绘画艺术中的创作方法与创作构思__省略_利绘画中形式与内容_矛盾_的统一_李天翔
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世界上的任何事物都是由内容和形式两个方面组成的，也是内容和形式的统一体。绘画作品也是如此，无论是创作还是研究，往往都会从这两个方面着手。因为，作为绘画形式的创作方法与决定绘画内容的创作构思是相互制约、相互渗透、不可分割的整体。
一、绘画的组成——内容与形式
（一）绘画的创作方法是艺术家表达创作构思的途径
美术作品的形式是作品内容的组织结构和一定物质材料、艺术语言表现出来的外在形态。而对于绘画来说，其形式的具体表现有色彩、明暗、线条、肌理、笔触、质感、光感、空间、构图等多种要素。
绘画的历史悠久，不同时代都有着不同的绘
绘画艺术中的创作方法与创作构思
——达利绘画中形式与内容“矛盾”的统一
文／李天翔
西班牙画家达利，２０世纪西方画坛上的一位奇才。无论是他的人生还是他的艺术都充斥着矛盾：个性放荡不羁，但对艺术创作却坚持执著而严谨的态度；生在现代社会却对“腐朽”的古典主义技法着迷，而他用古典主义技法所描绘的却是现代艺术所表现的心理的骚动、压抑、苦闷、悲伤、神秘等时代主题。达利，在一定意义上，真正做到了超现实——超越自我、超越理性、超越时间，自始至终遵循着超现实主义的主张，抛弃理性，像“仪器”一样记录着理性之外的精神状态，创造属于他自己的超现实主义绘画，堪称是“超现实主义唯一的真正代表”
。
达利 《丽达与鹅》
经典鉴赏
DOI:10.16129/https://www.360docs.net/doc/1112885476.html,ki.mysdx.2010.04.024
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值观等观念和生活经历所影响的。就题材和主题的关系来说，主题是画家真正想要表达的东西，而题材可以说只是一个框。当然主题是受题材所限制的，或者可以说，画家所表现的内容是受社会环境所限制的。但不管是否被制约，艺术家总是可以找到适当的途径来抒发自己的情感、表达自己的态度，而这隐含在画面中的“内容”便是这幅画的灵魂。
艺术的发展总是随着社会大环境的发展一并发展的，新思潮、新科技，伴随的是新的创作手段、新的思想情感，大多数艺术家都会随着这股潮流走下去，因为艺术家总是更喜欢“新”的东西。但达利，作为“时髦”的超现实主义画家，作为一个引领潮流的人，却更“迷恋”古老的东西。
二、以真实的“梦境”
诠释虚幻的“现实”——达利笔下的古典写实主义
达利是个非常勤奋的画家，绘画对他来说不只是事业，更是对自身生存价值的体现。从他学习绘画开始，他就一刻也没有停止过对绘画的探索。和很多大师一样，达利也经历了尝试、选择、徘徊在不同的绘画技法中的探索过程，总是试图寻找一种可以更准确、更适合表达自己的途径。就像达利在《对非理性的攻克》中所写的那样：“我在绘画领域的抱负是以无与比拟的精确使具体的非理性形象物质化。”从达利较早的作品（1918-1922年）中可以看出印象派对他的绘画有着很大的影响，自从他10岁那年在拉蒙?皮乔特家发现了印象主义绘画，他就不断尝试这种画法。从他的《大提琴家里卡多?皮寇特》（1920年）和《自画像》（1921年）中的色彩处理就可以明显的看出他对点彩技法的运用。
考取马德里美术学校后，他又开始了立体主义的尝试。他的《立体派艺术家自画像》（1923年）就是那一时期的实践。这一时期他相继探索了欧洲现代主义的各个阶段：分割主义、简约主义、后期立体主义、纯粹主义等等。但“学习立体主义也许只是达利走上超现实主义道路中的一道风景”。进入30
年代，他又回到了他早年
画方法。作为绘画的主要种类——油画，从凡?爱克兄弟发明出纯粹的油画开始，它就作为一种绘画形式同欧洲的艺术一同发展至今。从时间上看，油画的发展所经历的古典、近代、现代几个时期，同时也伴随着不同流派的产生与发展：古典主义、写实主义、浪漫主义、新古典主义、野兽主义、立体主义、表现主义、抽象主义等等。而每个流派也都有其特有的绘画技巧和表现形式。几百年来西方油画流派纷繁，相继更替，但只要是以油画工具材料为造型媒介，艺术家就可以根据自身的喜好或创作需要来选择和创作不同的表现形式。而表现形式的选择要根据艺术家想表达的内容和他所掌握的创作技巧来决定，并不是每个画家都能驾驭古典主义技法创作写实作品的，它需要扎实的绘画功底；也并不是每个画家都愿意用古典主义的方法来诠释自己的艺术构思，特别是现
代画家，他们思想更加前卫、叛逆、拒绝循规蹈矩，他们有着更多的选择来诠释自己的情怀。所以说，绘画的创作方法只是画家表达自己艺术构思的一个途径，至于他要选择哪条路，全凭自己。
（二）创作构思是绘画作品中的灵魂绘画作品的内容与形式，是画家“倾诉内心”的表达方式，它不仅仅是画家内心世界与精神世界的外在表现，同时也是画家用来与接受者进行沟通并达成共鸣的途径。而构成内容的基本因素有客观因素和主观因素：客观因素就是画家在作品中所描绘的现实生活及其所包含的意义，也就是题材；主观因素就是画家对这些生活内容及其意义的认识、评价、态度和情感，也就是主题。可以这么说，题材是来自于画家的外部，主要由画家所处的地域环境、时代背景等社会大环境所影响决定的。比如，同是文艺复兴时期的美术，意
大利的“艺术三杰”是以宗教、神话题材为主，而尼德兰的勃鲁盖尔则以农民题材为主，法国、西班牙等地则出现了大量王公贵族的肖像画。至于时代背景方面，古典主义绘画的题材大多是宗教、神话、历史方面的，那是中世纪基督教美术所遗留下的传统以及文艺复兴时期的发展延伸，人们——无论是艺术创作者还是接收者——思想文化艺术品味无非都集中在这方面，从而在艺术创作以及感受上得到反映；而近现代社会以人为本，艺术家们更重视的是对自身思想感情的表现——在绘画中寻找自我的存在价值，因此，题材更多的是人文的、生活的、城市的等等。所以对于绘画作品内容的研究可以从画家所处的地域、时代背景入手。
主题来自于画家的内在，是受画家的世界观、价
达利 《十字架上的基督》
经典鉴赏
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喜好的19世纪学院绘画的趣味之中，慢
慢地写实主义技法“统治”了他的整个画
面。而最纯正的古典主义作品应该是他的
《面包篮》（1926年），画中那看似由物体
本身发出的光辉与几乎全黑的背景衬托给
人一种细腻的视错觉的感受，这是达利效
法委拉斯凯兹同时代的画家苏巴朗静物画
的作品。
作为现代画家，达利最崇拜的竟然是
像达?芬奇、拉斐尔、安格尔、委拉斯凯
兹、维米尔这样的古典大师。在他的《五
十绘画秘诀》中，他把古典主义当作绘画
