芭蕾的起源和历史发展
芭蕾舞的简介
芭蕾舞的简介芭蕾舞是一种以优美、精确的动作表达故事情节或抒发情感的舞蹈形式。
它起源于意大利文艺复兴时期，并在法国得到了发展与传承。
如今，芭蕾舞已成为世界范围内广受欢迎的艺术形式之一，在舞台上展示着其独特的美学魅力。
一、起源与发展芭蕾舞最早起源于意大利，15世纪末、16世纪初的意大利文艺复兴时期是其历史的起点。
当时，意大利的贵族们享受着宴会中的歌舞表演，其中包括了一些花样翩翩的舞蹈动作。
这些舞蹈动作逐渐演化成了芭蕾舞的雏形。
随着意大利文艺复兴时期的结束，芭蕾舞的发展重心逐渐转移到了法国。
路易十四（Louis XIV）是当时法国的国王，也是一个热衷于芭蕾舞的爱好者。
他在位期间成立了第一所专门的芭蕾舞学校，并制定了一套严格的舞蹈规范。
这些规范被大量记载下来，并且成为了后来芭蕾舞的基础。
二、特点与表演形式芭蕾舞以其优雅而细腻的身体线条，高度协调的肢体动作和独特的舞台美学而闻名于世。
芭蕾舞演员通过训练使身体柔韧，同时也培养了瞬间爆发力和控制力。
他们需要在舞蹈中展现精确的技巧和令人惊叹的表演能力。
在舞台上，芭蕾舞剧目通常以故事情节为基础，通过舞者的动作表达出故事的情感内涵。
芭蕾舞剧目通常涉及爱情、冒险、梦幻等主题，由舞台设计、服装、音乐和灯光等要素共同营造出一种独特的视觉与听觉体验。
三、训练与技巧要求为了成为一名合格的芭蕾舞演员，长期的系统训练是必不可少的。
芭蕾舞需要舞者具备出色的柔韧性、均衡的力量和精确的控制能力。
在芭蕾舞学校，舞者会进行大量的身体训练，如拉伸、肌肉锻炼和平衡练习，以此来塑造优美的舞姿和灵活的身体。
除此之外，芭蕾舞演员还需要掌握许多技巧，如脚尖工、转圈、跳跃等动作。
这些技巧不仅需要舞者具有极高的协调性和力量，同时还需要大量的练习和反复琢磨。
通过不断的训练，舞者才能够在舞台上展现出出色的演技和技巧。
四、现代芭蕾舞随着时间的推移，芭蕾舞逐渐融合了现代艺术元素，出现了许多创新的舞蹈作品。
现代芭蕾舞剧目既保留了经典芭蕾舞的优雅和技巧，又带有更多的实验性和现代性。
芭蕾舞基本知识
芭蕾舞基本知识芭蕾舞是一种优雅而高度技巧性的舞蹈形式，深受世界各地舞者和观众的喜爱。
它要求舞者具备极高的柔韧性、力量和协调性，并需要熟练掌握一系列独特的舞步和动作。
在本文中，将介绍芭蕾舞的基本知识，包括其起源、发展、基本动作和技巧。
一、芭蕾舞的起源与发展芭蕾舞起源于15世纪的意大利文艺复兴时期，并在法国得到了发展和完善。
最早的芭蕾舞作品可以追溯到1581年的《突眼戏》(Ballet comique de la Reine)。
18世纪末，法国舞剧家玛丽·塔蓮提妮(Marie Taglioni)的表演开启了现代芭蕾舞的黄金时代，并将之推向世界。
二、芭蕾舞的基本动作与技巧1. 接地动作芭蕾舞的基本动作源于自然的步伐和姿势。
接地动作是芭蕾舞中最基本的动作，包括站立、行走、跳跃和转身等。
在舞台上，舞者需要通过准确而轻盈的步伐来展示他们的舞蹈技巧。
2. 腿部动作芭蕾舞重视腿部的柔韧性和力量，其中最常见的动作包括抬腿、弯曲腿、展开腿和扩展腿等。
舞者通过精确的腿部动作展现优雅和协调的表演。
3. 转体和跳跃动作转体和跳跃动作是芭蕾舞中的关键元素，需要舞者具备出色的力量和控制能力。
