全球华商名人堂——赖声川

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亚洲剧场导演之翘楚赖声川，隐于时代大幕之后，深刻洞察“人生”这个大命题。从《暗恋桃花源》到堪称史诗剧的《如梦之梦》，无一例外地将人生作为主题。尤其是《如梦之梦》，直接追问生与死。略显沉重的生死主题，经过赖声川的非凡演绎，完美地融入自然、轻松与诙谐的故事中，潜移默化地影响着观众。赖声川对自己的期待是—他的戏能让观众在“人生”这个问题上有所触动，进而升华为某种觉悟乃至行动。这也是戏剧本身的重要使命之一，而他将此做到了极致。

赖声川

台湾表演工作坊创始人、著名导演

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导演人生?叩击心灵

——台湾表演工作坊创始人、著名导演赖声川

亚洲剧场导演翘楚

曾经的黑胡须已变得花白，它是赖声川戏剧人生长度的一个写照。出身外交官家庭的赖声川，12岁之前一直在美国，接受美式教育，而且学业优异，是一位永远拿“A”的优等生。直到1966年（他12岁那年），他们举家迁回台湾，转而接受中式教育，让他从优等生变为留级生，他的世界也“由彩色变成了黑白”。两年后，父亲不幸因病去世，赖声川的生活更加灰暗。

接下来的几年，自己为自己创造未来的赖声川，一步步从中学无论在台北“国家音乐厅”，还是在北京保利剧院或者798

的大仓库，每逢自己的新剧开演，台湾表演工作坊创始人、著名导演赖声川都会静静地坐在侧台观看演员们的表演。那时，他既是导演，也是一名普通观众。

赖声川说：“从侧台看戏，从侧台看人生，总是有些不同……”

被视作华人戏剧标杆的赖声川，尤其擅长从不同的角度发现并导演一出出人生悲喜剧。2013年4月初，他携史诗巨作《如梦之梦》在北京保利剧院开启亚太巡演的航程。这部长达8小时的戏跨越百年，背景涉及台北、上海、北京、巴黎与诺曼底，展现上百个人物的人生故事。这部十几年前诞生的力作，重现舞台后再度激起了人们关于人生话题的讨论。

赖声川强调说，戏剧的本质是要引发观众对人生的思考。“思考自己究竟失去了什么，又该珍惜什么。”也因此，赖声川的很多剧目经演舞台，影响深远。

念到大学，渐渐形成了台湾认同。东西方文化在他身上奇妙地融合在一起，“连说梦话都一半英文，一半中文。”

赖声川在辅仁大学英语系读书时，是一位很阳光的文艺青年，玩音乐、写小说、演话剧，样样都来得精彩。在台北一家叫艾迪亚的小咖啡店，他和很多年轻人一起唱民谣、玩乐器，

可以算得上是台湾最早的一批民歌歌

华商韬略·李壮/文

手。那时光顾这个小咖啡店的人还有罗大佑、蔡琴、胡茵梦、庾澄庆以及丁乃竺等。尤其是他与丁乃竺的相遇，一个眼神的交流就促成了他们几十年相濡以沫的美满姻缘，这也是戏剧界流传至今的一段佳话。

1978年，赖声川大学毕业，准备出国深造艺术专业。他申请了美国学校两个博士专业，一个是戏剧，另一个是文艺创作，而最终被美国加州柏克莱大学戏剧艺术专业录取。也在那一年，他与丁乃竺女士结婚，后来丁乃竺成了他导演生涯中最重要的助手。

在柏克莱大学，赖声川接受了非常严格的学术训练，一半的时间是由知名学者带领做研究，另一半时间是在剧场里排戏，每十个星期做一出戏。这期间，他还有了“导演”实践。他曾在一家五星级中餐厅打工，和来自中国香港、大陆、台湾以及美国本地的员工一起共事。这些同事的出身与文化有着巨大差异，同时因为光顾餐厅的大多是上流人物，餐厅就变成了社会的缩影。用赖声川的话说，从前台、后台、灯光、道具、空间来说，餐厅和舞台没有区别，再加上各色人等的“上场”，活脱脱一出话剧。另外，一个导演最重要的素质——对剧情节奏感的掌控，他从自己负责的五张台子上，每天都在“练手”。有时候，他会打趣自己说，能做好导演就是因为当过跑堂。