的秘诀：“若是说古典主义艺术显得冰冷，
那是因为它的火焰是永恒的。”“首先要学
会像古代大师一样画素描和色彩画，然后
才能随心所欲——那时众人就会尊敬你。”
他所追求的古典主义是那么的完美，他竭
尽全力地隐去画面中笔触的痕迹，使得整
个画面平滑而富于光泽。他那么精细地描
绘着每一个奇特的形象，就像一个虔诚的
教徒在上帝面前忏悔一样，他也用对古典
主义“虔诚”的信仰通过绘画“忏悔”他
的心灵。
然而，古典写实主义并不是达利发自
内心地追求，他看中的只是这种技法的表
现能力。“在达利看来，写实并不重要，关
键是要清晰的、明白无误地反映出他的怪
诞的念头，反映出性的焦虑和恶劣的破坏
心理……”
而古典写实主义恰好符合他的这种意
图，于是他们便一拍即合。在达利看来，
古典主义才是真正的超现实主义。他曾说
过，“像十七世纪剧作家高乃依这样的古
典主义作家才创造了真正是超现实主义的
戏剧性场面”。同时，在20世纪这个对古
典主义、学院派、写实主义不尊重的年代，
古典写实主义正好是他用来“反艺术”的
最有力的武器——用最严谨的技法书写最
放浪的思想。
三、“超现实主义唯一的真正代表”
——永远的达利
虽然达利最终被超现实主义团体开
除，但从他的作品和他一直所奉行的理念
来看，他并不愧对于他所说的“我是超现
实主义唯一的真正代表”。
可以说他那与生俱来的反叛性格让他
成为天生的超现实主义者，而以弗洛伊德
的精神分析理论为指导思想又成为他与超
现实主义者在思想上的共鸣。
布雷东在第一篇《超现实主义宣言》
中所阐述的超现实主义的核心：“纯心理
的自动主义，通过它以文字或其他方式表
现思想的真实活动；在不受理性和任何外
部道德的或美学成见的控制下的誊写思
想。”这与达利加入超现实主义时的思想
是一致的。同时达利“试图以形象化的方
式将二十年代居支配地位的超现实主义的
两条线——自动主义和梦的记叙——紧密
的捻在一起”。但他与超现实主义的决裂
似乎是必然的，虽然他们都十分热烈地信
奉弗洛伊德及其精神分析理论的一些观
点，并追求非理性的自由驰骋，但他们的
信奉理由却有着本质不同：超现实主义是
想通过弗洛伊德的心理分析理论解决人类
心灵的问题，而达利则是通过它来扩大问
题；对于非理性的追求，超现实主义只是
想扩展我们对世界的认识并把通常被排除
在外的非理性领域包容进来，可达利却想
“维持现实与超现实、非理性与理性之间
的对立，并不期望一个将来的解决。”正
是由于这些分歧，达利最终“背叛”了超
现实主义。他可以背叛任何人、任何主义、
任何思想，但是他不能背叛他自己、背叛
他的心灵。就这样，达利一直“遵循着布
雷东在第一篇超现实主义宣言里的主张”，
完全抛弃掉“道德和美学的思考”，像“仪
器”那样用他那无比细腻的古典主义技法
记录下种种理性之外的精神状态，创造了
属于他的超现实绘画。
在达利的绘画中，我们看到了古典技
法与现代思想的融合，看到了理性构图与
非理性形象的结合，也看到了形式与内容
“矛盾”的统一。
参考文献：
［１］［英］道恩?艾兹著．吕澎译．达利．长沙：
湖南美术出版社，１９８８
［２］［西］达利著．陈训明译．达利语录．长沙：
湖南美术出版社，２００４
编辑：豫 民
作者简介：李天翔，辽宁师范大学美术学院油
画研究生
达利 《内战的预感》
达利 《永恒的记忆》
经典鉴赏
56岁儿童绘画创作中艺术思维的过程与特点
5～6岁儿童绘画创作中艺术思维的过程与特点 双塘中心园孙爱 导读：儿童喜欢一次性完成绘画创作，并在创作中几乎不作太多考虑，直接作画，下笔流畅，线条大胆，涂色随心所欲，不存在成人所谓的败笔。研究发现，5~6岁的儿童在创作中充满自信，能以较多的方式使用线条和形状，如开放性的和封闭性的、爆发性的和控制性的，并根据自己的情感、愿望或按物体固有色来涂色。 绘画是儿童的一种特殊语言，是其表现内心世界的一种载体。学前儿童艺术思维在绘画创作过程中表现为一种运用多通道的感觉器官，获取、再造、物化审美心理意象的活动。对学前儿童的艺术思维进行研究，有助于教育者进一步深入认识学前儿童的内心世界，使学前儿童艺术教育更好地促进儿童的发展。 本研究借鉴哈佛大学加登纳教授关于艺术活动三大系统的概念，以及国内研究者关于绘画超常儿童艺术思维过程三大系统的概念，将艺术思维过程分为三个部分：知觉(perception)、反省(reflection)和制作(production)。研究采用随机抽样，选取一所江苏省省级示范幼儿园(非艺术特色园)大班30名5～6周岁的学前儿童，分成5组，每组儿童作画时间为上午10点～11点之间。研究持续半年，共搜集了138幅儿童绘画作品，通过对儿童绘画创作过程及作品的分析，探究5～6岁儿童绘画创作中艺术思维的过程与特点。 一、5~6岁儿童艺术思维中的知觉 知觉是在感觉基础上实现对物体一般结构特征的把握的心理过程。视知觉，也就是视觉思维。绘画活动中的视知觉是视觉对对象的形状、色彩、光线、空间、张力等审美属性及其所组成的完整形象的整体性把握。学前儿童对绘画创作对象的获取正是通过其感觉器官的视知觉功能来实现的。 对儿童艺术思维中的知觉过程及特点的研究，是通过4次绘画活动来完成的。主题分别是：“静物写生”“我和爸爸妈妈”“跑得很快的人”“我乘公共汽车”，所涉及到的知觉过程都是对两个或两个以上事物的感知，力求使儿童有充分的机会展现其视知觉的过程。 研究发现，5～6岁儿童艺术思维中的知觉是通过知觉选择获得审美心理意象的过程，具有多通道性。5—6岁儿童对物体的知觉过程是以视觉为主，
中国古代绘画艺术
中国古代绘画艺术 1，中国画的分类： 技法不同：工笔画，写意画 题材不同：人物画，山水画，花鸟画 2，中国古代绘画的艺术特点： 人物画：传神写照 山水画：创造情景交融的意境 花鸟画：借物抒情，托物言志 [知识补充] 中国古代绘画艺术的鉴赏（一） 在人类早期活动中，文字还远未形成以前，就已有了绘画的萌芽。大约在距今八千年左右的新石器时代，我们的祖先就开始在彩色陶器上画上各种图案花纹，或一些动物的形象。把过去的历史记载和近年来考古发掘中出上的文物对照来看，我国的绘画艺术在战国时期已经达到了相当高的水平。最突出的例子便是1949年在湖南省长沙市陈家大山楚墓中 出土的一帼晚周帛画。画着一个侧身而立的细腰长裳的女子，合掌敬礼，左上方为乘龙跨凤升天之像。画家运用细劲有力的线条，生动地描绘了仪态端庄的女子，矫健腾飞的龙凤，表现了作者杰出的艺术才能。但汉以前的绘画，笔墨简略，构图还未臻复杂。
