维方式、美学思想、哲学观念以及技法、理论等程工具有鲜明得中华民族特色、特点与风格、气魄，区别于世界各国得绘画艺术，不仅为中国人民所喜爱，而且也受到世界各国人民所赞赏，能与西方没画相媲美，就是另一座艺术高峰，立于世界艺术之林。 一．中国画得分类： 简单得来讲就就是两大类：工笔与写意 严格来说中国画得分类很复杂： 从画得内容来瞧可分为：人物画、山水画、花卉画、禽鸟走兽虫鱼画、界画等。 从画得形式或颜色上可分为：水墨、青绿、金碧、浅绛等。 从画得技巧上可分为粗笔（泼墨）、细（工）笔、写生、写意、皴法、白描、没骨、指头画等。 从画得时代上可分为：古画、新画、近代画、现代画等。 二、中国画历史发展过程： 中国画发展与演变分为六个时期： 1、先秦两汉时期民族绘画风格得初步形成 战国时代，那时已出现了画在丝织品上得绘画——帛画，这之前就已经有了原始岩画与彩陶画，这些早期绘画奠定了后世中国画以线为主要造型手段得基础。 2、魏晋南北朝时期绘画得发展阶段 两汉与魏晋南北朝时期，社会由稳定到分裂得急剧变化、域外文化得输入与本土文化所产生得撞击及融合，使得这一时期绘画形成出现以宗教绘画为主得局面，描绘本土历史人物、取材文学作品亦占一定比例，山水画、花鸟画亦在此时萌芽，同时对绘画自觉地进行理论上得把握，并提出了一定得品评标准。如南朝画家张僧繇提出“笔才一二，像已应焉”、“笔不周而意周”得观念，她画人物吸收了天竺得晕染法，形成了“张家样”得风格特征。北周曹仲达得“其体稠叠而衣服紧窄”，她吸收了印度笈多造佛得特点，有曹衣出水得风格特征，形成了“曹家样”。这时人物画开始重气韵，注重人物得精神气质描写。以谢赫《画论》中得六法为主要得美学规范，超越形似追求传神得传统为后世绘画奠定了发展道路，这种追求神似与气韵得方法，就就是中国画意象与写意得表现。
论浅论中国画之墨色美
论浅论中国画之墨色美 中国画是一门融汇中华民族文化的丰富内涵，注重精神的注入，着意抒情写意的艺术。中国画的形式美凸显了中国画的艺术精华。广义地来看，形式美就是美的事物的外在形式所具有相对独立的审美特征。狭义来说，形式美是指构成事物外形的物质材料的自然属性（色、形、声）以及它们的组合规律（如整齐、比例、均衡、反复、节奏、多样性的统一等）所呈现出来的审美特性。通常我们所说的形式美，主要是指后者，即相对抽象的形式美。中国画的形式美就本文而言是指中国画运用特有的绘画工具和材料如毛笔、墨、宣纸等，运用表现技法形成了一整套的用笔用墨规律，通过对形象的概括，笔墨的描绘，意境的渲染，创造出独具特色中国画的形式美。在艺术发展多元化的今天，从形式美的角度对中国画进行审美具有现实的意义。 从深层次的看，构成画面形式的基本因素是点、线、面和色的黑、白、灰因处理手段不同所产生不同的情绪和性味。而笔墨是传统中国画的主要造型和表现手段。通常把产生线条的方式及其结构如勾勒、皴擦、点，叫做用笔，把墨色的色相如焦、浓、淡、重、清或含水多少不同而引起的枯湿效果叫用墨。 关于中国画的笔墨理念的发展。从古代文人画到现代出现的商品画，都在讨论笔墨的问题。第一感觉冲击力给观众以最直接的审美感受，中国画的形式可以千变万化，但它的核心原则归结为天人合一的特点。中国传统画中笔墨，经过上千年的发展，已经形成一套形式美的规律，他指导着中国画的创作和发展，成为民族绘画的精粹。创新艺术才能保持其本质的精魂，故艺术创作不能墨守成规，那么如何看待我们中国传统绘画在笔墨上的遗产，如何正确吸收现代在与中西文化碰撞之下的有益成分和发展中国的笔墨形式之美，这就值得去深入思考探索的问题。