思维绘画与普通绘画的区别
思维绘画与普通绘画的区别
思维绘画是依据儿童心理学、潜能科学、思维科学及创造学的理论，将心智训练、脑能训练与绘画艺术科学结合，从而缔造出了具有优化个性，优化思考状态，提高学习能力，提升智商作用的新派儿童绘画。
传统绘画主要是采用挂图或线、形导入法。即老师提供给孩子一幅作品，让孩子照着画，甚至给孩子规定好绘画颜色，虽然孩子的临摹能力和观察能力能够得到提升，但久而久之孩子的思维却受到了严重的束缚。而思维绘画彻底打破了这种困境，通过新颖的教学方法与教学课件相结合，让孩子真正做到想画什么就画什么。绘画也不仅仅是让孩子拥有一种技能，更重要的是通过创作充分开发和保护孩子的想象力，认知事物，用自己独特的思维创作，形成完美人生个性，在绘画的创作过程中找到自我。
思维绘画由北京阳光之美教育科技有限公司首创，是以绘画为施教载体来打开儿童右脑智慧，促进双脑平衡沟通的全新启智模式，着重训练孩子的注意力、观察力、想象力、记忆力、思维力和创造力。
思维绘画与传统绘画的最大区别在于，它会通过游戏、视频、绘本等形式对孩子进行
思维导入，充分激发孩子想法和思路，然后再让孩子将想法通过绘画的形式表现出来，同时，表现形式相比传统绘画更加丰富。相比于传统形式的灌输式教学，思维绘画更
加注重素质教育，主张通过绘画锻炼孩子多种思维能力，完善性格，与此同时渗透式
地让孩子牢固掌握美术及美学知识。
思维绘画不是让孩子照着老师的作品一笔一笔临摹，而是先通过开发孩子的想象力达
到每个孩子独特思维的体现，点对点的跟踪式引导，根据孩子的心理和生理特征，制
定孩子的专属思维画风。并同时把相关美学知识点用孩子能听得懂的语言翻译给他们。
思维绘画是技能与精神领域的结合体；传统绘画是熟能生巧的潜意识作画。思维绘画，很明显地是加入了自己的思维与情感，孩子在创作自己的作品时，无疑都加入了自己的想法，也就是说大家所说的“思维绘画”。
在一定主题内，创作过程不只是绘画创意，而是关注孩子思维个性，引导孩子用思维绘画。更注重孩子审美培养和自我人生个性培养。
摄影对绘画的影响
摄影对绘画的影响 在博客上发表自己的见解，总会听到不同的声音。 一开始还真不习惯，便收起话题。然而，奇怪的是当你不谈了，却有很多人依然惦记着那个话题，从我箱底下挖出东西来质问：“到现在为止你依然未把该说的问题说清楚？” 他指的问题是：绘画与摄影的关系。 既然依然有人惦记，那么我就干脆再谈一谈吧，至于对与错，暂且不去管它了。 绘画艺术是人类最古老的视觉文化之一，当它发展到十六世纪时，其造型技艺已臻完善。画家可以用画笔描绘出客观世界的各种物质属性，形体、质感、包彩和空间透视等等。摄影则是一门年轻的艺术，它伴随着工业文明而到来，是人类社会历史发展到一定阶段的产物。摄影技术的直接性和科学性实现了比画家的描绘更真实的视觉形象的新的可能性，但也正是这种直接性和科学性掩盖了其艺术价值，从而使摄影在最初只能以模仿绘画来争取自己的艺术身份。 因此从一开始，摄影与绘画便结下了千丝万缕的联系。正是这种联系，使得今日，在进行摄影评判或欣赏时仍有人不忘用绘画的标准来衡量摄影。摄影发展到今天，始终未完全从绘画的阴影中走出来。因此理清摄影与绘画的关系对于理解摄影艺术的本质就显得相当重要。 下面对摄影与绘画的异同作一个分析： 相同点： 1．都是视觉艺术。摄影和绘画都是读者用眼睛直接看到具体形象的艺术形式。 2．都是瞬间艺术。这是将摄影与绘画同其他艺术形式相比较而方言的。如话剧、音乐等，它们展示的都是时间的过程，而摄影和绘画是表现某一固定时刻的。 3．都是平面艺术。摄影和绘画都用二维的平面展示艺术形象。它们不同于雕塑和舞蹈。 4．造型元素一致。摄影和绘画的造型元素是—致的，都是用色、线、形、等形式要素将要表现的事物凝固起来展示给观众。 不同点： 1．摄影偏向于现场感、客观性；绘画偏向于假定性、理想化。 摄影的现场感、客观性是由摄影器材如照相机，感光片等的物理特性决定的。摄影整个过程中，要多次借助科学技术，要运用机器作助手，离开照相机本身的机械作用，离开暗室工艺，摄影作品的产生便不可能。而绘画则不然，一枝画笔一张纸(或一块布)，加上颜料，作者便可随心涂抹，欣然命笔。 2．瞬间的表现。 摄影与绘画都要凝固瞬间，然而摄影对瞬间凝固的方式是受天、地、人的严格限制的，所谓“机不可失，时不再来”“过了这村没这店”便是指此而言。“摄影家只能在顷刻之间完成，不能拖延，不能停顿，不能修改，不能再作考虑。在他打开镜头的一刹那，所有细节全被记录，甚至比他用脑筋记忆还要快。”威斯顿《以摄影的方式看摄影》绘画则不同，它虽然也只能表现某一个历史瞬间、某一个生活断面，但它显得从容自由，画家完全可以将反复构思的瞬间凝结，存之于心，随后在画室胸有成竹地反映出来。绘画中的瞬间是经过画家感受生活、决定主题、构思画面、打出草稿、反复修改、最后固定下来的。而摄影的画面瞬间则是摄影家现场看到、想到、抓到的。绘画的着眼点，受人眼自然的、生理条件的制约。画家只能画人眼所见到的。如对奔跑的骏马四蹄的画法，就曾为哪个蹄子着地争论不止。而摄影是科学的记录，它往往能摄到人眼看不到的，因为在观察事物上，相机的镜头要比人眼来得精确。人眼的视觉只能停留在第—认知层次上，而镜头视觉甚至可以延伸到原子核的内部。 3．光与影的应用。 光的记录作用，是摄影的特长。可以说，摄影是用光来表达思想和记录感情的。而绘画对光的表现就略逊
摄影与美术的关系
