温暖的绘画

有温度的绘画

——《艺术家实录·王旭》卷评析

董培升

当下画坛，的确有些蓬勃和热闹，甚至很嘈杂。中国绘画独立与西画之外，在古老的文化相承中大家迭出，名作流传，高山仰止。今之亦是名家频现，价值飙涨，趋之若鹜也实属正常。而于闹市之中取一隅之静，喜清波绿水,竹深荷翠,花枝鸟语,当如隔世之高人。画家王旭于此类似。

王旭第一时间告诉了我《艺术家实录，王旭》卷出版的消息，又专程送来画集品评，可喜可贺的同时，也让我感佩其待人之诚恳。画集由著名美术评论家贠冬鸣担任主编，河北美术出版社出版，装帧精美，版式设计考究，辑录了王旭近20年不同风格的百余幅绘画作品，既有学习探索之作，也有深入研修的创新作品，这是一次总结，也是一次检阅，是为了展示，也是为了促进。还收录了徐福厚、贠冬鸣、闻章以及外国友人的评品文字，对画家的生平、艺术历程、艺术特色有详尽的介绍，同时摘录了他本人的论艺心得，亦可作为画家研究的重要资料。

《晋·陆机·文赋》：“笼天地于形内，挫万物于笔端。”王旭的工笔画，充满了个人的、童年的、原野的、自然风景的描绘，他将印入自己脑海的自然万物所激起创作的激情，注入真挚情感，形象地创造出美的艺术作品。读画家王旭先生这些画作，我不仅感到惊喜，更感到力量，进而升华想象玩味其中。他的作品即是理性的，现实的，世

俗的行走，又是感性的理想化甚至近乎宗教感的审美追求。他在形而上与形而下之间穿梭，整体创作上既深具笔墨之功，又饱具现代之感；既真实亲切，又高度概括；既含有西画的因素，又与传统血脉相承，是连接历史与现代，东方与西方，过去与未来的艺术创作。我认为，这是人性与天理对撞出的大欢喜大思绪，是内心深处发出的诗意畅想和冰肌雪肠的自省，更是人文精神和精致描摹的形式酿成的玉液琼浆，焕发出清新、质朴、明快的特点。

画家王旭出身河北师大，对传统国画和西方绘画都具有较为深入的研习，造型细腻而大气，构图复杂而不累赘，色彩鲜艳醒目且舒服自然，追求恬淡隽秀的情趣，线条圆润，轻巧而疏朗，诗画合一，为画界所称道。同时，他对当今时代的生活具有敏锐的观察力和独特感受，呈现出新写实主义与个性气息强烈的美术倾向上。画集中的这些画作，面貌各异，个性突出，反映了青年画家对传统与创新、艺术与生活的关系的认识，不仅具有很强的探索性，也表现出了高度的民族气派、时代精神和独特个性，是对当今国画创作，特别是工笔画的审美取向产生影响。

画家王旭自小喜欢绘画，母亲读给他听的《圣经》给予了王旭思想上的文化启蒙，也使得他的绘画有着近乎宗教般的神圣感；外科医生的父亲给予他的解剖课，是为王旭最早的艺术蒙学。大学里，他先学油画后功国画，是因为国画所需材料更加简便，让王旭更容易实现自己的艺术理想。有一段时间，他阅读了2000多张的光盘资料，使他对艺术的理解更加充分和包容，也为他的艺术创新打下了基础。曾

与王怀骐、李明久、刘进安、蒋世国等诸师学画，让他在工与写，雅与俗，承与变，院体画与文人画，东方与西方等诸多艺术流派里，找到了自己应有的创作定位。

一幅画作的诞生，就是画家与生命的相遇，与风景的相遇，与世界的相遇的某一瞬间的定格。尤其是他在色彩方面的能力,很早就反映出来了。这在他在研习朱德群绘画的作品里就可以看到，早期模仿的朱德群作品在狂和烂漫气质上是相通的，而在冷暖上我认为朱德群比他明显要暖与野一点。他当时的一些习作在色彩上浓郁而有韵致，明暗层次丰富。画家很注意描绘客观物象的质感，不论是禽鸟的翎毛，还是枝叶的经脉，都被分毫无差地表现出来，这种能力得益于细微的观察力和准确的把握力。画集之中的十几幅速写作品可以看出，画家见灵性、显才情、露功底的基本素质，所画洋溢着对自然生活的热爱，有情感的参悟，有灵魂的孕育，也有诗意与哲思的潜流。

石涛说：“夫画，贵乎思”。王旭坚持艺术思考，日常写下了大量的艺术随笔，时时回味创作时的体悟和感觉，画集最后也节选了其中的以小部分，也让我们窥一斑而知全豹。“宇宙中存在着一种让一切趋向美好，让一切进化发展的力量，这是宇宙的秘密”“‘恶’永远比‘善’表面上有力量，可悲的是，只有它自己会认为这样做是有力量的。”“艺术就是把观众的心放在洗衣板上揉来揉去”“‘草木有生命，虫鸟有语言’，如果想听懂只需要安静下来，澄清心灵，心灵里的高于大脑里的，大脑里的高于眼睛里的，眼睛里的高于手头上的，所以技术永远不是大问题。”这是王旭在时间历练中的收获

和艺术心得，我在其中读出了他师法自然、直面生活的创作态度与思考，读出了他的创作凭的是那份真性情的真，既能影响观者的心性，又可化作画家心性的盎然韵致。而对于缺乏宗教信仰，长期找不到普世价值的众生，沉浸在他那种在云朵于凡尘之间，能够让人如闻天籁，如饮仙醪，倍感温暖。

“人生的色彩如何，取决于你的心相”王旭如是说。他苦心孤诣，真诚创作，其人胸襟之宏阔，艺术修为之精致，使之王旭不仅走出了河北，同时在泰国、法国等地拥有了众多的知音，其今后的艺术创作也必定会有大发展，大境界。

第一美术的主要表现手段

美术的主要表现手段造型的表现力一、教学目标（知识目标、能力目标、情意目标）知识目标: 认识、了解艺术作品，主要是绘画作品的不同造型艺术表现手段能力目标: 欣赏、感受、认识和评述不同绘画作品的造型要素与艺术表现方法情意目标: 培养学生的审美能力二、教学重点、难点教学重点：认识、了解艺术作品，主要是绘画作品的不同造型艺术表现手段难点：学生是否敢于评价美术作品中不同造型表现特点三、教学方法启发-----欣赏------讨论------评述四、教学过程 1、引导阶段 ①教师讲解：不论是普通儿童的绘画创作,还是著名画家的绘画创作,都要运用一定的物质材料和造型艺术表现手段 ,例如线条、明暗、体量和空间等，来进行表现，这些美术作品的造型要素及其运用方式便成为作者进行艺术表现或与他人进行信息交流的艺术语言。出示课题：造型的表现力（板书） 2、新授课（1）线条人类早期的绘画，特别是东方的传统绘画，大多以线来进行造型表现，线条既可以具体地描绘审美对象的生动形地表现主观的审美感受和思想感情。出示课件分组学习将学生分为五组，针对五种艺术品的表现方式进行讨论学习要求： 1.从画面中你了解到了什么，请讲给大家听

