卡通画色彩的表现
卡通画色彩的表现
洛阳高级中学沈红
教学目标
知识与技能：使学生掌握色彩的基础知识、色彩的调配与协调；能够使用彩铅技法来表现彩色的卡通画。初步培养学生色彩表现的能力，培养学生加强理论联系实际的能力。
过程与方法：在生活实例色彩和谐比较的基础上，通过学生色彩运用练习，引导学生基本掌握彩色卡通画的表现手法。
情感态度与价值观：通过学习卡通画的色彩表现，使学生具有一定的色彩表现能力，提升在生活中的色彩协调搭配的审美能力，增强学生健康阳光的个性。教学重难点
教学重点：色彩的基础知识和常用的表现技法。
教学难点：常用技法的熟练运用。
教学过程
一、导入
运用线描和彩色卡通画作品对比欣赏构成的视觉冲击导入，我们怎样将色彩运用到我们的作品中呢？今天我们就一起来学习——卡通画的色彩表现
二、新授
一、认识色相环：
1、色彩的三要素和一属性：（从生活中体现）
色相：色彩的相貌。
三要素明度：色彩的明亮程度。
纯度：色彩的艳灰程度，即饱和度。
一属性：即色彩的冷暖。
2、色彩的调配：（自主学习调色练习）
原色：红、黄、蓝
红+蓝=紫
间色红+黄=橙
黄+蓝=绿
复色：间色相加
活动一：小组合作（摆色相环）
1、要求：色相准确，渐变有序。
同种色：0°之间的色彩
邻近色：15°之间的色彩
2、色彩的配合类似色：色相环上相距60°之间的色彩。
中差色：色相环上相距60---120°之间的色彩。
对比色：色相环上相距120°以上的色彩。
互补色：色相环上相距=180°的色彩。
3：色彩的调和方法：
a.同一调和法：增加各色同一要素。（三要素中某一个相同）
b.类似调和法：近似色搭配。
c.渐变调和法：有节奏和韵律秩序。
d.面积调和法：主次用色。
活动二：（小组合作交流）
展示一组卡通画作品，进行赏析，辨一辨，说一说它们分别用了何种调和法。
二、表现工具及其技法：
1、彩铅表现：用明暗素描的表现手法，由浅入深，层层叠加，产生渐变或平涂的效果。
a.作品欣赏
b.步骤图示
c.局部示范
2、水彩（水粉）表现：染色由浅入深，层层晕染。（作品赏析）
3、电脑绘画软件表现：熟练掌握运用各类软件中的上色工具。（作品赏析）
活动三：卡通画作业稿上色。
要求A、以彩铅为主，技法不限。
B、色彩和谐。
C、制作精良。
（四）、作业展示与小结：
今天这节课我们掌握了色彩的基础知识、色彩的调配与协调，并能够使用彩铅技法来表现出彩色的卡通画。希望同学们能在课后完善自己的作品并保存起来。
（五）、课后拓展：优秀卡通画资料的完善。
初一美术课--色彩的魅力教案
《色彩的魅力》教学设计 人教版七年级下 一、教材分析 本课选择色彩表现为教学内容，让学生通过学习了解色彩的本质特征。色彩的象征意义和色彩的感情使学生产生的不同情感反应，并运用色彩进行自主表现。按课标的有关要求，教材侧重让学生认识色彩，了解色彩与自我表现的关系，努力培养学生对色彩的艺术感受。在美术活动中进一步学习色彩知识，提高色彩表现力，在造型和色彩表现方面形成自己的感受和看法，能够通过色彩传达自己的思想和感情。 二、教学目标 知识与技能：通过观察分析讲授，让学生了解掌握色彩的基本常识，让学生体验不同的色彩色调给人的感觉。 过程与方法：让学生体验大自然的色彩及色调给人的感受。让学生尝试运用色彩来表现不同的情感，抒发内心的感受，用色彩的情感特征进行大胆表现。 情感态度和价值观：提高学生审美情趣和热爱生活的情感，让学生发挥个性的表现，引导学生发挥创造性思维，促进学生的个性发展。 三、重难点 了解色彩基础知识，体验大自然的色彩及色调给人的感受。运用色彩来表现不同的情感，用色彩的情感特征进行大胆表现。 四、教学准备
色彩丰富的图片、色相环教具、多媒体课件、水粉画工具（颜料、画笔、调色盘或盒、水桶） 五、教学过程 一、导入 放映一组色彩丰富的图片，激发学生对色彩的兴趣。 师：观看这些图片的时候，我们的心情是什么样的呢？ 师：在缤纷的色彩世界中，我们经常看到的颜色有哪些？ 师总结：我们生活在一个色彩缤纷的世界里，大千世界丰富的颜色不仅可以愉悦我们的视觉，更能触动我们的心灵。本课我将带领同学们进入色彩的世界，学习色彩的常识，体验色彩的表现力，感受色彩的魅力。 引出今天的课题——色彩的魅力（板书） 色彩是我们进行绘画训练时不可缺少的重要的绘画语言，是美术的基本技能和知识。接下来让我们一起来学习色彩的基本常识。 二、新课 （一）色彩的基础知识 1、三原色：红黄蓝（理论上绘画中用其他颜色无法混合出的颜色，但三种颜色按一定比例能混合出其他颜色。） 2、三间色：绿橙紫（由两种原色相混而成。） 3、极色：黑白 （二）色彩三要素 1、色相：指不同色的“相貌”。
中国画的色彩之美相关分析
中国画的色彩之美相关分析 摘要：中国画在世界绘画史上独树一帜，占据着举足轻重的地位。中国画之所以能在世界绘画史中占据重要地位，正在于其线条和色彩基础之上的独特的“意境”表达形式，在于水墨与意境的统一。文章主要分析了中国画的色彩之美，以供参考。 关键词：中国画色彩 引言 自中国文化史发展以来，中国画就伴随着其始终。它既是我国传统文化的重要组成部分，也是美术领域中独具特色的画种，有悠久的美术历史，并且在世界美术界领域中，独具特色，自成一家。绘画是作为艺术的一种语言表现形式，而色彩作为绘画的本体语言，是构成一种艺术情调和艺术风格最基本的要素，是刺激视觉神经最有效、造成特定情绪美感的一个重要手段。中国画又被称为“丹青”，因此可以说中国画从一开始就极为重视色彩的运用，色彩的运用始终贯穿着中国画的发展，具有独特的风格。[1] 一、中国画色彩观的发展分析 早在春秋战国时期，中国就出现了真正意义的彩色绘画，《人物龙凤图》和《人物御龙图》就是其中的代表。秦