前几日朋友们一起谈起摄影与美术的关系，尤其是激烈地争论到一个话题：学习摄影是否必须要学习美术？因自己早年学习过20多年的美术，也在四川美术学院混过几年，主攻油画，同时也端了二十多年的照相机，算是对绘画与摄影都有一点了解。为回答朋友问题写了一篇《从摄影、美术、PS的关系说起》的帖子，不当之处敬请纠正。 美术是人类最古老的艺术，发现人类史前的岩画远比文字古老得多，美术早已形成了自己坚实而厚重的系统理论、也留下了无数优秀的经典绘画作品以及各种艺术流派；而摄影的历史只有100多年，且在很长一段时间内，人们是以一门纯机械技术来看待摄影的，或认为摄影最多只是美术的一个附庸品，直到近代才被广泛承认是一项独立的艺术门类。 不可否认，摄影的各种艺术流派和形式都与美术的艺术流派和形式有密切的联系，几乎总是先有美术流派后有摄影流派，这是因为美术历史和文化渊源太长太厚了，摄影与美术又同属视觉造型艺术，摄影艺术自然要从美术理论和美术形式中汲取丰富的营养。 但正如我们看到的那样，摄影也有自己不同于美术的独特艺术魅力。希望大家从中了解美术各种艺术流派和摄影各种艺术流派的来源与发展的渊源关系。 特别需要指出的是，不要认为真实客观性是摄影艺术的唯一特性，摄影除了新闻工作和纪实性作品要求必须尽量做到客观真实外，绝大多数摄影艺术作品并不是对客观真实世界的反映，而是人们借助于照相机这个工具来表达自己对客观世界的主观感受和情感思想，如影楼婚纱、艺术人像拍摄、商业摄影等等，都渗透着摄影师或被摄影主体预先已策划的创作思想和情感，尤其是后期的有意识处理和现在的PS创意作品，都是属于摄影艺术的范畴。 但我们国内大多数摄影师和摄影爱好者在欣赏摄影作品时，都自觉或不自觉地仅以纯客观真实这个唯一标准来看待和评判摄影艺术，这显然是太过于窄小了，这反映出我们大多数摄影人对世界摄影的各种艺术流派并不了解，尤其是对美术和摄影的关系不了解，所以我们需要多了解一些美术史与摄影史，做到对摄影主流艺术派别有大致的了解和鉴别，才不至于到处开黄腔、不懂装懂被行家所轻视，同时，也能够极大提高和拓宽我们创作摄影艺术的思路和手法。 就摄影艺术而言，确实与美术是有相同相通的地方，但摄影与美术也有明显的区别，就是因为摄影与美术有显著区别，所以才自成体系、自成一家，摄影有着自己独立的艺术理论基础和技术技法体系。 相同的方面主要有： 1、两者都是属于视觉画面造型艺术； 2、都是运用构图、空间、黑白或色彩关系来记录、描述或表达自己在一定空间和时间对客观世界物体的感受，并以此传递给大众； 3、两者都同属造型美学范围，都能在不断实践中提高自己或大众的审美情趣和审美能力。 不同的方面或主要区别有： 1、材料或工具不同。美术家是运用画笔、颜料、纸张、布料、木料、泥料、金属等等多种物质材料塑造客观物体；摄影师则是运用照相机、感光胶片、电子感光材料、冲印设备或计算机、后期处理软件等记录或复制客观物体；
洛可可艺术时期的绘画和雕塑_黄三胜
学术论坛 美术学ART EDUCATION 2013 / 12 14218世纪，洛可可艺术（Rococo art）在法国兴起，很快席卷欧洲。它兴起于路易十四（1643～1715年）时代晚期，流行于路易 十五（1715～1774年）时代，风格纤巧、精美、浮华、繁琐，又称 “路易十五式”。Rococo一词是从法语 rocaille演变而来，原是指 一种混合贝壳小石子制成的室内装饰物，后来指以贝壳、岩石为装 饰特色的风格。洛可可风格受到巴洛克风格的影响很大，虽保留了其一些特 性，但缺乏巴洛克风格的宗教气息和夸张的情感表现。洛可可风格强调精美柔软的气氛并大量使用光线，贝壳、卷曲的草茎、花朵、 藤蔓成了最常用的装饰元素。洛可可艺术是当时宫廷贵族精神生活 的新宠，并带动了普通阶层以及欧洲其他国家纷纷效仿。这种新的 艺术样式最初表现在家具、建筑与室内装饰上，很快又延伸到绘 画、雕塑和其他领域，带来巨大的风格样式变化。 一、洛可可艺术与绘画 洛可可风格的绘画，构图经常离开中心，以使其充满活泼与轻 盈，减少了文艺复兴时期的庄重、沉稳与典雅。人物则不停运动， 或者跳舞、或者卷曲、或者转身，总之，要制造大量曲线、弧线， 使画面结构变得生动、复杂。画面色调轻淡、柔和，充满悦目的光 线，使空气中弥漫着薄雾般的柔淡气氛，还有牛奶浸润般滑腻、通 透。为了合适地表现这些情景，画家们经常选择室外的、田园的、 森林的贵族式恋爱、游乐题材，尽情地展现他们的才华和想象力。 华托（1684—1721年）的《发舟西苔岛》，是18世纪绘画表现 恋爱情景的著名例子。画中人物穿着华丽，在明亮的天空下，穿过 森林，向神秘、浪漫的目的地——爱情之岛进发，享受恋爱的激情 与快乐。画面展现了一幕盛大的爱情歌剧，远方云烟浩渺，爱情岛 若隐若现，人们沉浸在对甜蜜的爱情仙岛的向往中。画面用“S” 形和“C”形的线条和柔和的明暗建立起结构，交织运动的人物显 隐在这些弧线和光影中，充满了浪漫、神秘、缥缈、空灵的味道。 布歇（1703—1770年）是法国洛可可艺术特征最充分的体现者，他 的作品里弥漫了路易十五时代的审美趣味。他创作了《欧罗巴被 劫》《浴后的狄安娜》《伯格丽特夫人像》等，他的作品多以神话 中的爱情故事为题材，形象生动，人物略有矫揉造作，带有情欲的 风雅，肉体刻画宛如玫瑰色的瓷土，充满脂粉味道。弗拉戈纳尔 （1732—1806年）的作品《秋千》，描绘了银行家和漂亮的情妇在 花园嬉戏，画面大量由“S”形和“C”形曲线组成，色彩艳丽明 快，情绪轻佻。整体观看法国的洛可可绘画，均体现了相似的画面 结构手法、表现方法和审美特点，其题材很多是打情骂俏、游戏做 乐，人物则柔媚轻佻、盛装风雅。 与法国相比，英国的洛可可稍显含蓄，人物表现比较矜持孤 傲，并不时伴有某些社会伦理的说教。这种差异，可能如同法国史 学家兼批评家丹纳（1828—1893年）所说，源自欧洲南北地域差别 以及由此导致的民族性格、审美、行为不同，他在《艺术哲学》一 书中详尽地阐述了地域、气候、物产等对北欧、南欧民族各方面造 成的巨大的影响。这种影响除了上述以外，还涉及文学、宗教信 仰、哲学、艺术、法律、伦理、道德等。英国洛可可代表画家荷加斯（1697—1764年）创作了《卖虾女》《文明结婚》，关注社会真实生活，对当时英国上流社会为了利益进行灵肉交易和赤裸裸的金钱关系予以讽刺和谴责。庚斯博罗（1727—1788年）在英国绘画史上有突破性的成就，他受洛可可艺术的影响，勤奋钻研走上了成功的道路。他迷恋风景，热爱人物，善于把风景和人物融入到一个画面。他笔下的人物比例被拉长，即使男性也加以女性化，用色轻快、明丽、细腻，但不失英国人特有的矜持和高傲。