2.不同的艺术品使用了不同的材质，不同的线条表现手法带给你什么样的感受？ 3.线条在艺术品中的表现特点是什么样的？教师提示：朝元仙仗图卷标——中国，白描，武宗元作菩萨立像——石雕，唐代宴罢——红绘式装饰画毕尔巴鄂古根海姆博物馆——建筑西班牙缠枝牡丹纹梅瓶——瓷器宋代发展阶段（明暗、体积、空间）结合欣赏，介绍“明暗”在绘画作品中的地位和对绘画表现形式的影响，引导学生观察认识画作。师生共同欣赏作品，学生谈自己对作品的看法：《圣母玛利亚》达芬奇《塔吉克新娘》靳尚宜明暗：物体表面的明暗变化，可以较好的再现光影效果，有效的凸显物象的绘画形式。结合欣赏，介绍“体量”在作品中的地位和对绘画表现形式的影响，引导学生观察认识画作。欣赏——上海世博会沙特场馆（建筑）现代作品双环（雕塑）英国体量：指建筑物或雕塑作品等实物的物质体积。体量的差异可以产生不同的视觉效果和心理感受。结合欣赏，介绍“空间”在作品中的作用。欣赏——阿尔让特伊的大道（油画）法空间：建筑、雕塑意识体空间关系体现不同的美术效果；绘画作品则是在二维的平面上虚拟性地表现出空间感。三、课后拓展选一幅自己喜欢而又耳熟能详的绘画著作，写一篇短文，谈谈各种表现手段在其艺术作品造型中的作用。

浅谈现代艺术设计与绘画的关系

浅谈现代艺术设计与绘画的关系【摘要】：绘画与设计是不可分割的。艺术表现的外延和内涵已经被拓展到一个相当广泛的艺术领域，只有正确理解绘画与设计的使命、特点、异同与发展等才能对两者的关系有客观的、深刻的、科学的认识，这对艺术教育与实践等才具有积极意义。【关键词】：艺术设计; 绘画; 关系纵观人类的发展进程，有相当大一部分也可以被视为是一个设计的历史，而艺术设计在现代绘画的基础上，可算做是一种延伸。艺术设计运用创造性思维，从整体和具体细处都属于形象思维和逻辑思维的结合。对总体的安排和结构的处理运用逻辑思维为主，对造型和表面装饰的处理运用形象思维为主，二者不可截然分开，而是相互交替进行。随着社会科技进步，数字图像和网络技术的飞跃发展，使计算机图像处理能力不断提高，日趋完善。计算机图像学在艺术设计中所占比重越来越大。社会各个领域对具有掌握计算机新技术和新知识的艺术设计人才需求与日俱增。数码艺术设计只要是从事以计算机为载体的平面设计、三维设计、影视动画设计、影视广告创意与制作、网络多媒体等方面的高级专业艺术设计人才。无疑，电脑艺术设计的出现将使人类艺术世界的格局发生根本性的变化。目前，世界上发达国家和地区将电脑艺术设计广泛地应用于各个艺术设计领域，从工业设计、平面设计、建筑设计、室内设计到影视动画、电脑游戏……等等。但是当电脑艺术创作给艺术家带来兴奋和视觉的新奇的同时，却发现因文化科技等诸多因素，产生了艺术设计与现代绘画艺术美的情感差异和艺术设计表现的不足，同时还存在一些对艺术设计，尤其是电脑艺术设计的模糊认识。因此，有必要认真思考绘画与设计两者的使命，理清它们之间的种种关系，这对艺术教育与实践等具有建设性意义。现代绘画与平面设计同样都是个性的表露。回顾绘画的发展史就会发现，无论中国还是西方，每一位杰出的大师都曾经创造过极端个性化的作品，他们的作品都具有自己的典型特征。画家、设计师们，尤其是现代派的一些大师，他们在创作时可以完全不用考虑其作品的社会性。在某种意义上说，作品的生命力，正表现在个性化上，通过对美的形式法则的特殊理解而存在着。任何一个伟大的画家、设计师，都会有自己独特的审美个性，创必须把自己个人的主观意志潜能释放出来，最大限度地表现自我。设计与绘画最大的区别是否依赖商品。绘画的本质是实现对美的追求，具有被观赏的特征，反映的是思想意识、精神生活、情感宣泄和美感体现等，因此，绘画是非物质、非功利、非实用主义的。创新是绘画的生命，并且通过个性化体现来实现，古今中外每一位杰出的绘画大师都创作过极为个性化的作品，展现了自己的典型风格和特征。画家们（尤其是现代派画家），为了表现出作品的生命力，根据自己的愿望，在技能、材质与工具的应用上随心所欲，可以完全不考虑其作品被不被人理解、欣赏、接纳或认可。在这方面，梵高是一位典型的大师，他创造了大量极作，但在当时未能被人们广泛接受。而设计作为商品具有包装价值和使用价值本身就是为市场服务的。设计的最终价值在于客户的满意，商品价值的实现，市场需求的满足。艺术设计创作是从商业派生出来的，缺乏艺术创作的根基，造成人们对数码艺术表现的认识还趋于肤浅和一些错误的看法，在这里主要存在两个方面的

学前儿童绘画能力的发展

学前儿童绘画能力的发展一、涂鸦阶段（约1.5—3.5岁）（一）未控制的涂鸦 1.时间：涂鸦开始后的半年左右 2.特点：无规律可循的点、线混杂图，涂到画纸之外 3.原因：（1）不知道自己的运笔动作和涂鸦结果之间的直接联系（2）握笔的动作——手掌和手指共同操作，肩部、手臂和肘部无控制动作（3）大小肌肉尚在发展（二）有控制的涂鸦 1.时间：2岁左右 2.特点：重复的或具有上下左右方向性的各种线条，能将涂鸦控制在画纸之内 3.原因：（1）能知道自己的运笔动作和涂鸦结果之间的直接联系（2）手眼协调（3）控制肌肉动作（三）圆形涂鸦 1.时间：2岁半左右 2.特点：圆圈线条，涡形线、不闭合及闭合的圆圈、复线圆圈 3.原因：（1）能知道自己的运笔动作和涂鸦结果之间的直接联系（2）手眼控制和协调（3）关节和肌肉更加灵活（四）命名涂鸦 1.时间：涂鸦过程中开始说故事 2.特点：具有明显的表达意图，对涂鸦进行命名 3.涂鸦出现的原因：涂鸦是儿童绘画活动的起始阶段（1）源于儿童身体运动的需求，随着身体运动能力和协调性的提高逐渐发展（2）源于儿童探索周围世界的欲望

4.“涂鸦滞后”现象一些没有条件看见别人写字或画画的孩子，即使到达涂鸦期的年龄，也没有出现涂鸦活动。模仿是影响涂鸦行为出现的重要因素之一。 5.当儿童出于涂鸦期，成人应持的态度和发挥的作用如下：（1）成人应该重视儿童的涂鸦，切不可认为是孩子的随意胡闹而加以制止。（2）成人应该在儿童涂鸦期发挥适当的作用。二、象征阶段（约3.5—5岁）（一）图形简单几何形和线条的组合，与想表现的真实事物想去甚远，具有象征性的意义。典型代表：“蝌蚪人” （二）色彩 1.能够识别主要的色相，有颜色个人偏好 2.象征阶段初期，用色不受物体固有色的限制，选择自己喜欢的颜色，自由涂抹自己偏好的物体。 3.象征阶段后期，逐渐按照物体固有色选择色彩，可以用方向一致的线条均匀地涂色，并图在轮廓线以内。（三）构图一个个独立的形象罗列在画面上，各个形象在大小、位置、间隔等方面并没有刻意安排，它们在共同的空间里的相互关系没有任何法则可循，但又确实有一定的表现主题。（四）成人的态度和作用