汉时期，五色观逐渐成熟和发展起来，人们对色彩的把握也更加娴熟得当，所以该时期的绘画多以黑红色为主。如西汉的T型帛画，就直接运用朱红、熟赭、石青、黑、白等色彩，整个画面的色彩效果是较为统一的。魏晋南北朝时期，随着佛教的传入，西域异族的色彩观也融入中国画创作中，先是谢赫在《六法论》中提出“随类赋彩”的理念，随后宗炳则认为应该“以形写形，以色貌色”，所以该时期的绘画色彩主要以蓝绿为主色调，红白黑为副色调，体现了色彩对比和互补的理念。隋唐时期，随着中国画艺术的大发展，色彩运用也随之丰富起来，阎立本、张暄、周舫都在色彩运用上有着鲜明的个人特色。而且在该时期，山水画和花鸟画逐渐独立出来，在色彩上有着较大差异。五代两宋时期，先是青绿山水发展到了高峰，王希孟的《千里江山图》、赵伯驹的《江山秋色图》等，都是青绿山水的典范之作。随后则出现了文人画，这在很大程度上影响了中国画色彩的发展。受到儒、道、禅等思想的影响，文人画追求淡雅、平和、超逸的画面效果，所以玄色就成为了文人画创作的首选色。元明清时期，受到文人画的影响，色彩表现转为以水墨为主，追求简单、质朴的审美趣味，虽然也有青绿重彩作品问世，但是并不占主流。纵观整个发展历程可以看出，整个中国画色彩观的发展和衍变，可以简单概括为唐宋之前尚色彩，唐宋之后尚水墨，两者是一种先后、轻重的关系，而不是有无和对立的关
少儿绘画教程：用色彩表现想象
少儿绘画教程：用色彩表现想象 生活中不能没有色彩，没有色彩的世界是难以想象的单调。只有 构思好、画的生动、色彩搭配的好看的作品，才会让人理解作品中所 表达的想法和意境。所以，色彩在儿童画创作中是很重要的。小班幼 儿的思维比较直观，对色彩的感受有所差异。往往他们笔下的色彩与 实际生活中的色彩有很大的差别。而且一些幼儿在涂色的时候，大多 只用一种颜色，这样对于作品来说就达不到好看、耐看和吸引人的效果，也不能培养幼儿对美的感受力和对美术活动的兴趣。那么，如何 来提升幼儿对色彩的感受力和表现力，从而发展幼儿的想象力呢? 一、到大自然中去寻觅色彩 大自然仿佛就是一个多姿多彩的颜料库，青山绿水、蓝天白云、 五颜六色的花朵……都能点亮孩子纯净的目光，给孩子色的启迪、美 的享受。所以，在散步时，春游时，我们有意识的引导孩子使用多种 感官去摸摸花草;闻闻花香;捉捉蝴蝶，观察树叶的变化，让他们在感 受大自然美妙景色的同时，也提升了自身对色彩的敏感。二、在活动 中萌发孩子对色彩的兴趣。 孩子年龄小，对于外界的新奇事物往往感到好奇，喜欢自己去探索、去研究，也愿意去尝试新的活动材料。就如我国的教育家陈鹤琴 老先生提出的“活教育”原则，他认为：“凡是孩子自己能够做的， 应该让他自己去做;凡是孩子能够想的，应该让他自己去想，只有自己 亲自感受的世界才是真世界。所以，我们都让孩子自己去玩新的美术 绘画材料，让他们在玩的过程中体验无穷的乐趣，获得新的知识。例如：在美术活动“吹画：五彩的烟火”中，我们为幼儿提供了颜料水 和吸管。我们鼓励幼儿在画纸的不同位置，滴上不同的颜料水，再从 不同的方向吹，画面上的颜色互相流淌融合，创造出色彩斑斓的画面，这不但丰富了幼儿的想象力，也培养了幼儿对色彩的兴趣
中国画色彩特质解析
中国画色彩特质解析 中国绘画样式与造型语言发展历程中的重要节点就是色彩与水墨在造型语言上的主次之争。文人画的大行其道让中国画用色有了“运墨而五色具”的独有状态,墨色成了主色,中国画画家对墨色的质感和色性都拓展到了极致。墨色的优点体现在其兼容性和对比性上,国画家极为巧妙地将画纸底色活用为画面的白色,以“四两拨千斤”的智慧达到“知白守黑”的用色最高境界。由此,我们可以得出中国画的用色是主观的这一结论,色彩的运用不是照抄对象的固有色而是强调画家的情感因素。画家不仅会根据画面的内容和形式感的需要灵活运用色彩,甚至通过大胆变色或运用大面积的底色与墨色结合的办法来营造画面。如果简单地依据西方绘画色彩标准来证明中国画的落伍、滞后,就会极有可能堕入对后现代理念盲目迷信的怪圈,对中国绘画色彩的评价也会有失公允。 中国画色彩特质解析 后现代主义符合晚期资本主义的文化逻辑。而随着跨国资本席卷而来的市场化浪潮,以及络联成的无所不包的信息集合,后现代主义在中国也已成为一个跨时代的文化事实。后现代语境中的绘画创作主体——艺术家,他们往往会对中外经典图像、造型元素进行自由地挪用和虚构,自我和他者、历史的诗意和现实的困境混杂在一起,出现了一种超文本拼贴、置换、戏仿的效果,使得原来极为熟悉的创作方式透露出更加耐人寻味的审美趣味。古典的西方色彩体系在这样的情境之下出现了明显的裂变,对自然色彩体系的背离、挪用成了一种有效的策略,艺术家努力发掘色彩理念中的哲理特质,通过对异文化元素的机动运用等等手段让自己作品的色彩呈现出浓郁的后现代气质。与之相反,当代中国画在创作理念、方式、技法等等方面对本民族传统的执意追索取得了事半功倍的效应,色彩的运用就是一个特别明显的表征。究其实,后现代情境使得我们获得一种新的考量方式,使得中国画色彩某些原来被忽视的特质凸显出来。 首先,就中国传统用色观念而言,它对自然色彩的“置换、戏仿、整容与篡改”的方式由来已久。中国人对于颜色的认识很早就显示出其特殊性,它的“黑、白、红、黄、蓝”五色观极具民族特色。从商周起,中国人就将赤、黄、蓝、黑、白列为正色,地位尊贵,并且排斥间色和复色。同时,中国画强调“墨分五彩”,并将之具体化为“焦、浓、重、淡、清”等多层次的色彩分阶,并赋予它兼容万色之职能。黑白相和,其间可以调出无数色阶,这是中国画色彩理论中的关键理念,与西方绘画的原色理论大相径庭。比较西方的传统色彩观念,中国画画家
数字绘画艺术与传统美术设计探究