1983年，赖声川以柏克莱大学戏剧艺术研究所有史以来的最好成绩取得博士学位。那时他面临两个选择：一是留在戏剧产业鼎盛的美国，二是回到被称为剧场沙漠的台湾。

赖声川说：“当时，我跟我太太讨论了很久。我可以马上在百老汇工作。如果回台湾，台湾能给我们什么？在剧场方面什么都不能给，没有那个环境。但我们有一个共识，你如果确定那个沙漠的下面有非常丰富的水源，那就去吧。我觉得那是超越了留在美国给我的机会。”

与此同时，台湾元老级的剧人姚一苇先生找到赖声川，诚恳地邀请他回台湾任教。受此机缘，赖声川顺势回到台湾“国立艺术学院”任教，由此开启了他台湾舞台剧事业的大幕。其实，当时刚刚成立的“国立艺术学院”是借用台北艺术大学办学。赖声川办公室是在一个危楼的二楼，他开玩笑说，每次见学生都不能超过两个，因为楼会塌。

次年，“表演工作坊”成立，赖声川的第一部戏《我们都是这样长大的》在台北耕莘文教院大礼堂上演，首场演出吸引观众100多人。个人化和生活化的风格，开创了台湾剧场新风气。

作为一名开拓者，赖声川面对着很多挑战，包括自己找舞台、演员、编剧、题材等，莫名的困难一个接着一个。有一次，赖声川去看好友的新剧彩排，台上突然有人挂横幅，上面写着某幼儿园毕业典礼，现场一片混乱。这样让人啼笑皆非的事情，赖声川也感同身受，但也只能苦笑一声。

在这样的氛围中，要获得认可与突破，似乎要经历一个漫长的过程。但赖声川的成功之作“意外”地早早到来了。

1985年，赖声川创作的采用中国传统的曲艺相声和舞台剧相结合的《那一夜，我们说相声》问世，立即引起轰动。该作品不能归类到话剧或者相声，它是植根于台湾特有的文化环境而产生的独一无二的舞台剧。赖声川个人很喜欢相声，但那时，台湾相声早已销声匿迹。因此，《那一夜，我们说相声》从根本上说，是赖声川对传统的一种感怀与追寻。

赖声川说，这个作品原本是作为小众作品打磨的，可居然变

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成了大众话题，“是意外到不能再意外的一个成功。”

当时，台湾街头的出租车里几乎天天都在放《那一夜，我们说相声》。即便多年以后，还有年轻人在追捧。像如下这样的段子：“鸟是有蹦的，我这鸟是用走的。我一到那儿我就说。来来来，看看我的鸟叫声有多嘹亮。我掀开鸟笼子，鸟死了。鸟怎么死了？原来钱掌柜卖给我的是一只老鸟。老得连这个杠子都抓不住。也不知道什么时候就摔死了，旁边还掉了一块粉饼，合着钱掌柜还替它化过妆的了。”流传至今，经久不息。

《那一夜，我们说相声》让台湾相声起死回生，也让全台湾认识了赖声川。在观众的高期待下，1986年，他再度出击，推出新作品《暗恋桃花源》，引发新轰动。

《暗恋桃花源》讲述的是两个剧团争夺同一个舞台，最后分割舞台分别上演两个故事，一个是现代版的《暗恋》，一个是古装版的《桃花源》。还有一个特殊的角色，一个精神恍惚的女子登台寻找并不存在的“刘子骥”，节外生枝地丰富了舞台上的戏剧性。剧情在古代与现代之间穿梭发展，无论“暗恋”的悲怆凄美，还是“桃花源”的笑闹鬼马，都展现了一个共同的人生主题——梦想之于现实更多的是无奈，人们总是想远离荒谬却不断上演着荒谬的故事。整场演出笑声不断，看完之后，观众又多了一份感叹甚至对人生的思考。

正是这样的天才创想，《暗恋桃花源》彻底征服了从未有此体验的台湾观众。之后，赖声川陆续推出了《暗恋桃花源》香港版、大陆版和英语版，以及“两岸三地联演版”，反响极为热烈。从台湾首场演出至今，《暗恋桃花源》作为华语世界最经典最重要的剧目，长盛不衰。