新人教版八年级上册美术第一单元《美术的主要表现手段》教案

第一单元美术的主要表现手段第一课造型的表现力一、教学目标（知识目标、能力目标、情意目标）知识目标: 认识、了解艺术作品，主要是绘画作品的不同造型艺术表现手段能力目标: 欣赏、感受、认识和评述不同绘画作品的造型要素与艺术表现方法情意目标: 培养学生的审美能力二、教学重点、难点教学重点：认识、了解艺术作品，主要是绘画作品的不同造型艺术表现手段难点：学生是否敢于评价美术作品中不同造型表现特点三、教学模式（或方法）启发-----欣赏------讨论----- 评述四、教学过程 1、引导阶段 ①教师讲解：不论是普通儿童的绘画创作,还是著名画家的绘画创作,都要运用一定的物质材料和造型艺术表现手段 ,例如线条、明暗、体量和空间等，来进行表现，这些美术作品的造型要素及其运用方式便成为作者进行艺术表现或与他人进行信息交流的艺术语言。出示课题：造型的表现力（板书） 2、新授课（1）线条人类早期的绘画，特别是东方的传统绘画，大多以线来进行造型表现，线条既可以具体地描绘审美对象的生动形地表现主观的审美感受和思想感情。

出示课件分组学习将学生分为五组，针对五种艺术品的表现方式进行讨论学习要求： 1.从画面中你了解到了什么，请讲给大家听 2.不同的艺术品使用了不同的材质，不同的线条表现手法带给你什么样的感受？ 3.线条在艺术品中的表现特点是什么样的？教师提示：朝元仙仗图卷标——中国，白描，武宗元作菩萨立像——石雕，唐代宴罢——红绘式装饰画毕尔巴鄂古根海姆博物馆——建筑西班牙缠枝牡丹纹梅瓶——瓷器宋代发展阶段（明暗、体积、空间）结合欣赏，介绍“明暗”在绘画作品中的地位和对绘画表现形式的影响，引导学生观察认识画作。师生共同欣赏作品，学生谈自己对作品的看法：《圣母玛利亚》达芬奇《塔吉克新娘》靳尚宜明暗：物体表面的明暗变化，可以较好的再现光影效果，有效的凸显物象的绘画形式。结合欣赏，介绍“体量”在作品中的地位和对绘画表现形式的影响，引导学生观察认识画作。欣赏——上海世博会沙特场馆（建筑）现代作品双环（雕塑）英国

绘画作品中如何正确反映主题思想

唐卡的绘画和选材

藏传唐卡画总体给人以刻划精细，色彩艳丽，造型生动，风格独特而有别于其它绘画种类。藏传唐卡画艺术的特点概而言之有以下几点：中心突出，讲究对称：唐卡画的主流就是表现宗教神佛题材的，是佛教进行传播的重要手段和艺术形式，故此在唐卡画面中以神佛为中心居突出地位，其造像常以肖像画的形式统领全局，四周点缀以小人物组合的情节，或山水花草、或祥云彩虹，疏密巧布，大小对比，繁简相衬，动静结合，使中心佛像更加突出。以线描为造型骨架：线描勾勒是藏族传统唐卡画的基本手段，也是与藏族远古文化一派相承的优秀审美表现技法。线描在藏族古代绘画中已达到了很高的水平，而且人们把线描功夫看成画师水平高低和衡量作品价值的一个重要审美标准。绘人物唐卡大多采用铁线描、高古游丝描；绘景物则喜用富于变化表情的粗细线勾勒，这种线描的功力，尤其在绘制黑唐卡、彩唐卡和精细的坛城图唐卡中能见其功底。设色浓重，对比强烈：唐卡画整体给人以色彩浓烈、富丽堂皇，灿烂夺目之感。这得力于绘制唐卡使用的颜料主要是矿物颜料和部分植物颜料，这些颜料纯度高，质量稳定不易败色，且复盖力强，故藏传唐卡有千年之久色泽如初之说，藏族人民由于生存在雪域极地，高原空气稀薄，透明度强，自然山川、雪山草原色彩纯度很高，故此，审美视觉养成了对三原色

的偏爱，喜欢红、黄、蓝、绿、白等鲜亮的色彩。这些色彩在宗教意义上又有一定的象征内涵，故常用之。藏传唐卡画非常善于用真金作画，用金线勾勒，用金纹饰物，用平涂磨金，用赤金铺底，尔后再用黄金勾勒花纹，以增加金的层次感等多种手法，金银色的特殊技法，使画面更具鲜艳夺目，金辉银灿的装饰效果，这是唐卡画的一大特色。浓郁的装饰韵味：唐卡所画人物、动物、飞禽、山水、花草、树木行云流水，火焰飘带，佛塔宫殿造型都超越于生活，提炼上升为典型的图案装饰。如以火焰为例，不仅在造型上创造了多种多样的如音乐旋律般美妙的装饰纹样，同时在色彩上也付于了它多姿多彩的象征装饰意义。精细入微的写实手法：唐卡对仙人凡夫的个性刻划，微妙微俏，入木三分，尤其是人物造型，虽有《三经一疏》为规范标本，但藏传画师们不满足于经典的桎梏，而以人间理想化的美来创作，如释迦牟尼佛等静善相的造像，以我佛慈悲为基主旨外，更多一层，宽厚慈和，安祥文雅可亲之态，似乎能理解人间万物之事。题材的广泛性：基于唐卡形式的灵活性、实用性和在民间的普及性。唐卡所表现的内容题材涉猎面极广，它囊括了藏传佛教所有的人和事，包涵了藏区所有的自然万物，民间世俗生活，涵盖了数千年藏族的古老文明于咫尺之内，尽展风采。超时空的表现：唐卡多采用散点透视手法，不受时间、空间的限制，将同一主题而发生在不同时代的不同地点的事务组

艾敬绘画：将艺术进行到底

艺术品知识张晓刚(微博) 最初认识艾敬还是源于她的歌声，只闻其歌未见其人时，我觉得她一定是个十分单纯的女孩。她有着一副干净、纯粹的好声音，有着一颗灼热追求梦想的心。《我的1997》，是艾敬当时轰动乐坛的一首原创歌曲，至今人们谈到艾敬，还是会记起它。我当时也被这首歌深深地打动，歌中讲述了她成长的生活经历，同时也映射了她内心的真实写照。一个东北女孩为了梦想也好，为了爱情也罢，一直想要去香港找寻她的爱人，实现她的梦，就是这样一个单纯的声音、简单的故事让我感受到小女孩对梦想的极度渴望与大胆追求，从此我记住了“艾敬”的名字。我一直对坚持原创的歌手情有独钟，艾敬正是这样一位略带摇滚范儿的都市民谣歌手。那会儿，我彻头彻尾算是她的忠实粉丝。原来在四川，我买了很多她的磁带，经常在画画的时候听她的歌，很有感觉。 1998 年北京的阿仙蒂酒吧，那里正如印象派画家云集的“盖尔波瓦咖啡馆”一样，是当时艺术家经常聚会的小场所。画家、歌手、诗人、作家在这里把酒寻欢、畅所欲言、思想碰撞。在那里，我和艾敬的真正相遇了。和艾敬接触后，我慢慢发现这个女孩除了和她的声音一样纯真、热情以外，内心还十分执着，事业心很强，对自己的梦想、对自己喜欢的事情一直坚持，从不轻言放弃。也许这份执着让艾敬走得并不是那么一帆风顺，她不像普通流行歌手那样一味迎合大众的口味，而始终坚持自己的艺术趣味。我初识艾敬的那段日子，她正处于创作上的低谷，生活上也有些不如意，但她依然很乐观。有一天，艾敬拿给我一册涂鸦本子，都是她平时随便画着玩的，我觉得她很有天赋，画得