二、洛可可艺术与雕塑17世纪凡尔赛宫集中了法国最优秀的雕塑家，他们建立了路易十四时代宏大庄严的风格，这为后来的洛可可时期雕塑奠定了重要基础。法尔科内（1716—1791年）是洛可可风格在雕塑上的代表，他的作品纤巧、秀丽、妩媚，人物犹如肌肤圆润的仙女，他为人物塑造柔润且小而尖的手和脚，这些成为了他作品的标志。他的《音乐》《冬》受到蓬巴杜夫人的喜爱，让他的雕塑事业更加顺利，成为了雕塑工场的负责人。法尔科内甚至觉得大理石材料也无法表达圆润的美，还用塞维尔瓷器车间辅助制作，为君王的宫室创作更好的装饰品。帕儒（1730—1809年）继承了法尔科内的风格，他将少女的秀美和激情、神魂飘荡的姿态表现得十分传神。克洛迪欧（1738—1814年）非常擅长表现妩媚肉感、奔放不羁的女性形象，他还制作了很多击鼓起舞的林妖、小爱神及女酒神之类嬉戏的场景。乌东（1741—1828年）将雕塑的表现性进行了推进，他善于表现精神和生命，他雕塑的狄安娜宛如无拘无束的活泼少女。他还雕塑了一批神采飞扬的著名人物，如狄德罗、卢梭、米拉波、伏尔泰、华盛顿、富兰克林等，其中尤以《伏尔泰坐像》为代表，思想家微微前倾，神经质地按着椅把，双眼智慧而狡黠，极为传神。洛可可艺术主宰了18世纪前半期的欧洲，尽管浮华做作，缺少对力量的赞颂与感受，却以法国式的轻快、优雅风格使绘画完全摆脱了宗教题材。它用愉快亲切、舒适豪华的场景代替了以往宗教画中殉难的痛苦，从对宗教和神的凝望转向对真实生活的关注，在反映现实世界和现实生活这一点上，洛可可向前迈出了可贵的一大步。洛可可艺术继承了巴洛克艺术风格，并与时代结合，形成历史舞台上一股浓厚的柔媚之风，尽管只经历半个世纪就宣告结束，但其风格仍然影响久远，并且直接刺激了18世纪后期、19世纪的新艺术形式的诞生。参考文献：[1]温尼?海德?米奈.巴洛克与洛可可：艺术与文化[M].孙小金，译.桂林：广西师范大学出版社，2004.[2]丹纳.艺术哲学[M].傅雷，译.天津：天津社会科学院出版社，2004.[3]汤麟.外国美术史[M].武汉：湖北美术出版社，1991.[4]中央美术学院美术史系外国美术史教研室.外国美术简史[M].北京：高等教育出版社，1998.作者单位：北京城市学院（责任编辑：张斐然）洛可可艺术时期的绘画和雕塑◆ 黄三胜 【内容摘要】文章从洛可可艺术思潮与绘画和雕塑的关系着手，分析其表 现形式及风格特色，并对其艺术价值、历史意义进行辨析和评价。 【关键词】洛可可艺术 风格 绘画 雕塑
再论摄影和绘画的关系
龙源期刊网 https://www.360docs.net/doc/0f11352318.html, 再论摄影和绘画的关系 作者：于圣蛟 来源：《文艺生活·文艺理论》2013年第11期 摘要：摄影和绘画之间的关系，两者相接触的点，观念摄影就是用相机拍照的方法表达 作者对社会对生活的一种体验。与绘画同为平面艺术，都是作者主观思想的表现。两者共同点都是发现美，假如简单点说，摄影师留住美丽，而绘画是加工美丽。 关键词：摄影；绘画；关系点 中图分类号：J405 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）32-0055-01 一、摄影和绘画之间的关系点 19世纪的摄影史就是以模仿绘画为始终的历史。可见，摄影自诞生以来就和绘画有着千 丝万缕的联系。一张绘画作品，或多或少凝聚了创作者的想法和观点，就是你看到很像拍下来的一样，在当中画画的人进行了处理，比如说更突出主体，削弱背景，模糊分界线，同样表现一个人或者景，可以用直线、曲线（从线条的语言上说）表现，也可以用素描、中国画、油画、水彩、水粉、版画……（从绘画的形式上）表现。而这一切，在选择以上的绘画语言或者是绘画形式方面，也是一种个人的理念或者是主观意识（你为什么选择水彩而不选用素描表现？为什么你画得写实而不画成是抽象呢？）。摄影，则在抓拍上有着更有说服力的优势。摄影提供了人们了解过去面貌和现在情况的大部分知识，对一个人或者一次事件的描写是一种解释，绘画亦是如此。 绘画可以说是摄影的前身，用摄影记述实物状态，而摄影的技术多以绘画作为基础，比如色彩搭配、布景的框架，以及现在还有虚化的摄影艺术类似印象派的画。 摄影是作为一种自命不凡的活动登场的，似乎是要侵蚀和损害绘画，对于波德莱尔而言，摄影是绘画的“死敌”，但是最终双方达成停火协议，根据该协议，摄影被认定为绘画的解放者，1930年韦斯顿写道：“摄影已经、或最终将否定大部分绘画——对此画家应该深深感激才行。”摄影把绘画从忠实表现的苦差中解放出来，使绘画可以追求更高的目标：抽象。 我认为，其实，摄影作品的主体，在有些时候也能拥有与一些绘画作品一样的动人心魄的美。 现如今，绘画与摄影已经不存在谁威胁谁的问题了，二者的关系是一种越界与驱逐、吸引与排斥、同化与异化的似敌似友的关系，而这场爱恨交加的游戏的结果是，摄影与绘画最终都因对方所给的刺激而获得了新的发展。 二、摄影和绘画的异同
摄影与绘画的相互影响
摄影与绘画的相互影响 19世纪的欧洲画坛处在一个辉煌的时期，先后经历了古典主义、浪漫主义、现实主义和象征主义几个时期。自达芬奇之后，画家严格遵循焦点透视、明暗投形等光学效果，使画面呈现出一种主体真实的效果。在30、40年代的写实绘画惟妙惟肖，达到了逼真的效果。 例图：米勒的《拾穗者》 1839年当法国学术院向全世界公布摄影的诞生后，摄影以其迅速逼真捕捉形象的能力，使画家感受到了前所未有的压力。 绘画发生了变革，接受了摄影的瞬间印象，绘画开始由具象转向抽象，例图：莫奈《日出·印象》消除了绘画的呆板，展现了艺术家的主观感受，后印象主义启迪了两大现代主义艺术潮流，即立体主义、野兽主义。 例图：塞尚梵高高更 印象派画家影响了20世纪艺术，后出现的抒情抽象主义，实际上是吸收了东方绘画因素。 例图：毕加索梵高 一、中国诗画与中国风光摄影的关系 中国画的“意境”也就是中国画的精髓，是中国艺术史上独有的传统美学概念。如绘画中的一些术语“象外之象”、“景外之景”、“韵外之致”、“言外之意”，如古诗中谈到的三境：一曰物境、二曰情境、