赖声川说，如果那时候有人告诉他，《暗恋桃花源》会演出几十年，他根本不相信。他只是在那个时间里，做了自己该做的事情。

多年来，《暗恋桃花源》获得了无数赞誉，被纽约时报誉为“当代中国最受欢迎的剧目”，入选中国话剧百年十大经典剧目，赖声川也入选中国话剧百年当代名人堂。电影《暗恋桃花源》斩获了东京国际影展青年导演银樱奖、金马奖最佳改编剧本奖、柏林国际影展卡里加里奖等多项国际大奖。

在《暗恋桃花源》以外，赖声川创作的脍炙人口的佳作众多。包括《这一夜，谁来说相声》《红色的天空》《千禧夜，我们说相声》《他没有两个老婆》《如梦之梦》《遥远的星球一粒沙》《宝岛一村》等。至今，他编导舞台剧20多部、电影2部、电视作品300集，另有剧场导演作品22部等。此外，还出版书籍《赖声川的创意学》，这是国内第一本将创意规则化、步骤化的实用工具书。

因为对亚洲剧场文化的深刻影响，赖声川获得了广泛赞誉。他被《亚洲周刊》誉为“亚洲剧场导演之翘楚”；被日本NHK电视台称为“台湾剧场最灿烂的一颗星”；美国橘郡记事报称他为“台湾现代剧场的创造者……世界上很少有剧场艺术家能有赖声川如此广远的成就。”

如梦之梦

一路走来，赖声川屡创奇迹。2013年4月，赖声川如期在北京保利剧院上演新版《如梦之梦》。这是一部跨越时间和空间的梦，也是赖声川自己钟爱的最华丽的大梦。

梦开始的时候，赖声川还很年轻。至今他还记得曾做的那个彩色的梦。在梦里面他看风景——海边的日落，那个海景和日落是他从没有见过的颜

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色。“真的是美”！醒来之后，他问自己，“那是一场梦。可是我看到了。你敢说这个经验不是真的吗？你敢说我没看过这个风景吗？”

真实与梦，到底哪一个比较真？他开始思考这个无解的问题。

这个梦最终在一系列没有特定目的的旅程中，突然间获得了生命，变成了他的作品主旨。1990年，36岁的他在罗马展览宫看到了一幅杨·布鲁盖尔的画。画里面的墙上、地上、人物的手上都是画，每一幅画中画都非常精致。当他欣赏这幅画时，突然之间，反复闪现于脑海的“画中画”概念转换成了“故事中的故事”的概念，也涌现出一个新构思。“在一个故事里，有人做了一个梦；在那个梦里，有人说了一个故事。” 赖声川在笔记本上写下了这句话。后来它成为了《如梦之梦》的开篇。

《如梦之梦》的创想和主题就是这么瞬间获得的，但还只是一个概念，这个概念在他家的抽屉里封存了好几年。

1999年夏天，台北艺术大学戏剧系新学期的学期制作轮到赖声川做导演，同事们都希望他导一个新戏。没什么特别的构想，于是他公布了一个简单的构想，计划征选12名学生，先发展作品内容，然后演出。

同年9月，他和太太、大女儿到伦敦旅行，行程中突然多出了四五天，

他突发奇想决定去法国诺曼底走一遭。在诺曼底，他们住进一座

城堡。这是一栋19世纪的别墅，连接一座17世纪打猎用的庄园，城堡相当朴实，后面有一个美丽的湖。傍晚时，他们参观城堡，走进了一楼的起居室，墙壁上有一幅城堡原始男主人的肖像，肖像下面的铜标上写着：“法国驻意大利大使，1860-1900。”出身外交官家庭的他，站在曾经的法国外交官的肖像前，这是冥冥中的安排吗？

他一边看着那张肖像画，一边问自己：“如果这位外交官，

不是法国驻意大利大使，而是法国驻中国大使，那会怎样？如果

《如梦之梦》剧照一

他在中国爱上了一位中国女人，带她回法国，住在这一栋城堡，这位女士站在这里，看着日落，她会有什么感想？如果这个女人还活着，如果我有机会访问她，她会跟我说些什么故事？”在这样的联想中，他仿佛看到一个年轻的她，穿着中式旗袍，出现在这绝对西方的城堡中，在美丽的湖畔散步；年老的她，坐在某一个角落，诉说着她的故事，她的一生。这个联想中的女人就是后来《如梦之梦》里的顾香兰。