很有感觉，充满幻想，表现性强。她说想画画，要当艺术家。最初我只当这是个玩笑，觉得小女孩三分钟热度而已。没想到艾敬“当真”了，又一次让我见证了她的认真与执着。 1999 年至2000 年，艾敬经常来我工作室画画，颜料、画布、工具都是现成的，只要她没事，就会来画着玩。我偶尔也会教她一些绘画技巧，尤其是色彩上的处理。最初她学习我那种“理性绘画”，一层一层地画，画面带有一丝甜蜜与浪漫，很小女人的感觉。虽然她没说，但我知道她恋爱了，那种喜悦的感觉是可以从画中感受到的。艾敬确实在用“心”画画。她很有主见，也善于思考。艾敬在国外经常给我打电话，谈对某件事的感受与看法，我也经常鼓励她将这些人生的体味与感悟转化成艺术语言，将其融入创作。后来，她与艺术越来越密切，从租工作室，到真正开始创作，这份执着让她的“艺术家梦”越来越近。她在美国的长期生活对创作影响很大，她的审美趣味也偏西化。我记得当时艾敬最喜欢吉斯〃哈林(美国最受欢迎的涂鸦艺术家)，而且很长一段时间独钟情于此人，她也认真研究和学习了他的技法。从音乐到当代艺术，艾敬的“华丽转身”让我惊喜。虽然这是两种完全不同的艺术形式，但两者之间确有共通之处，艾敬希望用一种国际化的语言与方式去做音乐，做艺术。她的音乐，虽然歌词是中文，但从编曲、音乐风格，乃至整体包装都很国际化；她的当代艺术，虽然骨子里仍逃不出中国人的思维模式，但作品语言风格愈趋国际化，观念性强，偏爱宏大主题，也许这就是东方人理解与诠释的国际化趣味与标准，这是一个值得深入探讨的有趣现象。艾敬小小的个子，体内却蕴含着一颗强大的心，强大到无人能撼动。从单纯、乐观、少不更事的年轻女孩，到事业心强、

论绘画艺术审美特征

论绘画艺术的审美特征作者：马龙潜文章来源：山东大学文艺学研究中心一绘画以色彩、线条、形状作为艺术传达的媒介，在二维的平面上，感性具体地展现广阔的社会生活图影。绘画艺术一方面偏重客观，偏重对于对象的客观再现；一方面又突出了艺术家的主体表现，这两者使绘画更为个性化了。色彩、线条、形状往往既是展现个性化的客观对象的形式，又是个性化的艺术家主体表现的形式，它们都是线与面在二维空间中的展开，这与偏于客观的认识在空间中展开的本质有某种内在联系（正如声音在时间中流转与情感在时间中运动有着内在的联系一样）。相对地说来，色彩长于认识，线条长于表情，这使绘画艺术既能个性化地、具体地透视客观对象的本质与必然，又能细致复杂地展示主体的主观意象与精神情感。绘画的艺术形象展现在二维的平面之中，这使它作为一种独特的艺术类别或形态，具有了自己的存在价值和相异于其它艺术类型的审美特征。绘画之在二维平面中建构的艺术传达手段，一方面决定了它以艺术家自身存在的主体性为基本原则，另一方面也为充分运用艺术材料（媒介）如色彩、线条、形状等等提供了更广阔的场所，因而在客观地反映对象方面有了更大的可能性。单就色彩而论，赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫的不同，深浅浓淡的极细微的差别，便可把主体方面的情绪——情感、精神——心理状态，与外界各种各样的事物接触时心中引起的特别兴趣，情感都渲染出来。同时，绘画可以反映社会生

活的极其丰富多彩的内容，它可以容纳自然的天地造化，人工的精巧创造，也可容纳面目各异的人物，社会生活的方方面面；它不但能够描绘各色人物的容貌神态，而且能够表现人物在复杂社会环境中的内在心灵冲突和情感色彩。绘画大大扩展了客观的主体性艺术反映社会生活的能力和范围，其题材的广阔性造成了其样式的多样性，除了人物肖像画外，风景画、静物画、人物情节画等也占有不小的比重。其艺术传达手段的特殊性与多样性，也造成了其体裁的多样性，如绘画之分为油画、水彩、素描、中国画等等。浮雕、木刻可以说是从雕塑到绘画的过渡，是联系两种艺术形态的中介和桥梁。绘画艺术可以淋漓尽致地展现人类生活中的某些细节，但此种展现并不在于单纯地摹拟人物和客观事物的外貌，它主要是通过人物的神情与活动等可视的因素，来完成对人物性格的刻划、人物内心世界的展示，同时也实现主体内在情感的传达与表现。绘画中艺术形象的建构与每一根线条、每一点色块的具体运用相联系，这使它最适于描绘生活的细节，使艺术家能够借用刻划生活中某一可视的瞬间，来概括事物发展过程中与之密切联系的前后阶段，从而使定型化了艺术形象在观赏者头脑中引导对事物发展过程的联想，激发对动态过程前因后果的丰富奇丽的想象。如莱辛所说“作品不仅仅让人看一下，还要让人考虑，让人长期地反复观赏……；让想象自由活动才是最有意义和效果的，我们愈看下去，就愈能在里面想出更多的东西来。”（L 《拉奥孔》第三章）绘画在二维平面上去再现与反映生活，不但追求视觉上的逼真性、精确性，还力图借助视觉形象的描绘，表现人类主

