血衣作品赏析
王式廊《血衣》作品赏析
王式廓创作素描《血衣》是呕心沥血，绞尽了脑汁。素描《血衣》从1950年酝酿到1 959年完成，整整花费了10年时间。而达芬奇的《蒙娜丽莎》也不过用了8年。利用10年时间创作一件作品，在中国绘画史上是首例。由此，我们不得不折服王式廓强烈的精品意识和严肃的创作态度。1953年完成第一稿时，并没有血衣情节，1954年他受连环画启发，画面上才有了血衣这个中心结构。
1973年王式廓为把《血衣》画成油画．带病到河南巩县再度深入生活，积累素材。为收集色彩的形象素材，王式廓深入农村、水利工地进行写生，工作起来总是废寝忘食，在短短的29天里，他画了74幅画。为了崇高的艺术事业，他是拼上命了。因为他知道失去的时间太多了，所以要争分夺秒，把失去的时间夺回来。据人们回忆，在1973年5月22日这一天的下午6时，王式廓正在画农民双头象的时候，“他脸上冒汗，手也发抖，突然昏迷过去。从此再也未醒过来。”王式廓带着遗憾走了，留给后人的是一笔精神财富。画家用了毕生的精力，以凝重的笔触表达了亿万农民在为自己的生存权而抗争的宏伟场面。就这样，他为着崇高的艺术事业，献上了62岁的宝贵人生。
画家以生命为代价对艺术的完整性作出了不懈的追求，他深入到生活中，为《血衣》的创作收集了大量的素材、他画了大量的农村老汉形象，可以说，他是在大量的农民肖像写生中，经过不断的加工，提练、酝酿了《血衣》的人物。
主题：《血衣》这件著名作品是画家王式廓于1959年起倾毕生精力却未曾最后完成的杰作.《血衣》再现的是新中国成立初期土地改革时农民斗争地主时的场面。
《血衣》构图宏大，全画以举血衣的妇女为中心，把庞大的人群组织在瞬间情节的绘画高潮中，多层次却主次分明，显示了画家把握大场面构图的能力。那手持亲人血衣的妇女，手在颤抖，脚已发软，
身体扭曲，几乎昏倒，一腔深仇大恨，尽在悲痛欲绝之中；
子的双手粗大有力，创造了无数
财富，但又一贫如洗，反而欠下
一身债；那双目失明的老妈妈，
眼眶深陷，满腔凄楚，欲哭无泪，
她太想见到翻天覆地的外部世界
了……。作品人物形象典型，刻
画细腻，生动感人，活生生地刻画出了封建制度下中国农民的命运。
《血衣》艺术风格质朴、浑厚，画家通过自己对艺术形象强烈鲜明的感受，对人物造型的准确的把握，以精湛的艺术技巧，把自己的感受用自己的语言表现出来，达到认识和表现的统一，主观和客观的统一，形似与神似的统一，表现与再现的统一。《血衣》中，无论是双目失明的母亲，持血衣控诉的妇女，持字据的老汉，残废者或是青年民兵等等，每一形象，画家都进行了真实的描绘，都鲜明地洋溢着作者对主人翁的深厚同情和热爱，对于这些受侮辱，受损害的善良农民的悲惨遭遇的不平。作品中，人们看到的是一个在生活中遭受过巨大不幸的妇女，她的痛苦，哀伤和愤怒，都在形象的动态中表现出来。人物再现的真实，更揭示出人物内心世界。更加表现出她久经磨难的经历和刚毅的性格。画家从现实主义出发，用黑白对比的手法，奔放粗犷的线条，对人物细节的虚实处理达到了画面真实与现实真实的统
一，使人物的外在形象与内心世界浑然一体。
《血衣》是时代的产物，它深刻地反映了中国历史上一个大变革的重要瞬间，废除封建、半封建剥削的土地制度，实现耕者有其田，土地改革彻底改变了中国亿万农民几千年来的命运，成为中国人民革命胜利的根本保证。作品所着力把捉的是土地改革运动中，受剥削、压迫最深的雇农、贫下中农刚刚发动起来，与地主展开斗争的关键时刻，这一特定的历史时空中，作品取材于我国土地革命斗地主的场景，画面抓住一位悲痛欲绝的妇女，正举起血衣的瞬间。描绘了激愤的人海与起伏的山峦。在沉郁浑厚的黑白色调中汇成了震撼人心的控诉。
作品赏析
第一课 学习人民艺术家——齐白石有感 学习第一课人民艺术家-齐白石后，我学会了很多，齐白石爷爷出生在一个贫苦的家庭。他小时候砍柴，放牛……只读过一年书，但他最后却成为了艺术大师，比起他，我们难道还有不好好学习的理由吗?他那是还要放牛、砍柴。而我们呢?吃来张口，衣来伸手，大多数人都是家里的小皇帝、小公主。齐白石爷爷为什么能成为艺术大师呢?就是因为他刻苦学习，他历经86年去学、去画，才把虾等花鸟鱼虫山水画画的出神入化。86年啊!多漫长呀!86年他一直观察生活，画出生活，而我们哪?我们中的大多数同学都会因为一点小困难解决不了而放弃。我们真应该向齐白石爷爷学习，学习他的精神。以后我一定要向齐白石爷爷一样，刻苦学习，不怕困难，坚持不懈，不向困难低头。 学习人民艺术家——齐白石有感 齐白石（1864.1.1—1957.9.16)原名纯芝，号渭青、兰亭，后改名璜，号濒生，别号白石、白石老人。 齐白石1863年生于湖南湘潭，出生贫苦家农家，幼而好学，读过半年私塾，12岁始学木匠，善雕花。27岁时才正式拜当地文人拜少蕃、胡沁园为师，学习诗文、书画、篆刻。40岁后，五次出远门游历，助长了技艺。60岁在陈师曾的支持下，进行“衰年变法”，闭门专攻写意花鸟，借鉴诸家之长，再结合自己的气质修养，形成自己独特的绘画风格，画风、境界有了质的飞跃。齐白石十分热爱身边的花鸟虫鱼，所以把它们都当作有感情的生命来画。它笔下的这些花鸟鱼虫是他长期观察和写生的结果，因此生动、亲切而又质朴。在众多的花鸟鱼虫作品中，白石老人所画的虾、蟹堪称一绝。白石老人一生作品丰富，不但擅长花鸟，还有大量的山水和人物作品。他不仅是一位画家，还是一位书法家、篆刻家和诗人。书法：气象雄浑、自然纯朴、稚拙而富有情趣。诗文：清新质朴，感情真挚篆刻：布局奇特、雄奇奔放、气势纵横宏大、用刀如笔、下刀肯定、一气呵成。在1953年被国家文化部授予“人民艺术家”的称号。 学习第一课人民艺术家—齐白石后，我学会了很多，齐白石爷爷出生在一个贫苦的家庭。他小时候砍柴，放牛……只读过一年书，但他最后却成为了艺术大师，比起他，我们难道还有不好好学习的理由吗?他那是还要放牛、砍柴。而我们呢？吃来张口，衣来伸手，大多数人都是家里的小皇帝、小公主。齐白石爷爷为什么能成为艺术大师呢？就是因为他刻苦学习，他历经86年去学、去画，才把虾等花鸟鱼虫山水画画的出神入化。86年啊！多漫长呀！86年他一直观察生活，画出生活，而我们哪？我们中的大多数同学都会因为一点小困难解决不了而放弃。我们真应该向齐白石爷爷学习，学习他的精神。以后我一定要向齐白石爷爷一样，刻苦学习，不怕困难，坚持不懈，不向困难低头。 画家齐白石的作品《蛙声十里出山泉》观后感当我欣赏完《蛙声十里出山泉》这幅画以后，我感到这幅画线条简练、质朴，笔墨纵横雄健，色彩鲜明热烈，创造出清新明丽、开朗豪放的意境。他的画充满课幻想和质朴的感情，带有浓郁的乡土气息，使人一见就很喜欢。 画面上虽然没有青蛙的身影，但是却可以引发人们无限的遐想，可以看出齐白石老人的想象力特别丰富。 看完这幅画我知道了，要想画出好的作品，就要有丰富的想象力，要想培养