秦汉时代，对画工和画家作了不少记述。汉元帝时的 御用画工毛延寿，就是一个很好的肖像画家，把人物的像貌和年龄特质都能画得很逼真。同时汉代石刻如画像石、画像砖等，存世很多，所以汉代又可以石刻艺术为其特征。另外在辽宁的辽阳、营城子，河北望都等地发现许多汉墓壁画，说明汉朝的壁画也开始盛行。从汉墓壁画的表现手法和特点来看，大都以朴实的墨线，勾出形象的轮廓，然后用朱、青、黄等明快的原色加以点染，具有技法古拙而风格鲜明的特点。 东晋时期顾恺之的《文史箴图》，是为西晋诗人张华《女史箴》一文作的几段插图，在我国是最早的卷轴绘画，在中国和世界画史上都有着重要的意义。魏晋南北时期，是中国文化艺术的勃兴期。曹不兴、卫协、顾恺之、陆探微、张僧西等大画家，蔚然并起，他们继承秦汉艺术的传统，并大大发扬创造，后人对他们的评语是：“张得其肉，陆得 其骨，顾得其神。”说明三人各有其独特的绘画风格。顾画中的线条，具有连绵不断、悠缓自然、非常匀和的特点。历代画家称顾的用笔“紧劲连绵”，如“春蚕吐丝”或是“青云浮空，流水行地”。陆是顾的学生，画中的线条有连绵不断之状，而被人称为 “一笔画”。从文献记载获知张僧繇作画时， “笔才一二，像已应焉，”有点像后来的速写法，后来人将此种画法与顾、陆连绵不绝的一笔画加以比较，则
绘画艺术的特点
我说课的内容是人美版高中课程标准实验教科书——美术鉴赏第5课《绘画艺术的特点》。我主要 从教材分析、教学手段和教学过程三个方面加以阐述。 一、教材分析 教学目的：通过教学，使学生了解绘画的种类、绘画艺术的特点、中西方绘画的区别，从而提高欣赏绘画的能力。 教学重点： 1、绘画作品的艺术特点 2、中西方绘画作品的区别 教学难点： 1、把枯燥的理论讲话，充分调动学生参与积极性，体现学生的主体低位 2、让学生对所讲内容确实的感受体验，注意培养学生运用所学知识区欣赏、分析作品的能力。 二、教学方法 让学生成为学习的主体，那么在教学过程中结合提问教学法，采用分层次，分目标地选择学生来，问题的方式来进行课堂教学，鼓励所有同学积极参与，教师给予启发和引导，形成互动探究的教学模式。培养学生的主动参与意识。 学法：让学生主动参与，分组讨论，运用所学鉴赏方法来赏析，判断，作出正确的评价。在学生主动参与的过程中增加学习的兴趣。 三、教具准备 教材，备课本，范画等 四、教学过程 （一）引入新课 黑板上有两个词：美术、绘画。 美术是不是就等于绘画呢？说说你的理由？ （美术是一个大概念，绘画只是其中的一个门类。） 但是在通常情况下，我们一提到美术，人们往往首先想到的就是绘画，也就是人们常说的画画，也有人认为美术课就是画画课。人们为什么会将美术和绘画联系得如此紧密呢？这反映了绘画作为一种主要的艺术形式在整个美术领域里所占的比重是很大的，绘画是一种大家非常熟悉的美术形式，你能说出你最喜欢的绘画形式吗？请举例回答，并说明为什么最喜欢这些形式？（鼓励学生通过思考、回忆，尽可能多说几种形式。）
大家都知道，美术包括四大门类，绘画、雕塑、建筑、工艺美术。前面我们已经学习了建筑和工艺美术，这节课我们先来了解一下绘画艺术有什么特点，怎样去欣赏、分析一幅画。 （二）讲授新课 板书课题：绘画艺术的特点 1、什么是绘画？ 绘画：是运用点、线、色彩、明暗、透视、构图等艺术手段，在平面上创造图像，反映现实和表达审美感受、思想情感的艺术。 提问：我将会根据学生对概念的理解，让学生讨论绘画作品与其它艺术形式的区别？ 学生回答：…… 我根据学生的回答进行补充讲解：在平面上创造图像，作品形态是平面的，是绘画作品区别与其它艺术门类的根本区别。如：工艺美术，虽然也有平面的作品，但它的根本目的是为了实用而不同于绘画的创作目的；摄影艺术作品虽然也是平面形态的，但它是运用机械的技术性和暗室加工完成的记实性图像，而与画家自主表达审美感受、思想感情的绘画有着本质的区别。 2、绘画的分类: 绘画的种类很多,按不同的角度和标准，可分出很多种类。 绘画的种类：(1)工具材料、技法 中国画、油画、版画（根据板材分：木版画、铜版画、纸版画、石版画、丝网版画；根据制版方法和印色技法分：腐蚀版画、油印木刻、水印木刻、黑白版画、套色版画）、水彩、水粉 （中国画：技法，工笔、写意。内容，山水、花鸟、人物） (2)描绘对象 人物画（宗教画、历史画、军事画、肖像画、风俗画、人体画等）、风景画、静物画、动物画 (3)形制与功能不同 壁画、年画、连环画、漫画、宣传画、组画、单幅画 注：可以启发学生回答。 展示图片让同学们回答是什么画种： 《梅竹双雀图》《永乐宫道教壁画》（说明一幅画可能同时属于几个种类） 3、绘画艺术的特点:
浅谈绘画艺术的艺术价值
浅谈绘画艺术的艺术价值 [摘要] “价值”代表了一个时代的话题，也是当今社会飞速发展中的一个和所有绘画人相关的一个课题。当代社会，绘画的社会关系更加的微妙。艺术不断从非经济方式的创作活动获得了纯经济方式的收益，它带来了理论家的历史回溯与前瞻、画商的行情分析、绘画者的摩拳擦掌或愤愤不平。价值过程的描述，艺术创造与艺术欣赏之心理的分析，成为美学的中心事务。 [关键词]价值美时代形式 每个社会都必须确定下列两个问题：人类的哪一种价值应该被珍惜？有效的“美”的概念因该分配给谁？有时人们分别考虑到这两个问题，有时则可能同时考虑。我在这里提出的“价值”代表了一个时代的话题，也是当今社会飞速发展中的一个和所有绘画人相关的一个课题。这代表了我在当代对人们这两个古老话题的思考。 当代社会，绘画的社会关系更加的微妙。从早先的文人画抒情写意，到民国时期的爱国爱民反对当政，到长征路上我们的红色政权，再到建国初期的红红火火搞生产民建，可以说，绘画在中国的历史上在任何社会背景下都参与其中，并起到鼓舞民心的作用。可以说，绘画艺术一直在人们的生活、精神方面起着调和剂的作用，她可鼓舞、可闲情、可激昂、可图强。回眼看今天，艺术不断从非经济方式的创作活动获得了纯经济方式的收益，金钱源源而来，似乎在圣洁的教堂必须腾出一块空地。价值通过商品的交换的量的比例即交换价值表现出来。 但这一些问题可以集中于一个主体问题：这就是“艺术” 这个“价值结构体”的分析与研究。艺术是人类文化创造生活之一部，是与学术道德工艺政治同为实现一种“人生价值”和“文化价值”。普通人说艺术之价值在“美”，如同学术道德之价值在“真”与“善”一样。而自然界中的种种现象也表现出它的本相，人格个性也表现美。艺术固然美，却不止于美。且有时正在所谓“丑”中表现深厚的意趣，在哀感沉痛中表现缠绵的顽艳。艺术不只是具有美的价值，且富有对人生的意义，深入心灵的影响。艺术至少是三种主要“价值”的结构： （一）形式的价值。就主观感受言，即“美的价值”。 （二）抽象的价值。就客观称之为“真的价值”，就主观感受言，为“生命的价值”。（生命意趣可理解为丰富与庞大） （三）启示的价值。启示宇宙人生这意义之最深的意义与境界，就主观感受言，为“心灵的价值”，心灵深度的感受，有异于生命的刺激。 “形”“景”“情”是艺术的三层结构，在这里简略讲述：形式的价值，关于艺术
如何进行绘画创作.