数字绘画艺术与传统美术设计探究摘要：数字绘画艺术是在现代科技的不断发展下产生的一种新兴的艺术表现形式，这在一定程度上是艺术的进步。数字绘画艺术的出现对传统美术的观察方式、设计表现方式等都产生了影响，传统美术的观察方式和设计表现方式也给数字绘画艺术提供了帮助，在数字绘画艺术中随处可见传统美术设计的影子。该文主要从数字绘画艺术与传统美术设计表现方式的关系出发，对数字绘画艺术与传统美术设计表现方式的融合和冲突进行分析。我们必须明白数字绘画艺术主要是为传统的美术设计提供手段和表现形式，传统美术依然占据本体地位。 关键词：数字绘画艺术;传统美术设计;表现方式;融合;冲突 社会始终处于发展的过程中，艺术也不例外。艺术的发展是有规律的，艺术发展的规律性体现在两个方面：首先是艺术自身的发展规律，艺术始终在继承和创新中，不断吸收各个民族、各种文化中的有益成分进行融合发展；其次是艺术受到其他因素发展的影响，如经济的发展、政治的要求以及科技的创新等。数字绘画艺术的出现引起了艺术界的广泛关注，如今，数字绘画艺术的生命力越来越强大，对传统美术设计表现方式的影响也越来越大。 一、传统美术设计与数字绘画艺术设计的特点对比 其一，传统美术设计是从美术绘画技能开始学习，如素描、色彩、速写等课程的学习，训练绘画构图、造型、技法等能力；同时，结合美术理论，如美术史课程的学习，提高艺术审美能力和鉴赏能力；最后，利用绘画能力、审美能力和鉴赏能力完成对现实事物的艺术加工。
以上的过程就是传统美术设计，由此可见，其重点在于培养美术绘画基础能力和艺术修养。数字绘画虽然可以利用软件功能弥补美术绘画基础能力的不足，但是艺术修养仍然需要慢慢养成。其二，数字绘画艺术形式主要指利用手绘板通过绘画软件进行绘画，绘画软件主要包括Photoshop、Painter、Flash等软件。数字绘画软件提供了强大的设计功能，可以方便、快捷地完成艺术设计，设计的数字化相对于传统纸质设计明显节约了时间，提高了效率，而且支持多种设计软件的相互导入或输出，能直接生成预览效果。其三，在便捷性方面，数字绘画艺术作品的数字符号可变化，绘画软件提供了强大的编辑功能，如图层工具、笔刷工具、调色工具等，还有大量的特效效果，如滤镜特效工具。这些都极大方便了艺术家的创作，省略了大量的重复劳动，创作效率明显提高，设计师可以把大量时间放在创意构思上，从而提高设计作品的质量。此外，数字文件易保存，可以保存成多种格式；易传播，信息时代提供了便捷的传播途径，网络为数字绘画艺术创作提供了丰富的设计素材。总的来说，数字绘画艺术具有易操作、易修改、易复制、易传播的优势。 二、数字绘画艺术与传统美术设计表现方式关系的解读 数字绘画艺术的兴起与计算机的发展是密不可分的，科技是数字绘画艺术发展的关键因素之一。数字绘画艺术能否超越传统美术设计的表现形式而成为一种独立存在的艺术？传统美术设计的因素和形式在数字绘画艺术中有没有用武之地？从这个方面思考，数字绘画艺术与传统美术设计表现方式之间是存在冲突的。但是，我们必须清楚，
传统国画颜色介绍
传统国画颜色介绍： 石色（不透明色）：石色即是矿物质颜色，石色除了使用在绘画中，还应用于壁画、建筑彩绘等地方。在我国古代，画家们有一套十分系统而完整的使用石色的方法，但随着明、清画家对工笔绘画的认识逐渐淡薄，所以，传统制造石色的方法几近失传。今天有许多学者到日本学来了当年日本人从我国学去的制颜色方法，才有现在较为丰富的品种供画家使用。 石色主要包括：朱砂、朱磦、石青、石绿、雄黄、雌黄、石黄、黑石脂、云母粉、蛤粉、赭石、土黄、珊瑚粉和其他宝石类颜料粉以及新研制出的高温结晶颜料等。 3 e: N! l! i5 t/ F& w, \需要说明的是：石青与石绿一般分类较细：分成头青、二青、三青、四青等头青色最重，四青色最浅，石绿同理。 水色（透明色）：水色主要是由一些天然植物为主材料，配以少量动物质材料、矿物质细粉颜料组成。石色与水色一般是相互结合着使用于国画中，已达到浓淡相间、虚实相生的丰富效果 水色主要包括：朱磦、胭脂、西洋红、藤黄、赭石、花青、水彩色与丙烯色等 需要说明的是： 1、朱磦是朱砂最细的形态，所以有些画家在使用时以薄涂法来形成水色透明的颜色效果。 2、西洋红：在国画色中的名目较多，又叫做曙红、牡丹红等。 金属颜料：画家使用金属颜料由来已久，最早是在唐朝。金属颜料主要是金箔、金粉；银箔银粉。金箔一方面使用在背景上，另一方面主要是使用在局部贴金。: 金箔有四个品种： 紫赤金（略带红色）：主要贴寺庙中的佛像 库金（足金金箔）：绘画中常用，往往是98%的纯金和2%的纯银合成。 大赤金（略带黄色的金）：又称冷金，70%的纯金，相当于18K金。 田赤金（呈淡黄色）：相当于14K的金。 银色相比之下不是太常用，故不细说。 天雅矿物色、新岩、水干的使用方法矿物色、新岩、水干的使用方法其实很简单，只要兑上胶液即可作画。 （一）胶的溶化：胶的溶化是“岩彩”画中的第一步，也是主要的一步。它的浓和淡直接影响画面着色的效果。浓了易开裂，淡了易剥落，只有恰到好处。你的画也就成功了一半。 （1）明胶的溶化方法：将所需用量的明胶倒入小碗，先加入4倍凉水泡5分钟后再加入五倍的70OC热水，用筷子充分搅拌开胶粉。如果有疙瘩，说明未完全溶化胶粉，需继续搅拌直至疙瘩全部溶※因明胶是由动物生皮熬制而成，未去掉其骨胶原以外的蛋白质和脂肪这些成份，所以在低室温状态下使用时会出现疙瘩，即原已溶化了的胶液加热。 ※溶化后的胶液保质期限：用完后放入冰箱夏天约3~5天，冬季约一至二星期。※另一种颗粒状的“骨胶”比明胶的接着力要强，且不易凝固，但需熬制。※绘画用的日本鹿胶分三千本胶、干燥鹿胶、软韧鹿胶、特殊鹿胶。它们有固体的，也有液体的。它们是专门为绘画而研制的胶，去掉了其中的蛋白质和脂肪，不易凝固和腐臭；尤其是液体的瓶装鹿胶随取随用使用方便，永不腐臭；固体鹿胶需熬制。 （2）固体鹿胶的溶化方法：将三千本胶一根掰成几小段放入杯中注入300ml清水，再加入一粒方型的干燥鹿胶或软韧鹿胶，放置半小时。后用温水隔水蒸化即可。※加入方形鹿胶粒的目的是增加接着力和防腐臭 （二）调制颜色：将所需用量的色粉到入小碟，用小勺加入少量胶液，用中指拌匀。胶液不够时可再加，直至调成糊状，用时再略加清水稀释即可作画。※调制颜色时用中指或小棍，切忌用毛