经典文学鉴赏
读沈从文《边城》有感 环境与市政工程系024410119 黄启业读完《边城》，不能不被沈从文笔下湘西民族和整个中华民族美好的文化精神所打动。那幽碧的远山、溪边的白塔、翠绿的竹篁、质朴的百姓以及这美好的边城所发生的那段爱与守候的故事，将永远在我心中闪耀美好的人性光辉！ 《边城》以清末时期的湘西茶峒地区为背景，以“小溪”渡口为起点，绕山岨流的溪水汇入茶峒大河，展开了旷野渡口少女“翠翠”与山城河街“天保”、“傩送”兄弟的动人爱情故事。沈从文先生极为优美而流畅的语言文字，如诗如画般描绘了白河沿岸恬静幽美的山村，湘西边城浓郁的风土民情：“近水人家多在桃杏花里，春天只需注意，凡有桃花处必有人家，凡有人家处必可沽酒。夏天则晒晾在日光下耀目的紫花布衣裤，可做为人家所在的旗帜。秋冬来时，房屋在悬崖上的，滨水的，无处不朗然入目。黄泥的墙，乌黑的瓦……” 。这些充满了自然真朴与生息传神的描写，给人以极美的享受。 随着故事的展开，《边城》描述了河街繁华祥和的码头市井，湘西淳朴厚道，善良笃信的世道民风。河街虽有“一营士兵驻老参将衙门”，有地方的“厘金局（税收征稽）”，却仿佛并不存在，林林琅琅“五百家”，各处是一片繁忙的劳作、古朴的店铺、悠闲的生活景致。“船来时，远远的就从对河滩上看着无数的纤夫……带了细点心洋糖之类，拢岸时却拿进城中来换钱的。大人呢，孵一巢小鸡，养两只猪，托下行船夫打副金耳环，带两丈官青布或一坛好酱油、一个双料的美
孚灯罩回来，便占去了大部分作主妇的心了”。河街上，就连妓女也为世风所感，“永远那么浑厚……尽把自己的心紧紧缚在远远的一个人身上，做梦时，就总常常梦船拢了岸，一个人摇摇荡荡的从船跳板到了岸上，直向身边跑来”。这些客观生动的描写，反映了沈先生凤凰县生活的深厚基础，当年对“河街”生活细腻的观察，对湘西民俗风情的谙熟，直观与遐想的特写抓住精彩的瞬间，给人以鲜活的生活场景。“河街”上虽有三教九流，以及“纤夫” 、“船夫” 、“妓女”等生活在最低层的民众，但做为当年“新文化”的杰出作家，也许是为了爱情主题，未提及阶级对立或社会矛盾。 我们虽然仅仅是从文字上了解湘西的那个遥远的时代，未必真悟是什么样的社会环境，但《边城》却是沈先生描述的类似于陶渊明笔下的现代“桃花源”，与当时“争乱”的外世隔绝，从中不难看出沈从文先生对和谐美好社会的向往和追求。 《边城》塑造的主人公渡船少女“翠翠”，是纯洁美丽的化身，是《边城》美好的灵魂。翠翠的母亲与一个军官私生下她就早死去，父亲她刚诞生起就远去。从小相伴翠翠的是黄狗，爷爷，渡船，渡口以及对母亲依稀回忆。成年累月感受的是临溪石头，天光日月，河风。 翠翠在风日里长养着，把皮肤变的黑黑。触目为青山绿水，一对眸子清明如水晶。自然长养她且教育她，为人天真活泼，处处俨然一只小动物。人又那么乖，如山头黄鼬一样，从不想到残忍事情，从不发愁，从不动气……俨然图景中一道风景。她生活在这亘古不变的图画里。
美术欣赏—塞尚的部分景物画赏析
塞尚的部分静物画赏析 前言：说句实话在开始上美术欣赏这课前我对塞尚这个人还是不太知晓的，为了完成好这次的作业，我也在网上收索了许多他的资料，看了他的许多作品，也仔细地分析了他的画所要表达的意思。但是我毕竟没有所过专业的美术知识的培训，没有深层次的美术欣赏的能力，所以在欣赏这位大家的画作是也只是停留在表层。希望老师同学看了能见谅我的不足，我也会在以后多多欣赏一些名人大家的画作，提高自己的鉴赏水平，丰富自己的人文生活。 摘要：在塞尚的静物作品中，苹果常常成为他写生的“静物”，几枚苹果凌乱地放在铺着台布的桌子或者果盘里，是一幅特别有意味的画面。当塞尚的静物苹果出现时，西方美术界为之震惊。这是只没有政治，没有所谓思想，没有雄心壮志，不急不躁，不会故作深沉的苹果，它清新芬芳真实可触，忠实于自己的自然属性，安静而光泽。塞尚画笔下的所有女人，似乎都有着苹果般的气质，她们坐在那里，没有所谓为了前途而疯狂打拼的野心，她们安静到只是一只苹果。从静物可以看出保罗·塞尚的探索精神和画风特色。对此西方曾有人评论说：“如果试想从17世纪荷兰的静物画中拿一个东西，立即就好像到了你手里；而如果想从塞尚的静物画里挪动一只桃子，它就会连带把整幅画一起拽下来。” 塞尚的静物之美是得到公认的，其原因就在于他善于确凿地证明：他的“变形”观察比普通人对现实事物的知觉要更真实、更可信和更生动。 关键字：静物、苹果、映像 正文：
《埃斯泰克的海湾》的中景部分是海湾，这是一片强烈浓重的色块，各种各样的蓝色，从画布的这端延展到另一端，建立起经过细致融合的笔触。海湾的后面，是一排蜿蜒起伏的小山，山的上空是淡淡的、柔和的蓝天，里面只加了一些极淡的玫瑰红笔触，象是落日的余辉。艺术家在画的边缘切断了空间，这种切断空间的手法具有否定在深度中消退幻觉的效果。海湾的蓝色，甚至比前景的褐色和红色更强烈地表现自己，结果空间变得模棱两可又相类似。我们必须把它当做深度中的全景画来理解，同时又把它当做在画表面上搞色形排列组合来理解。 尽管塞尚有过不停的斗争和犹豫不决以及不满意的时候，但在这一件作品中他要干的事无疑是取得了辉煌的成功，这是毫无疑问的。塞尚这所以能够建立一个新的绘画概念，并对二十世纪绘画的行程发生了六十多年的影响，乃是靠了印象主义者们的色彩和瞬间幻象，以及古代大师们的训练和坚实的结构，更重要的是靠了他那观察自然的强烈而敏感的知觉。 塞尚是那样一心一意地献身于风景、肖像和静物各个主题，世界上的艺术家很少有人能比得上他对艺术史的贡献。为了理解这个事实，就有必要弄懂他的主题所包含的共同问题。他参予了所有主题的再创造，或景色、物体和人物的再现。在《静物苹果篮子》以及其它许多静物中，塞尚在表现上所获得的成功甚至超