本文就笔墨这方面来进行论证。 中国绘画特别是中国写意画作为一种独特的艺术门类，有比较显著的特点：对自然美的表现力。正因如此，中国写意画作品创作命题是永远的形式美。 人们生活在形式美的的汪洋大海中，从日常生活用品及装饰品，其选择角度主要是形式和形式美。小是不起眼睛的东西，大到衣、食、住、行，人们都有这种选择的经历。在艺术欣赏方面，园林建筑、音乐、书法等门类的形式美欣赏，已经近乎必然。惟独对绘画这个最具有强的形式美的艺术门类，却往往站在具象的角度进行挑剔和品评。栩栩如生很像已成为庸俗评论的习惯。这和绘画的原始功能物状写实的影响分不开的，但不管怎么样，撇开形式美来论中国绘画，很不妥当。构成画面的形式美的基本因素是作为形的点、线、面和作为色的黑白灰。而中国画偏偏具备这些特点，具备有独特的审美价值。 中国画也叫水墨画。画中国画要用笔墨，鉴赏中国画要论笔墨的形式美展开来论的。笔墨是中国画最重要的，不可缺少的造型手段和表现手段。国画大师石涛认为，笔墨的功能：一是行天地万物;二是从于心。即主张再现与表现统一。石涛的笔墨论，除了讲究以上功能之外，在相对独立的形式美方面，主张笔墨分中有合，合中有分，和谐统一。形式主义，自然主义与他的相对论是相对立的。 一、笔墨的概念及关系 笔墨是构成绘画色彩形象的技法手段的总称。通常把产生线条的方式及其结构如皴，擦、勾、染、点，叫做用笔，把墨色的色相如焦、浓、淡、重、清或含水多少不同而引起的枯湿效果叫用墨。 笔墨是构成中国艺术特色的一个重要组成部分。绘画的意境，构图都最终靠笔墨来完成，笔墨具有材料学和色彩学形象的双重内涵，因此，对笔墨的研究必然成为探讨中国画的一个重要问题。笔法和墨法在理论上是可以分开的，但是，墨随笔出，笔法必兼用墨法，笔中有墨，墨中有笔，所以二者关系是相互依存，难以分开的。李可染说实际说来，笔和墨是难以分开的，用墨好多由于用笔好，不善于用笔而善用墨的很少见。笔墨中国画充分运用毛笔的
中国画的哲学底蕴
中国画的哲学底蕴 摘要：中国哲学的“道”与艺术的巧妙结合，形成了具有民族化的艺术表现形式即中国画；成就了中国特有的绘画精神――追求一种“天人合一”的至高境界。 关键词：黑白道天人合一意象 绘画是人类精神文化的产物，是一个民族综合素养的体现。在几千年的中国文化的沉淀与发展中，中国画在华夏民族传统哲学观念的影响下成为了中国人审美观念中特有 的一种艺术语言，形成了一种独特的辩证思维艺术观。 中国传统的哲学思想主要以儒、道两家的哲学体系为中流砥柱，兼以南北朝时渐入我国的佛教。它们在各自的发展中又逐渐有机融合，在本质上影响着中国文化,也影响了中国绘画的表现方法、观察方式及思维观念。正如潘天寿所言“东方绘画之基础，在哲学。”画家陈子庄也说：“学画要深究哲学，……不学哲学则不能振拔，将永陷魔窟之中”。 在中国古代哲学中，道家将自然辩证法引伸为“阴阳”，于阴阳化生黑白、虚实、刚柔、动静等一系列对立统一规律。老子谓：“知其白，守其黑，为天下式。”庄子曰：“虚实生白”，“唯道集虚”。认为“白”显“黑”，“黑”彰“白”，黑白相生互为依存。由此导致古今中国画家们对画面物象位置
