电影是一种视觉艺术

电影是一种视觉艺术整理资料

“……是一种视觉，所以为什么永远在谈章子怡，谈里奥纳多怎么样啊，也不是说他们不怎么样，只不过除了电影、演员、导演和钱之外，还有一个很重要的一面，就是我们这一个部门()，我们这个部门有很多人，为什么不肯定这些人呢？我的重点会扩大你对电影的享受，因为你会多一面，其实那一面是最重要的一面。而且我希望这些可以影响你，可以美化你的世界一点点，如果你注意到的话，你会活得开心一点点。因为你坐在这里你会注意到那光，因为你看过我的一部电影，或是你会注意到颜色，因为你看过我一部电影。你不会幻想你是章子怡，而会幻想你是对红色有感情的人，所以很多很简单的东西会变成很大的享受。” ——-杜可风提起杜可风似乎总离不开王家卫，好像他声名从此而确立，其实早在之前他已经为行内所肯定。而在他尚未行内立身之前已经被侯孝贤所视中。他与王之间是互相成全。《东邪西毒》是他们自《阿飞正传》之后的第二部合作品。这部电影几乎横扫了之后所参加的所有影展里的最佳摄影奖。据说本部电影里的拍摄中，杜可风几乎天天都是大醉，在迷迷糊糊中完成。附录1：杜可风访谈：我的摄影

……所以我的优点和缺点、他的优点和缺点我们互相都清楚。我觉得这样很好，我可以稍微大胆一点去做一些事情，因为我知道，对方会了解，或会谅解，甚至于会弥补，我觉得重点其实是弥补，在一个创作的过程中，我觉得需要这样。我的运气比较好，跟我合作的大部分导演都能与我相互取长补短。不熟悉的导演对我会有一点担心，他们也知道我有一点“神经病”，有时候我会有点热情过头，或是有很多很多的想法冒出来，只有跟我合作最好的导演才能了解我并利用这个优点，然后弥补那些缺点。像王家卫啊，还有一些其他的导演跟我合作比较好，是因为他们也了解我这个特点，或者说是毛病，太投入有时候也是一种毛病。不过我觉得作为一个摄影师，就像演员一样，最大的乐趣就是因为你可以演很多不同的角色，有一些不同的想法，会接受别人的想法来作为你自己的出发点。所以我觉得摄影比导演更辛苦，因为空间特别大，可以有很多不同的想法。我觉得摄影师参与剪接是最折磨自己的，因为你会哭：好心疼啊，这个不要剪了……要知道那种宽容和投入，拖了五年也很难维持啊，所以必须找到一种办法，去维持体力、精神和你自己参与的身份。我找到的方法就是对空间的运用，对演员来说应该是不停地探讨所谓的角色，而那个角色是会变的。我觉得我也是托王家卫的福，因为我现在对空间的所谓敏感度和空间可能的认识比以前高很多，这是惟一存在的东西，其他的都是意外，或是一直在变的东西。比方说《花样年华》，就可以概括成两个空间的关系。男女主角的关系也是通过这么两个空间联系起来。其他的一切都会变，连角色都会变，最可靠的反而是空间。比方说，拍《春光乍泄》的时候，我们到了阿根廷，找到一个房间，电影中60％以上的部分都在同一个房间里拍，空间的存在是电影里的一个中心。我发现我跟别人拍电影的时候就会马上说我要去看景，去了解工作环境，我想这种习惯是被王家卫培养出来的，这是他电影里惟一真实的东西，其他的都是一种意外。确实有一点偏绿色，(不是导演喜欢)，是张叔平。别人问我《英雄》的颜色有没有错？它也有它文化的来源，有在里面，不过基本上到最后还是人的品位，我觉得很多东西还是靠品位，所以你的品位怎么样这个电影就是怎么样，有些人大谈所谓的颜色理论，说实话我觉得都是狗屁。《2046》整体的调子是比较淡一点点，没有《花样年华》那样浓，不过它也有跟《花样年华》相同的地方，大概是演出的范围比较相近。：我很好奇你跟张叔平的关系，比如说他是先负责好美术的那一块，这个调子是由你来决定还是……杜可风：没有没有，我们都不讲话。我们自己也很奇怪，为什么我和王家卫、张叔平这三个在完全不同环境长大的人，品位却那么接近。这种交流很微妙，我们不需要谈什么，基本是各做各的事情，我们的个性是非常不一样的，不过我们的品位是很接近的。一个好导演可能会用两三种不同的方法去要求，有一种是“很好啊，你们再来”，一种是骂你一顿，还有一种是软硬兼施：有时候骂你，有时候安慰你。不过其实最重要的，是他有方向，他会把你往那个方向推，说你到了，或是还不够，这才是