如何进行绘画创作 美术教学的目标是提高学生审美和形成自我创作的能力。创作是一个比较困难的项目工程,作为一个画家,要达到真正的创作,是需要付出毕生精力的。当然,学生美术课堂中的创作虽无法与画家们相提并论, 但对于学生来说也是一件非常头疼的事。如何培养学生具备自我创作能力呢?根据我长期实践,发现有以下规律可循,现在说出来,不妨与大家共商榷。 半临摹半创作是最终进行创作的必经之路, 任何学画者都有师古人、师老师、师他人的过程,这也是学画者最初经历的过程。在这一阶段达到一定程度的时候,学画者就有创作的冲动,但一提起笔,却又无从下手,这时候的办法就是半临摹半创作了。半临摹半创作就是一边临摹前人、他人作品,在临摹的过程中融入自己的想法,而且是逐渐增加自己的想法,这样慢慢培养自己的创作灵感。 半临摹半创作到一定时候,就会产生一种叛逆思想,就会试着独立创作。不过,这时的独立创作往往有别人的影子在里面,而且这种影子就象着魔一样很不容易摆脱,如果你能摆脱这个魔,也许你真正的创作才算开始。 真正的创作开始了,往往不易被人接受,如果这一阶段你挺不过去,这一阶段的痛你不能承受,也许你永远不会成 为什么画家了。 以上是我针对专业画家的创作历程感受而谈的, 对于学生来说,特别是义务教育阶段的美术课来说,培养学生创新思维很重要,不要把美术课全部上成临摹课,若教师只让学生抄写课本上的范画, 抄写自己的示范作品是根本不能培养学生创作思维的。最起码要达到半临摹半创作的水平才行。学生的想象力其实非常丰富,就看教师怎样去引导、去启发了。当然, 要创作。必须有一定的绘画功底。对于学生来说, 这个功底并不需要太厚。让我们坚信,学生的创作力是无限的,学生是能进行自我创作的。
中西方绘画艺术作品对比赏析
《中西方绘画艺术作品对比赏析》 ——泼墨仙人和吹笛少年 会计专科1105班万毅指导老师李雅娟 【内容摘要】美术即是以物质材料为媒介，塑造可观的静止的,占据一定平面或立体空间的艺术形象的艺术表现。表现作者思想感情的一种社会意识形态，同时也是一种生产形态。在漫长的历史发展过程中，中西方的绘画艺术也在逐步完善，各自都出现了很多优秀的代表作品。由于中西方的地域环境、文化、历史等等人文环境的不同，因此，中西方绘画艺术在观念和表现上有着差异和趋同性，通过中西方绘画作品内容、形式的对比，以及中西方艺术观念差别的简单描述，最终认识到中西方在差异和区别之上的共同目标。中国非常强调人与自然的调和，认为自然先于人类而存在，人是自然中后生的一部分；而西方则认为人是自然的主人，自然为人类而存在。这种观念的差异，表现在艺术中，就形成了不同的艺术主张，也使的艺术形式和表现的多样化。在艺术实践中，形成了不同的传统和风格。中西方世界观、艺术观等方面虽然有着差异，但毕竟是生活在同一片蓝天下的人类，必然存在着相似或共同点。本篇论文就是通过分别介绍一幅中西方的代表作品，来认识中西方绘画的差异。通过分析和对比中西方文化的差异，做到相互借鉴，取长补短。更好的去发展和弘扬中方文化艺术。 对比作品为梁楷的《泼墨仙人》和马奈的《吹笛少年》 【关键词】梁楷；泼墨仙人；马奈；印象派 【正文】 （1）梁楷——《泼墨仙人》 梁楷是南宋画坛上独树一帜的大画家，擅长画人物、鬼神和道教佛教中的神佛，同时亦画山水、花鸟，水平也很高，晚年曾被任命为南宋画院的待诏，并赐佩金带，由于厌恶画院中的种种清规戒律，毅然将金带挂在院中，悄然离职而去。他这种豪放不羁的性格也生动地体现在作品中。《泼墨仙人》是梁楷的代表作，也是中国古代人物画泼墨人物代表性作品。 《泼墨仙人》中的仙人形象，并不象古代壁画中的神佛，头上画着光环，神情庄重玄妙，不可一世，竭力表现出某种崇高感、神秘感。这个形象似乎来之于生活，正如后人题款上写道：“大似高阳一酒徒”，象喝醉的和尚，长襟宽袖上洒满了酒渍，醉意朦胧，漫步街头，自得其乐，有着人间的真实和亲切感。然而，他又绝对不是人间可以寻找到的形象，前额和秃头是那样出奇地高耸宽大；眉眼口鼻又是那样出奇地挤在一堆，似醒未醒，似笑非笑，一脸怪相，似乎有着无限的智慧，看透了宇宙的一切，他袒露胸腹，无拘无束，精神在自由自在的天地中飞翔。这种极度夸张了的形象，是人，也是神，或者说是人化的神。 在这幅画中，画家梁楷对画中人物以简化和夸张、变形等处理使之“传神”。相比于西方人物画，中国人物画除了在手法上不最求科学真实外，中国作品留下的印象却一时难以找到恰当的现代词汇来概括，这时还是觉得“气韵”二字比较符
绘画艺术的特点是什么
绘画艺术的特点是什么 绘画与美术其它门类的根本区别，是作品的平面性。从欣赏角度，绘画艺术具有以下主要的特点： 1．二维空间上创造出三维空间 绘画是在二维空间上，依靠明暗和形象结构表现物象的凹凸，造成立体幻象，令观者感到物、象是立体的。并通过物象大小、遮挡关系、透视变化和色彩变化、虚实等手法，造成深远的空间效果。 2．再现性绘画描绘的精确性与表现性绘画展现主观世界的多方面性 长于描绘是传统绘画的艺术特点。 再现性绘画描绘的精确性，可以达到乱真的地步。如本课图版选印的《有鲑鱼块和柠檬的静物》中，可以感受到所画物象形体质感的逼真性。虽然随着不重形似的中国写意画和西方现代绘画的兴起，精确的描绘已不被人们所重视，但商品广告和工业设计、建筑设计的效果图仍然体现着绘画这一特点。 与再现性绘画相反，表现性绘画则是着眼于表现主观世界。不仅表现主观心态、思想哲理，还可以描绘幻想、梦境，如《错误的镜子》。有些表现性绘画排除描绘的技术性，但它必须有感人的艺术魅力。其艺术魅力，在于形式的独创性，手法的新颖性，造型给人视觉冲击的强烈和形式美感。 3．不同画种的艺术美 各种绘画因工具材料和技法等因素，形成各画种独特的艺术趣味和画家驾驭艺术语言的功力美感。中国写意画，是利用宣纸吸水的敏感性和洇晕墨色的艺术效果，讲究线条要有力透纸背的力度美，用墨具有变化和厚重感，笔墨构成气韵生动。油画，讲究色彩要有浑厚、凝重和丰富、和谐的美感。版画讲究“刀味”、“木味”等和印制的美感。水彩画讲究水、色彩和笔法形成的明快、清丽、水分丰润的艺术美。 4．构图是绘画的基础 构图是对绘画艺术语言进行组织，使之构成一幅完美的画。构图是绘画艺术的基础，也是能否表达作者构思和给人以形式美感之所在。从欣赏的角度来讲，应注意把握绘画构图的以下几方面：
浅谈原始艺术对现代绘画艺术的影响(借鉴仅供)