色彩在绘画作品中的表现力
色彩在绘画作品中的表现力 摘要：色彩在心理层次上的表现充实了绘画的内涵，如果在绘画中忽略色彩在传达作者内心感受与情感方面的作用，往往会限制色彩本身魅力的发挥。比如说凡高的《向日葵》，这幅作品的用色明快，光彩夺目，鲜亮的黄色使向日葵仿佛成为金色的太阳，作品中的色彩显示出了惊人的能量，这种视觉上的色彩效果牢牢抓住了人的眼睛，触动了人们的心灵。 关键词：色彩; 心理; 象征; 情感 色彩是赋予绘画的一种基本要素，它能够真实表现客观事实，描绘现实生活，色彩又是重要的绘画语言，其非凡的表现能力会因为呈现的状态影响到人的整个生命机能和心理，正如塞尚曾经说过的一句话：“只有色彩是真实的……它能使万物生机勃勃。”1随着人们对色彩有着更加丰富的认识和感知，色彩在绘画上的地位举足轻重，特别在西方绘画中，色彩由早期源自生命本能的基本色彩需要，一直到现代派绘画中完全凭籍艺术家的思想和知觉进行自由的表现，在这个过程中，画家们已经从本能的运用色彩到主动大胆将色彩作为情感语言来使用。 色彩在心理层次上的表现充实了绘画的内涵，如果在绘画中忽略色彩在传达作者内心感受与情感方面的作用，往往会限制色彩本身魅力的发挥。比如说凡高的《向日葵》，这幅作品的用色明快，光彩夺目，鲜亮的黄色使向日葵仿佛成为金色的太阳，这幅作品中的色彩显示出了惊人的能量，这种视觉上的色彩效果牢牢抓住了人的眼睛，触动了人们的心灵。如果仅仅是写实的描绘向日葵人们根本不能强烈的感受到画家当时真实的心声。画家在掌握色彩规律性运用的同时，如果重视对色彩心理层次表现力的运用与发挥，作品的内涵会更丰富，更具感染力。 现代主义画家越来越重视色彩，这与色彩自身无法比拟的视觉表现力有关，更与其对心理层次的表现有关。画家们一直在寻求可以表达内心感受的语言和方式，在这方面，色彩恰恰具有其它绘画语言很难企及的表现力，在一幅作品中，色彩具有这样几方面的表现力： 一、心理错觉感受 1、冷暖感觉 色彩本无温度，但是色彩会影响人的心理产生心理错觉，比如红和黄总是给人温暖的感觉，而蓝色会让人有凉爽的感觉，依据人们的心理感受将色彩分为冷暖色。利用色彩的冷暖来再现客观世界在印象派绘画作品中会经常看到，特别是印象派前期的绘画色彩作品就充分利用了色彩的冷暖，印象派画家自觉的运用倾向性的冷暖色彩对比，简洁直率的表现感情倾向。观赏者会随着画面中的冷暖感受到作品要表达的情感。当然色彩的冷暖要表达的是激情还是悲愤还是寂寞这还需要通过色彩的对比还烘托，通过整幅作品大的色彩环境突出主题。 2、轻重感觉 色彩明度的高低总会使人的心理有轻或重的错误判断，正是这种心理的错误感受会使不同色调的作品“告诉”观看者它要表达沉重还是愉悦的心情。一般明度高的色彩感觉轻快，富有动感，明度低的色彩有一种稳重沉静之感。明度相同时，纯度高的比纯度低的感觉轻。各个流派的画家在绘画中都会有意的加强色彩轻重感的对比来增强心理效应，根据自己所要表达的情感，运用色彩轻重感的来处理画面，以达到自己满意的效果。 3、远近感觉 画家们总是能够在平面上制造出突出和凹陷、前进和后退的效果，之所以能制造出这样的效果，是因为他们不仅利用了造型和虚实关系，还利用了色彩的前进和后退感。一般暖色会有前进的感觉，而冷色会有后退的感觉。色彩的前进与后退还与背景、面积的对比有关。 二、象征意义
国画常用颜料配色表
国画常用顏料配色表 原文地址：国画常用顏料配色表作者：中华诗书画博客 草绿: 70%花青30%藤黄调配而成,画工笔花卉的叶子最常用的色彩之一 汁绿: 80%藤黄15%花青5%朱膘调和成的嫩绿色,常用来作为反叶的底色和嫩叶的底色，丝瓜、黄瓜的用色，根据需要适当的浅墨 老绿: 草绿中微加墨或微加点胭脂,常用来罩染处于暗部的叶子色彩,薄薄的老绿也可用来渲染反叶. 老赭:朱膘墨调和而成,接近熟褐色.常用来提染枝干或提染叶面被虫咬蚀的部分. 檀香色: 约70%藤黄20%朱膘10%三绿调配而成.加大量水以后常用来刷背景,也可作为嫩芽和托叶的底色. 米黄: 约70%藤黄30%赭石,主要用来刷背景,在重彩画的绘制中打一层米黄底色容易取得色彩和谐. 三绿: 石绿白色而得,白色加的越多则就变成四绿,五绿等,三青,四青等色彩也是同理. 胭脂水:胭脂色大量水调和而成.主要用来复勒线条,曙红水,花青水等说法同理. 豆绿[牡丹]: 藤黄少许酞青蓝（三绿） 葡萄紫：花青曙红或花青胭脂 墨红色: 曙红稍许墨 赭绿色: 赭石草绿 古铜色: 朱膘墨少许藤黄少许曙红 汁绿色: 草绿藤黄少许朱膘 灰绿色:三绿少许墨 芽绿色: 汁绿藤黄 米黄色: 藤黄朱膘少许墨 桔黄色: 藤黄朱膘。畫黄瓜花、丝瓜花、枇杷果、葫芦等用色。 墨青色: 花青墨 藏青蓝: 酞青蓝墨少许石青 绛红色: 胭脂朱膘少许墨 紫色: 曙红少许酞青蓝。畫葡萄、紫薇花、紫藤用色。 墨绿色: 草绿少许墨 老绿色: 草绿少许胭脂 翠绿色: 酞青蓝藤黄少许翡翠绿 褐色: 赭石墨 檀香色: 藤黄朱膘少许三绿 蓝灰色: 花青白粉少许三青 豆沙色: 胭脂朱膘少许花青 土红色: 朱膘少许胭脂 青绿色: 草绿少许酞青蓝 四绿色: 三绿白粉 胭脂水: 胭脂大量水 青灰色: 花青少许墨白色 蓝色: 酞青蓝三青 朱红色: 朱膘曙红 紫青色: 胭脂少许酞青蓝 粉黄色: 藤黄白色
修拉绘画色彩技巧浅析