墙面绘画制作方法及步骤

手绘墙画制作方法及步骤-家居小窍门一、手绘墙制作方法/步骤 Step1：在墙面上根据图案大致的形状贴上胶纸，这是为了在上面画图案用的。 Step2：在胶纸上面用铅笔打稿，用深色马克笔描出要用的线条。然后沿着这些线条将图形刻出。 Step3：在墙面铺满报纸，以使图案外的墙体不被颜料污染。 Step4：为了使颜料漆出来的效果更好，在图案上先上一层白色的底漆。 Step5：在图案部位喷涂或刷涂颜色。 Tips：在墙体上绘制图案所使用的颜料可选用丙稀或者墙漆。当然，手绘墙还有其它很多种方法。如果你绘画功底够厚，那么可以直接在墙上作画。如果担心自己的绘画水平，还可以采用与广告相结合的方式来进行。总之，条条大道通罗马，愿你能打造一个属于自己的新家。二、DIY手绘墙画的材料、制作方法、注意要点与相关知识充满创意的手绘墙画制作出了属于每个家庭的私家风景。而这种风景并不局限于家里的某个位置，像卧室、餐厅、甚至卫生间都可以选择。不过在打造手绘墙画的时候还有一些要点是需要我们去注意的。 1、首先墙画的图案和色彩要服从整体设计风格。比如您家是中式风格，那就要求墙画图案的色彩主要是比较传统的黑色，红色或者金色。图案主要来源于中国传统的图案和纹样，或是国画中经常表现的图案。北欧派简约设计色彩上比较极端，游走于黑白灰和超艳丽色彩两端，因此相应的墙画图案多为经过处理的比较抽象的图案。现代派设计色彩倾向于艳丽，相应的墙画图案比较写实。欧式设计的手绘图案色彩比较中性、低调，墙画图案主要来源于古典的欧式装饰符号，来配合欧式家具、墙线的表现。 2、其次手绘墙画出现的位置也有讲究。一般我们不建议整个房间都画上彩绘图案，那样会让空间显得没有层次。您可以选择一面比较主要的墙面，大面积绘制。这种手绘墙画是做为家里的主要装饰物面孔出现的，往往会给人带来非常大的视觉冲击力，效果非常突出，印象深刻。另外一种是针对一些比较特殊的空间进行针对性绘制，比如阳光房可以在局部绘制与太阳、花鸟为主题的画，在楼梯间画棵大树等等。还有一种是属于点睛类型的，像开关座，空调管等角落位置。画上精制的花朵，自然的树叶往往能带来意想不到的效果。 3、手绘墙画制作方法手绘墙的制作方法很简单，但是对制作者的绘画功底有一定要求。所以以下的方法和注意事项一定要注意！手绘墙画的材料：各色环保涂料、毛笔、排笔、粉笔、铅笔、涮笔筒、小面积的墙壁(初学彩绘且美术基础弱的人最好选择不怎么显眼的小块墙壁)。三、手绘墙画制作经验分享 1.先想好需要手绘的图案，可以模拟现成的图案，无论简单或是复杂，都建议先用粉笔或铅笔打好草图。 2.打好草图后，用排笔轻轻扫淡些，保留痕迹。建议初学者还是从简单的图

影响孩子绘画能力的主要因素

影响孩子绘画能力、水平的几种关系一：天性关系。每个孩子都是一个独特、唯一的生命，自出生就带有自己的禀赋。在绘画中的具体表现为：热爱绘画。对某种题材或某种材料有超于常人的感觉。例如有人爱画建筑，擅长画建筑，无人教也能画好建筑。有人爱画汽车，有人爱画风景等。材料方面则表现为，有人天生对油画有感觉，有人天生就对线条有感觉，有人天生对水墨有感觉等。二：性格关系。性有急缓，每个孩子性格不同，作品也有很大差异。性格能影响、决定人的命运，也能决定作品的气质，性格关系是影响艺术作品的重要关系。故古人云，人品及书品，人品及画品。例如黄宾虹温厚长者，作品也是浑厚华兹，富有学养，作品呈大家气象。梵高虔诚善良，作品灿烂美好。三：家庭氛围关系。家庭是孩子第一课堂，氛围营造和熏习极为重要。家庭氛围不但能够影响孩子的性格，更能影响孩子的信心和兴趣。例如毕加索父亲是美术教师，从小就带着毕加索欣赏名作，写生，营造了一个很好的学习成长氛围，以致少年的毕加索就已经画的极为出色。例如赵孟頫和夫人管道昇都善画，文征明家族也都善画，这样的例子数不胜数。四：视觉氛围关系。视觉氛围分两个方面，一为时代氛围，会对孩子未来的风格、题材产生巨大的影响。如齐白石生长生活在农家，从小看遍青山、斜阳、蜻蜓蝴蝶、螃蟹虾米，以至于以后画出天真、单纯的花鸟画。二为眼睛阅读氛围，会直接影响孩子的审美取向。从小要看好的作品，为将来打下坚实的基础。绘画分为几个层次，有眼高手绝者，有眼高手高者，有眼高手低者，有眼低手低着。眼界很重要，古人云，师法其上，得其中也就是这个意思。五：师承关系。明师出高徒，严师出高徒。好的老师能及时发现孩子的天性、性格、禀赋、因材施教，使其打下坚实基础，步入正途。明师、严师的标准就是视野开阔，有很深的艺术素养，有很强的实践能力，同时具备很好的传达艺术经验的能力。

绘画中主动观察的一些技巧方法

对于美术生学习绘画来说，主动观察是非常重要的，但是却是有很不少考生是无法把握住观察的一些正确方法的，我们现在就来看一下对于绘画主动观察的一些技巧方法。对绘画而言，观察的方法多种多样，每个人都可以根据自己的经验或习惯采取不同的观察方法，关键在于方法是否正确，是否能够将“观察”到的形象或感受融入到绘画当中去。许多人往往缺乏正确的观察方法，面对极为丰富的大自然茫然无知，甚至对极具绘画价值的形象、色彩熟视无睹。我们从事绘画学习就应该而且必须学习正确的观察方法，尤其要对外在物象进行“主动观察”，只有这样才可以引导和帮助我们在追求绘画艺术的道路上少走弯路，而且可以提高我们的艺术修养、眼光敏锐度和审美能力，从而使绘画表现技能得到提高。绘画观察法的技巧

绘画不能像摄像机一样完整而真实地记录变化中的形象，而只能记录变化中的一个瞬间。所以，作为绘画观察来讲，更应该花时间来观察和收集物象变化中的视觉形象，其目的在于将其化为绘画形象语言，最终为创造出符合绘画意图的形象服务。大自然中的色彩都不是孤立存在的，而是处于相互联系、相互制约的关系之中，因此，全面地、整体地观察有利于找到色彩的这些相互关系。特别是找到这些关系中最主要、最基本的关系。这些基本的关系，是构成与支配各种色彩现象的根本因素，发现和把握住这一根本因素，才便于认识和协调色彩的各种关系。整体的观察是核心的方法，必须把整体的观察理念放在首位，这样才能确立主要的目的和方向。整体观察的方法主要有： (1)绘画观察法：抓整体的基本调子。观察的第一步，就是要善于发现和抓住整体的基本调子。“调子”是统帅，所有的色彩都在它的统一号令下组成一个严密的整体。所以，我们首先只有抓住基本调子，才能便于统筹安排各种色彩的关系。基调的确立，首先要认识和掌握光源的强弱程度、色彩倾向和冷暖倾向，在光源的影响和制约下，物象也必然具有明度高低的特点，以及产生某种色彩倾向和冷暖倾向。如在阳光色彩影响下，物象总的色彩