三曰意境，物境讲形似，情境讲情感，意境就是用我们现代人常用的情景交融来形容。意境之意，早用于诗，晚用于画，在诗画中有意境者多为写景抒情之作。 例图： 写意与写实不同，它更突出了人的主观能动。简单的说，写意创作就是“发现”与“表现”的过程，写意创作最初萌发于意外的发现，一旦锁定了拍摄目标，就可以考虑如何去表现，也就是偶然与必然的结合。 中国风光摄影就应该像中国诗画一样，追求写意营造意境，带来完美。 二、风光摄影的意境 在中国摄影的构成中，自然风光摄影一直占据着很重要的位置，这与中国传统美学以及源远流长的中国画的山水和花鸟绘画传统有着根深蒂固的关系，是中国传统绘画衍生了中国的风光摄影。所以在我们创作拍摄影像作品时，就应依据中国传统的美学理论和观念，从研究中国绘画入手，去破解中国风光摄影的灵魂“意境”。 例图： 三、中国风光摄影应掌握的几点要素：难、真、美、实 1、难：风光摄影易如门，难精通。 例图：
电脑绘画与艺术设计教案
课题:电脑绘画与艺术设计 课型： 日期： 教学目标： 1、知识与技能:知道电脑绘画的特点，种类和相关软件。 2、过程与方法：掌握电脑绘画的设计思路和制作方法，了解电脑绘画的评价方式。 3、情感态度与价值观：给学生演示一些电脑绘画作品，锻炼他们的享受感和审美观。 教学重点：知道电脑绘画的特点，种类和相关软件。 教学难点：掌握绘画作品的评价标准。 引入新课：在信息技术的发展过程中，以计算机为主的艺术创作载体————电脑绘画与设计愈发受到重视，本专题旨在让同学们根据所学习的图像处理知识，进一步了解电脑绘画与艺术设计的特点，认识到电脑绘画艺术设计在我们的工作，学校和生活中的重要作用。理论联系实际，掌握电脑绘画与艺术设计的设计思路，制作方法和评价方式。 教学过程： （一）电脑绘画概述 崭新的21世纪，数字化信息技术改变了艺术创作与艺术鉴赏的活动方式，作为一门新的学科——电脑绘画，登上了时代的舞台，这种崭新的艺术创作手段，成为时代的需求，，得到了迅速发展，拓宽并丰富了人类艺术领域并逐渐成为独立的艺术门类。 1.什么是电脑绘画 电脑绘画作为一种独特的绘画形式，是相对于传统绘画而言的，点闹绘画不同于一 般的纸上绘画，他是用计算机的技术手段和绩效进行创作完成的。 2.电脑绘画的特点 电脑绘画的优点首先是颜色处理真实，细腻，可控，其次是修改，变色方便，再次 是，放大缩小方便，另外电脑绘画制作速度快捷，保存耐久及运输方便，画面效果
奇特。 （二）电脑绘画的种类 电脑绘画是用数字计算出来的绘画，分别静态与动态两种，同事也可以分为二维，三维两种，二维图形的建立可以用鼠标或数字化仪直接输入，也可以把图形用扫描仪扫进电脑后再作各种处理，三维形体的建立比较复杂，它需要进行模型化和现象化。 (三) 电脑绘画的制作步骤 要想创作一幅满意的电脑绘画作品，首先要有好的创意和构思。要有积极向上的创意，来表现我们丰富多彩的生活，例如我们身边的食物，事件，活动，我们的向往和想象等。 具体来说电脑绘画一般可以分为如下4个步骤： 1.扫描画稿 将画好的稿子扫描到电脑中，扫描的时候色彩模式使用“灰度模式”，分辨率用300dpi就可以了，画纸最好用80克或以上的，这样扫描后容易处理，不容易透光。 2．处理线稿 1）运行photoshop，打开已经扫描好的图片调整色阶，使眼色稍微深一点，把没用的线条擦掉。 2）新建一个透明图层，将纯线稿图放置到该图层，这样扫描稿的背景色在该图层就彻底没有了。 3.用photoshop上色 1）用套索工具选取范围，建立画面选取各个部分的图层，分别在不同的图层里上次，这样修改起来更加容易。 2）双击各图层，弹出图层样式面板，进行各项设置已达到满意的效果。 4.用painter调整 在painter力可以直接打开photoshop的psd格式文件，在painter力不支持中文，所以不要以中文给图层命名。
摄影对绘画创作的影响
摄影对绘画创作的影响 发表时间：2018-10-15T10:30:17.797Z 来源：《知识-力量》2018年10月下作者：刘从蓉[导读] 摄影自诞生之日起就与绘画有着千丝万缕的联系。摄影卓越的再现能力对绘画的艺术观念和创作造成了极大的冲击，为绘画带来了观察世界的新感受、新视野和新方式。 （上海工程技术大学,上海 201620） 摘要：摄影自诞生之日起就与绘画有着千丝万缕的联系。摄影卓越的再现能力对绘画的艺术观念和创作造成了极大的冲击，为绘画带来了观察世界的新感受、新视野和新方式。摄影和绘画创作在各自的发展过程中相互影响，共同构成了图像时代的视觉文化。关键词：再现；观念；现代绘画 摄影自诞生之日起就与绘画有着千丝万缕的关系。西方传统绘画一向把模仿自然作为唯一的目的，逼真地再现现实始终是画家不懈追求的目标。自欧洲文艺复兴时期开始，以达﹒芬奇为代表的西方画家通常使用一种叫做“绘画暗箱”的绘图装置准确地再现景物的比例和透视，以此来获取影像作为辅助绘画的工具。绘画作为一门主要的艺术形式发展到十六世纪时，其造型技艺已臻完善。相对于有悠久历史的绘画而言摄影则是一门年轻的艺术，它伴随着工业文明而到来，是人类社会历史发展到一定阶段的产物。 摄影在诞生之初，只是记录“描图镜箱”的成像一种手段，是一种精确复制客观对象的技术手段和逼真再现客观对象的技术形式。1839年当法国科学院向全世界公布摄影术诞生后，摄影以其迅速﹑逼真地捕捉形象的能力使画家感受到了前所未有的压力。最初一部分从事绘画创作的画家对摄影采取了抵制和抨击的态度，以安格尔为代表的法国新古典主义画家曾提出了这样的书面提议：艺术作品产生于智慧以及对艺术的学习，相机永远无法与之相比。他们甚至认为摄影的出现侵犯了绘画的尊严。 迫于摄影技术的问世给画家们带来的压力，他们不得不去探索摄影无法替代的领域，同时也在思考绘画存在的意义，摄影对绘画观念的改变起着不可低估的影响和推动作用。许多画家认识到精确的模仿应让位于摄影，绘画应该从再现外部世界转向表现内心世界。桑塔格在《论摄影》中这样评价摄影对绘画的冲击：“摄影所从事的就是篡夺画家的任务，提供精确地模仿现实的形象的任务。