绘画-手工教案-塞尚
课时：2课时 教学目标： 显性目标： 1、学习色彩中的色相、色彩 的鲜灰知识； 2、用水粉或水彩（主要是厚 画法）表现一幅水果作品； 隐性目标： 培养学生学习美术的兴趣 和热爱生活的情感。培养学生色 彩写生能力和观察分析能力，提 高学生的色彩表现能力。 课业类别：造型?表现 教学重点：在色相的基础上比较色彩 的鲜灰，进行水果的表现。 教学难点：构图的变化，色彩的鲜灰 变化。 教学用具的准备：成组水果静物照片、色彩鲜明的色彩静物绘画。 教学参考资料： 静物写生是练习色彩绘画的常见题材，静物中花卉水果又是重要内容。水果要突出它的色彩饱和度，往往与衬布形成对比，在表现水果时水分，色彩鲜灰尤为重要。另外构图的主次也要重视，画静物最好能表达出画家与静物之间的距离。 法国塞尚的作品除了运用冷暖塑造形体之外，还在有意识的探究焦点的关系，在《苹果与橘子》中他将放在桌子上的水果盘子和另一水果盘子放在不同的水平线上，好象一切都要落到画面的前面，整个焦点关系完全被打破了。 卫天霖（1898—1977）是我国老一辈的油画家，晚年钻研静物绘画，他的作品犹如篆刻一样深入，色彩绚烂辉煌，又有强烈的空气感，开创了静物画派的一代新风。 《色的交响曲》是卫老晚年的一件精 品，众多的水果都围绕在红色暖壶周围，各 种色彩都被调动了起来，像交响曲一样混合 在一起，画面左下角的水果已经明显的减弱 了，中间的菜花熠熠生辉，一派大家风范， 是非常经典的作品。卫老喜欢画菠萝，他的 作品将菠萝的橙黄色表现得变化微妙。 教学设计思路： 由名家的色彩水果作品引出色彩的色 相，冷暖。简单的练习后过渡到色彩表现水
果的技法上，教师进行示范，引导学生发现色彩的美感。 教学过程 第1课时 第2课时
《中国经典文学作品欣赏》教学大纲
《中国经典文学作品欣赏》教学大纲 课程编号：4261319 英文课程名：Chinese Classical Literature Appreciation 总学时：37学时 学分：2学分 课程类别：专业选修课 适用专业：对外汉语 先修课程：中国现当代文学、中国古代文学 一、课程性质与目的、要求 《中国经典文学作品欣赏》是对外汉语专业学生的专业选修课。该课程将系统地为学生讲解文学作品的各种体裁与文本特点，并结合中国文学史上的经典著作让学生掌握基本的赏析技巧，目的在于培养学生阅读、欣赏、理解经典文学作品的能力。通过阅读和分析经典文学作品，培养学生阅读欣赏能力，提高学生的审美情趣和文化品味，增强学生对中国文学及文化的了解。 二、教学内容及学时分配 本课程的教学内容共分四章 第一章：中国经典诗词欣赏 10课时 第一节：诗词的产生及体式特征 2课时 1、诗的产生及各类体式 2、词的兴起、特征及分类 第二节：先秦诗的顶峰——《诗经》、《楚辞》 2课时 1、《诗经》——《关雎》、《蒹葭》赏析 2、《楚辞》——《离骚》、《湘夫人》赏析 第三节：繁花似锦唐代诗——李白、杜甫、李商隐 2课时 1、李白——《将进酒》、《蜀道难》赏析 2、杜甫——《春望》、《登高》赏析 3、李商隐——《夜雨寄北》、《无题·相见时难别亦难》赏析 第四节：宋词三大家——苏轼、李清照、辛弃疾 2课时 1、苏轼——《念奴娇·赤壁怀古》、《水调歌头·明月几时有》赏析 2、李清照——《如梦令·昨夜雨疏风骤》、《醉花阴·薄雾浓云愁永昼》、《声声慢·寻寻觅觅》赏析 3、辛弃疾——《永遇乐·京口北固亭怀古》、《破阵子·醉里挑灯看剑》赏析 第五节：中国现代新诗三大家——郭沫若、徐志摩、戴望舒 2课时
欣赏叶芝的诗《当你老了》
深情的恋歌 _____评叶芝的诗《当你老了》 威廉．勃特勒．叶芝（William Butler Yeats,1865-1939），现代著名诗人和剧作家，1923年诺贝尔文学奖得主。 叶芝的这首《当你老了》是1893年为毛特．岗而作。毛特．岗是爱尔兰自治运动中的主要人物之一，曾是叶芝长期追求的对象。 这首小诗文字优美，如形云流水，构思奇妙，产生了一种震摄魂魄的艺术效果。“当你老了，头白了，睡思昏沉，／炉火旁打盹，请取下这部诗歌，／慢慢读，回想你过去眼神的柔和，／回想它们昔日浓重的阴影：”诗篇一开头，作者就设想了这样一幅图画：自己爱慕的人头发白了，在炉火边打盹。这样就把时间推向的末来某时，并以此为基点展开诗歌的想象。 小诗的结构十分独特。它不同于一般的求爱诗。诗人不是一上来就让自己的感情尽情倾泻，而是采用的一种独特的手法，从末来的角度审视当今的情感。诚然，对于一位老年人，有什么比回忆往事，特别是那些令人遗憾的往事更令人痛苦的呢？在寂寞的时光里，也许她应该庆幸，幸有一部诗歌为伴。这部诗歌也正是诗人要献给恋人的心灵。这诗将使她回忆起“过去眼神的柔和，”；回想起它们那“浓重的阴影”，叶芝只选取了“眼神”和“阴影”就让一位神采奕奕，楚楚动人的形象跃然纸上。 这“眼神”和“阴影”给人留下的美感不止是外在的，更重要的是它反映了女郎丰富深邃的内心世界。伟大的艺术家们的笔尖都是能够超脱血肉，穿透灵魂的。法国作家小仲马笔下的茶花女有一张“难以描绘其风韵的脸，嵌着两只乌黑的大眼睛，上面两道弯弯的细长的眉毛，纯净得犹如人工画就的一般，眼睛上盖着浓密的睫毛，当眼帘下垂时，给玫瑰色的脸颊投了一抹淡淡的阴影。”“纯净的眉毛”和“一抹淡淡的阴影”与其看成是对茶花女外在美的刻化，不如看成是对她内在美的称赞，因为茶花女已经出卖了这种外在美，但在她的内心中却还保留着一块净土。那象征忧愁的阴影；象征纯洁的眉毛，正是茶花女光彩照人的地方。叶芝在写到她的心上人的时候，也只描写了“眼神”和“阴影”，这种巧合不仅仅是一个偶然。叶芝看到的也是心上人的内心世界，所以他才会在一张绝美的脸上只寻出“眼睛”和“阴影”这两个着笔处。这正是叶芝的爱与别人的爱不一样的地方。 下一段可以说就是诗人的一篇爱情的宣言，它阐发了诗人的爱情观：“多少人爱你青春欢畅的时辰，／爱慕你的美丽，假意或真心，／只有一个人爱你那朝圣者的灵魂，／爱你衰老脸上的痛苦皱纹。／”爱慕青春，爱慕美丽，本是人之常情，但青春美貌必竟不能常驻人间，如果爱情以此为基础，红颜衰退时，此不就是爱情终止时吗？因此，不管那群追求者是真心还是假意，他们的爱都太浮浅了，都是诗人所不屑的。诗人也同样欣赏女郎的美丽容貌，但他更珍爱的是“她那朝圣者的灵魂”。 前面已经说过，这首诗是叶芝写给自己终生追求的女友毛特．岗的。叶芝在他的自传中追忆毛特．岗给他的第一印象时写到：“她似乎是春天之古典的化身；罗马诗人维吉尔的名句‘步履姗姗，宛若女神’就像是专为她写的。她仃立窗前，身旁盛开着一大团苹果花；她光彩夺目，仿佛自身就是洒满阳光的花瓣。”毛特．岗不仅有美丽的外表，她还热爱自己的祖国，并为争取爱尔兰的民族自治而英勇斗争。叶芝爱的正是毛特．岗崇高的精神境界，也就是诗中所说的“朝圣者的灵魂”。叶芝一直对爱尔兰的民族自治斗争抱同情的态度。他的“Easter 1916 ”就是为纪念爱尔兰为谋求独立的起义运动的。所以叶芝对毛特．岗的爱上升到灵魂的高度是很自然的事情。