美术理论历年考题

美术理论历年考题 Document number：WTWYT-WYWY-BTGTT-YTTYU-2018GT

填空与选择 06年一、填空（每空1分，共10分） 1、弗雷泽在《金枝》一书中把巫术分为交感巫术和___________巫术两种。 2、最早把_________视为美的本质的是古希腊的毕达戈拉斯学派。 3、在古希腊，“艺术”的含义是“”。 4、哲学家__________影响了苏珊·朗格的美学思想。 5、尼采认为艺术有“酒神”和“”两种美学类型。 6、认为艺术起源于劳动的美学家有毕歇尔、希尔恩和俄国的 ______________等人。 7、美学家莱辛是_____________国的美学家。 8、“山水以形媚道而仁者乐”是中国古代美学家____________提出来的。 9、魏晋南北朝时期的美术理论家有谢赫、宗炳、顾恺之和_____________ 等人。 10、“林泉之心”是宋代郭熙在《》一书中提出来的观点。二、单项选择题（五项选一项，共五题，每题2分，共10分） 1、艺术理论着作《诗学》的作者是： a、柏拉图 b、贺拉斯 c、亚里士多德 d、苏格拉底 e、朗吉驽斯 2、在中国绘画理论中，提出“蒙养生活”的作者是 a、董其昌 b、王履 c、徐渭 d、朱耷 e、石涛 3、温克尔曼用“高贵的单纯、静穆的伟大”描述和赞美的是 a古希腊的美术b、中世纪美术c、古埃及美术d、印度美术e、巴洛克美术 4、《艺术与视知觉》一书的作者安恩海姆是： a英国人b、俄国人c、法国人d、德国人e、美国人 5、“意造境生”出自 a、《历代名画记》 b、《林泉高志》 c、《山静居画论》 d、《图画见闻志》e、《画禅室随笔》三、判断对错题（对打Ｖ错打Ｘ，每题4分，共5题，共20分） 1、《判断力批判》是康德论述美学问题的重要着作。 2、贡布里希认为在艺术创作中，以“纯真之眼”观察对象是可能的。 3、艺术与社会的关系，只与内容有关，与形式无关。 4、现代形式主义理论是反对题材决定论的。 5、艺术作品中的意识形态性，表明其反映的对象具有客观性和中立性。05年一、填空（每空1分，共10分） 1、毛泽东《在延安文艺座谈会上的讲话》于年发表。 2、“美是造型艺术的最高法则”是德国美学家莱辛在《》一书中提出来的。

中西方绘画审美观念的异同

中国绘画以中国的水墨画为代表，中国的水墨画以写意为主旨，作画者不但要心中有画面，还要有对画面深深的感情寄托，不以生活中的实物的形象为局限。用笔是大胆，不拘于形式，不刻求光感以及画面色彩搭配，观赏者要走入画中，走入作画者的思想中，这样才能真正的欣赏它，感受它的美。中国的水墨画画面多辅以文字，作为欣赏画作的铺路石，如中国五代时期画家荆浩的《匡庐图》，画面气势磅礴，危峰重叠，四周溪峰连绵，山石之感坚实，体感厚重，体现出作者对山水无限敬仰之情，也同时能体现出作者无限的胸襟。西方绘画作品非常繁多，但其中以宗教色彩浓重的题材为其代表，画面多凝重，色彩对比鲜明，画法笔触精细，力求完美，画面人物表情清晰明了，而且作品题材多为广为人知的宗教故事。做平力求形似，有种真实贴切的感觉。作者多追求画面的光源，以及光源在画中人物中的折现。他们善用光和色彩来体现作品，西方绘画作品也能体现画家的一些思想感情，但过于拘泥，不像中国水墨画般豪放、洒脱。如：拉斐尔的《西斯廷圣母》徐徐打开的帷幕中圣母怀抱着圣婴从云端缓缓落地，圣母端庄矜持的脸上略带忧伤，而圣婴也带着超乎儿童的神圣。画面如诗一般，艺术语言表现出一种优雅、和谐、轻快，体现了当时的人文主义理想。

那你可能会问中国就没有了细腻，西方就没有来豪放吗？我只能告诉你：“是也！非也！”。无论是西方绘画还是中国的绘画，他们都在不断的发展，不断的变化，随着世界文化的交流，随着审美观念的拓展，西方也出现了洒脱之作，中国也不乏细腻光感的作品出现。西方绘画作品中现代的大作中写意、奔放的作品很多，如蒙克的《呐喊》，画中天空被染成了鲜红色，灰蓝色的海湾和小镇，桥头两个僵直的人影向前走着，画中央一个有几分变形的人正在捂着耳朵呼号呐喊，像是画家自己的化身。让我们体会到了画家的紧张、恐惧和不安，甚至是绝望。中国绘画的细腻、婉约就如同中国的绣花针，细致入微，极其考究，如中国唐代阎立本的《历代帝王图》，他以每位帝王以及侍从为一组造型，侍从体型小于帝王，同样的背景进行烘托，画面通过描绘人物的外貌特征的细微，刻画表现人物各自的性格气质心态。它是中国古代绘画史上重要的人物肖像画之一。西方绘画与中国绘画在时间和空间的观念上是相辅相通的。有细致入微的联系，又有绝对性的不同，不论是西方还是中国，都会随着时代的变化而发展。

各年龄段的绘画方式

孩子的每个阶段都很重要，一定要在对的时间做对的事在记忆里学画的过程往往是先画简单的单个几何体、单个物体再画稍有形象变化的物体再到物体的组合然后画石膏像、人物头像、胸像、半身像、全身像等画色彩也是从简单的单个水果到组合静物再到风景人物从临摹到写生，再到创作材料工具也是由铅笔到水彩、水粉再到更专业的油画、版画等这个过程从理论上说是没问题的但我们在开始这个系统过程第一步的时候往往都已是少年或成年了我们此时进入的是一个写实体系下纵向纵深发展的系统这是需要由易到难由简单到复杂的循序渐进的进阶式学习过程但是，对于儿童尤其是10岁以下的儿童是不是也是这样一个由易到难由简单到复杂的进阶顺序呢？就值得深入探讨了： 1认知不同儿童在不同阶段的认知和理解及表达方式与成人有很大不同 2对孩子重要的是素养教育儿童的美术学习很难形成纵向的纵深的学习儿童更多是横向的宽度（素养）学习

3激发孩子的潜能才是最重要的对孩子而言学画首先是培养和保持兴趣在这个过程中产生的一系列潜能才是最有价值的孩子阶段画画的根本意愿就是快乐表达而实现这种快乐的表达显然是不适用成人系统纵向性学习由简单到复杂的过程逻辑的我认为孩子的途径应该是：自由表达的创作到多个物体的组合写生到单个物体的深入描绘具体来说，分为这样几个阶段：第一阶段（4—6岁）画事情不画东西6岁以下的孩子基本没有把单个形象画得具体的能力但又是处于喜爱涂鸦表达的时期儿童在这个阶段画画其实无关美术、无关技法他们是用画来说话是思维活动的外在呈现当然，在画事情的过程中必然涉及具体的形象我们讲不画东西的意思是：不用在意画面中具体形象哪怕是以简单的符号代替形象只要能够表达意思就达到了目的在这个时期如果因为担心孩子画不好、画不出来而只是让孩子学画一些简单的形象不敢放手让他们画事情、自由表达的话孩子就只能学会一点简单的形象图式而且这种形象多是简单记忆的结果反倒会干扰他们在自主表达过程中的大胆和自由，得不偿失第二阶段（6—9岁）写生与创作表达并重这个阶段的孩子有了一些对形象的感知和认识能力可以通过写生进一步加强他们对具体事物的感受和表现同时这个阶段他们还保持着丰富的想象和无拘无束的表达愿望要继续加强他们叙事表达的愿望和能力