为此‘画家应深表谢意’，就像许多摄影家在此之前和从那以后所表达的那样，将这种篡夺看成是事实上的解放。” 摄影的诞生也加速促进了19世纪中叶前比较保守的艺术表现形式向现代艺术迈进的步伐。一方面部分写实画家开始得益于用照片素材从事绘画创作，而另一部分特别是印象派画家吸收了摄影反映客观生活的直接和随机性，重视光线和空气对色彩还原的影响，忠实于表现瞬间的现场真实感受。有非常扎实的古典画画风格的画家德加，敏锐地感受到绘画艺术所经历的变革过程，开始以极大的兴致描写歌剧院和芭蕾舞的排练场，用粉笔和油彩迅速捕捉运动的画面，在创作中把不完整的前景人物组合成绘画构图，这种犹如从钥匙孔里看到的，这种特殊的画面创新构图法就是来源于摄影图像的观看灵感和取景方式。 摄影作为部分画家的素材获取手段同时，在构图方式上也影响着一些画家。劳德累克的构图也经常使用类似摄影中的开放式构图，将形体巨大和色彩鲜艳的人物放在画面边缘，不太完整好像被裁切了一样。他还在画面中融入了一些日本浮世绘的风格，以松散的笔触追求简练和鲜明。这种明显受到摄影影响的开放式构图，令画面充满着张力。印象派的绘画与古典主义完全不同的艺术表现方式，标志着现代艺术即将登上艺术的舞台。 摄影无比精确的再现自然能力是绘画所不可比拟的，因为传统绘画的题材，如风景、静物、人物等，特别是人物题材最为适合摄影术的运用。马蒂斯说“画家不用再从事于琐细的单体的描写，摄影是为了这个而存在的……它干的更好更快。”“我们对绘画有更高的要求，它服务于表现艺术家内心的幻想。” 虽然摄影的发展和普及没有不会改变绘画的存在和发展，但是西方绘画观念从再现向表现，从具像向抽象地转向的确与摄影的发明有着密切的联系。 摄影术的成熟和完善大大激发了画家以动态的眼光观看事物，未来派画家主张在运动中表现对象，他们借鉴摄影连续多次曝光而产生的重叠影像，把人和动物绘成多肢体连续不断的画面，来制造绘画的“运动”感，杜尚在访谈中坦言他的《下楼梯的裸女》就是由曼﹒雷的连续摄影启发了的灵感。照相写实主义画家克洛斯也似乎在迫不及待地再现摄影镜头所产生的局限，在其许多比真人头像大几十倍上百倍的人像画作中，常常是眼睛画得很实，毛孔清晰而鼻尖和耳朵却是虚的，以表现镜头脱焦的效果。 摄影术的成熟和完善大大激发了画家以动态的眼光观看事物，未来主义发端于意大利,受立体主义的启发，派生于1910年代，为一种近代的文艺思潮。未来派信奉现代机械文明产生的是运动、速度和力量，而以往的静态艺术是过时的。未来派认为，“一匹奔跑的马，不是有四个蹄子，而是有20个，并且它们都是沿着三角形运动的”，采用以事物的运动和速度状态来表现空间和时间。摄影上的未来主义风格表现为动态摄影。意大利未来主义倡导者安东?布拉加利阿在创作上的实验．大量运用于用摄影表现动静结合，强调摄影图片静态画面上的动态感。他们借鉴摄影连续多次曝光而产生的重叠影像，把人和动物绘成多肢体连续不断的画面，来制造绘画的“运动”感，杜尚在访谈中坦言他的《下楼梯的裸女》就是由曼﹒雷的连续动态摄影启发了的灵感。毕加索本人对摄影也是充满热情，不仅拍摄构图讲究的照片和许多肖像作品，而且记录其绘画过程，他还多方收集照片，剪辑集锦。虽然毕加索不是模仿者，但摄影对他立体派风格的形成确实起了很大的作用。 摄影技术的产生改变了一切，大量绘画作品都衍生于照片。摄影作为画家绘画工具的自然组成部分，一开始只是用来起辅助作用，而后更是发展为艺术作品的一部分。德库宁在油画布上粘贴剪好的照片，霍克尼则把照片用在多重影像的构图中，而安迪?沃霍尔用摄影因素构成了他的艺术符号和表现方式，他大胆尝试凸版印刷、橡皮或木料拓印、金箔技术、照片投影等各种复制技法，他的作品几乎说不清算是照片还是绘画，现代绘画与摄影的边界越来越模糊。 作为新绘画复兴标志人物的里希特在创作中通过对业余摄影者的照片复制作为创作元素，把经过摄影镜头过滤的客观现实再用绘画的方式表达出来。“我以绘画说明摄影”，“照片是最完美的绘画”，里希特用他的名言道出了摄影对绘画创作的影响。参考文献 [1]苏珊?桑塔格.《论摄影》[M].湖南:湖南美术出版社,2008.
艺术设计与商业设计的关系
艺术设计与商业设计的关系 前言：商业设计是面对大众消费者口味的。从艺术设计者而言：商业设计注重的是“商品”，绘画艺术注重的是“设计者本身”；即是客观和主观的比重问题。一个好的商业设计肯定是受大众欢迎的，但一个好的绘画作品却不一定受大众的欢迎。因为一副好的绘画作品其作者本生所具有的艺术修为是少数人才拥有的，同时欣赏者在观其作品时必定注入了自己的理解和情感。 社会是在不段的进步发展，因此，随着社会的进步，文化活动、文化功能也随之扩大化、细致化。而创造性活动也随之，有着越来越有目的和计划性。因此，设计这个概念也随之产生。 设计的行为受文化约束,，不存在脱离文化约束的设计我们在谈论文化和设计的时候，总是将其联系在一起。做为设计行为，其首先就是要了解社会文化背景，包括适用人群、人文风俗、色彩偏好、功能需求等等，有了这些信息，设计才能够进行下去。并且，设计师是人这个主体，而人总是存在于一个历史时期，在某个社会背景下的，他们的理念、行为方式都来自于那个特定时代的文化，即便是社会的英才、时代的先驱，也必然是在这个时代背景下的，因而设计的结果是反映当前时代的文化。 艺术设计是以艺术作为设计主导，综合了广告学、传播学、心理学、市场学、社会学等诸多学科，作为一种设计学科，其目的是促进消费观念的改变和提高。商业性设计是随着经济的发展而产生的一门独立且非边缘的设计学科。商业性的设计以平面广告为主，有报纸、杂志、路牌等。而现在的广播、电视、pop，广告、车身广告、电影软片广告也属于一种时空性的商业性设计。商业性设计的社会大众认知感是首位因素，即产品的核心。与消费者的倾向点对应的，常常是“商业性设计的核心”。即找到了商业性设计的表现方法，商业性设计也就由此而产生了。 一、什么是艺术设计与商业设计 艺术设计是一门独立的艺术学科，它的研究内容和服务对象有别于传统的艺术门类。同时艺术设计也是一门综合性极强的学科，所谓艺术设计，就是将艺术的形式、美感结合社会、文化、经济、市场、科技等诸多方面因素，再现于和我们生活精密相关的设计当中，使之不但具有审美功能，还具有使用功能。换句话说，艺术设计首先是为人服务的，艺术设计应是