塞尚及其画风的发展
《塞尚及其画风的发展》读书笔记 壹坚硬 在塞尚身上，有着强烈的格列柯的影子。不妨首先引用弗莱对格列柯的感受：“（格列柯的画面）一方面是戏剧性，……另一方面则是形式的清晰、平衡。”（《视觉与设计》，131页）戏剧性为画面呈现了一种非常有张力的样态，而形式的清晰和平衡，尤其表现在其画面构图有着精巧的设计，比如将格列柯图画的人物轮廓走向与塞尚进行比较，两者都有着金字塔或者其他直贯画面的姿态安排。“如何以一种令人惊讶的精确和权威性来安置并确定其立体感，赋予人物以某种纪念碑的气势”（42页），这是塞尚致力于的一个目标。格列柯的画风同样有此倾向。再如塞尚浓墨重彩的厚涂法，对强度的无比重视，那种蕴含的原始性与强有力的信念，这都是塞尚坚硬的表现。 终其一生，塞尚自觉或不自觉（应该是他的自觉，在他与加斯凯的对话录中，可以看到他对印象派的代表人物比如德加与雷诺阿等颇有不屑之辞，认为他们对自然的表现其实是粗糙的）完成了将印象派的虚弱、柔软转变成一种可以成为经典的坚硬。印象派有的是光与色，少的恰恰是“结构”。在弗莱看来，现代主义强调一种主动的“设计”观而非被动的表现“再现”观，着眼点就是你要主动的去“设计”出一种只为你所独有的“结构”。“我想把印象派绘画变成某种坚实和持久的东西，就像博物馆里的艺术。”（64页）“他的拙手笨脚在这里倒帮了他的忙。他极其笨拙的操纵着伟大的巴罗克大师们那些浮华与夸张的特征。”（61页）形式主义者对于印象派的态度，也许克莱夫?贝尔的《艺术》一书，把弗莱没有形成十分理性的文字以更为精准的理论语言表达出来了：“印象主义不过又是一种以科学角度再现光感的技术。……印象主义理论是一个死胡同，它唯一的合乎逻辑的发展结果将会是一个艺术机器——它可以正确的确立艺术价值，科学的决定眼睛看到了什么，并由此将艺术制作变成机械的确定之事。”（《艺术》，112页）弗莱亦有“大循环”论，与贝尔的论述虽内容不同，但对印象派的看法一致。从古希腊到拜占庭乃“所见”到“所知”的一次历程，从文艺复兴直到现代主义，又是一次“所见”到“所知”的历程。而印象主义恰恰处于“所知”之前“所见”的一个最黑暗的极致。总之，恰恰是从塞尚开始，现代主义的这种坚硬形式感开始得到最完美的表现了。这种坚硬可以看做“物质质地的一种表现力”，重点在于“表现力”：“物质质地的一种表现力，在伦勃朗之后才逐渐出现，在塞尚这里达致一种完美。”（89页）尤其是塞尚晚年的作品，那座被他返来复去得表现的圣维克多山：“对纪念碑式庄严安详的信赖，对被再现对象的强烈的持续性的关注。”（125页）可以说塞尚的一生就是探索这种唯独为现代主义所发扬光大的这种物质质地的坚硬感。正如弗莱在评价法国后印象派画家时所言：“他们不求模仿形式，而是创造形式；不模仿生活，而是发现一种生活的代码。”（《视觉与设计》，154页）模仿越往前走，就越是细节的，细节就意味着一步接着一步的牺牲整体结构，一步接着一步走向柔软，越来越细腻。所以塞尚的坚硬，是与其自身极度的自信——对自己为现实赋予“结构”的能力无比自信的结果。接下来就是他凭借自信而进行的抗争的历程。 贰抗争 我最感兴趣的就是他的抗争。先引一句话：“更聪明、更有计谋的艺术家也许会讨好公众，但是，侮辱本身从本质上说却是一种更为微妙的恭维方式。”（62页）也就是，连落选
优秀艺术作品赏析
优秀艺术作品赏析 一、古典主义和新古典主义绘画历史文化背景有何不同？ 古典主义绘画偏重理性，注意形式的完美，重视线条的清晰和严整。它的美学原则是用古代的艺术理想与规范来表现现实的道德观念，以典型的历史事件表现当代的思想主题，也就是借古喻今。古典主义绘画以此精神为内涵，提倡典雅崇高的题材，庄重单纯的形式，强调理性而轻视情感，强调素描与严谨的外表、贬低色彩与笔触的表现，追求构图的均衡与完整，努力使作品产生一种古代的静穆而严峻的美。在技巧上，古典主义绘画强调精确的素描技术和柔妙的明暗色调，并注重使形象造型呈现出雕塑般的简练和概括，追求一种宏大的构图方式和庄重的的风格、气魄。 雅克·路易·大卫（或译作雅克·路易·达维德），法国古典主义画派的奠基人，画风严谨，技法精工。大卫最初的创作基本上是学院派的，到了意大利后，他深入研究古代雕刻和意大利文艺复兴绘画珍品，沉浸在古典美的追求中。他在接受德国古典主义美学观念时，保持着独特的见解。从1778年开始，他对意大利17世纪以写实风格见长的卡拉瓦乔派产生浓厚的兴趣，并吸收他们的明暗表现法来突出主题。受其影响，大卫创作了《帕特洛克罗斯的葬礼》等作品。他的艺术充满了时代革命气息，具有鲜明的政治倾向性，并将古典主义的艺术形式和现实的时代生活相结合。 新古典主义绘画它题材新、风格新，科学的飞速进步使人们既渴望发明的创新。它力求恢复古典美术(主要指希腊美术和罗马美术)的传统,强烈追求古典式的宁静凝重和考古式的精确,受理性主义美学的支持,大量采用古代题材。 尼古拉·普桑：法国新古典主义画家。法国近代绘画的发端，一般都以普桑为第一人。他在罗马学习美术学习意大利文艺复兴大师，尤其崇拜拉斐尔。1640年回国为宫廷服务。16世纪末兴起的折衷主义学派——波伦亚学院派和自然主义者卡拉瓦乔，也使普桑倾倒。在著名装饰画家、文物收藏家波佐的影响下，他始终不渝地坚持古典主义立场，而对当时开始流行起来的巴洛克艺术风格甚为反感。 