浅谈原始艺术对现代绘画艺术的影响 摘要：原始艺术是艺术史的开端，它的造型语言古老，朴拙，抽象，充满神秘的魅力，让人们好奇和向往，尤其对现当代绘画艺术产生了重要影响。不论从形式语言还是精神内涵上，原始艺术都给我们现当代艺术创作与发展提供了灵感和启发，包括野兽派、立体主义，中国画艺术等，他们都在用自己的方式重新演绎原始艺术精神。 关键词：原始艺术；现代艺术；岩画；水墨画 随着考古学和科学技术的发展，越来越多的原始艺术呈现在人们眼前，引起人们广泛的兴趣。原始艺术是人类最初的思维活动，经过漫长的发展，它的艺术特色鲜明，形成了独有的原始语言，不论从形式还是精神上，对各个时期的艺术影响都非常巨大。本文将从原始艺术的特点，对现当代艺术的影响，艺术创作应怎样融入原始艺术精神为切入点进行探讨。 一.原始艺术的特点 “原始”这个词最早出现于19世纪的一个术语，是19世纪初至二十世纪末流行的一种艺术趋势。原始艺术形成于人类早期发展阶段，它最大的特点是史前艺术与现代社会文
明程度平行发展，对西方传统艺术的创新起到了革命性的颠覆作用。原始艺术普遍具有粗犷，质朴，单纯的特点，充满了野性和生命力，有着极其简洁的线条和浑然天成的色彩，不讲究构图和立体，无论哪一个事物，他们都从它最具有特性的角度去表现，感性的积淀是原始艺术最本质的东西。由于感性大于理性，精神盖过物质，它便古拙，纯粹。古代和现代的各种艺术都是在原始艺术的基础上发展而来的，不同地区呈现不同的特点，人和自然的和谐统一是其最大的共性。 二.原始艺术对现当代艺术的影响 原始艺术可以称得上是西方现代艺术的“范本”。西方的艺术自古希腊到19世纪上半叶，基本上是亚里士多德提出的“模仿论”占统治地位，一直到20世纪初，人们开始把直接表现自然形态转化为通过艺术家的大脑展现艺术形态。一方面，从各个民族，各种艺术类型相互借鉴；另一方面，回归历史，学习研究艺术的起源――人类童年的艺术。原始岩画带给艺术家们新的造型形式语言，打破了传统的三维空间，抛弃了理性的焦点透视，把富有立体感的画面变成了一种平面装饰。法国19世纪末出现的“野兽派”就是深受原始艺术影响的结果。西方现代艺术的奠基人塞尚、高更、梵高、马蒂斯等均受原始艺术的影响，从中吸取营养，激发
美术创作活动形式及方法
美术创作活动形式及方法 一、绘画类 （一）刮纸画（蜡画） 1、材料：画纸（粗糙，较为厚，磅数较重的白色画纸），油画棒(或者蜡笔)，尺子，废旧圆珠笔芯，牙签，毛衣针（后四种材料任选其一）等。 2、步骤： （1）选用用鲜艳的颜色的油画棒，比如：红、黄、蓝、绿、橙（颜色较为鲜明）等，可以有规律也可以无规律地平涂画面，不建议重叠色彩。直到画面全是色彩，把原来纸的白色面颜色覆盖住。 （2）选用黑色、紫色、深蓝色(建议黑色最好)，把刚才的第一层颜色完全覆盖住，直到看不到刚才平涂的第一遍的彩色颜色(全是黑色)。 （3）选用尺子，废旧(不出色)的圆珠笔心在画面上作画(刮掉黑色，显出第一层的颜色)，注意线条的粗细变化。 3、图片 P．S：若有画错，黑色就是橡皮，把画错处用黑色平涂掉，重新再画。 （二）色粉画（粉化，粉笔画） 1、材料：画纸（适应各种质地的纸张），色粉笔，布条（或者卫生纸），砂纸。 2、步骤： （1）选用一种或多种颜色的色粉笔，在画纸上绘出各种图案，画满整张图纸。 （2）选用布条在刚才绘制的图案或线条上来回揉拭，使其变得柔和或者模糊，注意虚实变化。 3、图片 P．S： （1）部分图案可以将色粉笔用砂纸磨成粉末，吹至纸上，加以揉拭。 （2）可以直接将砂纸作为画纸，直接作画。 （三）水粉画 1、材料：画纸，清水，水粉颜料，水粉笔，调色板，树叶（若干），滚珠（若干），玩具小车（大小均可，不要过大），纸巾，木板等。 2、步骤： （1）选用一种或多种颜料加少量清水，用水粉笔在调色板上逐一调制均匀。 （2）在画纸或者木板上（多种材料可做底板）随意作画，直至纸面颜色铺满即可。 3、图片 P．S： （1）选用一片及多片树叶，任选一面均匀抹上颜料（颜料稍薄），映在画面上，以展现其本身纹理。 （2）选用多颗滚珠，在其表面均匀抹上颜料，放在画纸上，让其在纸面上自由滚动出轨迹，
中国的绘画艺术
风筝起源于中国，最早的风筝是由古代哲学家墨翟制造的。据《韩非子·外储说》载：墨翟居鲁山（今山东青州一带）“斫木为鹞，三年而成飞一日而败。是说墨子研究了三年，终于用木头制成了一只木鸟，但只飞了一天就坏了。墨子制造的这只“木鹞”就是中国最早的风筝。五代李郑于宫中作纸鸢，引线乘风为戏，后于鸢首以竹为笛，使风入竹，声如筝鸣，故名风筝。”故而不能发出声音的叫“纸鸢”，能发出声音的叫“风筝”。 提起中国风筝的历史，可以追溯到二千多年前的春秋战国时期。当时战争频繁，古人就发明了以鸟为形，以木为料，用阔叶植物叶子扎制而成，可在空中飞行的“木鸢”，这就是现代风筝的雏形。随着我国造纸术的发明和丝织品的发展，后来流行于中国大部分地区的风筝多是以竹为骨架，再糊以纸或绢制成。有趣的是，今天老少皆宜的娱乐工具──风筝，在历史上，还曾用于战争之中。当时人们将它用于军事上的勘测、侦察、通讯和宣传等，它充分体现了中国古代劳动人民的聪明才智。时代在进步，社会在发展，到了唐宋时期，风筝的用途有了新的变化，工艺也日臻完美，寓意也愈加丰富，开始作为一种饶有情趣的民间娱乐项目，给人们的生活增添了新的内涵和色彩。 众所周知，各个民族都有自己的表情达意的方式和艺术表现手法。中国的风筝产生于民间，因此它的取材也离不开老百姓的日常生活，带有浓厚的民俗特色。现实生活中的花鸟虫鱼、飞禽走兽、民间故事、神话传说、无一不被能工巧匠们移植到风筝绘制上。造形各异，图案逼真的风筝都寄托了人们深厚的思想感情，人们把自己的爱憎和对美好生活的向往、未来理想的追求以及纯朴的思想情感，寄托在风筝的一端。借着融融的春意，凭着平稳的风力，放飞到空中，使人得到美的陶冶和无穷的享受。 相传在公元前五世纪时，希腊的阿尔克达斯就发明了风筝，可惜后来失传。直到公元十三世纪，意大利人马可波罗从中国返回欧洲后，风筝才开始在西方传播开来。 美国也有放风筝的故事，当时的人们以为雷电与闪光，是宗教上神的怒吼而生恐惧，富兰克林则利用风筝，证明了雷电与闪光是空中放电的现象，而发明了避雷针。
绘画艺术的特点(整理完)