摄影对绘画创作的影响
摄影对绘画创作的影响 摘要在摄影技术产生以后，绘画的发展受到影响，摄影与绘画二者一度表现出紧张的关系。但从客观来看，摄影技术对绘画起到了一定的促进作用。进入到现代，越来越多的绘画人员已经在用摄影技术进行绘画创作活动。 关键词摄影技术促进影响绘画创作 一．摄影的发展与绘画的关系 早在古希腊时期，西方造型艺术便确立了以模仿自然为绘画目的“模仿说”，随着其在古希腊盛行，得以成为西方的经典学说。在摄影术问世之前的二百多年，西欧画家由于追求写实逼真，早已跟一种名叫暗箱的光学器材打上了交道。1839年8月19日，在法国科学院与艺术院联合会议上，达盖尔版摄影术的发明颁布于世，这标志着摄影术的诞生。当银版照相术首次问世后不久，法国大画家德拉克罗瓦也不免惊叹说：“一幅银版照相胜过一般的描绘，它是对象的镜子。”画家们迫切追求写实逼真的愿望促进摄影术的诞生发展，同时，摄影术诞生也在艺术界引起巨大波澜，这意味着崇尚写实的写实绘画受到冲击和挑战。不同的画家对于摄影术有各自不同的反应，他们或者畏惧、轻视；或者重视，认为可以利用。 进入20世纪，摄影术更是突飞猛进的发展。照相机本身精益求精，不断改进，彩色摄影取得高度成就，由摄影术产生的形象传播工具（电
影，电视，录像，电脑，数码艺术等）迅猛发展。实际上，现代画家们很难与摄影分手，其紧密复杂的程度远远超过以往任何时期。对绘画而言，摄影术的挑战在继续，影响在扩大与深化，而画家利用照相则比19世纪更为普遍。 二．具象绘画 “具象绘画”这个概念它包含的意义广泛，所有以形象 的表现性为表征来呈现客观世界的艺术图像都可纳入具象绘画的范畴。相对传统写实绘画，当代具象绘画更强调表现而不是再现，强调艺术家的观念的渗入和主体的创造；相对于抽象绘画来说，具象绘画保持了视觉与自然形象的视觉联系。 三．摄影对绘画观念的介入 摄影与绘画虽然同样源于影像经验，以照片为参照物，不同时期艺术家对照片的态度与精神指向不尽相同。艺术家运用照片进行绘画创作的表现形式大致三类： 1.利用照片， 获取素材。塞尚于1885年至1890年间所画的《洗澡的男子》，就是根据一张照片中模特儿的姿态创作的。塞尚一贯认为画画并不是盲目地复制现实，它意味着诸种关系的和谐。在这摄影对具象绘画创作的影响里，塞尚当然也不会去“盲目地复制”那张照片。他创造性地赋予油画许多新的变化，诸如背景的改变，胡子的取消，双腿的加长和加粗，透视的缩短，以及明确地用线条勾出全身边缘轮廓，大大加强了这位浴者的立体感，使之仿佛要从画幅里走出来一样。
雕塑艺术对绘画的影响与作用
雕塑艺术对绘画的影响与作用 雕塑和绘画都属于造型艺术的范畴，两者却有自己的不同形态、艺术特征、表现手法等。但是雕塑艺术对绘画却有潜移默化的影响与作用。 首先雕塑和绘画有各自的内涵。雕塑艺术，又称雕刻，是雕、刻、塑三种创制方法的总称。指用各种可塑材料（如石膏、树脂、粘土等）或可雕、可刻的硬质材料（如木材、石头、金属、玉块、玛瑙等），创造出具有一定空间的可视、可触的艺术形象，借以反映社会生活、表达艺术家的审美感 受、审美情感、审美理想的艺术。由于它占有三度（长、 宽、高）空间，因此亦名“空间艺术”。也有称之为“视 觉艺术”或“触觉艺术”的。它是运用一定的物质材料为 媒介的。在三维立体空间中塑造艺术形象，与其他的造型 艺术不同，它只能表现一个瞬间的动作和神态（右图：兵 马俑），不像戏剧、文学、电影等能够描写整个情节的发 展过程和人物性格的形成等。雕塑主要以形象本身来表达 它的主题思想，给人以一种直接的、强烈的印象，从而引 起观众的共鸣或联想。 而绘画艺术，则是用笔等工具，墨、颜料等材料，在纸、纺织物、墙壁等表面上画图或作其他可视的形象，绘出的图或画。是 一种在二维的平面上以手工方式临摹自然的艺术。绘 画是一个捕捉、记录及表现不同创意目的的形式。绘 画的本质可以是自然及具像派的、影像绘画、抽象画、 有叙事性质的、象征主义、情感的或政治性质的。历 史上有一大部分的绘画被灵性主题及概念所主导，这 些绘画形式由陶器上的神话角色到西斯廷教堂的内壁 及天花板上的圣经故事场景都有，它们会透过人类身 体本身去表达灵性的主题(右图：圣母与子)。 雕塑与绘画不同之处在于：绘画是平面的，从一个 固定的角度去观察和表现对象。它占有的是二维空间，利用透视、虚实给人以三维空间感觉。而雕塑却不是，它占有的是三维空间。以圆雕为例，它是立体的、直观的、占有空间的、有重量的、看得见摸得到的实体。从一定程度上说，它比绘画真实感强，它必须使观众四面八方都能看到，是用立体的没有特定背景的实体来反映生活的。 绘画可以借助背景环境及鲜艳的色彩来烘托渲染主 题（如右：最后的审判），而圆雕主要是用精练、概 括的形象，极少的道具来反映主题，用立体的形象、 内在的精神面貌来感染人。而浮雕有一定的灵活性， 它可以运用较多的背景和道具，而且丰富的光影效果 也能增加浮雕的表现力。 雕塑和绘画各有自己的艺术特征。在中世纪的欧洲， 常把绘画称作“猴子的艺术”，因为如同猴子喜欢模 仿人类活动一样，绘画也是模仿场景。在20世纪以 前，绘画模仿得越真实，技术越高超，但进入20世纪， 每个画家开始发展自己独特的风格。不同的画家风格不同，也有不同的价
绘画艺术的特点