普桑的创作方法是严格遵循古典主义原则的，正如法国当代美术史家加利埃娜·弗朗卡斯泰尔所说：“他崇拜自然，但他的全部方法却是不自然的，他用不自然的方法使自然成为日常的灵感源泉。即使不直接对景写生，他在散步时却总是带着画夹，随时记下过路人的动作姿态，或者勾几笔偶尔见到的美景或废墟。可是，这些人物或风景资料，他从不直接使用，他总是对这些资料进行加工，溶化到体系中去。同时，他又到田野里拾取石子和土块，拿到画室里去面，以便能够更准确地表现它们的形状与色彩，并把一切模拟的逼真感和一切印象成分从作品中排除出去。对他来说，有两个基本的范畴：一是感觉，二是思想。” 二、印刷术、摄影术的传播发展对绘画的影响 印象派之后，画家和摄影的关系也是日益紧密。更重要的事实是，早在照片出现以前或者是在同时，照片和绘画之间就有着非常紧密的联系。曾共同从事研究的达盖尔和尼普斯可以说对于印刷术的贡献更大一些。当时盛行出版旅行记一类的书籍，市场对素描、肖像等的大规模印刷需要也日益增多，以往大量受雇的职业画家被快速普及的摄影所取代。当然，这一现象收到各界艺术家的强烈反抗。堪称美术界第一人的Auguste曾要求法国政府禁止照片这一行业，但后来却让自己的模特在达盖尔的摄影棚拍了照片，并于1856年完成了著名的作品《泉》。另一位曾称摄影为"恶魔之手"的法国诗人波德莱尔·查尔斯·皮埃尔（1821-1867）后来也请达盖尔拍摄了两张肖像，现在已经作为贵重的映像史料被收藏，这足以证明说服波德莱尔的达盖尔作为摄影师的伟大功绩。 纵观人类文明发展史，如何既保持优秀传统又和时代同步，绘画艺术看起来和科技
新闻经典作品赏析
新闻经典作品赏析 ——《在台老兵：一瓶打了五十年的酱油》 《在台老兵：一瓶打了五十年的酱油》这篇作品从一个有关原国民党军队在台老兵的故事呈现了这些老兵对大陆母亲的思念，对祖国统一的感怀。该作品以小见大让社会引起对老兵的感恩与祖国统一的热烈渴望。 该作品标题生动、具有强烈的感染力。“在台老兵”突出新闻核，包含巨大信息量；“一瓶打了五十年的酱油”新意十足，富有音韵美，诙谐之中饱含无奈与同情。全篇作品更是以“一瓶打了五十年的酱油”的故事为线索引出后续新闻采访内容。该作品的采访由来偶然性十足，记者“在高雄采访时”，当地陪同的蔡金树先生讲的一个有关原国民党军队在台老兵的故事激起了记者的兴趣，“正好原定是采访行程还早，临时决定去看看仍然在世的老兵。”于是，记者团来到高雄市左营区长青学苑老人活动中心，才产生了这篇报道。该作品全面深入了解了老兵居住环境与日常活动，在四十位老兵中更是深刻地采访了几位老兵代表，其中有浓重东北口音的陆先生、来自黄山脚下的胡老先生、原籍福建的郑松岭老人，还包括蔡金树先生的介绍。正是有这些作为当事人的老兵的话语，记者才能深入了解到这些1949年前后，来到台湾的五六十万名国民党军人如今只剩五万多名老兵的现状，更是证实了这些采访内容的可靠性、真实性。 整篇作品包含记者深深的感情，感人至深，和观众产生强烈的感情共鸣。该作品直观的评论性语句少之又少，大多直接性组织采访材料，巧妙布局。举例来说，记者把整篇文章分为三个部分，其中运用两个小标题分层表述。第一部分，开篇选用蔡金树先生讲述的一个有关原国民党军队在台老兵的故事——一瓶打了五十年的酱油，开门见山又不乏趣味性来挑明主题、引出下文；第二部分，记者来到青学苑老人活动中心，记述了老兵们的日常活动，小标题“看着聊得热闹，其实各说各话”更是道出了这四十多位老兵们的心酸经历，简略描写了几位代表性老兵的采访；第三部分，着重描写了为这五万多位老兵们修建的眷村屋落的环境，还重点描写了了郑松岭老人的现状与采访，小标题“无儿无女，垂垂老矣”悲伤四溢，生动道出这些老兵们的现状与内心的孤苦。全篇语言优美，描写性文字居多，直接引语、间接引语交换运用，给记者表达主题增强气势。文末记者的一句“故园东望路漫漫，双袖龙钟泪不干”更给全文奠定了感情基调。 该作品反映的主题具有深刻的价值与意义，用事实说话令人信服。其中所报道的事件重要性巨大，影响范围和深度广阔。并且该报道的事件还具有趣味性、接近性、显著性。例如该作品涉及祖国统一这个全国人民都关心的问题。于是这篇报道又引发社会上对老兵与祖国的新的一番思考。不仅如此，整篇报道包含人文精神，彰显人文关怀。该作品对老兵的感恩与敬佩，对大陆与台湾的思考，都耐人寻味。深刻的表达了对大陆与台湾和谐团结的美好祝愿，对祖国统一的强烈渴望，弘扬社会正气，贴近群众、贴近实际，传播正能量，传播祖国优秀文化。
幼儿文学经典作品赏析期末辅导资料
0617《幼儿经典文学作品赏析与教学》2014年6月期末考试 指导 一、考试说明 《幼儿经典文学作品赏析与教学》通过对幼儿文学作品基本理论的学习，以及对幼儿诗歌、散文、童话、生活故事、图画书等内容的学习及赏析以及对幼儿文学教育活动内容的学习，以期更好地在实践中使用幼儿文学作品对幼儿进行教育及引导。 本考试满分为100分，考试时间为90分钟，考试形式为闭卷。题型及分值如下： 1、选择题：共10题，每题1分，共10分。 2、填空及简答：共20题，每题2分，共40分。 3、简答题：共3题，共50分。 二、章节重点内容 第一章儿童文学经典作品概述 1、17世纪以前的儿童读物 17世纪以前属世界儿童文学的史前时期，没有儿童文学，只有两种不同性质的儿童读物。一种是非文学的训诫书、知识书；一种是受儿童喜爱的、浅显的民间口头创作和成人文学。如: 2～6世纪在印度成书的《五卷书》，是一种大故事套小故事结构的作品。 6～7世纪在希腊问世的《伊索寓言》，是以动物故事为题材，用形象的小故事比喻、说明生活道理,形式短小精悍。 阿拉伯民间故事集《一千零一夜》。这部被高尔基誉为人民口头创作中“最壮丽的一座纪念碑”式的名著。 12～13世纪法国出版的《列那狐传奇》，是儿童最喜爱的、最早的一部长篇动物故事诗。 2、17世纪儿童文学的诞生 14～16世纪的欧洲文艺复兴运动，有了对儿童作为具有独立人格和独特世界的认识后，专门为儿童创作的读物和文学作品，才逐渐出现。 法国古典主义作家让·德·拉封丹的《寓言诗》，由239首寓言诗组成。 3、18世纪儿童文学创作的发展 18世纪中叶，法国的卢梭出版了儿童教育自传体小说《爱弥儿》，这是世界儿童文学史上第一部把儿童作为具有独立人格的人来描写的小说。 4、19世纪儿童文学创作的繁荣 安徒生是闻名世界的童话作家，他的《卖火柴的小女孩》、《海的女儿》举世闻名，是《安徒生童话》中的代表作。 5、中国现代儿童文学 中国现代儿童文学产生于五四时期，这是十九世纪末、二十世纪初，世界进步思潮猛烈冲击古老中国的趋势。1921年前后，影响最大的是叶圣陶的童话、冰心的散文。。 冰心的《寄小读者》是她留学美国时寄往国内的文艺通讯，计29篇，1926年结集出版。 第二章赏析幼儿文学经典作品的相关理论 1、文学作品的内容 （1）题材；（2）主题；（3）情节；（4）人物和环境。
