曲式分析总结
曲式分析期末总结论文
曲式分析期末总结论文在本学期的课程中，我学习了曲式分析的基本概念和方法，通过对多首音乐作品的曲式进行分析，我对曲式的结构和发展有了更深入的理解。
以下是我在学期末对曲式分析的总结。
首先，曲式是指音乐作品的结构和组织形式。
它是音乐中一个重要的组成部分，能够帮助我们理解作品的内部逻辑和情感表达。
曲式通常由多个部分组成，这些部分以特定的方式连接在一起，形成一个完整的音乐作品。
曲式可以是简单的，如二段曲式，也可以是复杂的，如奏鸣曲式或大调幻想曲。
其次，曲式分析的基本方法包括识别和描述曲式的各个部分，分析这些部分之间的关系以及它们的发展和演变。
在识别曲式的各个部分时，我们要注意曲式的主题、副主题、过渡段等元素，它们在曲式中起着不同的作用。
在分析各个部分之间的关系时，我们要注意它们的音乐材料、旋律、和声、节奏等方面的差异和相似之处。
在分析曲式的发展和演变时，我们要注意曲式的重复、变奏、发展等技巧，它们能够给作品带来丰富的变化和动态。
在课堂上，我们学习了许多不同类型的曲式，包括三段曲式、变奏曲式、奏鸣曲式、圆舞曲式、独奏曲式等。
通过对不同曲式的分析和比较，我们发现每种曲式都有其特点和表达方式。
例如，三段曲式通常由引子、主题和再现部分组成，其中主题部分是最重要的部分，它通常有较为复杂和发展的音乐材料。
而变奏曲式则是以一个基本主题为基础，通过对主题的变化和发展来构建整个作品。
奏鸣曲式则通常由快速的奏鸣乐章、慢板和舞曲乐章组成，它们之间有着紧密的结构和关系。
在实践中，我选择了一首我熟悉的音乐作品进行曲式分析，这是一首名为《命运交响曲》的作品。
通过对这首作品的分析，我发现它采用了典型的奏鸣曲式，包括了快速的奏鸣乐章、慢板和舞曲乐章。
在奏鸣乐章中，主题由交响乐团整体呈现，而在慢板和舞曲乐章中，主题由不同的乐器独奏或小组独奏。
总的来说，曲式分析是一门重要的音乐学科，它能够帮助我们更好地理解音乐作品的结构和发展。
通过曲式分析，我们能够发现音乐作品中隐藏的内部规律和情感表达。
初中音乐常见曲式总结
初中音乐常见曲式总结音乐是一门既有创造性又富有审美感的艺术形式。
在音乐创作中，曲式是一种常见的音乐结构，它可以帮助作曲家有条不紊地构建曲目，让听众更好地理解和欣赏音乐作品。
在初中音乐学习中，我们需要了解一些常见的曲式，这将帮助我们更好地理解和欣赏不同类型的音乐作品。
一、AB曲式：AB曲式是最简单也是最常见的曲式之一。
它由两个部分组成：A部和B部。
A部通常是主题或主要旋律的片段，而B部则是与A部形成对比的片段。
AB曲式结构简单明了，容易被听众所接受。
例如，著名的民歌《茉莉花》就是一个典型的AB曲式。
其中，A部描述了优美的茉莉花，B部则讲述了爱情的故事。
AB曲式经常应用于流行音乐、民歌等曲目中，给人以熟悉和舒适的感觉。
二、AABA曲式：AABA曲式是一种常见的四部曲式。
它由四个部分组成：两个主题部分（A1和A2）和一个桥段（B）以及回到主题的部分（A3）。
A1部分通常是主要旋律的表达，A2部分是对A1的延伸或变奏，B部分则是与A1和A2形成对比的片段，最后A3部分再次回到主题。
这种曲式结构丰满，具有良好的发展和变化。
著名的歌曲《Yesterday》就采用了AABA曲式，它以A1部分描绘了一个美好的过去，随后B部将情绪转变，最后A3部再次呼应起初的主题。
三、三段曲式：三段曲式由三个部分组成：A、B和A。
三段曲式与AB曲式非常相似，但多了一个反复出现的A部分。
这种曲式常见于古典音乐中，如贝多芬的《命运交响曲》。
在这个曲子中，A部分是旋律和和声的主题，B部分则是对A部分的变奏，通过引入新的旋律和和声来创造变化，最后再次回到A部分。