P ublishing ＆Printing 印象主义(Impressionism)是19世纪欧洲艺术发展的一个阶段，也是现实主义艺术向现代主义艺术过渡的一个阶段。印象主义吸收了柯罗、巴比松画派以及库尔贝写实主义营养，在19世纪现代科学技术(尤其是光学理论和实践)的启发下，注重绘画中对外光的研究和表现。乔治·修拉是新印象主义的倡导者，由他掀起了一场关于绘画色彩技法的革新，创造了“点彩派”或“分割画派”。他以科学的理性从事绘画色彩研究，在绘画形式上将文艺复兴的古典精神和印象主义的色彩试验结合起来，用光线和色彩表现瞬间的印象，进入了极端又崭新的世界。修拉的绘画以及色彩运用技巧常常被看作是对他同时代流行的色彩理论的一种直接演示。这种独特的艺术风格对后世其他绘画流派也产生了深远影响。 分光法体系的确立，为修拉油画艺术风格的形成打下了坚实的理论基础。修拉的“点彩分色”技法初步形成之后，尚未能大规模使用，只是作为补充性的创作手段。如修拉在其早期作品《阿尼埃的浴者》创作过程中，采用笔触横扫整幅画面，使得各种色彩交互错杂；然后运用点彩笔触进一步补充填充，从而使整幅画面产生一种丰富的色彩渲染效果。直到1886年巴黎画展，以修拉为代表的新印象主义才正式登上艺术殿堂，开始建立起一个崭新的艺术新秩序。在这次画展中，修拉第一次展现出他的油画《大碗岛上的星期日 下午》 。这幅巨作只用了三种颜色，整个画面全都采用点彩技法创作完成。从这部作品中可以看出，修拉已经完全熟练掌握了点彩分色这种油画技法，并且第一次系统地使用了分离、纯粹的固有色彩，用科学的点彩分色技法表现客观事物的形象，从而达到用视觉调和取代色彩调和的艺术 效果。这幅油画的展出标志着修拉艺术风格的初 步形成，也宣告了新印象主义艺术风格的诞生。本文从点彩技法发展的三个重要阶段来分析修拉的色彩艺术。 一、创造点彩派（Ｐｏｉｎｔｉｌｌｉｓｍ） 修拉在画面上将一些黑色块集中起来，而让一些空白的部位显出明显的形状。通过达到完美平衡效果的层次变化和黑白对比，把意想不到的情景展现在我们眼前。他捕捉着光和色，将它们在黑色和白色中复活起来，创造出阴影有利于形体塑造，光亮充满神秘色彩，过渡的灰色显露强烈生命力的世界。和谐的曲线在相互制约着、平衡着，各种形状浮现着、明确着发出光的异彩。 自西涅克邀请修拉参加印象派，向他炫耀了纯色的优越性后，他们便在画布上堆起与环境、阳光、颜色的相互作用相符合的小圆点来。为了更好地平衡这些因素，并使它们互相渗透到只有极小的差异程度，他们采用了不在调色板上调色，而用小圆点和纯色色点进行点彩的办法。在一定的距离看上去，这无数的小点便在视网膜上造成所寻求的调色效果。从此以后，同时对比法则、点彩法、纯色和光学调色法便成为修拉艺术的主要成分。 二、《安涅尔浴场》———修拉对于点彩派的最初尝试 《安涅尔浴场》是修拉1883年开始画的第一张非常重要的油画作品，并参加了巴黎官方沙龙展览。第二年，他和其他年轻的画家组织了“独立艺术家群体”。作品以“点彩”为表现手法，描绘在巴黎塞纳河享受沐浴的人们（见图1）。 修拉绘画色彩技巧浅析 朱 伟 ５１
中国画论文：浅析中国画的艺术特征
中国画论文：浅析中国画的艺术特征 张静 （武警政治学院，上海200435） 摘要：中国画在长期的历史发展中，形成了独特的艺术语言及审美特征。中国画的艺术特征主要体现在五个方面：一、以形写神，畅神达意；二、以线造型，笔精墨妙；三、以虚带实，虚实相生；四、以大观小，散点透视；五、诗书画印，综合艺术。通过认识中国画的艺术特征，可以更好地欣赏中国画，进而陶冶情操，提高修养。 关键词：中国画；艺术特征；写意；笔墨 中国绘画艺术历史悠久，源远流长。她植根于华夏文化沃土，跨越不同时空，历经不同阶段，形成了融汇民族文化素养、思维方式、审美意识和哲学观念的完整的艺术体系，是世界艺术领域中的一朵奇葩，更是我们中华民族的国之瑰宝和骄傲。她所体现的艺术美蕴含昭示了深刻的人生道理及宇宙意义的最高境界。传统中国画在长期的历史发展中，形成了独特的艺术语言及审美特征。当然，“五四”运动以后，西学东渐，近现代中国画借鉴了西方写实主义的观念和技法，力图中西合璧。而当代的中国画更是不断创新，形式多样。但万变不离其宗，中国画的主要特征依然不变。笔者将中国画的主要艺术特征概括为以下五个方面，其中第一与第二个方面尤为典型和重要。 一、以形写神。畅神达意 “形”指外在的形象，“神”是内在的精神。中国画不满足于“形似”，而要求“神似”。早在大约一千多年前，东晋画家顾恺之就提出了“以形写神”的原则。相传他画人物，数年不点睛，人问其故，答云：“四体妍媸，本无关于妙处；传神写照，正在阿堵中。”“阿堵”是六朝和唐代的常用语，相当于现代汉语的“这个”，在这里指“眼睛”。这句话指出，绘画的关键不在于对象的美与丑，而是重在“画龙点睛”，表达出人物的内心世界或精神意境，使其“含情而能达，会景而生心，体物而得神”。顾恺之的“传神论”奠定了中国画以形写神、重在传神的基础框架。 中国画坛先辈虽然很早就提出了“以形写神，形神兼备”的原则，但他们也很早就看到了“形似”并不一定“神似”，为了更好地传神，形的表现可以很灵活，可以夸张变形，甚至不求“形似”。例如宋代苏轼曾说“论画以形似，见与儿童邻”。元代倪瓒曾说“仆之所谓画者，不过逸笔草草，不求形似，聊以自娱耳”，现代国
数字绘画基础-课程标准