我说课的内容是人美版高中课程标准实验教科书——美术鉴赏第5课《绘画艺术的特点》。我主要 从教材分析、教学手段和教学过程三个方面加以阐述。 一、教材分析 教学目的：通过教学，使学生了解绘画的种类、绘画艺术的特点、中西方绘画的区别，从而提高欣赏绘画的能力。 教学重点： 1、绘画作品的艺术特点 2、中西方绘画作品的区别 教学难点： 1、把枯燥的理论讲话，充分调动学生参与积极性，体现学生的主体低位 2、让学生对所讲内容确实的感受体验，注意培养学生运用所学知识区欣赏、分析作品的能力。 二、教学方法 让学生成为学习的主体，那么在教学过程中结合提问教学法，采用分层次，分目标地选择学生来，问题的方式来进行课堂教学，鼓励所有同学积极参与，教师给予启发和引导，形成互动探究的教学模式。培养学生的主动参与意识。 学法：让学生主动参与，分组讨论，运用所学鉴赏方法来赏析，判断，作出正确的评价。在学生主动参与的过程中增加学习的兴趣。 三、教具准备 教材，备课本，范画等 四、教学过程 （一）引入新课 黑板上有两个词：美术、绘画。 美术是不是就等于绘画呢？说说你的理由？ （美术是一个大概念，绘画只是其中的一个门类。） 但是在通常情况下，我们一提到美术，人们往往首先想到的就是绘画，也就是人们常说的画画，也有人认为美术课就是画画课。人们为什么会将美术和绘画联系得如此紧密呢？这反映了绘画作为一种主要的艺术形式在整个美术领域里所占的比重是很大的，绘画是一种大家非常熟悉的美术形式，你能说出你最喜欢的绘画形式吗？请举例回答，并说明为什么最喜欢这些形式？（鼓励学生通过思考、回忆，尽可能多说几种形式。）
大家都知道，美术包括四大门类，绘画、雕塑、建筑、工艺美术。前面我们已经学习了建筑和工艺美术，这节课我们先来了解一下绘画艺术有什么特点，怎样去欣赏、分析一幅画。 （二）讲授新课 板书课题：绘画艺术的特点 1、什么是绘画？ 绘画：是运用点、线、色彩、明暗、透视、构图等艺术手段，在平面上创造图像，反映现实和表达审美感受、思想情感的艺术。 提问：我将会根据学生对概念的理解，让学生讨论绘画作品与其它艺术形式的区别？ 学生回答：…… 我根据学生的回答进行补充讲解：在平面上创造图像，作品形态是平面的，是绘画作品区别与其它艺术门类的根本区别。如：工艺美术，虽然也有平面的作品，但它的根本目的是为了实用而不同于绘画的创作目的；摄影艺术作品虽然也是平面形态的，但它是运用机械的技术性和暗室加工完成的记实性图像，而与画家自主表达审美感受、思想感情的绘画有着本质的区别。 2、绘画的分类: 绘画的种类很多,按不同的角度和标准，可分出很多种类。 绘画的种类：(1)工具材料、技法 中国画、油画、版画（根据板材分：木版画、铜版画、纸版画、石版画、丝网版画；根据制版方法和印色技法分：腐蚀版画、油印木刻、水印木刻、黑白版画、套色版画）、水彩、水粉 （中国画：技法，工笔、写意。内容，山水、花鸟、人物） (2)描绘对象 人物画（宗教画、历史画、军事画、肖像画、风俗画、人体画等）、风景画、静物画、动物画 (3)形制与功能不同 壁画、年画、连环画、漫画、宣传画、组画、单幅画 注：可以启发学生回答。 展示图片让同学们回答是什么画种： 《梅竹双雀图》《永乐宫道教壁画》（说明一幅画可能同时属于几个种类） 3、绘画艺术的特点:
设计与摄影的关系
设计与摄影的关系 我是一名大三的学生，主修的是视觉传达设计。视觉传达设计包括好多，主要就是通过用视觉来向人们传达各种信息，来丰富我们的生活，更而在视觉和精神上得到充实。我觉着我在大学学了视觉传达设计觉得很有用，不仅仅对我的世界观和人生观都产生了很大的改变，而且很多时候都能对周围的物象得到准确的理解和充裕，更而对我在实际创作中产生更有用，更丰富的知识。很多时候设计的创作都离不开与设计有关的专业，然而这个月里刘冰老师带我们走进摄影的世界里，去了解摄影，去看看摄影那种独特的气息，那种美丽的感觉与享受。而摄影却与设计有着相辅相成，充实与补充的关系。 摄影对于我们设计的学生并不陌生，总是有很多设计班的同学都很喜欢拍照，喜欢那种拍照独特而又自然的感觉，喜欢把自己的身影留在大自然的某个时刻，留着最幸福的瞬间。大学刚来的时候，寝室人就有很买了相机，接二连三的很多我们设计系的同学都买了相机。但是随着时代日新月异的发展与创新，摄影也在发展，出现了很多胶片机，数码相机，就连现在手机都很拍出很好的摄影效果，这充分说明了摄影在当代的社会是一种流行’时尚是生活中必不可少的一个模式。这更而对于我们用脑子去创作的设计生给予了更加简便的方式。摄影与设计他们共同承但这一种信息传达任务,并且有着相同的审美要求,是互相联系互相影响的。 我们在刘冰老师的讲解下，渐渐的懂得了一些关于摄影的原理,曝光过程，后期制作等并通过搜集资料慢慢的了解了摄影的历史，越来越清楚的知道了摄影对于设计的重要性，摄影与设计是有着极强的关联性的，很多时候，这种关联性在艺术上是一直延伸下去的。尽管设计和摄影在它的发展过程中从技术、材料、结构、表达方式和主题思想上不断更新，不断进步，但同为平面艺术，其相通性就是无论技术手段如何改变，技术都是服务于画面中的各个组成元素，最终都是一副图画。我们在创作设计时，时常很多时候都借助摄影来完成某一副作品，比如我们学过的版设设计广告设计等都和摄影息息相关，大部分都要通过相机来完成一副图片，然后再用设计加工制作。 很多时候我们都是用相机随意的去拍摄某些自己喜欢的画面，自从慢慢的了解到摄影，现在在去拍摄某些画面时，都能很专注的去拍摄，与曾经有着很大的不同。这些图片通过专业拍摄之后，能更好的在设计画面制作中产生更大效果。在艺术中，设计对情绪的影响，以及设计美给人愉悦的感受，这一点设计和摄影语言表达上的应用是相同的。艺术家在每一色块、每一笔触中赋予的精神性，可以经历时代的洗礼。在现代，设计和摄影的关系更加紧密，我们常常可以看到从摄影家转行为设计师或者画家，或从设计师转行为摄影家的事情。在数字技术发展的今天，摄影已经具有强大的生命力，并且在表现手法上日趋多样化。设计是摄影的姊妹艺术。设计的很多基本功，如对画面的把握、色彩的认识和运用、构图的选择等等，对于摄影也是通用的。有设计基础的人进入摄影可在很多方面轻车熟路、事倍功半。特别是当设计者在摄影过程中、包括后期处理影像时，设计者会因对设计特性的擅长而将技法溶入到拍摄和影像之中，产生的影像作品给摄影带来了很多画意的感觉。达到那种随性所欲的感觉 . 摄影艺术从它诞生之时就受到了具有悠久历史的设计与绘画的浸染，并且从文学、戏剧、音乐、建筑、雕塑、书法等艺术中吸取了自己所需的东西。然而，
2015中外绘画与摄影练习题参考答案全解