的精心布局和对空白隐形语言的积极探索，在绘画的意象结构中，虚空和空白占有很重要的地位。空白成了中国画艺术中不可缺少的表现语言。尤其自宋元以来的文人画，逸笔草草，不拘形似，画家所描绘的自然生命常呈现在一片虚白之上。如宋代郭熙在其《林泉高致》中就提出：“凡经营下笔，须留天地。何为天地？有如一尺半幅之上，上留天之位，下留地之位，中间方才立意定景”。南宋山水画家马远，因常常以山一角或水一涯的局部特写，突出大量空间和浓郁的诗意，人称“马一角”；夏圭，因突破全景而仅画半边，中间旷大，近景突兀，远景清淡，自成一格，人称“夏半边”。就拿夏圭的《寒林对雪图》来说，整幅画面以空?鞯纳搅治?背景，宁静安详，意境深邃，气脉贯通，格局新颖。他有意留出右上角的空白，使整个画面中心靠左半边，善于大胆地概括和剪裁，开创了以少胜多、空灵深邃的格局。“计白当墨”虚中有实，寥寥数笔，表现出一个异常广阔、旷远的空间，粗看意境深邃，细品回味无穷。 老子说：“玄之又玄，众妙之门。”玄，青黑色也，是五色得以成立的母色。庄子说“朴素而天下莫能与之争美（《庄子?天道》）”。老庄认为最高最美的艺术是自然本色之美，“天地有大美而不言”即是美的自然朴拙的特性所在，认为“五色，令人目盲。”由此在唐代水墨画兴起之后，忠实地遵循了老庄“朴素”这一哲学思想，摒去五色，代之以墨，认为
浅谈中国画在现代的发展
龙源期刊网 https://www.360docs.net/doc/9c15648381.html, 浅谈中国画在现代的发展 作者：徐芳艳 来源：《文艺生活·文艺理论》2010年第06期 摘要:素描是一切造型艺术的基础,国画中的水墨语言与素描有一定联第的,因为绘画部分中西都基于对形体的描绘,但在最初的绘画中都是用线对轮廓的刻画,以后才由于历史、文化等多种因素产生了不同的风貌,中国古代绘画史上也出现了注意透视、解剖的立体造型方法,当时被视为异类。 关键词:素描教学;中国画;艺术性;绘画语言 中图分类号:J20-05文献标识码:A文章编号:1005-5312(2010)11-0017-01 素描是一切造型艺术的基础。素描也是中国画学习的基础。但是在现在的国画教学过程中,以及学习的具体实践中发觉很难从现在的素描教学的影响中走出来。这也许是由于我们对于素描的局限认识。从字面上理解素描就是对对象的一种朴素的描绘,换句话说就是一种单色画。 那么从这层意义上讲我们见过的很多中国画特别是水墨画作品都属于此种范畴。但是在实际的分类中却大相径庭。 一、素描教学的误区 (一)我国的素描教学引进了俄罗斯19世纪以后的契斯恰科夫素描教学体系。但这个教学体系绝对不等于传统。打开文艺复兴前后期的欧洲素描来看德国素描结构严谨、笔法细致、线条准确有力,形象生动传神,人物刻画都具有鲜明的个性特征。 (二)契斯恰科夫素描教学体系要求结构准确,整体感强,有体积感、色彩感、厚重感、虚实 空间感强,讲究透视,解剖关系的准确。但是绘画是一种精神产物,不是简单的准确和深刻。它的艺术性要远远高于科学性。 (三) 素描概念的不合理理化。在高校素描课程设置中有石膏(几何形、挂面像、圆雕)、人物(头像、半身、全身)、风景、静物等都称为素描。 二、素描与国画之间的关系 素描是从绘画技法上区分的绘画科目,中国画是从绘画与语言及文化差异上区分的画种,是针对于西方绘画而言的。中西绘画都有素描,只不过中国画中称为“白描”。原本是绘画的一种粉本。宋代画家李公麟把白描发展成为一种独立的绘画形式。“扫去粉黛,淡毫清墨,”“不施丹青而
对中国画的理解