学习领域课程标准数字绘画基础学习领域课程校准 一、学习领域定位 数字绘画基础课程是影视动画专业课程体系的必修课之一，作为动画的专业基础课程，是动画专业学生掌握动画知识的重要课程。本学习领域由PHOTOSHOP基础模块，，创意插画模块共同组成项目化教学内容，作为动画专业课程的铺垫。 它的前期修习领域是素描、色彩，后续学习领域是角色造型、无纸动画制作、角色动画、毕业设计以及应用所掌握的能力参与各种形式的实践项目任务。 本课程的工作任务本着由简单到复杂的原则，让学生能够掌握Photoshop的使用方法和数字插漫画制作技法，掌握手绘板的使用方法，培养学生的创作性思维，使学生能够将自身的创作思想和传统的动画表现形式有机结合起来。通过本课程的学习，培养学生的综合能力，帮助学生加强基础知识，为将来从事动画及相关行业的工作建立一定的认识和基本技能。本学习领域由3个层次、3个学习情境和9项工作任务组成。3个层次是构思—设计—制作，完成由感性到理性乃至应用于项目实践的工作能力培养过程。9项工作是应用具备的能力在各个项目化教学单元中完成各方向的设计工作任务。 各项目模块的基本任务为：以素描关系和色彩关系为基准，以对应的项目载体为对象，完成工学结合项目实践任务。认知过程分布贯穿于所有项目单元，工作任务集中于各个项目载体。通过立体交叉式的演练与实践，使学生具备基本的数字绘画知识，同时使学生具备较强的工作方法能力和社交沟通能力。 数字绘画基础课程可以培养学生的创作性思维，使学生能够将自身的创作思想和传统的动画表现形式有机结合起来。通过本课程的学习，培养学生的综合能力，帮助学生加强基础知识，强调学生的造型绘画能力以及设计创意能力，能接受开放时代的各种图像信息，积累创意素材，为将来从事动画及相关行业的工作建立一定的认识和基本技能。
浅谈中国画与中国诗的关系
一、前言 中国的艺术家和西方的艺术家一直都在商讨诗和中国画的关系，但是他们各自都有各自自己的看法和观点。西方艺术家认为诗与中国画存在着根本性的差异，但是两者也是有关联的，可以合二为一。如黑格尔认为诗歌有音乐的一面，也有绘画的一面，西蒙尼蒂斯也说过“画是静默的诗，诗是语言的画”。而中国艺术家则认为中国画与诗存在着许多的共融性，本来就是感情的产物，两者相互的交融在一起，可谓“诗画本一律，天工与清新”。 中国画与诗的关系的研究已经不是一个新的话题了，在很久以前已经有许多的艺术家对此做以了解和研究，并且得到了一定的研究成果。我们可以说诗与中国画都是人类的本性加之感情的结合体。不管是的从《诗经》中的“昔我往矣，杨柳依依，今我来思，雨雪霏霏”，还是到了唐代的“竹喧归浣女，莲动下渔舟”。这些作品的艺术表现形象和作者内心的感受都讲究的是意境美，也就是说意境美是主观与客观相互交融的产物。例如明清时期的书法家方士庶说：“山川草木，造化自然，此实境也，因心造境，以手运心，此虚境也。虚而为实，是在笔墨有无间。”也有人说诗与中国画是两种不同的艺术变现形式，虽然他们之间有许多相互交融想通的地方，但是这两种艺术也是不可以相互替代的，也就是说这两者之间也存在着差异性，它们在某些表现形式上也是不通的，各有各的表现领域。 一、诗与中国画的传统性 诗与中国画的关系是特别密切的，它们在很久以前就存在这相互交融的地方，而且两者也是相互影响着，并且在发展中相互影响和督促，使它们都经受了艺术文化的层层洗礼，最后向人类见证了发展的必然性。我们可以清楚的看到，在中国的传统艺术文化中，诗和中国画都是依托于艺术形象来表达它们各自的思想感情和人生领悟，用语言艺术与大家一起分享艺术的领悟。无论它们两者是在艺术精神，或者还是在内容，意境，审美情趣上都有着交融性和共通性。 中国的诗词绘画开始联系是因为刘褒为《诗经》上的《北风》、《云汉》二首诗作了两幅插画，《洛神赋图》就是晋代顾恺之为《洛神赋》所画的插图。在晋代末期陶潜创作了田园山水诗，并且在这个时候大批的田园山水画家开始出现在画坛，从此诗与中国画的逐渐的结合，在唐代兴盛了起来，在那个时候诗人会给自己所作的诗作画，画家也为自己所画的画作诗，为以后的诗画的发展做了铺垫性的作用。到了宋代，诗与中国画的关系变得更加的密切，已经发展到了成熟的阶段，并且总结了“诗中有画，画中有诗”的美学原则。现在这个原则已经成为了千古定论，所有的诗人和画家都会以这个原则为最高的目标和创作目的，在诗和中国画的创作中有意识的向这个原则靠拢，同时这个美学原则也成为了诗与画创作的美德形式和标准。 从中国的史料上看，中国画流传下来的要比诗多的多，也久的多。例如中国画的岩画、彩陶艺术等等美术作品，这些作品不仅形式各种各样，而且色彩也比较单纯，主要是以线条的美感来丰富作品的内容和美化画面，而诗保存下来的作品相对来说就少了许多，剧资料记载，诗歌保留最完整的也只有《诗经》和《楚辞》这两部巨作的了，这两部诗歌不仅都充满了时代精神，还为以后的诗和中国画的创作创造了条件。它们的形式多种多样，内容丰富多彩，还有浓郁的生活气息，使诗与中国画的结合成为中国艺术文化的一种主要表现形式。 诗是用一种语言来表达的艺术变现形式，他用简练的语言表现现实的生活，中国画属于造型艺术，它用色彩、线条等来描绘出一个人或者一个事物的形状以表达出思想感情。中国画多是以意造境，究竟是为了意境美，在这一点上诗也是一样。中国画与中国诗词具有同样意义的意境美。 二、诗与中国画的互补性 （一）、诗中有画 对于诗与中国画的结合，我们讨论的不是形式的像与像，似与不似，重点是要放在诗画的本身去，也就这样说，诗不依赖于画而有画意，画也不会依赖于诗而有诗情。 唐代大诗人王维的诗，多数都可以说是诗中有画，就像大家熟悉的“竹喧归浣女，莲动下渔舟”；“漠漠水田分白鹭，隐隐夏木啭黄鹂”。这些诗句虽然说不是绘画，但是它们的那种鲜明形象，活
中国画色彩的运用及特色