中国传统文人画的审美选择

中国传统文人画的审美选择论文关键词:文人书画审美选择意形论文摘要:文人画是一种综合型艺术,集文学、书法、绘画、篆刻艺术为一体,是画家文化素养多方面的集中体现。它崇尚“意似”贬斥“形似”,追求笔墨意蕴,讲究诗书画印结合,并要求画者的学养深厚方能言之有物,画面格调才能高雅。传统文人书画以不同于院体画的另一种典范意义对后世文人画的发展产生了广泛的影响对文人画及中国传统文人书画教育中的审美倾向进行正确研究和批判的继承仍具有积极的现实意义。传统“文人画”是中国画里的一类,也称为“士夫画”,泛指中国封建社会时文人、士大夫们的书画。随着时代和艺术的发展,我国现代理论家、画家陈师曾指出:文人画是带有一定文人情趣,其中流露着文人思想的绘画作品。在传统绘画中,文人画强调以形传,讲究诗、书、画、印的结合,它与工匠画与院体画风格都有所区别,独树一帜。文人画是中国绘画史上一个不容忽视的艺术发展阶段,它独特的审美追求和表现风格一度成为我国后世书画教育中长期追逐的方向。一、传统文人画的发展文人画的发展可追溯至汉代,张衡、蔡邕皆有画名。在魏晋南北朝时期国家设立有专门的机构来培养能工巧匠,那时的一些画家就已经有了文人自娱的心态,如姚最认为“不学为人,自娱而已”,王徽的“画乃吾自画”等思想,这些都可称是文人画的雏形。唐代诗歌盛行,其中大诗人王维以诗入画,他的艺术观念和审美情趣更加具了文人书画的特色,后人尊称王维是“文人画的鼻祖”。南北宋时期,中国建立了制度明确的画院,用来专门的培养画家。一些具有较高文化修养的画家首次提出了一些关于文人画的看法,苏轼第一个比较全面的阐明了文人画理论,他提出的“士人画”概念使文人书画更加趋向于成熟。此后,文人画开始正式从院体画之中分离出来。文人画的鼎盛时期是在元代,由于当时社会动荡,许多的文人士大夫产生了厌世和遁世的心理,绘画成为了抒发个人精神与情绪的自我调节手段。以黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇为代表的四大家,又把文人画的创作推向了新的艺术高峰。他们以一种“出世”的态度去表达士大夫阶层的孤傲、清高和空虚的情感,追求和主张“逸笔草草”、“不求形似”、“聊写胸中逸气”的意象表达。至明代,文人画已上升为画坛的主导地位。画家董其昌倡作画者必须“读万卷书,行万里路”以加强修养,追求文人画的“士气”。这种思想直接影响到了清代绘画的基本格局和审美取向,朱耷、石涛、及扬州八怪

介绍各个年龄阶段的宝宝学画画和儿童绘画能力参考

介绍各个年龄阶段的宝宝学画画和儿童绘画能力参考1—3岁涂鸦期这个时期，少年绘画受生理方面的约束是比拟显着的，他们的手、眼、脑还不能和谐的合作，所以开端仅仅用点或短线点描画，到脑、眼、手的活动逐步和谐一致，手的肌肉得到熬炼，用腕或肘的运动使线变得流通,在无理解的乱涂中享用下笔在纸上涂改的有节奏的快感，逐步地跟着年纪的添加，双手的力度能操控了，（但仍没有操控形的才能）在纸上有轻、有重和转变的用笔，使无目的、无理解的涂鸦展开到一边想念一边画，给线条注入了含义，画出了有表达意念的涂鸦画。“涂鸦”是少年发自童心的游戏方法，干洁净净的一张纸，经他一涂一抹，竟有了归于他本人的东西。固然在大大家的眼里他们画的什么都不是，也看不懂，却体现了他开端的创造理解。 3—4岁标志期科学标明：少年长到3岁时，其脑分量已到达1000多克，到成人的60%—70%，4—5岁时，以前占成人的80%。此期间的孩子喜欢不停地活动、说话，喜欢不停地提问题，固然他们的思想处于萌发状况，但有很强的求知愿望，是形象觉得的敏感期，表现了成形的形，而且还会指着图说：“这是爸爸，那是汽车……”物象常常作为一种独立的标志存有于形里，而且有必定的归纳才能，能够自在斗胆地使用标志符号表达生计感触。绘画方面体现为：能够依据回忆发明标志符号，实行说明性图解，少年绘画中的房子，车、动物，人都是用符号来体现的，所以，咱们常常称此期为标志期。 4—5岁图示归纳期跟着参与社会活动的添加，知识面得到持续扩大，各方面的才能都有显着的前进，此期的少年觉得敏锐，反映激烈，能够发生全体记忆，而且能凭全体回忆把看见的工作加以归纳和重新组合，绘画创造到达高潮，开端进入少年绘画的黄金时期。