各种不可思议的想法在赖声川脑海中忽起忽落，但9月21日台湾发生特大地震后，他的所有想法一下子中止了。他要做的最急迫的事是，给家里打电话问平安。

当他结束旅行回到台湾，生活已恢复正常。他征选的“12人创作专题课”也正式开课，可让他想不到的是竟来了60位学生！从不错失一个学生的他，照单全收。因为学生比预想的多出很多，原来那个简单的构想显然不足激发学生们更多的想象力。于是，他开始思索新构想。

紧接着，一件离奇的事件进入赖声川的视野。伦敦发生了一起惨烈的火车相撞事故，离奇之处是，车祸的死亡人数经过重新修正，没有上升反而下降，这与通常的灾难数据修正完全不同。有记者调查发现，导致数据错误的一个重要原因是，有乘客死里逃生后没有直接回家，而是去了别国开始新人生！

“多么奇怪的一则新闻！”他心中突然感到一种很深的悲哀，想到这是一个现代人的残酷写照。赖声川想象着自己身处那样的情境——从满是死伤的车祸现场走出来，心想：“天哪，我现在可以一走了之。不论我捅过多大的篓子，不论我欠多少债务，银行的或感情的，我自由了！我死了！这么一走，一切一笔勾销。”真的是这样吗？或许是，因为有人从这个世界“消失了”；又或许不是，因为很多人最终还是回家了。

这场火车事故，让赖声川心里充满不安。同年10月，他到印度菩提迦叶参加一个佛法研习营。白天他参加佛法课程，有空就到菩提树旁大舍利塔去绕塔；晚上就在房间安静地读书。一天晚上，他随意翻开他曾看过的索甲仁波切的《西藏生死书》。突然间，他被其中一段似乎没看过的内容迷住了。那是一位年轻医生，在伦敦一所大医院第一天上班就遭遇到病人连续死亡的经验。她深深感受到自己在医学院所受的训练无法让自己面对这种场面，难过地询问作者如何能做得更好。她提起其中一位老先生，在死前拉住她的手说：“你认为上帝会宽恕我的罪吗？”这位医生无言以对。索甲仁波切给了她很实际的方法，来面对濒临死亡的病人，包括一种叫作“自他交换”的修行。作者说，如果这太难，最起码可以做的事就是坐在濒死病人的身边，听他说故事。病人透过自己的故事，会显现出意想不到的智慧，为自己的生命整理出一种

架构。

《如梦之梦》剧照二

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赖声川在看完这一段的一刹那，这一年里他在法国的旅行、台湾的地震、伦敦的火车事故等，所有不相干的事件，一下子在他脑海里串连在一起，形成一个复杂但清晰的作品。他迅速将这个作品构想的重点记录了下来。

第二天下午，赖声川走到舍利塔前，开始系统地写剧本大纲。他似乎是从心中往纸上“倾倒”这样一个“故事中的故事”：“一个医生的故事，一位原因不明的绝症病人的故事，他和一位孤独的巴黎女服务生的关系，他和一位隐居上海的老太太的关系。这位上海老太太年轻时的故事，她如何遇见一位法国贵族外交官，和这个

外交官结婚，到法国湖边城堡居住、学艺术。然后，外交官突然死于一场惨烈的火车车祸。其实外交官没有死，而是离开了，去展开自己全新的生命！”

他在写剧本，舍利塔周围的活动也在进行中，无数人在修行、绕塔。赖声川偶尔会抬头看看顺时针绕塔的信徒，忽然间又一个奇怪的想法出现：“舍利塔是神圣的物体，信徒环绕着它，以示

尊重。如果把观众当作神圣的物体，让故事、演员环绕着观众，是不是有可能将剧场还原成一个属于心灵的场所？这么想颠覆了一般人看戏的经验，但完全符合我正在构思的作品。”

坐在舍利塔边，他一直写，直到黑夜模糊了纸面。这就是后来一份长达29页的《如梦之梦》剧本大纲，而一般的戏他只需两三页。

“我们创作戏，很多是先有构思或者灵感，然后很辛苦地把

它细化。但《如梦之梦》不是，它是‘砰’地一下子都来了。”