叶芝《当你老了》诗歌赏析(英文版)
The appreciation of “When You Are Old” This poem chooses from the poetry "rose" of Yeats, which is written in 1893, it is one of the representative early works of Yeats, addresses to his heart goddess, who is also the most important woman in his life. “Whe n you are old and gray and full of sleep, a nd nodding by the fire”, the poet starts with a pencil like painting a picture which interlaces the shadow with light , no vivid color, atmospheric background and lingering characters’ move, only a quiet life fabric of old age. Although at this time, Yeats was only 29, his lover was only 27 years old, but the "white head", "Sleep giddy" , "snoozing by the fire", a simple image, but let time rapidly move forth to the future of her. At that time, she lost the charming appearance, lost fresh youth; maybe the readers can't help asking: what kind of emotion is the poet for her at that time. “Take down this book, and slowly read, and dream of the soft look; your eyes had once, and of their shadows deep”, very
我喜爱印象派画家塞尚的色彩,他的作品,线是不存在的,明暗也不(精)
我喜爱印象派画家塞尚的色彩，他的作品，“线是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之间的对比。物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来”。作品大都是他自己艺术思想的体现，表现出结实的几何体感，忽略物体的质感及造型的准确性，强调厚重、沉稳的体积感，物体之间的整体关系。有时候甚至为了寻求各种关系的和谐而放弃个体的独立和真实性。塞尚认为：“画画并不意味着盲目地去复制现实，它意味着寻求各种关系的和谐。” 塞尚这种追求形式美感的艺术方法，为后来出现的现代油画流派提供了引导，所以，其晚年为许多热衷于现代艺术的画家们所推崇，并尊称他为“现代艺术之父”。毕生追求表现形式，对运用色彩、造型有新的创造，被称为“现代绘画之父”。在可以被当成二十世纪探索绘画先知的十九世纪画家中，从成就和影响来说，最有意义的乃是塞尚。他终生奋斗不息，为用颜料来表现他的艺术本质的观念而斗争。 塞尚的《坐在红扶手椅里的塞尚夫人》是为他夫人画的肖像。在这一作品中，塞尚完全不考虑西方传统肖像画所要表现的人物性格、心理状态以及社会地位等等。在表现手法上，也不是用传统的以光影表现质感的方法来描绘的。而是采用色彩造型法达到他一生追求的色彩与形体的结合。色彩与形体的表现便成了塞尚一生所追求的“造型的本质”。他的这种重在艺术形式的追求的创作倾向，对西方现代主义美术的产生和发展具有深远的影响，故被人称为“西方现代绘画之父”。 虽然塞尚曾受到当时占绘画主流地位的印象派的影响，对光线照射到不同质地表面上的效果有所光住，但他始终坚持对物体结构和实体感的关注，并于1877年放弃了印象主义。塞尚早期大多以写实的手法，真实且疑难的情景作为绘画的题材。晚年画风有所改变，留下了多幅温和，光明并富含古典注意庄严气息的风景及景物画。塞尚说过要“使印象主义成为象博物馆的艺术一样巩固的东西”，被文艺复兴所激发出的这句议论常被引用又屡遭非难。在他的作品中，所寻找的就是真实，即绘画的真实。由于他逐渐感到，他的源泉必须是自然、人和他生活在其中的那个世界的事物，而不是昔日的故事和神话。他希望，把这些源泉里出来的东西转换成绘画的新真实。塞尚的成熟见解，是以他的方式经过了长期痛苦思考、研究和实践之后才达到的。在他的后期生活中，用语言怎么也讲不清楚这种理论见解。他的成功，也许更多地是通过在画布上的发现，即通过在画上所画的大自然的片断取得的，而不是靠在博物馆里所做的研究。他的作品《埃斯泰克的海湾》的中景部分是海湾，这是一片强烈浓重的色块，各种各样的蓝色，从画布的这端延展到另一端，建立起经过细致融合的笔触。海湾的后面，是一排蜿蜒起伏的小山，山的上空是淡淡的、柔和的蓝天，里面只加了一些极淡的玫瑰红笔触，象是落日的余辉。艺术家在画的边缘切断了空间，这种切断空间的手法具有否定在深度中消退幻觉的效果。