这些动作包括旋转、跳跃、腾空、翻转等，展示了芭蕾舞独特的魅力和动感。
4. 身体线条与手臂动作在芭蕾舞中，身体线条和手臂动作通常与腿部动作相呼应，形成流畅而协调的舞姿。
舞者需要通过身体的曲线与手臂的姿势来展示舞蹈的优雅和美感。
三、芭蕾舞的训练与表演要成为一名合格的芭蕾舞者，需要进行长时间的严格训练和练习。
芭蕾舞训练不仅强调舞蹈技巧的培养，还注重对身体柔韧性、力量和耐力的锻炼。
舞者必须具备良好的身体控制能力和音乐感。
在表演中，芭蕾舞者要通过丰富的表情和肢体语言来传达情感和故事。
四、著名的芭蕾舞剧和舞者芭蕾舞剧是芭蕾舞表演的核心内容，其融合了舞蹈、音乐和戏剧等要素，常常以故事情节为基础。
《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》等都是世界知名的芭蕾舞剧作品。
西方芭蕾史纲
西方芭蕾史纲西方芭蕾舞是一种优雅的舞蹈形式，它源于欧洲并逐渐发展成为一门独特的艺术。
本文将为您提供一份西方芭蕾史纲，以了解其起源、发展和重要人物。
一、起源与发展1.1 法国古典芭蕾的诞生西方芭蕾舞源于16世纪法国宫廷舞蹈，最早的芭蕾舞剧作品是由意大利作曲家让·贝尔纳杜·洛利和法国作家皮耶尔·卡兰倡导的。
这种舞蹈形式融合了宫廷舞蹈、歌剧、戏剧和音乐，成为法国宫廷的重要娱乐。
1.2 浪漫主义芭蕾的崛起19世纪初期，浪漫主义芭蕾成为一种新兴的艺术形式。
浪漫主义芭蕾强调表现情感和幻想，舞蹈演员以轻盈、飘逸的舞姿来展现浪漫的故事。
此时期最著名的作品包括《吉赛尔》和《天鹅湖》。
1.3 克拉西夫芭蕾改革20世纪初，俄罗斯芭蕾舞家米哈伊尔·克拉西夫斯基对芭蕾舞进行了一系列改革。
他将西方芭蕾舞与俄罗斯民间舞蹈相融合，打破了古典芭蕾的刻板形式。
克拉西夫斯基还提倡舞蹈演员注重角色塑造，推动了芭蕾舞在俄罗斯的发展。
二、重要人物2.1 让·贝尔纳杜·洛利（Jean-Baptiste Lully）洛利是法国古典芭蕾舞的奠基人之一。
他在17世纪创作了多部芭蕾舞剧作品，其中最著名的是《太阳之王》。
洛利的音乐和舞蹈风格影响了后世的芭蕾舞发展。
2.2 皮耶尔·卡兰（Pierre Beauchamp）卡兰是法国芭蕾舞的先驱者之一，他开创了现代芭蕾舞的基本步法和舞姿。
卡兰是法国皇室舞蹈教师，他的教学方法为后世的芭蕾舞教育奠定了基础。
2.3 米哈伊尔·克拉西夫斯基（Michel Fokine）克拉西夫斯基是20世纪初期俄罗斯芭蕾的重要创作家和改革者。
他的作品《火鸟》和《费尔蒂娜》等开创了以音乐和舞蹈情感表达为中心的芭蕾舞风格。
2.4 安娜·帕夫洛娃（Anna Pavlova）帕夫洛娃是俄罗斯芭蕾舞的代表人物之一，她以优雅和技巧非凡的舞姿闻名。
帕夫洛娃在世界各地演出，为芭蕾舞在国际上的推广做出了杰出贡献。
芭蕾的起源和历史发展
芭蕾的起源和历史发展芭蕾舞作为一种典雅、优雅的舞蹈形式，源自古代希腊和意大利的舞蹈艺术，并在法国得到了深化和发展。
在过去的几个世纪里，芭蕾舞逐渐演变成为一门完善的艺术表演形式，并在世界各地产生了广泛的影响。
芭蕾舞的起源可以追溯到古代希腊时期。
希腊人崇尚身体的完美，并通过舞蹈来表达美的理念。
他们使用优雅的动作和优美的姿势来展示人类身体的力量和优雅。
希腊舞蹈为后来的芭蕾舞提供了灵感和基础。
意大利文艺复兴时期对芭蕾舞的发展也起到了重要的推动作用。