高中第一册第五课绘画艺术的特点 各位评委老师，上午好，我是XX号考生，我的名字叫，我今天说课的题目是《绘画艺术的特点》 首先我将对我说课的教材进行分析，本课是出自人民美术出版社，高中美术《艺术欣赏》第一册第十课。通过本节课我将完成以下的教学。 我制定的教学目标是： 1、教学目标 通过教学，使学生了解绘画的种类、绘画艺术的特点、中西方绘画的区别，从而提高欣赏绘画的能力。 2、教学重难点： 因此本节课的教学重点是：理解绘画艺术的特点，中西方绘画的区别。 难点是使学生对绘画艺术的特点和中西方绘画的区别，有切实的感受、体验。 3、教学策略 我将采用讲授法和演示法及讨论法，运用教学多媒体课件来辅助本节课的教学。 本课内容安排为1课时来学习。 六、教学过程： （1）首先导入新课（5分钟）提问导入 我将提出这样一个问题，绘画是一种大家非常熟悉的美术形式，请学生说出自己最喜欢的绘画形式，并说明为什么喜欢这些形式。通过课前的讨论调动学生的积极性来进行本节课的内容。 （1）下面我将讲授新课部分（30分钟） 1、我将直接讲解本课的主要内容什么是绘画？ 通过PPT展示绘画的概念。 绘画是运用点、线、色彩、明暗、透视、构图等艺术手段，在平面上创造图象，反映现实和表达审美感受、思想情感的艺术。 提问：我将会根据学生对概念的理解，让学生讨论绘画作品与其它艺术形式的区别？ 学生回答：…… 我根据学生的回答进行补充讲解：在平面上创造图象，作品形态是平面的，是绘画作品区别与其它艺术门类的根本区别。如：工艺美术，虽然也有平面的作品，但它的根本目的是为了实用而不同于绘画的创作目的；摄影艺术作品虽然也是平面形态的，但它是运用机械的技术性和暗室加工完成的记实性图象，而与画家自主表达审美感受、思想感情的
浅谈艺术创作方法
浅谈艺术创作方法 浙江科技学院艺术学院服设081，洪艳 一，艺术的创作方法 艺术的创作方法是指艺术家在创作过程中，对主体思想感情和客观生活的关系所持的基本态度和所遵循的基本原则。它是在艺术思维重要遵循的最一般的原则，也是艺术表现中所遵循的最一般的方法。创作中的主体思想感情和客观生活本是不可缺少的两个方面。持冷静，客观地观察和体验生活的艺术家，便有可能偏重对从实际生活中得来的诸多表象进行写实的提炼，概括和描绘，这是现实主义的创作态度和原则：有的艺术家则是偏重主管的思想感情和理想的抒发，热情奔放，想象新奇，这就构成了浪漫主义的创作态度和原则。 二，艺术创作方法的主要类型 （一）现实主义 现实主义又译写实主义，一般被定义为关于现实和实际而排斥理想主义。不过，现实主义在博雅人文（Liberal Arts）范畴里可以有很多意思（特别是绘画、文学和哲学里）。它还可以被用于国际关系。 在艺术上指对自然或当代生活做准确、详尽和不加修饰的描述。现实主义摒弃理想化的想像，而主张细密观察事物的外表，依据这个说法，广义的写实主义便包含了不同文明中的许多艺术思潮。 在视觉艺术和文学里，现实主义是一个19世纪的一场运动，起源于法国。 现实主义的理论涵义 现实主义经过泰纳、恩格斯、别林斯基直至20世纪卢卡契等理论家的发展和巴尔扎克、托尔斯泰等伟大作家的文学实践达到高潮。现实主义理论日趋完善，形成一套完整的话语成规。它包括以下层面的涵义： 第一，真实客观地再现社会现实，这是现实主义术语的最根本的意义。 第二，广为人知的典型理论。
第三，历史性的要求。 1、绘画上的现实主义 兴起于19世纪的欧洲，又称为现实主义画派，或现实画派。 这是一个在艺术创作尤其是绘画、雕塑和文学、戏剧中常用的概念，更狭义的讲，属于造型艺术尤其是绘画和雕塑的范畴。无论是面对真实存在的物体，还是想象出来的对象，绘画者总是在描述一个真实存在的物质而不是抽象的符号。这样的创作往往被统称为写实。遵循这样的创作原则和方法，就叫现实主义。与现实主义（或者大致可称为具象主义）相对的概念是抽象主义。人们借由感官知能接收讯息，加以分析组织，以自然为题材(例如自然风景或时事议题)用任何技法将其具体表现出来，但也因生长环境及认知不同，产生不一样的经验，这种组织过后的观点差别，让同个题材的作品有不同呈现。 最著名的写实主义画家是库尔贝，他反映底层人民的生活，如“碎石工”。 《碎石工》库贝尔 2、文学上的现实主义 现实主义是文学艺术的基本创作方法之一，其实际运用时间相当早远，但直到19世纪50年代才由法国画家库尔贝和作家夏夫列里作为一个名称提出来，恩格斯为“现实主义”下的定义是：除了细节的真实外，还要真实的再现典型环境中的典型人物。（1888年4月初致玛·哈克奈斯信）
美术绘画作品展示评比活动方案
济阳县志远学校 美术绘画作品展示评比活动方案 济阳县志远学校
2015-11-20 一、指导思想： 为反映学校积极向上的精神面貌，充分发挥艺术教育的育人功能，培养学生健康的审美情趣、良好的艺术修养，引导学生向真、向善、向美，提高生活情趣，塑造健全人格，全面和谐地发展，丰富校园生活，加强校园文化艺术环境建设，营造良好的文化艺术教育氛围，促进师生的艺术交流。特举办济阳县志远学校首届文化艺术节——学生美术绘画艺术作品展，现将活动的有关事宜通知如下： 二、组织机构： 领导小组：刘海友 副组长：宋庆杰于平田 成员：裴兰霞、高侠、李光强、张丽华 责任人：各年级主任、3---6年级班主任 具体实施：各年级美术学科教师 三、作品展评时间、地点安排： 时间：二0一五年十一月廿五至廿七日 地点：综合楼广场和美术教室(一、二、三)
四、活动主题： 我爱艺术快乐成长 五、组织形式： 本次美术作品展评活动，学生作品以各班为单位，各年级美术老师组织，年级主任、班主任协助执行并初步筛选。每个年级交10件美术作品，于11月20日前连同作品登记表交各年级美术老师。 六、作品形式： 1、绘画作品：画种不限：儿童画、素描、水彩、水粉画、漫画、卡通、中国画。 2、书法作品：软硬笔书法体式不限：楷书、行书、隶书。 3、手工其他材料制作：力求新颖、别致，要求有一定的审美价值。 4、剪纸作品：要求内容新颖，统一尺寸60×60cm便于装裱。 七、作品具体要求： 1、绘画、书法题材不限、形式不限。 2、上交作品，请在作品的背面右下角（必须用铅笔）写明班级、姓名、作品名和作品形式。 3、作品内容健康、积极向上、符合学生特点，要充分体现学生丰富的想象力、创造力和时代感，创意新颖，形式多样，。
中西方绘画艺术作品比较赏析
中西方绘画艺术作品比较赏析 ——《富春山居图》与《星空》 【内容摘要】每一件真正的艺术作品都具有独立的价值。有人曾说，艺术就是艺术，犹如水就是水一样，它的美学价值无需依赖其他事物而存在。不过，如果我们想更好地欣赏个别艺术作品，还是要首先了解人类艺术的全貌，唯有在这个历史全景中，才能凸显具体作品的创造性特性。而且，艺术是人类精神王国中的一个特殊领域，它是精神和物质相互结合的审美产品。因此，中西方绘画艺术在观念和表现上有着差异和趋同性，通过中西方绘画作品内容、形式的对比，以及中西方艺术观念差别的简单描述，最终认识到中西方在差异和区别之上的共同目标。中国非常强调人与自然的调和，认为自然先于人类而存在，人是自然中后生的一部分；而西方则认为人是自然的主人，自然为人类而存在。这种观念的差异，表现在艺术中，就形成了不同的艺术主张，在艺术实践中，形成了不同的传统和风格。中西方世界观、艺术观等方面虽然有着差异，但毕竟是生活在同一片蓝天下的人类，必然存在着相似或共同点。一件艺术品，内容方面的因素有主题、题材等，不同的内容决定了作者采用不同的形式，同样的内容可以有不同的表现形式，而不同的内容也会有相类似的表达方式。