四、变奏曲式：变奏曲式是一种以某个主题为基础，通过对旋律、和声、节奏等要素进行变化和发展的曲式。
在变奏曲中，创作者会通过增加和移动音符、更改和弦进行、改变速度等方式来改变原有的主题。
贝多芬的《命运交响曲》第三乐章就是一个著名的变奏曲式作品。
在这个作品中，贝多芬以简单的主题为基础，通过不同的变奏方式展示了旋律和和声的多样性。
曲式分析总结5
三部曲式摘要：1、概述：意义特点；呈示部；中部；再现部；2、对比性三部式；3、插部性三部式第一节概述一、意义与特点1、定义：以三个功能不同的乐部为基础，按照三部性原则构成的曲式。
2、来源：⑴三部曲式和巴洛克时期古代组曲中的“双阙舞曲”现象有关；巴罗克时期[1]的古代舞曲包含四首基本舞曲：阿列曼德舞曲（Allemande）中速库朗舞曲（Courante）快速萨拉班德舞曲（Sarabande）慢速吉格舞曲（Gigue）急速四首舞曲缺一不可，速度各不相同。
乐章内部速度不变，整体上呈现快的愈快，慢的越慢。
常在第三首与第四首之间插入一些舞曲。
关于插入：a、不能重复基本舞曲；b、插入的基本上都是舞曲（偶尔是咏叹调）；c、通常采用同名舞曲，以成双配对的方式插入，且一大一小，一难一易；d、当时演出习惯是：演奏完插入的双阙舞曲后，把第一手重复一次后，再进入吉格舞曲。
⑵三部性原则和巴罗克时期歌剧咏叹调中“Da Capo”的演出方式有关；⑶三段式的单位升级；二、关于呈示部1、呈示部的结构不能小于二段曲式，大则可无限，常常是二段式或三段式；2、呈示部内部的不稳定性要作必要的“远距离” 保留；3、在典型情况下，呈示部最后的终止需要完全而完满；4、在一些含有交响性思维的三部曲式中，呈示部可能采用二段式、三段式的变体，或者使用奏鸣曲式、变奏曲式等更复杂的曲式。
三、关于中间部1、对比性中部：⑴具有呈示性，曲式结构较完整、主题相对稳定、结构比较方整，可以反复，所以独立性程度较高。
⑵在主题、速度、织体以及题材等方面，与第一部分形成鲜明对比。
⑶调性变化不是必须，常常调式变换来实现色彩对比。
所以中部除了“Trio”的标识外，还常用“Maggiore（大调的）”、“Minore（小调的）”中部标识。
⑷古老的三声中部写法通常采用收拢性结构。
2、插部（Episodie）Epi/Ep：特点在于，中部插入一个新的主题，而后进行展开性加工处理[2]。
曲式期末总结
曲式期末总结什么是曲式？在音乐创作中，曲式（musical form）指的是一首音乐作品的结构或形式。
它是组织音乐素材和创作思想的框架，通过对不同音乐部分的安排和组合，使整个作品具有逻辑性和连贯性。
曲式起源于古典音乐时期，但它的原理和应用在当今的流行音乐中同样重要。
理解曲式对于作曲、编曲和音乐分析都是至关重要的。
常见的曲式类型1. 二段形式（AABB）二段形式（binary form）是最简单也是最常见的曲式类型之一。
它由两个部分组成：A段和B段。
A段通常作为曲子的主题，有时也可以称为“主部”。
B段则构成了对A段的回应和对比。
整个曲式结构可以用AABB来表示，即A段重复两次，然后B段重复两次。
二段形式通常用于简短的音乐作品，如舞曲、歌曲的副歌部分等。
2. 三段形式（ABA）三段形式（ternary form）是另一种常见的曲式类型。
它也由三个部分组成：A 段、B段和A段的重复。
A段是曲子的主题，B段则是对A段的对比和变化。
整个曲式结构可以用ABA 来表示，即A段重复两次，然后B段出现一次。
这种结构常见于古典音乐作品的乐章中。
3. 简化三段形式（ABABA）简化三段形式（simple ternary form）是一种对三段形式的变种。
它由两个主题组成：A和B。
曲式结构可以用ABABA来表示，即A段和B段交替出现，最后回到A段。