〔摘要〕在中国画中，对色彩的调配是非常重要的，我们之所以欣赏它，就源于它带给我们的视觉冲击，最直白的就是色彩视觉。任何一位画家，对中国画色彩的运用都有属于他自己的特色，这些绚烂的色彩构成了中国画之魂，让中国画的内涵得以更好地展示在世人面前。 〔关键词〕中国画色彩运用特色 在中国人的心里，对色彩有着强烈的感觉，这是与民族习惯、风俗传统乃至时代精神都息息相关的，中华文化绵延千年，从古至今，对色彩的运用一直就有迹可循。中国画在中华文明史上历来就是浓墨重彩的一笔，借画作传承精神乃是画家们苦心孤诣的造就，到了今天，中国画仍然能带给世人强烈的视觉欣赏，传播美的精髓。在中国画中色彩的运用及特色也是大家一直广为关注的话题，正是由于这绚烂色彩的堆积与协调运用，才构成了美丽的中国画。 一、中国画的用色之道 中国画泛指中国绘画，它与西方绘画不同，更为注重的是意境，人们都说，欣赏中国画其实就是在看故事，画家通过那么一幅画展示出来的是很多意思，或高山，或流水，或草木，或飞禽走兽，等等，各种色彩的搭配与协调，构成了泼墨重彩的画作，传达出另一番风景。从战国时期的帛画开始起算，作为国粹之一的中国画已经有了两千多年的历史，可若是要从原始岩画就开始考究，那么中国画已经经过了五千多年的洗礼。这是怎样的文化瑰宝啊！中国画在用色方面很是讲究，它不会简单地只是用某一种纯色，但也不会乱七八糟地使用各种彩虹色，不求斑斓，但求绚烂。而之所以会出现这种情况，其实跟中国的文化传统有关，华夏民族骨子里流动着的是低调却也张扬的血液，这种传承数千年的民族精神在中国画中就有很好的体现。也正是由于中国画这另类的用色之道，借色彩的完美配置表达各种藏于画家心中的感情，注重色彩却不限于色彩，所以它才可以历经这么多年的风霜雨雪，今天才会在世界画廊中发出振聋发聩的声音[1]。 二、中国画的用色特点 中国画能够绵延千年不绝，经历各种各样的战争与灾害还能呈现在今人的面前，这是一个了不起的伟大。不仅我们国人对中国画有着深刻的感情，外国友人对它也是充满了赞赏与崇拜之情。对于中国画中色彩的运用，一直就是大家甚为重视的关注点，毕竟这种搭配不是随便就能够做好的，它有属于自己的特色，有不同于他物的特点。仔细研究中国画，我们其实也能发现中国画的用色特点。首先最明显的就是它鲜明的艺术特点，这与中国画的用色之道有关，先设色，后来才有水墨，而在设色中也是先有重彩，后有淡彩。换言之，画家在绘画时，不是为了画画而画，更为注重的是突出它的艺术特点，打开一幅中国画，迎面扑来的艺术气息就足以说明这个问题。还有，中国画特别讲究平稳沉和，它在用色方面力求各种色彩的和谐搭配，纵观任何一幅中国画，我们都能发现它在色彩方面不会有一些突兀现象，给人的感觉就是浑然天成，不会出现那种刺激性的视觉冲击。 三、中国画与西洋画在色彩运用方面的区别 在世界美术园林中，除了中国画，还有西洋画，这两者迥然不同，在色彩运用方面也存在着极大的差别。首先，他们的颜料不同。西洋画的颜料都是化学品，是后天合成的。而中国画的颜料来源有两种，一是从植物中得来的，比如花青、胭脂等，另一种是从来矿物中得到的，比如朱砂、石黄等。西洋画与中国画的颜料不同，所呈现出来的色彩就不一样，运用方面自然不可同日而语。西洋画注重考虑环境色对物象的影响，我们都知道，西洋画家经常挂在嘴边的就是冷暖色，他们很重视色彩冷暖的对比效果，会刻意处理这种对比所带来的一些细致的变化，也就是善于从色彩细节处入手。可是中国画就与之不同，它不关注所谓的色彩冷暖搭配，而是将重点放在了抒情写意方面，它注重写真，各种色彩的运用，都是为了呈现出作者想要表达的情感。中国画的细致在于它传达出的意思。在绘画中，不是依据固定的客体，而是凭借记忆及主观臆想进行敷色，更多的还是来源于画家脑海中的色彩。概括来说，
少儿彩铅画入门知识
少儿彩铅画入门知识 什么是彩铅画 彩铅画是一种介于素描和色彩之间的绘画形式，它的独特性在于 色彩丰富且细腻，能够表现出较为轻盈、通透的质感。这是其他工具、材料所不能达到的，只有充分利用了彩铅的独特性所表现出来的作品，才算是真正的彩铅画。 彩铅的种类和品牌 蜡质彩铅：绝大部分是蜡基质的，色彩丰富，表现效果特别。 水溶彩铅：多为碳基质的具有水溶性，但是水溶性的彩铅很难形 成平润的色层，容易形成色斑，类似水彩画，比较适合画建筑物和速写。 比较好的彩铅品牌：马可、德国施德楼、英国得韵、德国辉柏嘉、捷克酷喜乐、瑞士卡达、荷兰凡高、德国天鹅、日本三菱、日本荷尔 拜因 彩铅画的技法 蜡质彩铅的绘画方法 1、构图：先用铅笔画出对象的轮廓。 2、上色：彩铅画的基本画法为平涂和排线，结合素描的线条来实 行塑造。因为蜡质彩铅为半透明材料，所以上色时按先浅色后深色的 顺序，否则会深色上翻。 3、修改：物体的亮面和高光用橡皮或小刀实行处理。 水溶性彩铅的基础技法 1、平涂排线法：使用彩色铅笔均匀排列出铅笔线条，达到色彩一 致的效果。
2、叠彩法：使用彩色铅笔排列出不同色彩的铅笔线条，色彩可重 叠使用，变化较丰富。 3、水溶退晕法：利用水溶性彩铅溶于水的特点，将彩铅线条与水 融合，达到退晕的效果。 彩铅画的绘画技巧 彩铅上色就是要有耐心，画出那种细腻的感觉。首先，你要把笔 削尖，然后一层层的上，彩铅的不同颜色叠加会形成另外的颜色，如 果你有水粉绘画的基础，那么只要多画，就能找出感觉，切记，画彩铅，不能用力的涂。要一层层的画，画颜色重的地方，能够注意几种 颜色用在一起的效果，比如：你画黑色的头发，不要就只拿黑色的彩 铅去涂。涂到最后，就是平的，没立体感，而且感觉很死，画画盘子 的阴影假如很黑，也不要拿黑色去涂，你能够尝试用紫色，红色那些 颜色去叠加，如果你用的是水溶性彩铅，就先用彩铅画一层，然后再 用毛刷，沾水涂，颜色就会被渲染开来。反正，不要怕把画画糟，要 尝试不同的颜色搭配出来的感觉，，一层层的画，不要拿着一种颜色涂。 彩铅画的色彩搭配与使用 彩铅画色彩是最需要我们注意的地方，色彩的好坏直接决定了这 张画的命运。这也是新手们最苦手的地方，因为彩铅很难完美的擦掉，一旦颜色留在画面上，怎么擦都无法完全擦干净，而且拿颜色盖住的 时候很容易弄脏。所以我想重点说得也是这里。 为了不让画面脏掉，请一次性决定好的颜色后就不要修改了，就 算要修改也行拿色调色温差不多的颜色覆盖。比如粉色能够用红色盖住，黄色能够用棕色盖住。但是往往拿深色盖住原本想上的颜色以后，就会觉得颜色不搭调了，所以请谨慎上色。 新手往往爱犯的错误是色彩的搭配很诡异，请新手们记住，红-绿，黄-紫，橙-蓝。这3组颜色是相斥色（就是混在一起会变成黑色），