一、单项选择题 1.写意画中神似轻形似，多在（B ）上作画。 A.熟宣 B.生宣 C.绢帛 D.羊皮 2.（A ）谨严整饬，一丝不苟、刻画入微。 A.工笔画 B.写意画 C.水墨画 D.版画 3. 没骨属于中国画用墨、上色方法中的（C ）类。 A.白描 B.水墨 C.设色 D.泼墨 4.（A ）是中国画最古老、最基础的技法。 A.白描 B.水墨 C.设色 D.泼墨 5. 长卷是古代书画装裱中最常见的方式，方便用手（B ）舒卷展阅。 A.从左到右 B.从右到左 C.从上到下 D.从下到上 6.长卷大多采用（C ）来组织画面。 A.焦点凝视 B.分层布局 C.散点透视 D.固定视点 7. 狭长的立轴被称为（D ） A.横幅 B.立幅 C.长幅 D.条幅 8. 横式画心，装裱后上下翻阅的册页被称为（A ）。 A.推蓬装 B.蝴蝶装 C.蝙蝠装 D.册页装 9. 册页中的“蝴蝶装”采用的是（B ）画心。 A.横式 B.竖式 C.毯式 D.针式 10.装裱为通折连为一体的册页被成为（C ）。 A.蝴蝶装 B.推蓬装 C.经折装 D.蝙蝠装 11. 明朝以后折扇由（D ）传入我国。 A.朝鲜 B.伊朗 C.印度 D.日本 12.黄河以北（A ）山脉岩画是迄今为止最古老的图画遗存。 A.阴山 B.华山 C.玖山 D.九华山 13. 阴山山脉岩画的制作年代可以追溯到（B ）时代早期。 A.旧石器 B.新石器 C.河姆渡 D.半坡 14. 南方岩画多以（D ）手法为主。 A.磨刻 B.敲凿 C.线刻 D.绘制 15. 我国最早的彩陶文化是（A ）。 A.老官台文化 B.半坡文化 C.龙山文化 D.河姆渡文化 16. 在已经发现的彩陶文化遗址中，最具代表性的是（B ）。 A.龙山文化 B.仰韶文化 C.河姆渡文化 D.半坡文化 17. 仰韶文化时期的彩陶花纹中，动物纹以（C ）为主。 A.龙 B.鸟 C.鱼 D.兽 18.仰韶文化彩陶花纹中，人面纹多和（C ）纹结合在一起。 A.龟 B.鸟 C.鱼 D.鹿 19. （A ）中的黑陶纹饰也达到了很高的装饰水平。 A.龙山文化 B.仰韶文化 C.河姆渡文化 D.半坡文化 20. 先秦时期绘画的首选载体是（B ）。 A.纸张 B.丝帛 C.羊皮 D.竹木 21. 《人物御龙图》出土于长沙（C ）墓。 A.汉 B.秦 C.楚 D.宋 22. 在缣帛上创作的古画，后人称作（B ）。
最新人美版初中美术七年级下册《如何欣赏雕塑作品》教案
《如何欣赏雕塑作品》教案 教学目标： 通过教学，使学生了解雕塑艺术及其特点，提高对雕塑艺术的欣赏能力。 教学重点： 欣赏分析雕塑艺术的审美取向及造型特点。了解雕塑艺术发展的历史，认识雕塑作品从形到意的艺术特点。 教学难点： 如何理解雕塑作品的造型和表意特点。 教具准备： 与课本图片相关资料 教学过程： 一、导引： 1、两位同学上讲台摆一个他们自己认为很酷的姿势，在让下面的同学讨论一下两位同学的姿势如何？由此引入今天的课题。 2、问一下同学们平时见过哪些雕塑？给他们留下怎么样的印象？能看出是用什么材料做的吗？ 二、导入新课： 先出示绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术作品的图片各一张。问美术分为哪几类？再问一下同学们知道它们之间的区别吗？由此引出雕塑念。 雕塑：可雕性、可塑性的材料，通过雕、塑、铸、焊等手段制作反映社会生活，表达审美理想的三维实体的造型艺术。 三、雕塑的分类： 1）、按材料：石雕、木雕、竹雕、泥雕、金属雕、冰雕、石膏像等 2）、按空间形制（形态）：圆雕、浮雕、透雕。 圆雕：不附着背景的完全立体的可从四面观赏的一种雕塑。如《思想者》、《菊花仙子》。 浮雕：在平面上雕出凸起的厚度，根据凸起的高度可分为浅浮雕和高浮雕。 透雕：在浮雕的基础上镂空背景部分，有重视一面艺术效果的单面雕，也有双面雕。如室内的屏风。
3）、按功用和所放的位置：城市雕塑、园林雕塑、纪念性雕塑、室内雕塑等。 四、雕塑艺术的特点： 1、雕塑的形体： 雕塑作为三维空间的实体，给予人的感受，首先来自它的形体。形体美是雕塑的形式美的灵魂。雕塑的形体，不仅要比例匀称、结构严谨，更要通过形体展示形象的动势、情绪与生命力。例如： A、罗丹的《思想者》。罗丹是法国近代最著名的雕塑家，被称为“近代雕塑之父”。他是旧时期（古典主义）的最后一位雕塑家，又是新时期（现代主义）最初一位雕刻家。这尊雕塑是罗丹为《地狱之门》中央的门楣而作的。雕塑的人物形态是弯腰屈膝，右手托着下颚，嘴咬着自己的粗手，陷入苦苦的思索之中。眉弓突起，双眼深陷隐于暗影之中，咬肌凸起，全身肌肉紧张。强化了他的苦闷、深思。 B、摩尔的《斜卧像》。这是1957——1958年为巴黎的联合国教科文组织大楼创作的雕像。这是一件抽象化的雕塑，描绘的是一位斜卧翘首远望的女性。 像这种表现性的雕像，强调主观精神，审美理想。这样的雕塑应从内在的意境去观看，不能单看外表。 C、雕塑具有体量感，它直接影响着观赏效果与主题的表达。 2、雕塑作品的象征性和寓意性： 雕塑形象单纯，难于作复杂的描绘所以作者利用其形体变化，体量和外轮廓造成雕塑的节奏韵律感，赋予象征性和寓意性。如法国马约尔的《地中海》。他以丰满的女人体象征美丽富饶的地中海。马约尔是一位善于刻画女性美的艺术家，他从一个形象和姿态中显露出内心的情感，形体表达内在精神。 3、注重作品的材质和内容的关系： 材质美和材质与内容的统一，便是雕塑艺术的重要特点。《鳖》是一件因材施艺，构思奇巧，造型成功的小石雕。作者琢磨得精细逼真，同时在印体石上留有粗糙的砸痕来保持石材原有的特点。这是利用材质肌理对比和加工留痕，增强表现力和审美情趣。 霍去病墓的各种动物雕刻多是利用石材的原形稍加雕凿，既使其具有生命，又保持了石质的美感。 4、雕塑作品与环境的协调统一性 雕塑作品大多是为某一特定环境制作的，使作品作用与环境，并使环境成为作品的组成部分共生出新的景观。爱得华的《美人鱼》，是置于丹麦哥本哈根海滨公园中的巨石上。