这种曲式常见于流行音乐、摇滚乐和爵士乐等现代音乐作品中。
4. 变奏曲式（Theme and Variations）变奏曲式（theme and variations）是一种将一个主题反复展开和变化的曲式。
这种曲式可以迭代数次，每次变奏都会对主题进行改变和发展。
在变奏曲式中，主题通常会在第一次出现时被清晰地展示出来，然后在后续的变奏中通过音乐技巧和创造力进行改变。
5. 环状形式（Rondo）环状形式（rondo）是一种由一个主题和多个交替出现的乐章组成的曲式。
形式结构可以用ABACA、ABACABA等来表示。
曲式分析赏析报告
曲式分析赏析报告一、引言曲式分析是对音乐作品中使用的形式结构进行解析和赏析的一种方法。
通过分析曲式，我们可以更好地理解音乐作品的组织和演绎方式，进而深入探究音乐的内涵和表达意义。
本报告旨在对曲式分析进行深入探讨，并通过赏析具体乐曲来展示其应用价值。
二、曲式分析的基本概念曲式分析是对音乐作品中乐章、乐段或乐句等结构组织形式进行研究和描述的学科，其目的在于通过揭示音乐作品的整体结构，帮助我们更好地理解作品中的音乐表达和情感传达。
常见的曲式形式包括AB、ABA、ABAC、Sonata、Rondo等。
其中，AB是最简单的曲式形式，表示两个部分的对比与再现。
ABA是一种三部曲式形式，表示两个相似的部分前后夹着一个对比鲜明的部分。
ABAC是一种四部曲式形式，表示两个相似的部分前后夹着两个不同的部分。
Sonata是一种广义的曲式形式，通常包括了多个乐章，并有着复杂的结构和发展。
Rondo是一种循环主题的曲式形式，通常由一个主要主题和多个插曲组成。
三、曲式分析的具体方法1. 首识曲式在进行曲式分析时，我们首先需要通过仔细聆听乐曲的整体结构，来分辨出曲式的形式。
通常可以通过观察乐曲的重复段落、变化段落、转换段落等来确认曲式的组成。
2. 分析乐章结构在确认曲式形式后，我们可以进一步分析乐章结构。
乐章结构是指乐曲中各个段落的组织形式以及它们之间的关系。
常见的乐章结构包括前奏、主题、发展、再现和尾声等。
3. 确定调性和主题在进行曲式分析时，调性和主题是非常重要的要素。
通过分析调性，可以帮助我们了解作曲家在乐曲中使用了哪些音阶和和弦来表达情感和意义。
而分析主题则可以帮助我们了解乐曲的核心表达内容。
4. 解析乐曲发展和变化在曲式分析的过程中，我们还需要关注乐曲中的发展和变化。
通过分析乐曲中的变化手法、过渡段落、对比和转换等，可以更全面地理解作曲家的创意和技巧。
四、曲式分析赏析案例：贝多芬《命运交响曲》1. 曲式形式《命运交响曲》是贝多芬创作的一部重要交响曲，也是他最为著名的作品之一。
高中音乐曲式分析教学总结
高中音乐曲式分析教学总结一、引言音乐作为艺术的一种表现形式，对于培养学生的审美情趣、提升创造力和情感表达能力起着至关重要的作用。
在高中音乐教学中，曲式分析是一个重要的内容，它能够帮助学生深入了解音乐的结构和形式，进而培养学生的音乐素养和审美能力。
本文将对高中音乐曲式分析教学进行总结和探讨。
二、背景和目的高中音乐课程的目标是使学生具备音乐素养、音乐技能和音乐美感，曲式分析作为其中的一项重要内容，旨在让学生通过分析音乐曲式，了解作曲家的创作意图，掌握音乐形式的特点和变化规律。
三、主体部分3.1 曲式分析的定义和意义音乐曲式是指一首音乐作品中不同部分的组织方式和顺序，通常包括序曲、主题、发展和回旋等部分。
曲式分析能够帮助学生了解音乐的结构和形式，深入理解作品的内涵和演绎方式，提升学生的音乐欣赏能力和表达能力。
3.2 曲式分析的基本要素曲式分析的基本要素包括主题、变化、转折、复述等。
在教学中，我们要引导学生通过对这些要素的分析，理解作品的内在逻辑和表达手法，从而培养学生的音乐思维和艺术感知能力。