美术史上的大量事实，展示了中西方艺术作品中形式与内容的复杂关系。美术史上的大量事实，展示了中西方艺术作品中形式与内容的复杂。 【关键词】：中西；绘画；艺术；黄公望；富春山居图；凡高；星空 【正文】 1.《富春山居图》 元代著名书画家黄公望的一幅名作，世传乃黄公望画作之冠。黄公望，字子久，号一峰，工书法、通音律、善诗词，少有大志，青年有为，中年受人牵连入狱，饱尝磨难，年过五旬隐居富春江畔，师法董源、巨然，潜心学习山水画，名时，已经是年过八旬的老翁了。黄公望把“毕生的积蓄”都融入到绘画创作中，呕心沥血，历时数载，终于在年过八旬时，完成了这幅堪称山水画最高境界的长卷——《富春山居图》。 明代的著名文人周知麟对此赞叹说：“黄志久，画之圣者也，书中之右军；至若《富春山居图》，笔端变化鼓舞，又右军之《兰亭》也，圣而神矣。”这幅作品以长卷的形式，描绘了富春江两岸初秋的秀丽景色，峰峦叠翠，松石挺秀，云山烟树，沙汀村舍，布局疏密有致，变幻无穷，以清润的笔墨、简远的意境，把浩渺连绵的江南山水表现得淋漓尽致，达到了“山川浑厚，草木华滋”的境界。黄公望非常喜欢在富春江两岸带着画本游历写生，他画《富春山居图》前后共用了三四年的时间，在他画完最后一笔时，已是80多岁的高龄。 图绘富春江两岸秋初的景色。画中景致，是他一生对富春江的记忆的积累。开卷描绘坡岸水色，远山隐约，接着是连绵起伏，群峰争奇的山峦，再下是茫茫江水，天水一色，最后则高峰突起，远岫渺茫。山间丛林茂密，点缀村舍、茅亭，水中则有渔舟垂钓。在布局上采用积树成林，垒石为山的方法，山和水的布置疏密得当，层次分明，
中国绘画艺术欣赏
中国绘画艺术欣赏感悟与心得 在中华民族蔓延数千年的文化传统中生长发育起来的中国绘画艺术，以其独特的面貌屹立于东方大地。在漫长的历史进程中，形成了自身一套独有的审美体系、创作理念和表现形式。中国绘画具有独特鲜明的民族风格和完整的画学体系，是华夏文化与创造的结晶，是民族精神的闪光。美术史家把中国的绘画与希腊的雕刻、德国的音乐称为世界文化史上鼎足而立的三大艺术，又因其源远流长，博大精深，被称之为国粹。在中国绘画艺术的发展中，倾注了古今大师们的心血，中国绘画发展于今，也委实经历了一番不平常的历程。 中国绘画与中国传统文化息息相关，体现着热爱自然、忍耐细致、中庸的民族性格，诠释了儒、道、释的哲学思想。对于原始的绘画艺术，这些绘画具有一定的文字功能和符号意义，反映了先民社会生活的信息及相关的图腾崇拜。进入商周时期，手工业生产规模扩大，青铜器得到了极大的发展，青铜文化集中反映了当时的文化特征。及至秦汉时期，在继承了前代绘画的基础上，绘画有了长足的发展。绘画的种类也增多，包括壁画、帛画、秦汉画像石及画像砖、器物上的装饰绘画等等，在内容上，反映了广泛、丰富的社会生活；在形式上，以相对写实的艺术风貌冲破装饰风格的羁绊，扫除西周时代的陈旧格式，呈现出崭新面貌；在思想上，要求绘画“恶以戒世，善以示后”的教化作用。这一时期随着儒家思想正统地位的确立,儒家的艺术观也就成为中华民族的传统艺术观。强调艺术的人工制作和社会政治服务的外在功利,注重其“厚人伦,美教化,移风俗”的社会效果,这种艺术观始终是中国艺术家心目中确定主题内容的准则。 魏晋南北朝是我国历史上战乱频繁的动荡时期，痛苦动荡的社会促进了精神领域的全速发展，并给这个时代的艺术打上鲜明的时代烙印。在内容上以生活为主，注重人的因素，体现出人文主义的精神。在题材上，继承汉代的神话和历史故事题材，同时，新的绘画题材如肖像画、文学题材绘画、风俗画、花鸟画兴起，山水画也成为独立的画科。在风格上，从汉代的雄浑、粗朴、古拙、转为严谨精密、体韵飘然的风尚。隋唐时期统治者提倡绘画，许多著名画家云集宫廷，由于经济文化的迅速发展各题材竞立并存，中国古代绘画进入绚丽多彩的时期。此时人物画开始以世俗生活为内容，山水画也日益兴盛起来。画家不断吸收西域和外来文化的影响，艺术表现技巧更加丰富，创作题材也比较广泛。人物画越来越注意反应现实生活和刻画人物的精神气质；山水画分出青绿和水墨两大体系，产生南方、北方不同的地域风格；花鸟画创立工笔设色和水墨淡彩、没骨等多种表现方法，宗教画也显得更加绚丽多彩。可以说，唐代时期的绘画成就超过了以前的各代，影响到当时的东方各国，成为中国绘画史上的一个高峰。 两宋绘画经历三百多年，题材、风格、技法都有大发展。艺术水平和表现力达到新境界。绘画内容，转向生活中的形象描写,注重真实的具体的描写。表现
美术考试西画B级基础知识内容和解答参考
西画（B级）主项内容要求与说明素描写生: 静物一幅水果、蔬菜、器皿、石膏几何体等3—5件组合。1．在4开大小纸上完成。2．构图完整，形体结构比较准确，能较好地把握对象的特征。3．在100分钟内完成。注：统 一提供测试用纸，其余工具自备（副项同此）。副项内容要求与说明命题创作一幅：儿童画、版画、泥塑、立体纸工、铅笔画均可。1．作品大小：平面限于4开纸内；立体作品投影面积不超过4开纸。2．紧扣题意、有想象、 有创意。避免照搬他人作品。3．作品完整，有题目和文字 说明。4．在100分钟内完成注：基础知识测试内容与要求见《美术基础知识测试内容与要求》。再次注明：重点掌 握的鉴赏内容以现行初中美术教材中的鉴赏内容为主，大多在你们初中美术书里，如果有哪些不明白的，问你们美术指导师。西画B级一、通识部分（80）注：中国画、西画、书法、设计、摄影考生均需掌握。（一）鉴赏基础：1．了解美术的主要种类和功能。答：美术种类主要包括绘画、 雕塑、工艺、建筑等。按功能分为实用性、欣赏性、实用性和欣赏性混合的三大类。【绘画】绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言，通过造型、设色和构图等艺术手段，在二维空间即平面里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。绘画种类繁多，从不同的角度可将它划分为不同的类别。从
地域看，绘画可分为东方绘画和西洋绘画；从工具材料看，绘画可分为水墨画、油画、版画、水彩画、水粉画等；从题材内容看，绘画可分为人物画、风景画、静物画、动物画等；从作品的形式看，绘画可分为壁画、年画、连环画、漫画、宣传画、插图等。不同类别的绘画形式，由于各自的历史传统不同，都有着各自独特的表现形式与审美特征。【雕塑】雕塑是用可雕刻和塑造的物质材料制作出具有实体形象、以表达思想感情的一种艺术形式。雕塑的种类可以从不同角度来划分。从制作工艺来分，雕塑可分为雕和塑。雕是从完整而坚固的坯体上把多余部分删削、挖凿掉，如石雕、木雕、玉雕等。塑是用具有粘结性的材料联接、构成为所需要的形体，如泥塑、陶塑等。从题材来分，雕塑可分为纪念性雕塑、建筑装饰性雕塑、城市园林雕塑、宗教雕塑、陵墓雕塑、陈列性雕塑。从表现形式来分，雕塑可分为圆雕、浮雕。圆雕是不附在任何背景上，可从四面八方观赏的立体雕塑。浮雕是在平面上雕出凸起的艺术形象。【工艺美术】工艺美术是指日常生活用品经过艺术化处理以后，使之具有强烈的审美价值的产品。我们一般把工艺美术分为实用工艺美术和陈设欣赏的工艺美术。实用工艺美术是整个工艺美术的主体和基础，包括衣、食、化、行、用的工艺品类，实用价值是这类工艺品的主要价值，审美价值是作为辅助价值存在的。这类工艺品包括经过装饰加工的茶餐具、灯具、木器家具、绣