一个好的导演。真的，我是摄影我也必须考虑整体，才是好的摄影，不只是美丽的光或是什么，到底它的震撼力，是不是撑得起你的信任呢？这个很重要，这两方面演员也是，撑得起撑不起我跟你的关系，因为我撑得起的话，我们对观众有一种责任，然后你会信任我们，这个很简单，其实是一种信任。只有空间跟风格是可以确定的，其他的你都不知道，所以你还不如简简单单说全部是广角镜头，OK，这样子定了。所以游戏规则弄得简单点比较(好)，比如说那一部《Elephant》(《大象》)，去年得了最佳导演、最佳影片，那个导演我合作过，那个摄影师也是我的好朋友，它是不停地一直在重复，是一部非常风格化的影片，不过他是艺术家，所以敢这么做。第二，它的内容和风格是协调的。所以我觉得重要的是过程，你的风格不要为风格而风格，必须跟主题(统一)，不过我觉得也必须大胆一点点，你不能犹豫了，不能因为传统电影有这个有那个就(犹豫)，所以我觉得必须要稍微风格化一点。(你希望风格化吗？)我希望我们知道不同风格的含义，它的内涵在哪里，然后选一种来做下一部电影。比如说拍《英雄》，我不能打分，因为国外有人说我是天才，可我不是，我只不过是把摄影机摆在那边，气候景色本就是那样的了，没错，我们摆在那里，我们为什么那个时候那个角度在那种光的情况下选这个景，这个是我们的工作，所以你什么都没有可能效果更好，我觉得过程就是这样的，跟雕塑一样，拿掉多余的，其实人的关系也是这样，你拿掉那些包袱，你的压力，文化的压力，人的感情，用得很简单，但大部分的人做不到。我大概在很小的时候，就知道我可能一辈子孤独，其实很多演员也是这样，你会有一种培养自己独立的方法，或是保护自己的手段，不过你很需要人，需要伸出一只手来，所以有几种方法，一个是爱，一个是创作，我弟弟是一个很好的厨师，我觉得给人家做菜也是这个意思，我觉得也是一种分享。不过做菜也是一个孤独的过程，要很投入自己，需要一种孤独的心态。附录2：《杜可风：逍遥自在》（文章作者：刘子冀。）王家卫向来以没有剧本著称，每每在拍摄现场当即构思桥段和细节，这反而成全了杜可风，因为杜可风的和工作态度就是前卫、先锋，追逐女人、酒精和男人，两个人均是无穷而潇洒不羁，于是配合非常默契。对于任何一个镜头，都要精益求精，反复重来是家常便饭，他们两人再加上美术指导张叔平，都很有分，最有缘的是镜头拍摄多条收获之后，某个人想到有些不妥当，一定要求再来一遍，经常搞得那些明星演员和其他工作人员痛苦不堪，王家卫的思维加上杜可风的眼睛，这才是王家卫的电影。从王家卫的角度看，他对技术那些东西不是太感兴趣，摄影机不过是将眼看的东西转到菲林上的工具。所以他总是对杜可风说，“我要某一个效果”。那些看似凌乱的镜头，大有深意，首先要保证内容和形式的结合，比如在《阿飞正传》中对景深的运用，人物对话时彼此在镜头中所在的位置，都让观众有一种参与感。当王家卫在片场拍摄某场戏时，一定要从取镜开始，因为他知道那场戏的发展空间。知道了以后，再安排演员的位置。他跟杜可风解释要的是什么，由于是搭档了，通常毋须多费唇舌。王家卫给杜可风角度，杜可风取镜，而十次有九次，王家卫都会很满意。《阿飞正传》的最后一个镜头，是赌徒梁朝伟的出现、打扮及外出，在闭塞的环境里，对于多种物品的展示都井井有条，而镜头左右摇晃着追逐着梁朝伟，终以广角镜结束，将梁朝伟神秘特色展现得一览无余。杜可风总是能够对王家卫摸熟摸透，王家卫说“近镜”，杜可风就知道要多近。这些都需要天赋和经验，摄影机的位置该有某种逻辑可依，尽管除你之外没有人晓得。一如作诗。诗人用字谴词都别有用意。拍摄王家卫的《阿飞正传》收获到相当不同的经验，在拍摄之前，他们首先从看起，先是阅读六十年代一般很有名的美国小说：斯坦贝克的《伊甸园东》。彼此也都交换过阅读经验，虽然都不是那么明显跟要做的事情有关，但在后来呈现出来，最终在王家卫和杜可风的潜意识里，会影响到他们的工作。但王家卫要的只是那种感觉，并没有依赖这些观念，在王家卫和杜可风、张叔平铁三角看来每部电影有它自己的生命力。《阿飞正传》到了开拍那天，还没有人知道它到底是什么样子，而最后它就是在支离破碎的光影中呈现出来。杜可风拍电影有一个很重要的原则，观众走进影院–一个黑黑的屋子–从第一个画面开始，几个镜头内看到的一切，无论颜色