3.3 曲式分析的教学策略在曲式分析的教学中，我们可以采用多种策略，如听音辨曲、乐谱分析、学习作曲家的创作背景和风格等。
通过这些策略的运用，可以将抽象的音乐概念和知识转化为具体的听觉和视觉体验，使学生更好地理解曲式的内涵和特点。
3.4 曲式分析的案例分析在教学中，我们可以选取一些具有代表性的音乐作品进行曲式分析，如贝多芬的《命运交响曲》、莫扎特的《安魂曲》等。
通过对这些作品的分析和比较，可以让学生进一步理解和掌握不同曲式的特点和变化规律。
四、实践和评价在曲式分析的教学实践中，我们需要将理论与实际相结合，注重培养学生的实际操作能力和创新思维能力。
通过学生的实际分析和表达，可以评价教学效果，并及时调整教学策略。
五、结论高中音乐曲式分析教学是培养学生音乐素养和审美能力的重要途径，通过对曲式分析的学习和实践，可以帮助学生深入了解音乐的结构和形式，提升学生的艺术表达能力和审美情趣。
曲式分析基础知识点总结
曲式分析基础知识点总结一、曲式的基本结构在曲式分析中，我们首先需要了解曲子的基本结构。
一般来说，一首曲子的基本结构由引子、主体和尾声组成。
引子部分是曲子的开头部分，用来引出主题，铺垫气氛。
主体部分是曲子的核心部分，包括主题的展开和发展。
尾声是曲子的结束部分，用来收束全曲。
在古典音乐中，曲式的基本结构常常采取套曲的形式，即由多个乐章组成。
最常见的套曲形式是奏鸣曲式，由快板、慢板、快板三个乐章组成。
二、曲式的分类曲式可以根据曲子的结构和形式进行分类。
最常见的曲式分类包括小型曲式和大型曲式。
小型曲式是指曲子的结构比较简单，通常只有一个乐章，包括小步舞曲、圆舞曲、波尔卡等形式。
这些曲子通常是用来表达轻松愉快的情绪，结构简洁明快。
大型曲式是指曲子的结构比较复杂，通常包括多个乐章，如交响曲、协奏曲、室内乐等形式。
这些曲子的结构丰富多变，主题发展丰富，具有比较雄伟的气势。
除了按照曲子的结构和形式进行分类外，曲式还可以根据其内容和性质进行分类，如宗教曲、世俗曲、战争曲等。
三、曲式的特点和发展曲式的特点和发展是曲式分析的重要内容。
曲式的特点包括旋律、节奏、和声、动机和主题发展等方面。
不同类型的曲式有着不同的特点，如波尔卡的舞曲旋律明快，节奏轻快，而交响曲的交响性和发展主题更加丰富。
曲式的发展是指曲子在发展过程中的演变和变化。
一首曲子的发展需要通过对主题和动机的反复、变化和演绎，来展现出曲子的内在魅力和逻辑。
在交响曲中，曲子通常经历引子、主题1、主题2、发展部、再现部、终结部等部分，通过主题的发展和反复，来展现曲子的丰富内涵和变化丰富。
四、曲式分析的方法在进行曲式分析时，我们需要掌握一些分析方法。
常见的曲式分析方法包括分析动机和主题的变化、分析和声和旋律的发展、分析形式结构和节奏的变化等。
通过这些方法，可以更深入地理解曲子的内在规律和美学意义。
除了上述基本知识点外，曲式分析还需要结合具体的音乐作品进行具体分析，掌握曲子的内在逻辑和表现方式。
你像一朵花 曲式分析
你像一朵花曲式分析《你像一朵花》是一首描写恋人美好之情的歌曲，曲风轻快明快，耳熟能详。
以下是对其曲式进行的分析：一、曲式结构整首歌曲由“前奏—A段—B段—A段—C段—B段—A段—Coda”这样的结构组成。
从形式上看是一个典型的ABACA结构，特点是A段为主旋律，为歌曲主题的阐述，B段则是进行性的发挥，给A段带来新的感受，C段则是加强A段的重要程度，使整首歌曲更加完整。
二、曲式分析1. 前奏前奏采用了钢琴、吉他、贝斯等乐器的合奏，素雅而清新，由两句相同的旋律构成，为接下来的主歌做出铺垫。