在这个时期，意大利的贵族社会开始对舞蹈表演产生浓厚的兴趣。
他们通过举办宫廷派对和舞会来展示优雅和贵族气质。
这些舞蹈形式成为了后来芭蕾舞的一部分，带给了芭蕾舞更多的舞蹈元素和技巧。
然而，真正将芭蕾舞推向世界舞台的是法国。
在17世纪的法国，路易十四下令成立了皇家舞蹈学院，以培养优秀的舞者和编舞家。
这个举措为芭蕾舞的进一步发展奠定了基础。
同时，法国宫廷也举办了各种盛大的舞蹈表演，吸引了许多观众和艺术家。
18世纪后期，法国舞蹈家让·乔治·诺维尔（Jean-Georges Noverre）进一步确立了芭蕾舞的艺术地位。
他强调舞蹈表演应该通过情感和故事来表达，而不仅仅是通过优美的动作展示身体的力量。
他的理念对后来的芭蕾舞发展产生了深远的影响，并成为了芭蕾舞的核心原则之一。
19世纪是芭蕾舞历史上的一个关键时期。
在这个时期，芭蕾舞在法国和俄罗斯得到了极大的发展和提升。
在法国，巴黎歌剧院成为了芭蕾舞的代表，一系列经典作品如《吉赛尔》（Giselle）和《天鹅湖》（Swan Lake）等在这个时期被创作出来。
而在俄罗斯，芭蕾舞获得了更为广泛的发展。
19世纪末期，“俄罗斯芭蕾之父”马里乌斯·佩特拉辛科（Marius Petipa）的加入为俄罗斯芭蕾舞注入了新鲜的血液。
他的作品《胡桃夹子》（The Nutcracker）、《睡美人》（Sleeping Beauty）和《吞天怪鱼》（Le Corsaire）等都成为了芭蕾舞史上的经典之作。
芭蕾
早期芭蕾舞者的形象完全不是我们今天心目中 的形象，穿硬头脚尖鞋翩翩起舞尚未成为女舞者 们“法定”的技艺，男女舞者们的肢体不像今天 这样线条修长且训练有素 “开、绷、直、立”的 身体规范和“轻、高、快、稳”的动作理想，以 及大量的程式化动作语言均在形成的过程中，舞 者们的动作远不像今天这样精确到位和得心应手， 技术的难度也无法与今天的技巧相提并论，芭蕾 的演出绝不像今天这样精美异常和结构严谨。
第三章Biblioteka 芭蕾芭蕾概述芭蕾这种欧洲古典学院派的剧场舞蹈体系，起 源于15世纪文艺复兴时期的意大利成型并兴盛于 16—19世纪上半叶国力强盛的法兰西，鼎盛于19 世纪下半叶文化昌明的俄罗斯和丹麦，并于20世 纪初从俄罗斯走向世界各地，陆续形成了意大利、 法兰西、俄罗斯、丹麦、美国、英国共六大流派。 500年的芭蕾史可分为早期芭蕾、浪漫芭蕾、古 典芭蕾、现代芭蕾和当代芭蕾共五大时期。
玛丽· 塔里奥尼
玛丽· 塔里奥尼1804年生于瑞典首都斯德哥尔摩的一个 芭蕾世家，1884年卒于法国马赛。她早年随父学舞，在领 悟到芭蕾超凡脱俗之美后，每日超负荷训练直到不能动弹 因而18岁首次登台便身手不凡。1832年，她在巴黎歌剧院 金碧辉煌的大舞台上，成功地主演了父亲为其度身创作的 浪漫芭蕾舞剧的处女作《仙女》，开创了一个“白裙芭蕾” 的崭新时代，并使轻盈的脚尖舞步和飘逸的过膝长裙成为 后世芭蕾女演员必须尊崇的舞蹈形象，更使得“三长一小” 这种肢体特征，成为后世芭蕾女演员的审美标准。
第一节 早期芭蕾（约1500---1832)