传统的魅力与现代的冲击——浅谈对国画的理解 国画，顾名思义，就是中国绘画。它是汉族传统的绘画形式，是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上，这种画种被称为“中国画”，简称“国画”。国画也叫宣画，即用颜料在宣纸、宣绢上的绘画，是东方艺术的主要形式。近现代以来为区别于西方的油画（又称西洋画）等外国绘画而称之为中国画，简称“国画”。它依中华民族特有的审美趋向及因此而产生的艺术手法而创作。 中国画起源古代，象形字，奠基础；文与画在当初，无歧异，本是一个意思。.我国夙有书画同源之说，有人认为伏羲画卦、仓颉造字，是为书画之先河。文字与画图初无歧异之分。它是中华民族历史发展中不可或缺的文化，也是灿烂的中华文明最杰出的艺术产物。古往今来出现了许多国画大师也留给我们大量精美的作品。斗转星移，沧海桑田，但是国画这块瑰宝却始终如新，一代又一代的艺术家们为它痴迷。随着现代社会的到来，不少年轻的艺术家们找到了国画的新的表现形式和手法，在传统国画的基础上不断创新。传统艺术与现代艺术在这个进步的时代华丽的撞击在一起了。传统的国画表现形式以笔墨为主，讲究“骨法用笔”，追求笔精墨妙的艺术效果。强调墨分五色，墨分为焦墨、浓墨、重墨、淡墨、清墨五种。在意境上，传统中国画，不管是工笔还是写意，都尚写意。讲究气韵、追求意境。写形是为了传神。齐白石说“太似则媚俗，不似则欺世，似与不似之间”，讲究传神达意的方法，着重体现画面所传达的精神、意境。体现出一种强烈的儒家风范，温文尔雅却胸怀天下，古朴豪放却意义深刻。而随着时代的进步和发展，出现了一批杰出的现代国画艺术家，他们在传统国画的基础上融合了西方绘画中对光影、虚实、体积构成的研究成果，创作出一批批精美的化作，如徐悲鸿，李可染。齐白石等等都是为世人敬仰的画家。融合型的现代中国画，丰富了中国画的技法和表现空间，在这一点上是有意义的。 在这里我并不是来对传统和现代吹毛求疵的，作为一名学油画出身的美术教育工作者，对于艺术的向往和追求使我不仅对西方油画也对咱们博大精深的国画艺术有深深的景仰，闲暇时也会翻开画册，提笔临摹。我今天写这些，主要的原因在于个别学生对于国画艺术的不正确理解，觉得国画很“古老”。当然这也不是在说所有的人，主要是前些日子在和学生交流时，我问他们以后想学什么专业，大家的回答大多数都是设计啊，油画啊之类的，而想学国画的寥寥无几，大家一提到国画不由自主的就想到白发苍苍的老爷爷。我不禁在想：这是为什么呢？不管是传统的国画也好还是现代的国画也好，是一种艺术表现形式，是我国文明历史的珍贵财富，时代在进步中国画也在进步，它不再拘泥于传统的流派体系，而是在越来越多的艺术大师的创新下出现一个又一个新的体系，而每一位大师都是在扎实的传统国画基础上另辟蹊径，开陈创新，给人们带来一副又一副叹为观止的艺术作品。 国画，作为一种艺术表现形式，承载了灿烂辉煌的中华文明，是厚重的历史长河中一颗璀璨的艺术明珠，我们不能为了接受新式的画法和教育就遗忘他。国画是我们中华民族的瑰宝，我们的国粹。千百年来国画一直在不断发展，而其传统的艺术精髓仍一脉相承，永葆其强劲的生命与活力，并在此基础上不断创新。至今，钓鱼台国宾馆、人民大会堂都悬挂着大幅国画。名家名作还作为国宝赠品在外交活动中起到国际文化交流的重要作用，这是因为国画表现的是中国人的精神、气质和中国人的思维方式与世界观。国画中的梅、兰、竹、菊，被称为“四君子”。梅,表现出凌寒斗雪的铮铮傲骨；兰，表现出生于幽谷，不取媚于人的崇高美德；菊，表现了不畏寒霜，不怕艰苦的高尚情操；竹，象征着高风亮节的清雅风范，这些，正是中国人最崇尚的精神品格。国画的核心在于笔墨功夫。所谓“书画同源”，也就是说，国画必须以书法的笔墨功夫来表现作品的精神。中国的汉字，几千年来不断发展变化，但不论哪个时代，何种字体，都可以超越时空，起到记录、保存和交流思想、文化的作用。然而，汉字一个主要的特点是具有审美价值。汉字成为一种书法艺术，这在世界上是少有的。国画必须运用中国书法的毛笔和墨汁，才能表现出笔墨的苍劲与骨力以及笔飞墨舞的潇洒神