2. A段第一次A段中，整个乐曲的主旋律“你像一朵花”被清晰而轻快地展现在听众面前，旋律优美、节奏明快，使人们情不自禁地跟随节拍舞动起来；第二次A段中，前半部分的旋律同第一次一样，但在“抬头望望夜空”后，后半部分做出了明显变化，变成了上升音阶的旋律配合单纯的吉他伴奏，使整个乐曲显得富于动感。
3. B段B段中加入了柔软迷人的小提琴，吉他的音色也变得更加柔和，与A段形成了鲜明对比，为歌曲注入了一丝柔情，更好地表达了恋人间绵长、静谧的感情状态。
4. C段C段为整首歌曲带来了新的亮点，旋律变得更繁琐，伴奏中增加了打击乐和弦乐器和萨克斯，尤其是萨克斯，使得整首曲子达到了一个高潮，更形象地描绘了“你”就像一朵花，在大自然中绽放的美丽形象。
5. 结尾在C段的高潮过后，整首曲子重新回到了A段，这一次的A段便是作为结尾来演奏的，较之前的A段更为清淡，以温柔的姿态将整首曲子淡淡地结束。
三、总结《你像一朵花》是一首趣味性强、鲜明特色的流行曲，采用了典型的ABACA结构，在旋律、节奏和乐器配器等方面都得到了完美地呈现。
同时，歌曲表达了恋人之间的温馨甜蜜的情感，引人入胜，使人不自觉地沉醉在歌声里。
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曲式分析总结绪论关于曲式与作品分析：1、定义：曲——即乐曲；式——即样式、形式。
曲式就是指音乐作品的样式，也可以说是音乐作品的结构形式。
2、名称：曲式与作品分析——Musical Form and Analysis＝MFA。
3、目的：既然课程的名称是“曲式与作品分析”，学习这门课程，一方面要让学生从这门课程中学习曲式的基本原理并掌握各种范型；另一方面，要让学生最终能从曲式入手，通过分析，实现对音乐作品的全面把握和深入理解，并在此基础上，加深对各自专业的促进（表演者能从中获得诠释音乐的依据，理论专业者能从中把握评研音乐的标准，作曲专业者能从中学习创作手法）。
第一章音乐的基本材料——音乐语言正像诗歌用语言文字，图画用线条、色彩，建筑用砖头、石块等构成一样，音乐的构成，也有它自己的特殊材料，就是音乐语言。
音乐语言也被称之为音乐构成的基本要素，包括①旋律线；②节奏；③节拍；④和声、复调、调式调性⑤速度；⑥力度；⑦音区、音域；⑧音色；⑨演唱（奏）法；⑩织体等。
音乐语言构成了音乐表现的基本手段。
第一节、旋律摘要：（旋律的重要性及定义，旋律的分析要点主要包括旋律的外形、隐伏骨架和高潮。
）一、有关旋律1、从旋律的重要性来说，它是“音乐的灵魂”；从它总是横向的流动这一特性来说，它是“乐音运动的轨迹”；从它与纵向音高的相互关系出发，它是“它是和声的表层”，从欣赏的角度入眼，它是“音乐作品的外观轮廓”或是“音乐情感的直接体现”。
所以，旋律非常重要。
2、定义：第一、“狭义的”旋律仅指横向音高或旋律线，也就是说它只指“音高”而不指“音长”。
在单独分析音乐的音级、音高、音列等因素时，“旋律”就取这种所指。
第二、“广义的”旋律是指包含了“音高”和“音长”这两个方面，也就是通常所说的“曲调”。
当分析需要和节奏、节拍或织体等因素相联系时，旋律就取这种意义。
二、旋律分析的要点1、旋律的外形广义的旋律是一个有机体，包含有音高、节奏、调式、调性、音域、音区等多种要素，但是为了分析的目的，单从旋律的外形来看，我们必须把旋律中的其它要素抛开，仅从旋律自身运动的价值——音高运动的相互关系予以透视。
（1）大山型（大波浪型）：由跨度较大的音程、起落较宽的幅度构成，它常和某种崇高的感情、宽广的歌唱或壮阔豪迈的性格相联系；如《黄河颂》、《我爱你中国》、《天鹅》；（2）连续上行的旋律常表现高涨、激昂的情绪。
如下例（贝多芬《第一交响曲》第三乐章）贝多芬《第八钢琴奏鸣曲》第三乐章、贝多芬《第十四钢琴奏鸣曲》第三乐章。
贝多芬《第一钢琴奏鸣曲》第一乐章。