浅谈中国画笔墨和色彩的关系
浅谈中国画笔墨和色彩的关系 关于中国画笔墨和色彩的关系，自古至今一直议论不断，有的人主张重墨轻色，有的人主张重色轻墨，而中国画笔墨和色彩在数千年来所经历的不同绘画表现形式。在此，我仅以个人体会和看法对中国画笔墨和色彩的关系作一点浅议杂谈。 中国画在数千年以来，经过了从形成至成长到成熟的坎坷路程，其表现形式和内容随着时代的发展而不断发展变化。特别是笔墨和色彩的发展，在各个时期并不是齐头并进的。中国画最早采用的表现形式是色彩和线条。早在新石器时期，彩陶就采用了这两种形式。仰韶文化的人面鱼纹彩陶盆、三鱼纹彩陶盆和马家窑文化的旋涡纹彩陶瓮、舞蹈纹彩陶盆上面绘制的鱼、蛙、鹿、鸟、舞乐、人面以及各种纹饰。彩陶是在橙红色的陶坯上，用、黑、白和天然矿物质颜料赭石进行描绘。古朴的色彩，豪放的纹样，大小不一的点线面的装饰美，显现了色彩与线条相辅相成关系的雏形。可以说，用笔工具是形成中国画艺术表现方式的前提条件。彩陶上各种各样的生动灵动的线条美，是形成中国画用笔技法的源头，而天然矿物质颜料，可以说是今天中国画颜料的鼻祖。 在前古不同时期活跃着青铜器艺术、雕塑艺术、书法篆刻艺术、工艺艺术、建筑艺术，它们对中国画艺术有着启示作用，而与中国画艺术有一定渊源关系的，却是用于送葬仪式的一部分具有旌幡形式的帛画，这些先后出土于湖南长沙陈家大山战国时期楚墓和马王堆汉墓等地方的几幅帛画，都采用了平纹绢。 绢画与帛画有一种渊源关系，是中国画表现形式的底本。这些帛画的表现形式大部分使用以墨线勾描对象，虽然用笔还未定型，但是笔法坚挺质朴。另外，彩绘在西汉的帛画中也得到了充分的体现，在彩绘帛画中，使用的颜料主要有矿物色朱砂、土红、银粉、黄丹，植物色青黛、藤黄，动物色蛤粉等颜料，色彩种类比以前增多了，更好地丰富了画面的表现能力。如今，这些用大自然材料制作的颜料虽历经几千年的时光，然仍在绢画上依旧闪耀着姿彩。 五代之前，绘画重视色彩。《周礼·考工记》说：“东方谓之青，南方谓之赤，西方谓之白，北方谓之黑。天谓之玄，地谓之黄”，青、赤、黄、白、黑为五色，是正色，其它为间色。南朝萧绎《山水松石格》上说：“炎绯(红色)寒碧(青色)，暖日凉星”。“丹青”被远古人民指名为中国绘画艺术的专用名词，如《晋书?顾恺之传》“尤善丹青”。“丹青”是古代常用的冷暖两色红、青矿物质颜料，说明了在数千年色彩已经有了冷暖分法，并赋予了意义。《周礼·考工记》又说：“青与白相次也，赤与黑相次也，玄与黄相次也”，古人将色彩作了详细的对比法，使中国画呈现出更加丰富的视觉效果。 现存的魏晋南北朝至宋朝的古画中有很多是绢本，绢一般是上过胶矾的，质地挺爽，手感柔和，是作重彩画的理想材质。古代画家们以千锤百炼的用笔功夫勾勒对象，并以五彩六色的天然性颜料在绢上进行平涂和渲染，使画面上的色彩和线条在数千年之后至今依然鲜艳光彩。如东晋顾恺之《女史箴图卷》、唐代阎立本《步辇图》、唐代周昉《簪花仕女图》、唐代张萱《虢国夫人游春图》、五代顾闳中《韩熙载夜宴图》、卫贤《高士图》、周文矩《重屏会棋图》等，都焕发着不凡的神采。这些重彩工笔人物画，用笔大都采用铁线描和高古游丝描等，或如行云流水，或如曲铁盘丝，或如锥画沙，流畅生动，色彩浓丽丰满，令人叹为观止，百看不厌。 在花鸟画领域，唐代边鸾创立了宫庭富丽一派，至五代，黄荃创立了富丽的重彩工笔花鸟画的“富贵花鸟”派，他作画以“双钩傅色，用笔极精细，几不见墨迹，但以五彩布成”。现存的黄荃《写生珍禽图》，用笔细腻工整，色彩富艳华丽，体现了他深厚的绘画功力。 在山水画领域，隋代展子虔《游春图》，主要以石绿、石青渲染山石树林，并以金线勾勒，用笔坚劲以托出山峦树石，用色浓艳。其山水画被称为“青绿山水”。唐代李思训发展
国画如何调色
国画如何调色 草绿: 70%花青+30%藤黄调配而成,画工笔花卉的叶子最常用的色彩之一 汁绿: 80%藤黄+15%花青+5%朱膘调和成的嫩绿色,常用来作为反叶的底色和嫩叶的底色. 老绿: 草绿中微加墨或微加点胭脂,常用来罩染处于暗部的叶子色彩,薄薄的老绿也可用来渲染反叶. 檀香色: 约70%藤黄+20%朱膘+10%三绿调配而成.加大量水以后常用来刷背景,也可作为嫩芽和托叶的底色. 米黄: 约70%藤黄+30%赭石,主要用来刷背景,在重彩画的绘制中打一层米黄底色容易取得色彩和谐. 三绿: 石绿+白色而得,白色加的越多则就变成四绿,五绿等,三青,四青等色彩也是同理. 老赭:朱膘+墨调和而成,接近熟褐色.常用来提染枝干或提染叶面被虫咬蚀的部分. 胭脂水:胭脂色+大量水调和而成.主要用来复勒线条,曙红水,花青水等说法同理. 豆绿: 三绿+藤黄+少许酞青蓝 墨红色: 曙红+稍许墨 赭绿色: 赭石+草绿 古铜色: 朱膘+墨+少许藤黄+少许曙红 汁绿色: 草绿+藤黄+少许朱膘 灰绿色:三绿+少许墨 芽绿色: 汁绿+藤黄 米黄色: 藤黄+朱膘+少许墨 桔黄色: 藤黄+朱膘 墨青色: 花青+墨 藏青蓝: 酞青蓝+墨+少许石青 绛红色: 胭脂+朱膘+少许墨 紫色: 曙红+少许酞青蓝 墨绿色: 草绿+少许墨 老绿色: 草绿+少许胭脂 翠绿色: 酞青蓝+藤黄+少许翡翠绿 褐色: 赭石+墨 檀香色: 藤黄+朱膘+少许三绿 蓝灰色: 花青+白粉+少许三青 豆沙色: 胭脂+朱膘+少许花青 土红色: 朱膘+少许胭脂 青绿色: 草绿+少许酞青蓝 四绿色: 三绿+白粉 胭脂水: 胭脂+大量水 青灰色: 花青+少许墨+白色 蓝色: 酞青蓝+三青 朱红色: 朱膘+曙红 紫青色: 胭脂+少许酞青蓝 粉黄色: 藤黄+白色 绿色：草绿+翡翠绿 赭红色：朱磦+墨+少许曙红