芭蕾发展史上的第一个时期。芭蕾从意大利宫廷传播到 法国宫廷，从业余性的自娱活动发展到专业性的表演艺术， 整整经历了300多年漫长的孕育和成熟期，其中最重要的 转折点当数法国宫廷贵族舞者1672年随着法王路易十四正 式告别舞台，而全部由专业演员所取代，芭蕾从此告别了 自娱艺术的阶段，开始向着高、精、尖的技术高度和美学 理想飞跃。 1700年，经过皇家舞蹈学院芭蕾大师们系统的整理与科 学的提炼之后，舞者手脚的五个位置、一批基本的舞姿和 动作，以及完整的审美原则，作为规范化的舞蹈语言得到 公布，至今依然在广泛使用。
芭蕾舞的介绍
芭蕾舞的介绍芭蕾舞是一种优美而高雅的舞蹈形式，在世界范围内享有广泛的声誉。
它将舞者的力量、柔韧性和优雅完美地结合在一起，通过精细的动作和流畅的技巧，将故事和情感传达给观众。
本文将介绍芭蕾舞的起源、特点、技巧以及对个人和社会的重要性。
一、起源和发展芭蕾舞起源于15世纪的意大利，最初被称为宫廷舞蹈。
随着时间的推移，这种舞蹈形式传播到法国，并在法国宫廷中得到了大规模的推广和发展。
18世纪末至19世纪初，芭蕾舞开始演变成为一门独特而专业的艺术形式，通过典型的编舞和精确的动作表达故事和情感。
著名的芭蕾舞剧《天鹅湖》和《睡美人》于此时期创作并成为经典作品。
二、特点和表演形式芭蕾舞以优美的身姿、精确的动作和高度技巧为特点。
舞者在柔软而结实的鞋子上完成各种复杂的动作，包括脚尖立定、旋转、跳跃和姿势的连贯变化。
舞者的身体控制力和肌肉力量经过反复的训练和练习逐渐提高，从而能够完成复杂而协调的舞蹈动作。
芭蕾舞通常以芭蕾舞剧的形式呈现。
这些芭蕾舞剧通常由音乐、舞蹈和戏剧元素相结合，通过编舞来诠释故事情节和情感表达。
舞者们穿着华丽的舞蹈服装，以各种灵活多样的动作来传达角色的情感和故事的展开。
芭蕾舞的演出还需要精确的舞台布景和灯光效果来增强氛围和视觉效果。
三、技巧和训练芭蕾舞要求舞者具备良好的体力、柔韧性和优雅的身姿。
为了达到这些要求，芭蕾舞者必须接受长期严格的训练和专业的指导。
训练包括舞蹈基本功的培养，如站姿、转身、跳跃和手臂的独特动作。
此外，舞者还需要进行体能锻炼，包括力量训练、柔软性锻炼和身体控制的提高。
芭蕾舞者通常开始他们的训练旅程时很年轻，因为他们需要花费大量时间和精力来掌握这门艺术。
他们每天练习几个小时，不断提高技巧并发展个人风格。
芭蕾舞的训练过程是一项长期的投入，需要持久的毅力和专注力。
四、个人和社会价值芭蕾舞不仅是一种艺术形式，也是一种体育运动。
通过芭蕾舞的训练，舞者培养了坚强的意志力、纪律性和时间管理能力。
芭蕾舞发展史
芭蕾舞发展史芭蕾舞作为一种高雅的舞蹈艺术形式，源远流长，经历了漫长的发展史。
在以下文章中，将详细介绍芭蕾舞的起源、发展和演变。
一、起源于宫廷舞蹈芭蕾舞的历史可以追溯到15世纪的意大利文艺复兴时期。
当时，宫廷舞蹈盛行，世袭的贵族阶级和贵族受过系统的训练，芭蕾舞便是这一时期产物之一。
这些舞蹈多是在宫廷举行的宴会或礼仪活动中演出，舞者们身穿华丽的服装，表演优雅而精致的舞步。
二、起源地的扩散与演变芭蕾舞的起源地是意大利，但随着时间的推移，它逐渐传播到欧洲其他地区。
法国成为芭蕾舞的新中心，法国君主路易十四对芭蕾舞的热爱和支持使其得以迅速发展。
他命令专业编舞家进行创作，并成立了第一家正式的芭蕾舞学校，为后来的芭蕾舞演员提供培训。
经过改革与创新，芭蕾舞逐渐发展成一种以表演为主的舞蹈形式。
三、芭蕾舞的技艺与风格芭蕾舞是一门极为复杂的艺术形式，需要舞者通过长期的训练和反复练习来掌握。