海湾的蓝色，甚至比前景的褐色和红色更强烈地表现自己，结果空间变得模棱两可又相类似。我们必须把它当做深度中的全景画来理解，同时又把它当做在画表面上搞色形排列组合来理解。尽管塞尚有过不停的斗争和犹豫不决以及不满意的时候，但在这一件作品中他要干的事无疑是取得了辉煌的成功，这是毫无疑问的。塞尚这所以能够建立一个新的绘画概念，并对二十世纪绘画的行程发生了六十多年的影响，乃是靠了印象主义者们的色彩和瞬间幻象，以及古代大师们的训练和坚实的结构，更重要的是靠了他那观察自然的强烈而敏感的知觉。塞尚是那样一心一意地献身于风景、肖像和静物各个主题，世界上的艺术家很少有人能比得上他对艺术史的贡献。为了理解这个事实，就有必要弄懂他的主题所包含的共同问题。他参予了所有主题的再创造，或景色、物体和人物的再现。在《静物苹果篮子》以及其它许多静物中，塞尚在表现上所获得的成功甚至超过了巴尔扎克的言语描述。对于塞尚来说，如同其他的前辈和后辈艺术家一样，静物的魅力显然在于，它所涉及的主题，也象风景或被画者那样是可以刻划和能够掌握的。塞尚仔细地安排了倾斜的苹果篮子和酒瓶，把另外一些苹果随便地散落在桌布形成的山峰之间，将盛有步糕点的盘子放在桌子后部，垂直地看也是桌子的一个顶点，在做完这些之后，他只是看个不停，一直看到所有
经典影像作品赏析
1.约翰汤姆逊是如何展现他的东方视角 约翰·汤姆逊（John Thomson）是第一个最广泛拍摄和传播中国的西方摄影家，是第一个对中国早期摄影术进行珍贵记录的摄影家，是第一个在拍摄中国人时孜孜追求摄影审美的艺术家和沟通大师，同时还第一个对中国人民表现出广泛友好和同情的西方摄影家。 “街头摄影家”出版了四卷本摄影集《图说中国及其人民》 作品：《老妪1868-1870》 1868-1870年汤姆逊年虽然是在大街上拍摄的这位老妪，但照片很像一个照相馆的作品。关于这位老妪和他的丈夫，汤姆逊在照片说明中写道：他们的儿子和孙子已经支撑起了这个家庭，但这位老妪仍然忙着家务。她针线活很熟练，在别人病倒时是个很好的护士。她的头发已经变细和发白了，但她每天都精心地梳理和呵护它。汤姆逊独特的拍摄视角，和老妪独特的姿势产生了巨大的视觉冲击力。 《满族新娘（1871-1872年）》 汤姆逊拍摄了大量身着盛装的满族新娘的照片，但他对这些新娘的未来生活并不乐观，甚至和奴隶制相比：富人的孩子一般比穷人的孩子结婚早，但满族少女只有到了十四才能订婚。一般来说，人们会雇用媒婆来提早安排一桩婚事，但未来的主妇必需符合四个标准：一是要和蔼，二要文静，三要勤快，四要好看。对比这个新娘的盛装，她忧郁的眼神也许正反映了摄影师的心境。
《福建厦门夫妻》1870-1871年 这是身穿传统服饰的一对厦门夫妻。根据中国习俗，当时的夫妻是不会有这样对望的姿势的，这肯定是沟通大师约翰逊的杰作。虽然，他们的表情有点勉强，目光也没有完全相对。 汤姆逊有意识地发现平凡生活之美，比如他拍摄了大量中国妇女的发式的特写照片，拍摄了大量妇女头饰的影像，从沿海的香港、厦门、福州到内地北京，从客家农妇到满清格格，这些珍贵的照片对我们研究清末女子头饰和服饰演变提供了珍贵的参考。 纵观汤姆逊拍摄的中国照片，虽然他也拍摄了达官贵人，风景名胜，但他更多是拍摄了大量普通人的生活和街头小景。在这些照片中，我们看到了很多悠闲的市民小姐，也看到了街边正在享受午餐的"苦力"，还有正沉浸在欣赏"西洋景"的孩子们。可以说，在汤姆逊镜头下，我们发现了许许多多大清帝国臣民纯朴、美好的一个侧面，这样的影像不论在早期外国摄影师还是中国照相馆的拍摄中都是很少见的。这张旗人女子梳头的照片中，端坐的小姐自然、放松，面带微笑，旁边站立的丫环面容敦厚，神情专注，而一侧的孩童天真无邪，直到今天，这张照片依然有着强烈的艺术感染力。 对中国人民的广泛友好和同情，拍摄时孜孜追求摄影审美，发现细节，勤于沟通 作品题材 在汤姆森这本影集中，有关风景古迹和社会风俗的照片占有很大比重。在题材选择上，力求全面地反映中国社会的各个方面。这也是汤姆森创作个性在作品上突出的体现。影集中既有表现中国锦绣河山、城市风光的作品，也拍摄了人民从事生产劳动和日常生活的情景，既有广州洋行买办藩仕成奢华的私人园林，也有处在社会最低层的劳苦人的生活状况。这些照片所表现的人物具有一定的代表性，如辛酉政变后的恭亲王，贵族妇女，集市上待雇的城市贫民，鸦片吸食者，瘦弱的更夫，戴木枷的囚犯，以及剃头、修脚、拉洋片等手艺人，无不成为拍摄对象。 为了更多地展现不同人的生活侧面，汤姆逊拍摄了大量不同的中国人的肖像。“翻看西方摄影师早期在中国拍摄的照片，大部分人是抱有一种猎奇的心态，因此，小脚女人、乞丐等社会的阴暗面成为摄影师拍摄的主题，拍摄的人物大都神情木讷、呆板。但当你去审视汤姆逊拍摄的中国照片时，更多的中国人的笑脸和放松下的中国人的状态。汤姆逊一直致力于 记录真实的中国和中国人
北师远程教育幼儿文学经典作品赏析
0617《幼儿文学经典作品赏析与教学》课程作业方案一：共有两次作业，提交到所在学习中心。 作业1：试述应从哪几个方面评析一篇幼儿文学作品？（写500字以上的作业）（1）题材 幼儿文学读物的题材需要广博多样，以利幼儿在体、智、德、美育各方面的发展；幼儿文学作品的题材应以他们熟悉的生活为主； 幼儿文学中知识性题材要占较大的比重。 （2）主题 幼儿文学作品的主题主要有三类：道德性主题、知识性主题、娱乐性主题（或称兴趣性主题) （3）形象 幼儿模仿性强，分辨是非能力差，这就需要在作品中塑造值得他们学习和效仿的形象和行为，合宜过多地写反面的东西。 （4）情节 幼儿喜爱故事性强的作品，在幼儿文学读物中，有情节的作品要占绝对优势。作家为幼儿设计作品的情节时，既要注意生动风趣，又要注意幼儿理解人物活动、行为的能力。幼儿受生活经验及思维水平的限制，对远离他们生活的英雄、模范人物行为动机的理解水平是很低的。幼儿文学作品情节要符合以下要求： 情节纯正。情节纯正是指在一个作品中，最佳反映一个事件，涉及到的人物要尽量少，事件逻辑关系要简单。4岁以下幼儿的读物，其情节连贯性不必太强，因为这个阶段的幼儿还难于理解事物之间的逻辑关系。 生动风趣。情节生动、风趣，是指作品中的情节应由人物的行动组成，是一个接一个的活动场面。作家在构思这些活动场面时，要尽量新奇、精巧、统统、有悬念，对幼儿有吸引力。