《如梦之梦》剧照三

赖声川说。

2000年《如梦之梦》在台北艺术大学首演，演员全部由学校学生担任。只演出8场，就在台北引起轰动。《如梦之梦》“梦中梦，故事中的故事”的剧情结构，独一无二。学生们初出茅庐的表演，就取得了震撼人心的效果，更是空前。

此外，《如梦之梦》完全颠覆了以往剧场里演员在前、观众在后“隔岸观火”的固有观剧模式，而是将观众座椅安在整个舞台的中央位置，宛如“莲花池”，表演区如“日”字围着矩形观众席而设，并横穿过观众席。演员360度围绕观众进行表演，观众则随着演员的表演“自转”观看。

台湾《中国时报》的评语是，“如果今年没有《如梦之梦》，台湾的剧场将是一片黯淡。”更有媒体评论称，《如梦之梦》是赖声川剧场生涯中最大胆的突破、最惊人的作品，无论是故事内容，还是演剧形式，都堪称剧场史上的一个奇迹。

但《如梦之梦》规模巨大，对剧场要求也很高，因此台北首演至今总计演出不过十几场。许多热爱戏剧的人，虽久闻盛名却难睹风采。为了让更多的人知道它，赖声川的大陆制作人王可然全力支持2013版《如梦之梦》亚太巡演。在北京保利剧院开演之后，将陆续在中国上海、乌镇、深圳、台北以及新加坡等地公演。

抓住创意神奇的缰绳

余秋雨说，赖声川和他领导的表演工作坊“总能弹拨到无数观众的心弦”。

赖声川说：“亚里士多德讲，‘悲剧的效果要追求激发观众的怜悯与恐惧’，以达到净化灵魂的目的。所以，如果我哭了，我能不能超越那个眼泪？”

成名于戏剧的赖声川，紧紧抓住了创意神奇的缰绳，其创意思想远远超出了戏剧本身。

特别是十多年前的那次印度菩提迦叶之旅，他不仅收获了《如梦之梦》，还对创意教育有了新的感悟。他说：“当时我感到，创意教育都在艺术的领域中进行，但太多跟创意有关的学习必须在艺术以外的领域中发生才对。”

他当时在明信片上写道：“一个人想要修行，必须具备两个条件，智慧和方法，应用到各行各业，都是可以的。”这也变成了后来的“创意金字塔”的两个部分，金字塔左面是智慧（生活），右面是方法（艺术）。

从印度回台北后，他尝试将新知识传授给学生，反响不错。后来，有几个早已毕业的硕士希望到他那里“继续教育”，赖声川索性在家里教授“创意课”（他们称此为“赖老师的私塾”）。这些学生日后也确实在各自的领域取得突破与进步，这让他确信这些新知识是有效的。这些因素，促成了他后来在北艺大博士班开设“创意”课程，将创意教育系统化。

此后，他用了近四年时间，几次修订，终于写成《赖声川的创意学》一书，系统地描述了如何获得创意并变为自己的成果。作为赖声川第一本专业学术著作，《赖声川的创意学》其实并不是一本局限于表演艺术领域的书，不论社会精英还是普通大众，任何人都可以从中受益。

赖声川说：“创意是很快乐的，也是每个人都有的。一个人只要你相信体内有创意的潜能，学会重新看待

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生活，就有可能消除创意的屏障，找到属于你的智慧。”

一个很奇妙的事情是，《如梦之梦》中所涉及的上海故事，有很多是赖声川从上海过往资料中借鉴而来的。他说：“我很奇怪，上海真是太多故事了，为什么却是我来发掘的呢？”

赖声川引用佛法中的“三毒”概念，提出影响创意的三个毒素：“经验、习性、动机”。他说：“创意其实是一场发现之旅。要随时将生活中的新发现和感悟记录下来，并随时能对这些信息进行新组合，形成自己的新概念或者新构想。”而影响故事组合效果的最重要的因素是动机。赖声川无论创作舞台剧、电影、电视、还是歌剧，他都向内检讨自己的动机。

1995年，赖声川执导即时性电视情景喜剧节目《我们一家都是人》时，有一个有趣的发现。他将这个节目全权交给学生编导时，收视率就会下降。这名学生所用的方法都没有问题，唯一的瑕疵或者说致命的弱点就是动机——这名学生最关心的事情是怎么买房子和车子。“这就是他的主要动机，也是他的剧本编不好的原因。动机有两种，一个是利他，一个是利己。在这两种动机之间，我们需要摆正自己，找到恰当的位置。动机就是这么简单的事，也是最深奥的事，它来自内心，它很抽象，但却是贯穿于创意到作品的最重要的因素。”赖声川说。