舞者需要具备优雅的身姿、灵敏的肢体协调能力和强大的体力，才能完成各种高难度的舞步和动作。
在舞蹈中，舞者需要通过脚尖的支撑、旋转和跳跃等技巧来展现自己的优美和力量。
随着时间的推移，芭蕾舞的风格也发生了变化。
最初的芭蕾舞侧重于宫廷服饰和舞步的美感，而后来的芭蕾舞则更加注重情感的表达和故事的叙述。
例如，在19世纪，浪漫主义的芭蕾舞作品开始在舞台上演出，这些作品通常以爱情为主题，通过细腻而缠绵的舞步将观众带入梦幻般的世界。
四、经典芭蕾舞作品艺术上，芭蕾舞有很多经典的作品，它们代表了芭蕾舞的巅峰。
著名的经典芭蕾舞作品包括《天鹅湖》、《胡桃夹子》、《睡美人》等。
这些作品既展现了芭蕾舞的技巧性，又深刻地诠释了情感和故事的内涵。
它们的演出不仅需要舞者具备高超的技巧，也需要他们能够在表演中完美地传达角色的情感。
五、芭蕾舞的现代发展芭蕾舞在现代得到了极大的发展和普及。
许多国家都有自己的芭蕾舞团和学校，培养了一代又一代杰出的芭蕾舞者。
如今，芭蕾舞已经成为了一种国际性的艺术形式，吸引了全世界的观众。
芭蕾的起源和历史芭蕾艺术孕育在意大利
芭蕾的起源和历史芭蕾艺术孕育在意大利芭蕾是一种优雅而精致的舞蹈艺术形式。
它具有悠久的历史，而其起源和发展与意大利有着密切的关系。
芭蕾的历史可以追溯到16世纪的意大利。
在文艺复兴时期，意大利是欧洲艺术的中心。
当时，贵族和皇室们倾心于威尼斯和佛罗伦萨等城市的歌剧和舞台表演。
这些表演是由运动员、舞者和音乐家们共同创造的，其中包括当时的舞蹈形式。
随着时间的推移，这些舞蹈形式逐渐融合成一种更为复杂和优雅的艺术形式，即芭蕾。
芭蕾的发展离不开意大利一些重要的贡献者和创新者。
第一个重要的贡献者是凯特丽娜·德·美第奇（Caterina de’ Medici），她是16世纪意大利公主，也是法国国王亨利二世的妻子。
凯特丽娜对音乐和舞蹈非常热衷，并在法国推广了意大利的舞蹈形式。
她还成立了一支由意大利舞者组成的舞蹈团队，这对芭蕾的发展起到了重要的推动作用。
第二个重要的贡献者是让-巴蒂斯特·卢利（Jean-Baptiste Lully），他是17世纪法国宫廷的首席音乐总监。
卢利将音乐和舞蹈结合起来，创作了一系列以芭蕾为基础的歌剧作品。
他所创作的芭蕾舞蹈以优雅、协调和技巧高超而闻名，对芭蕾艺术的发展带来了重要的影响。
在18世纪，意大利舞蹈家奥古斯丁·乌斯塔利（August Bournonville）成为芭蕾艺术的重要推动者。
他在丹麦创建了世界著名的皇家丹麦芭蕾舞团，并将自己的舞蹈技巧和艺术理念传授给了后来的一代芭蕾舞者。
乌斯塔利的贡献使芭蕾得以在欧洲范围内得到推广和发展。
19世纪，芭蕾艺术经历了另一次重大的革新。
法国舞蹈家玛丽·塔莱昂斯（Marie Taglioni）以其轻盈的舞蹈风格和技巧成为当时的芭蕾舞坛的巨星。
她能够在舞台上展现出令人难以置信的形体控制和优雅的舞姿。
塔莱昂斯通过她的舞蹈风格和技巧，推动了芭蕾艺术在欧洲的发展。
此外，俄国也对芭蕾的发展做出了重要贡献。
在19世纪末和20世纪初，俄罗斯芭蕾舞团的兴起为芭蕾的发展带来了重要的推动力。
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芭蕾的起源和历史芭蕾艺术孕育在意大利，诞生在十七世纪后期路易十四的法国宫廷，十八世纪在法国日臻完美，到十九世纪末期，在俄罗斯进入最繁荣的时期。