（5）结构 条理清楚、层次分明、有一个好的开头 （6）语言 幼儿文学读物语言的总体要求，一是可接受性，一是超前性。幼儿文学读物的语言，应注意以下要求：①用词详尽、浅薄、②充分发挥动词的作用③句子口语化；首先，幼儿文学读物中的语言，要以简单句为主。其次，其次是多用主动句，少用被动句。第三，尽量用短句。短句上口，通俗易懂。④音响调和，富有节奏感。 作业2：依据幼儿童话的相关理论，分析童话《七色花》的艺术特色（含题材、情节、童话手法、语言等）及其潜在的含义。（要求写出500字左右的书面作业） 答：是根据前苏联出名童话改写的。课文写了小女孩珍妮用奇特的七色花帮助她做事的故事，启示人们要关心帮助有困难的人。全文紧紧围绕“奇特的七色花”从“得花”到“用花”，层次分明。珍妮用七色花瓣做了7件事，按事情发展的顺序，从先到后一件一件有详有略的写，条理清晰。语言重复较多，除了第六件事略写外，其他几件事基本上都按珍妮遇到什么困难或想要什么、她怎么做、结果怎样的方法叙述，写法相似。 珍妮的七个心愿： 黄色花瓣———帮助珍妮回家 红色花瓣———把打碎的花瓶复原 蓝色花瓣———带她去北极 绿色花瓣———让她从北极返回家 橙色花瓣———来了很多玩具 紫色花瓣———叫玩具都回去 青色花瓣———帮助跛腿男孩儿恢复健康
大班美术欣赏《塞尚的苹果》教案三篇
大班美术欣赏《塞尚的苹果》教案三篇 导读：本文大班美术欣赏《塞尚的苹果》教案三篇，仅供参考，如果觉得很不错，欢迎点评和分享。 一和塞尚一起挑苹果 活动目标 1．欣赏经典艺术作品，发现作品中丰富的色彩美。 2．在仔细选苹果的情景中，乐于表现苹果光滑而丰富的颜色。 活动准备 1．塞尚名画数幅。 2．苹果数个，炫彩棒，剪刀。 3．贴有白纸花边纸的深色底板纸一张。 活动过程 一、欣赏谈论 1、猜猜苹果的颜色 师：“今天我带来了几个苹果，你们能不能猜一猜我带的苹果是什么颜色的？”幼儿甲“红色。” 师：（看一眼篮里的苹果）“对，有红色，有没有其他颜色呢？” 有的幼儿猜黄色、有的猜青色，此时有一位幼儿猜“大概苹果上有的地方是红色的也有一点点黄色或者青色。” 师：大家猜得都对，因为这些苹果上都有你们刚才说的颜色。（然后一个个地拿出来）
2、欣赏作品《一个苹果》（局部） 共同分辨并找出画面上苹果上有哪些颜色，从中了解塞尚画得很慢的道理。 师：我们从小就会画苹果，那时画苹果不是全涂成红色就是全涂成绿色或者黄色，都只 有画一个颜色，现在我们长大了，眼睛更明亮了，能不能画得和真实的苹果一样呢？有人会说行，有人会说不行，要有这样的本领可以向一位有名的画家学习，他就是塞尚，找一找，这个画上的苹果有些什么颜色。（众幼儿从画上分辨了许多颜色） 师：你们和塞尚一样，有着明亮的眼睛，塞尚有时画了一天才画成一个最新鲜的苹果，每画一笔都会仔细地看，别人早就看不出还有什么颜色，他还在静静地想，慢慢地添加，把每一个苹果都画得又新鲜又光滑。 3、欣赏作品“桌上的苹果”进一步感受塞尚的绘画风格 师：请在每幅画中数一数有几个苹果，体会塞尚要画这么多苹果不知花费了多少时间，所以大家都很佩服他，都愿向他学习。 二、共同尝试 由幼儿观察选色，教师涂色，涂画苹果的局部颜色。由幼儿寻找颜色，教师采用摩擦接色的方法操作，学着像塞尚那样认真画画。 1．用什么颜色画苹果的边——可以选红色、绿色、橙色等，选浅一点的颜色，便于接色。 2．边选色边涂色——介绍用擦色的方法接色。
毕加索及其作品赏析
有人说，“20世纪是属于毕加索的世纪”这话一点都没错，他凭借自己多变的画风和不朽的画作为这个世纪的艺术贡献了自己最大的力量。在20世纪，没有一位艺术家能像毕加索一样，画风多变而人尽皆知。 毕加索在我眼中是个单纯者，一个单纯地追求自由的艺术家，并永远忠于自由地创造艺术。正是因为追求自由，毕加索的艺术才没有规律可循，不要规定，不要偏见，什么都不要，以完全彻底的自由，任意重塑世界。艺术是毕加索的全部，自由则是毕加索的灵魂。毕加索的作品涉及多个方面，从版画、陶瓷到雕刻、绘画、素描。从超现实主义到印象派、野兽派。毕加索不仅给了我们艺术的震撼，更从他的创作中我们学到了人生的艺术。他的作品没有固定的主意，而且花样繁多，或激昂或狂躁，或可亲或可憎，或诚挚或装假，变化无常不可捉摸，但他永远忠于的是——自由。世界上从来没有一位画家像毕加索那样以惊人的坦诚之心和天真无邪的创造力，以完全彻底的自由任意重造世界，随心所欲地行使他的威力。他不要规定，不要偏见，什么都不要，又什么都想要去创造。他在艺术历程上没有规律可循，从自然主义到表现主义，从古典主义到浪漫主义，然后又回到现实主义。从具到抽象，来来去去，只有绝对自由才适合他。 毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用。他的一生分为几个时期：“蓝色时期”、“玫瑰红时期”、“黑人时期”、“立体主义时期” ，分成分解和综合两种形式“古典主义时期”、“超现实主义时期”最后是“抽象主义时期” 风格独创且缤纷多变的现代艺术魔术师毕加索，以他绚烂的彩笔，创作出一幅幅影响深远的巨作。 1、《亚维农的少女》 这幅画，可谓第一件立体主义的作品。画面左边的三个裸女形象，显然是古典型人体的生硬变形；而右边两个裸女那粗野、异常的面容及体态，则充满了原始艺术的野性特质。野兽派画家发现了非洲及大洋洲雕刻的原始魅力，并将它们介绍给毕加索。然而用原始艺术来摧毁古典审美的，是毕加索，而不是野兽派画家。在这幅画上，不仅是比例，就连人体有机的完整性和延续性，都遭到了否定。因而这幅画(正如一位评论家所述)，“恰似一地打碎了的玻璃”。在这里，毕加索破坏了许多东西，可是，在这破坏的过程中他又获得了什么呢?当我们从第一眼见到此画的震惊中恢复过来，便开始发现，那种破坏却是相当地井井有条：所有的东西，无论是形象还是背景，都被分解为带角的几何块面。我们注意到，这些碎块并不是扁平的，它们由于被衬上阴影而具有了某种三度空间的感觉，使画面具有了某种完整性与连续性。 2、《格尔尼卡》 乍看起来，这幅画在形象的组织及构图的安排上显得十分随意，我们甚