这位了不起的“创意大师”坚信：只有用热情和慈悲过活，灵感才会自然上升。这可能就是他创意才思源源不断的根源所在。

赖氏戏剧?改变人心与社会

在这个泛娱乐化的时代，一个稍有点亮点的作品问世，就会被一窝蜂地复制。这样的时代，要出一部精品戏剧，相当奢侈。

这也是赖声川最为担心的现象，他说：“剧场一下子变成了自由市场，剧场的经营者也变成了专业的生意人，但是从事剧场创意的人似乎并没有赶上这班车，于是主流变得面目模糊，市场上出现了很滥的作品。多年来，创作者们并没有得到充分的尊重，沦为商人们赚钱的工具，早已忘记了戏剧可以改变人心和社会。”

赖声川是一位坚定的维护戏剧本来面目的戏剧家。他不允许自己将人生中随手采撷来的精华，轻飘飘地传递给观众，只变成观众的一种若有若无的感伤。他坚持着依靠单一的卖演出票模式谋求生存与发展。过往20多年，全世界也找不出哪家戏剧团体能像赖声川表演工作坊那样，靠一张演出票就能有今天的成就。他说：“西方剧团靠赞助，大陆剧团是国有的。我固执地坚持我的单一方式，这不是为了我，而是为了以后成千上万的艺术团队，告诉他们，用最简单的方式也可以实现梦想。”

赖声川形容自己像一位“剧场医生”，“诊断病症”或者“对症下药”。也因此，能够和赖声川进行合作并出演他的剧目，变成了很多名演员的一个梦想。超级巨星林青霞，不仅出演过赖声川的作品，还一直力捧他的作品。

王可然说：“只要是敢演的好演员，赖声川以三个月的排练让他们在舞台上成为让观众信任的演员。”与赖声川合作过的演员形容赖声川：“他像放风筝一般，让每个演员自由翱翔在他的创意天空，偶尔拉拉线，适时引导方向而已。”

与一般导演不同，赖声川没那么“专制”，他总是谋求演员与所演的角色自然融合，甚至演员可以根据自己的特点改词。

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了。它让我更加热烈地去拥抱修行这条路线，增长智慧，直面死亡。”

在事业以外，赖声川的“修行”也为他带来了一个让人羡慕的家庭。他的太太丁乃竺作为戏剧制作人始终

坚定支持他，大女儿梵耘则与他同归佛法，也是他的演员，小女儿仙耘是一位充满才华的美术人才。他说：“这是一种极难遇到的缘分。其实我们

饮食和喜好都不一样，但我们有更深层次的共同追求，有对生命的追求和坚持。”

现在的赖声川，内心越来越平静。因为他已经得到了开启人生的密钥，从而让自己的人生时刻闪耀着智慧的

“我对演员说出我的意思，如果他用我设计的台词不够自然、没有味道，他就可以根据意思来改成自己的语言。演员演得顺畅，也达到了我的要求，合作轻松愉快，这不是很好吗？”他说，他要求演员要融入角色、情景和故事，去掉“我在表演”的心态与痕迹。

赖声川说，自己最大的幸福和成功是他领导的表演工作坊成功地把创意与制作分开。他从来不知道一部戏的成本和票房有多少，他最重要的任务就是做出一部纯粹的作品。

也正是因为对戏剧本质的挚爱，赖声川曾很不认同过于商业化的美国戏剧发扬地百老汇。不过，最近几年，百老汇为打造完美的舞台剧《李小龙》，几次邀约赖声川。当他深入研究李小龙后发现，他们是那么的似曾相识，最终接下邀约着手创作。2014年，舞台剧《李小龙》将正式演出，赖声川将第一次，也是作为首位华人戏剧家登上百老汇的舞台。

创造非凡，勇登新巅峰，让人们看到了赖声川的无限可能。但与佛结缘的他，更愿意把每一次创作看作是一次修行。他说：“《如梦之梦》的创作让我深刻了解到，作品是末端，生命才是泉源。前面不经营好，后面怎么做得好？前面经营得好，后面就不需要

2013年《华人智造者》