芭蕾在近四百年的长期历史发展过程中，对世界各国影响很大,流传极广，至今已成为世界各国都努力发展的一种艺术形式了。
芭蕾的历史，最早的起始可追溯自欧洲文洲文艺复兴鼎盛时期的意大利宫廷，及法国南部的贝根弟地方的宫廷里。
每当结婚喜庆，接见外国元首，或其他大庆典，即表演这种舞蹈以示祝或助兴。
芭蕾发展史上第一部比较完整的芭蕾舞剧——《皇后喜剧芭蕾》上演于1581年，当洛蕾娜（Lorraine）的玛格丽特小姐和凡尔赛（Versaills）的姚幼斯公爵结婚之时，这场芭蕾舞的音乐乐谱迄今仍保存，可算是最古老的芭蕾音乐。
芭蕾至路易十四皇朝（1643—1715）时代而臻极盛，路易十四本人是一位卓绝的舞蹈家，且喜爱芭蕾表演。
1661年，路易十四创立了历史上第一所舞蹈学校——法国皇家舞蹈学院，专门教授舞艺。
这所学校现在属于巴黎歌剧院。
而沿用至今的手脚的五个位置和一些优美的芭蕾舞姿则是1700年在这里得到固定的。
在皇家舞艺大师博尚(Beauchamp)和音乐家贝弗(Cambefort)及吕利(Lully)的大力提倡下，法国芭蕾舞在文化和音乐上的重要性大增。
于是芭蕾变成了许多新的宫廷舞的来源;诸如:加沃特舞曲(Gavotte)、巴斯皮耶舞曲(Passepied)、布雷舞曲(Boree)、里戈东舞曲（Rigaudon）等。
在这些舞曲之中，最重要的要算小步舞曲（Minuet），吕利于1653年，开始参加法国宫廷的芭蕾活动，而达到高潮。
他当时正和莫利哀（Moliere）合力制作戏剧和芭蕾混成的所谓芭蕾喜剧（Comedie Ballet）。
1760年发表的《小绅士》(Le Bourgeois Gentilhomme)，可算是这类舞剧最著名的代表作。
吕利又把芭蕾使用于他所作的歌剧中，他的两位后继者康普拉(Campra)和拉莫(Rameau)也如法炮制。
尤其是拉莫的作品，因夹杂有墨西哥、健康和中国等的外国情调而更富风趣。
这当然和他的个性和背景有关。
英国方面又创造一种特殊的芭蕾，名之曰“假面舞”（Masque）。
到了17世纪后半期，维也纳已成为芭蕾演出的中心。
然而当时欧洲芭蕾舞正处在“传统”和“革新”的争论，“严格”和“抒情”间的争论，“纯粹舞艺”和“标题舞艺”的争论，以及“芭蕾”和“近代舞”间的争论中。
这些观念在20世纪的今天，多多少少还有它的余波，时而争论不休。
从1789年开始，出现了《关不住的女儿》等一批早期（又称前浪漫时期）芭蕾舞剧的代表作。
而到了19世纪，先后在巴黎出现了“浪漫芭蕾”这个芭蕾史上的黄金时代，推出了以《仙女》（1832）、《吉赛尔》（1841）和《葛蓓莉娅》（1870）为代表的传世之作，然后在俄国进入“古典芭蕾”这个整部芭蕾史上的鼎盛时期，留下了以《睡美人》（1890）、《胡桃夹子》（1892）和《天鹅湖》（1895）这“三大舞剧”为首的一大批经典剧目，从而促使人们形成了“舞剧乃舞蹈的最高形式”的观念。
这种观念直到20世纪先后诞生出“现代芭蕾”和“当代芭蕾”之后，尤其是舞蹈开始走出“非舞蹈”的误区，竭力回归动作本体，以美籍俄国芭蕾大师乔治?巴兰钦（1904—1983）为首的“纯芭蕾”（即非舞剧式的芭蕾作品，又称“新古典芭蕾”）开始占领主导地位以来，才结束了戏剧芭蕾一统天下的局面。