绘画创作浅谈
绘画创作浅谈 阐述了关于油画创作的过程以及如何使作品更具表现力。创作是为表现内心的情感服务的，是构思画面的根本，没有经过深思熟虑创作就无从谈起。造形以及色彩是构成画面的要素，有了它画面才会富有节奏感和感染力。 油画创作技艺观念技艺是一种具象的、有迹可循的东西，而观念，则是抽象的，因人而异的。艺术作品的构成，其中重要的两个方面是技艺与观念，二者相辅相成，缺一不可，只有将其相融合，才能使作品富有表现力。 技艺原指富于技巧性的武艺、工艺或艺术等。在艺术方面，技艺则是指关于表达所要表现的事或物时所用的方法与技巧。关于艺术的技艺并不能狭隘地去理解，就如高度的型的相似是一种技艺，把事物简化到一定程度也是一种技艺。根据作者作品的需要以及自身的习惯与喜好，找到自己的一种表达方式，这种表达方式也许是纷繁复杂的，也许是极其简化的。而技艺高低的区别并不是简单地体现在表达方式的繁简程度上，而是视其观念以及主题与技术的配合程度上来界定的。观念是人们在实践的过程当中形成的各种认识的集合体，人们会根据自身所形成的观念来进行各种活动。这其中就包括用观念指导自己的艺术创作的活动。观念是抽象的，并不是一个概念就可以说明完全的，但它可以通过艺术作品所呈现出来。通过作品来表现作者对于事物的感知能力和领悟能力，它是创作者自身智慧的体现。 就拿油画创作来说，首先，作者需要明确自己想要表达的内容，有了初步的创作计划之后，接下来构思形式，将搜集的素材整合，运用积累的创作技艺达到表现观念的目的。绘画在以前被人们认为是一种专门技术。文艺复兴时期，绘画着重于对于重大题材、现实的场景及人物的描绘，以达到逼真的效果。这时，对于技艺方面的探讨与研究就相对于观念来说更为关注。对于人体结构、场景及物体的透视已有了极高的造诣，绘画写实再现的技艺达到顶峰。照相技术出现，绘画的存在受到了质疑。但存在即真理，绘画艺术就应走与之前不同的道路。当时的照相技术为绘画承担了真实的反映物象的工作，艺术家们已不满足于单纯地再现现实生活。这时的绘画则愈来愈注重观念表达上的问题，艺术家们开始用求变的眼光来探讨绘画接下来的发展方向。观念在作品的完成中占了至关重要的一部分。装置艺术、大地艺术、行为艺术等相继出现，当代艺术中，观念显得尤为重要。 事物都有其两面性，如果局限地看待技艺与观念之间的关系，则会导致思维的禁锢。文艺复兴时期的大师作品之所以可以流传下来成为世界名画，并不仅仅因为其精湛的绘画技艺，还因为绘画题材的深入人心，这都来源于作者的观念。而当代的艺术大师的作品之所以被人们所接受，并不只因观念，而是与作者的创作经验和材料运用等密不可分，这些都属于作者创作的技艺。 优秀的艺术作品是结合了观念与技艺而完成的，对于如何掌握好这二者之间的关系并为我所用成为至关重要的。苏格拉底说过：“绘画是对所见之物的描绘。”
谈谈小学生美术绘画创作辅导
谈谈小学生美术绘画创作辅导 少儿绘画创作辅导是小学美术教育的重要一环。正确地进行少儿绘画的辅导。可以激发学生的学习兴趣，并能充分地发挥他们的创造作性思维。反之，辅导不当，还会抑制和妨碍学生美术学习的发展。以下大体分三个阶段谈谈如何开展少儿绘画的辅导。 一、观察日常的事物，收集材料，发挥想象力 少儿绘画创作的过程，其实与成人搞绘画创作过程大同小异。在创作前，都需要深入观察与了解生活，目的都是为了收集创作的素材。小学生生活经验少，对事物的感性认识不够丰富。所以必须细心引导学生从自己身边开始，细心观察生活，观察事物。善于发现有意思的内容，新奇有趣的事物。学会观察并不是看看而已。熟视无睹，其意思就是看惯了的东西，如果是漫不经心的，也像没看见一样，在脑子里没有印象，没有记忆，所以要学生学会观察，就要引导他们主动地有目的地去看，去分析，去留心和记忆，回想生活中的事物或其中的过程、细节，绘画创作时就能做到心中有数。 在辅导少年儿童绘画创作，收集素材时，大概有两种情况:一是命题创作。这首先要引导学生相对集中一点，有目的地观察、记忆、为自己的绘画创作收集所需的各种形象，并可以通过画速写或画记忆画来收集有关的素材。例如“美丽的祖国”这一主题，范围较大，我就引导学生以小见大，细心观察家乡的变化，观察美丽的校园，鲜花盛开的公园，繁华的街市，错落有致的高楼大厦，琳琅满目的商店等等。通过观察感受和记忆家乡的美来体现祖国的美，从而激发学生对绘画“美丽的祖国”这一主题画的兴趣。对有关科幻题材的主题创作，不能到实地或实景观察，就让学生通过搜集有关的书本材料，或观看有关的电视、录像、电影等。第二种自由绘画的创作，没有特定的主题，需要鼓励学生在平日生活中善于观察，留心周边的事物。让学生通过分析、综合、思考把平常的事物通过想象变成不平常的画面。这就需要引导学生展开必要的想象。这种想象是有了现实实物的基础上进行的。有感而发。告诉他们从自己熟悉的事物开始，有时观察到的具体景物不一定理想。这时，可以加工改造，把它画漂亮，包括造型和色彩。也可以放大、缩小或取舍。有时还可以把没有生命力的东西画成有生命的样子，当然还可以通过夸张的手法进行艺术加工，大胆表达自己的想法，才能创作出好的作品。 二、构图设计，运用好画纸的每一片地方 有了充分的“感知材料”，并能展开想象，接下来就是进入画面构图的阶段。这一阶段很关键。尽管少儿绘画作品的构图没有成人作品那么严谨。但花心思布置画面，设计出“巧”的构图，与随随便便画上去，画面效果就大不一样。所以，下笔前让学生想想，把画的内容分布在什么地方最能表达出自己的想法和感受。哪些地方画主要的东西（既主体部分），哪些地方画衬托的东西（既背景），哪里应该留出空白，哪里应该加什么，为什么？想好了再下笔。平时，我碰到两种较为普遍的现象，其一，是一些学生以为画得越多东西越好，整个画面画得满满的，没有空白的地方。反之，另一种作画不够大胆，所画的物体既小又少，画面空荡荡，这两种情况都应该克服。让学生明白，只有把画里要画的东西都画到最合适又好看的地方，才算画出完整的画面。画构图不要一下子画好，需要引导学生反复修改，在画的过程中，不断补充有意思的东西，去掉多余的或可有可无的东西，直到自己满意为止。