浅析初中美术对学生审美的培养

浅析初中美术对学生审美的培养发表时间：2019-07-26T10:25:51.257Z 来源：《中国教工》2019年第7期作者：陈冰[导读] 进入21世纪，我们对人才培养的要求变得更加高了，在传统的教学模式下，家长和学生认为初中的美术可有可无，不太重视，而且也存在着学生兴趣不高的问题。在如今提倡新课标的时代背景下，学好美术对于学生无疑是很有意义的。美术作为一门艺术，它区别于传统科目，更能发展和培养学生的审美。再者，如果学生热爱美术，会有一种成就感。的确，从某种程度来说，美术不是这个时代的必修课，但是这门选修课会为你的人生增添不少光彩和填陈冰广东省罗定市华石中学摘要：进入21世纪，我们对人才培养的要求变得更加高了，在传统的教学模式下，家长和学生认为初中的美术可有可无，不太重视，而且也存在着学生兴趣不高的问题。在如今提倡新课标的时代背景下，学好美术对于学生无疑是很有意义的。美术作为一门艺术，它区别于传统科目，更能发展和培养学生的审美。再者，如果学生热爱美术，会有一种成就感。的确，从某种程度来说，美术不是这个时代的必修课，但是这门选修课会为你的人生增添不少光彩和填补更多空白。关键词：审美初中美术兴趣引言:提到王维，我们都不陌生，后人称他的作品为"诗中有画，画中有诗"。文学向来是与艺术相关的，所谓意境，就是我们根据诗中描绘的景色，在自己的心中构想出来的画面，就是那么寥寥几字，却打开了读者的思维。美术培养的审美有很多，假如是喜爱文学古风的同学，教他们国画再好不过了。这时，很多理科思维活跃的同学可能就不舒服了，假如我不爱文学，我还要学美术吗？答案还是要学，举一个简单的例子，说起设计，大家都不陌生，有些房屋建筑看上去是很枯燥的东西，可是你不会明白设计师就是一个理工科的具有很好审美的设计师。不是说理科思维活跃的同学就和美术这种艺术无关，因为就算是看上去很枯燥的设计稿，设计师为了能让设计稿更加美观费了不少心思。美术对于所以学生都是有益的，只要用正确的态度认真对待美术课程，学生会收获不一样的惊喜。一、如何提高学生学习初中美术对于提升自身审美的意识即使我们一再强调美术对于自身发展有着很好的促进作用，但是具目前很多学校的实际情况，大部分学生认为美术可能就是美术生的领域，对待初中美术课程不认真，不自信，不感兴趣;还有一些学生是自己本身喜欢画画，对美术比较感兴趣，这部分的同学积极配合老师教学工作，对于学校的美术课很有参与感;其余学生由于自己本身有着良好绘画功底的基础，同时会感到学校开展的美术课对自身提高不是很大，对待初中美术课程会有两种态度。一种是希望掌握各种绘画技能，认真学习;一种是觉得老师讲的内容不是很有难度，自己听不听都无所谓。这基本上上是目前的初中生对待初中美术课程的态度。初中生，课程上的压力的确是比较大，美术课程在升学考试中比例不大，很多家长和同学愿意把自己的时间花在语数外这些课程上，对于美术课程，可能真的不是很感兴趣，可能是抱着学校安排课课程，自己就去上的态度来上课，而不是兴趣使然。都说兴趣是最好的老师，没有兴趣又怎么能够希望学生会取得好成绩呢?诚然，有些同学在绘画方面是有天赋的，他们的作品让人赞叹不已;也有很多同学在绘画上面没有那么有天赋，但是学校开设美术课程就是让所以的同学感受美术的魅力，无论你是否有天赋。好好的体验美术的魅力，即使你不是很在行，也会受益匪浅。万事开头难，可能一开始自己的作品不是很理性，但是，只要你进步了或者是达到了自己的目标，那就会有一种成就感。作为初中生的美术老师，要把握学生对于美术课程的心理，积极给与学生鼓励，同时提高自己教学水平，用不一样的教案来吸引同学感受美术课程的魅力。在课堂上可以授予同学绘画基础，同时在完成自己教学任务的时候，可以腾出一点时间来和同学们拓展一些课外的美术知识，让同学们对美术了解更加深刻。同时，也可以将美术和其他课程联系起来，可能会达到意想不到的效果。最后，还应该在课堂中给同学们灌输美术对于提高同学审美有很大的益处。二、丰富美术教学美术教学方案多种多样，有很传统的模式，也有创新的模式。一般来说，很多美术课程会在教室开展，老师教学生画图。有时候学生自己都不知道自己为什么要画图，有时候对于自己画的图不是很了解。如何解决这些问题呢?笔者认为，一个很好的方法就是在开展课程之前，先介绍自己所要讲解和要求学生完成的绘画任务。教室最好是自己准备一个PPT,在讲解绘画之前，先简单介绍绘画对象以及有关作品，相信以这种方式可能会吸引同学们的注意力。同时，老师自己在设计教学方案的时候，要考虑到孩子们更倾向于哪一种绘画，同时考虑同学们的水平，选取一个比较适合的方案。比如，有些老师会考虑到教同学们素描可能难度会有一点点大，可以考虑教他们一些简单的油画。笔者认为，有时候像油画这种需要自己调色的绘画可能会更加吸引同学们，毕竟，这个阶段的孩子，动手能力强，喜欢动手，这样比较有趣。同时，如果老师还想拓展同学们关于我国传统艺术的鉴赏能力，有机会最好是让孩子们观看一些我国古代文物的纪录片，这对于提升同学们审美和拓宽同学们的见识都很有帮助。三、在美术课堂上提高学生审美观美术鉴赏能力是一项很宝贵的技能。我们感慨大自然有些自然景观鬼斧神工，是因为我们从内心认可它们，说不出来为什么就是觉得好看。其实审美就是这样，看上去让人觉得很舒服就是符合我们的审美，审美也不需要特别多复杂的条条框框，反正给人们第一感觉很舒服就是真理。至于如何将自己的作品达到那种水平，那就需要学生自己去琢磨，去历练，去发掘。美术老师的作用是引学生们入门，至于修行怎么样，还是要看学生个人。老师可以教会学生基本的审美要求和规则，引导学生自己去开创思维。在课堂上，老师要慢慢地培养学生们对于审美的不同看法，去激发不一样的思维。四、结束语在素质教育下,初中美术作为一门提高学生综合素质的重要学科,对于响应国家素质教育口号具有重要的意义。但在传统模式的限制下,无论是教师还是学生都将美术视为可有可无的学科。因此,改变初中美术教学模式,创新教学方法在此时显得尤为重要。五、参考文献任田华，兴趣教学法在初中美术教学中的应用，《试题与研究》，2019[05]

中国的绘画精神

中国的绘画精神 1、情趣寄寓绘画艺术创作是以审美方式反映生活的，作者的立场观点、思想感情和审美情趣都是通过具体的艺术构思和艺术传达而表现出来，是为情趣寄寓。绘画是一种精神性极强的艺术，绘画艺术创作中内在体现出极强的思想性及它与物质世界那种若即若离的关系，既以物质为基础，又升华为一定的精神，因而最为贴近艺术的本质。综观中西绘画艺术的发展历史，我们不难看出，在它发展的道路上，有根无形的线在牵引着它发展的方向，这个牵引力使得艺术发展的始终不偏不倚的朝着它的方向前进，而这个拥有巨大“魔力”的无形指挥便是“精神思想”。中国绘画艺术的流派众多，名师辈出，技法风格层出不穷，精神性也就自然非常的强。传统的中国绘画艺术创作不可避免的受到美学观和美术观的影响。中国人最注重造型艺术的政教价值，唐代的张彦远指出美术具有教化的功用。总结出“夫画者，成教化，助人伦，穷神变，测幽微，与六籍同功，四时并运”。并且还对美术作品在教化方面的优长与其他的教育手段做了比较：“记传所以叙其事，不能载其容；赋。颂有以咏其美，不能备其象。图画之制，所以兼之也。”或多或少也在说着艺术的精神性作用。在情趣寄寓方面中国画精神性的最大体现就是用笔。中国画用笔的核心问题笔力是有书法奠定的一种美学要求。古代南朝齐的谢赫的<<六法论>>中的第二法“骨法用笔”就要求笔画的组织精练而能够恰如其分地表现对象，抒发作者的感受。中国画的用笔有很多要

求，除了讲求笔力之外，还有三个很重要的要求是气韵表现，丰富变化，与情趣寄寓。气韵是魏晋时代品评人物风气度韵的略称，是人的内在精神因素的向外展露，被引用来作为品画的标准。一笔下纸要有变化，还要顾盼生情，交映成趣，这便是用笔及用墨的情趣要求。情调是画家喜怒哀乐的情感色彩，趣味是指画家精神生活与物质生活中产生的各种情趣。因此，用笔和用墨包含着浓厚的精神性和抒情性。中国画用笔的讲究是中国画技法的核心，也是中国画本质的一种基因。用笔是造型的基础，不仅要能正确精确的描绘对象，还要有对象自身的“骨气”(见注释1)。气韵和神采的意义相差无几，要求画家在创作前先要存想于心，即所谓“意在笔先”，下笔要能产生神采气韵，是“象应神全”，形象的准备和神采的完备，都要靠用笔。 2。以画写意中国绘画艺术的思想性在中国画的创作体现在造型，用色，构图，题材等等许多方面。通过一定的画面内容来表达一定的意境意义，来体现作者的世界观，价值观和生观。也就是我们说的“以画写意”。首先，中国画的造型具有平面性，装饰性，意象性等特点，其中意象性和装饰性都是想象力的产物。装饰性就是作者运用想象力对物象进行加工概括变形美化，使之既有物象的客观依据，更有作者的主观成分。意象性也是如此。只是相比之下，装饰性的主观更极端化，造型更图案化，意象性则包含一种自然真实的愿望，使中国画摆脱工艺装饰的阴影。顾恺之就提出“以形写神”的造型要求，使形的重要性进一步受到重视。正确的写形，才能正确的传神，成为意象性造型的重要法