世所公认的一流古典芭蕾舞团有七个：前苏联的基洛夫芭蕾舞团和莫斯科大剧院芭蕾舞团，美国的纽约市芭蕾舞团和美国芭蕾舞剧院，英国的皇家芭蕾舞团，法国巴黎歌剧院芭蕾舞团和丹麦皇家芭蕾舞团。
当代芭蕾呈现出空前的普及和繁荣，代表性人物和团体为捷克人伊日·基里安（1947—）和他的荷兰舞蹈剧院以及美国人威廉?福赛特（1949—）和他的德国法兰克福芭蕾舞团。
芭蕾分类1、音乐芭蕾以展现舞者技巧为主要目的，例如圣桑的"垂死的天鹅"。
2、剧情芭蕾顾名思义为有剧情的芭蕾舞蹈。
3、浪漫派又俗称"白色芭蕾"，女舞者以身着白色钟罩型纱裙著称。
例如亚当的"吉赛尔"。
4、古典派女舞者穿著华丽的短裙，和男舞者以古典舞蹈特有的形式舞出，例如柴可夫斯基之"天鹅湖"。
5、现代派例如史塔温斯基之"火鸟"。
6、歌剧芭蕾在歌剧当中穿插的芭蕾舞，例如歌剧"威廉泰尔"当中的芭蕾。
舞鞋女性芭蕾舞演员的舞鞋鞋尖加硬，使他们能用脚尖跳舞而不会伤害到脚。
肢体语言所有芭蕾舞开始和结束的动作都用这五种姿势中的一个。
这些姿势是在18世纪创造的，是为了达到平衡并使脚显得优美。
传统的古典芭蕾技术建筑在外开、伸展、绷直的审美基础之上的。
它包括：脚的5种基本位置、3种基本舞姿：如"阿拉贝斯"（arabesque）、"阿提秋"（attitude）和"伊卡特"（ecarte）；腿部技巧：各种"巴特芒"（battements）－－包括腿的伸展、打开以及rond de jambo（腿的划圆圈）等；各种幅度和舞姿的跳跃；各种旋转；击腿技巧；各种舞步和连接动作；女子的脚尖舞技巧；双人舞的扶持和托举等技巧；以及"泼德布拉"（port de bras）等。
古典芭蕾的这些基本动作（元素），就像字母一样，编导运用这些"字母"写出不同角色的个性、身份、情绪以及角色在剧情发展中的地位和作用，把这些元素按特定的结构手法加以编排、组合、组成形象化的舞蹈语汇来表达剧情，创造出各种富有艺术魅力的舞蹈形象。
脚部的五个基本位置：第一位 : 两脚跟紧靠在一直线上,脚尖向外180度第二位 : 两脚跟相距一足的长度,脚部向外扭开,两足在一直线上第三位 : 两脚跟前后重叠放置,足尖向外张开第四位 : 两脚前后保持一足的距离,两足趾踵相对成两直线,腿向外转第五位 : 两脚前后重叠,两足趾踵互触,腿向外转手部基本位置：1.瓦卡诺娃派(俄国派)第一位 : 双手在正面的腹前成自然圆第二位 : 双手在旁侧伸,在视线范围内,手心向内第三位 : 双手上举在头上方的视线内2.却革底派(意大利派)第一位 : 双手垂下成自然圆,手指轻触在大腿旁的位置第二位 : 双手在旁侧伸第三位 : 一手在身体前手心向内,另一手在旁侧伸第四位 : 一手在身体前和横隔膜保持相同的高度,然后同时上举在头的上方.古典式芭蕾舞衣裙子的长度，不超过膝盖，是短式的，不过袖子有无袖的，长袖的，灯笼袖等1、纯白色古典芭蕾舞衣例如"天鹅湖"中的白天鹅2、全黑或鲜红前者例如"天鹅湖"中的黑天鹅3、灯笼袖配背心例如"柯贝莉亚"第二幕中史瓦妮达所扮演的娃娃—柯贝莉亚4、长袖配背心，以亮珠刺绣装饰之5、上下色彩不同的芭蕾舞衣浪漫派芭蕾舞衣它的裙子几乎到脚踝附近，成吊钟型，有无袖的，灯笼袖的颜色有白色的，淡色的，淡紫色等。
1、灯笼袖的浪漫派芭蕾舞衣例如"四人舞""玫瑰花精"。
2、扮妖精时，在手臂上或肩上加薄纱的衣饰例如"吉赛尔"第二幕，"仙女"舞剧3、村姑式舞衣背心加灯笼袖，腹部上面配上可爱的图案，例如"吉赛尔"第一幕，"柯贝莉亚"第一幕，"风流女儿"舞剧。
角色古典芭蕾舞剧有其特定的结构和形式，经由艺术总监、编舞、舞者、灯光音响、服装、布景……专业的剧场工作人员密切配合，才能完整的呈现在观众面前。
如果我们对芭蕾舞舞台上的型式能有基本的认识，观赏芭蕾演出时必能获得极大的乐趣和共鸣。
芭蕾舞剧演出主要由下列三种角色组成：1、主角：主角是故事核心人物，舞者需有一定水准以上的技巧和体力，最重要是要有高超舞蹈素养及品格，才能诠释剧中的人物。
古典芭蕾双人舞是整个舞剧重心，大都由男女主角担任，古典芭蕾舞剧双人舞结构次序是男女主角双人的慢板，然后是男主角独舞，女主角独舞，最后才是终曲 (coda)双人快板，主角艺术素养和技巧水准将于双人舞中呈现。
2、独舞者：具有主角技巧，而能单独或三、四人演出者。
3、群舞者：群舞者虽然舞步较简单，但复杂的画面变化，整场气氛烘拖更是扮演举足轻重的地位，每一位群舞者均非常重要，只要有一人乱了脚步，整体的画面将被影响。
舞蹈术语一、舞蹈形象：以舞蹈艺术为手段塑造的人物形象动态形象，技人体的姿态、造型，步法等动作借助音乐、舞台美术、化妆、服饰等艺术因素产生的具有欣赏价值的视觉效果。
具有可视性、流动性的审美性的特点，是舞蹈欣赏过程中被感知、认识的主要对象和体现舞蹈艺术审美价值的主体。
二、舞蹈表情：根据现实生活中人的心理活动和流露表情的习惯特点，经过提炼和艺术加工，用不同的舞蹈形式加以概括并表现出的喜怒哀乐等内心情感变化。
除了和动作相协调的面部表情外，有节奏的动作、姿态、手势和造型，亦可产生富有艺术感染了的舞蹈表情。
三、舞蹈动作：舞蹈艺术的基本表现手段。
源于对人类情感动作和自然界各种动态事物的模仿。
主要包括：1、单一动作，即以人体某一部位为主动，其他部位静止或随动的动作；2、复合动作，指人体各部位在同一时间按照一定的顺序、规格作出的动作；3、动作组合。
一般指以训练舞蹈技巧为主要目的，有两个以上单一动作或复合动作按一定顺序、方向、速度和幅度上的结合和变化组成的连续性动作滑步、屈伸、踢腿、跳跃、旋转等等。
四、民间舞（folk dance）：泛指产生并流传于民间、受民俗文化制约，即兴表演但风格相对稳定、以自娱为主要功能的舞蹈形式。
不同地区、国家、民族的民间舞蹈，由于受生存环境、风俗习惯、生活方式、民族性格、文化传统、宗教信仰等因素影响，以及受表演者的年龄、性别等生理条件所限，在表演技巧和风格上有着十分明显的差异。
民间舞不乏朴实无华、形式多样、内容丰富、形象生动等特点，历来都是各国古典舞、宫廷舞和专业舞蹈创业不可或缺的素材来源。
五、社交舞（social dance）：亦称舞会舞（ballroom dance）泛指欧洲文艺复兴以来流行于宫廷舞会和近代流行于各种社交场所的舞蹈。
名称和所用舞曲，以及基本舞步、队形、风格和舞蹈表演顺序多为因循意大利、英国、法国、德国、西班牙等国民间舞蹈的特点。
布朗特、小步舞、加沃特、波洛奈兹、连德勒、波尔卡、马祖卡、加洛普、华尔兹曾先后风靡过欧洲各国宫廷。
法国大革命以后，宫廷舞会的形式已远远不能满足社会各阶层交往的需要，大众化的公共舞厅在欧洲大陆应运而生，并逐渐取代宫廷舞会成为社交活动中的主要场所。