如下例（贝多芬钢琴奏鸣曲《悲怆》第一乐章）（3）连续下行的旋律进行常用来表现从紧张化为松驰的情绪。
如下例（肖邦《革命练习曲》）这个主题是一个从愤怒的和弦到失望的下行音阶，虽说第一个强有力的和弦代表作曲家以满腔热血的革命精神勾勒出一幅华沙起义轰轰烈烈、如火如荼的场面，但随之而来的旋风般的下行旋律告诉我们，斗争并未取得最后胜利，相反，而是令人失望。
特别是曲首冠音，气息悠长的旋律具有诉说、叹息的情绪。
就像浪漫主义诗人的朗诵，也相当于语言文字中的感叹句，给人强烈的艺术感染。
如下例（柴可夫斯基《罗密欧与朱丽叶幻想序曲》）这是一首优美动人象征着爱情的主题，可是由于两大家族的世仇，给这对充满幸福的情侣也抹上了一丝淡淡的惆怅，音乐上带有情人之间倾诉着不可预测的未来。
（4）同音反复的水平式旋律，常常起着背景性的作用，或者象歌剧中的宣叙调，渲染其某种特定的气氛。
如下例（格罗菲《大峡谷组曲》第一乐章“日出” ）这是号称“音乐山水画家”的美国作曲家费尔德·格罗非，1920年游览了世界著名美国名胜，亚利桑那洲科罗拉多河上全长402公里的大峡谷之后，于1930年写作的一部名为《大峡谷》交响组曲的第一乐章。
这是长笛奏出的具有主题音乐特点的华彩旋律，仿佛是清晨的鸟鸣，把我们带入了科罗拉多河上的人间奇景。
（当然无休的同音反复会带来一种机械的音乐效果，也违背了音乐发展的自然规律，但在某种需要的情况下，用这种手法来显示旋律的魅力所在。
）再如《月亮颂》中的尾声，最后在叙述“他若在梦中见到我，把他从甜梦中唤醒”。
（5）最高音在最后的疑问式旋律，常产生与问话语气相似的“疑问”效果。
如：舒曼的《为什么》、李斯特的《前奏曲》。
（6）锯齿式：旋律的起落幅度较小，波峰周期较短、经常是由较小的音程在不宽的音域里迅速上下波动，它能使情绪显得生动活波。
如下例（里姆斯基·柯萨科夫《天方夜谭》）这个旋律雅丽流畅，充满了幻想色彩，像在讲述着娓娓动听、引人入胜的故事。
如下例（拉威尔《波莱罗舞曲》）这是一支西班牙风格的主题，委婉的旋律刻画出西班牙少女的动人形象。
（7）环绕型：环绕音围绕着中心音上下运动。
a、平稳对称：环绕音围绕中心音上下对称；如：《年青的王子与公主》；b、离心式：以跳进为主的离心式进行，常表现一种活跃的气氛，如下例（贝多芬《D大调小提琴协奏曲》第三乐章2＇55″）这个迥旋曲的主题逐渐离开它的中心音口，向第二插部靠近，此时情绪热烈欢快。
c、环绕音离中心音越来越近，如《打起手鼓唱起歌》的结束句。
2、旋律的隐伏骨架在旋律中能够起着支撑旋律的结构，体现了旋律的风格和旋律中重要的音级。
所以在音乐中有“听得见的音响和看不见的结构”。
旋律的骨架常由旋律中某些重要的发音点构成，它们可能从其中的长、短、高、低、轻、重、起、止、色（即色彩）各音中产生。
例如：《打起手鼓唱起歌》（由重音构成）、《第三交响曲》第二乐章（由起止音构成）。
巴赫《c 小调帕萨卡里亚》主题。
3、旋律的高潮及其布局旋律高潮：在艺术效果上最激动人心的瞬间；高潮爆发的位置：“弹性的”：指作曲家可以根据自己的需要把高潮设置在旋律全长的任意位置；“硬性的”，如果作曲家没有特殊处理，会把高潮设置在全长的黄金分割点处（0.618）。
高潮处的调式音：一般高潮处的会安排下属音，而最为典型的是使用调式的六级音。
（如《第三交响曲》第二乐章）4、旋律的时代风格⑴ 巴洛克时期：有一种固定的构成形式，旋律由三部分构成——主题头（特征较明显）、音乐的一般性进行、小结尾（终止式）；⑵ 古典主义时期：主要体现在音程上——级进、同度、跳进分开使用；⑶ 浪漫主义时期：由两种典型状态，一种是纯粹的五声化旋律，象征庄严崇高的理想；另一种是典型的半音化进行，表达内心痛苦的流露；⑷ 现代风格：有两种典型形式，一种是“音程菲声乐化和返身进行”；一种是节奏的菲周期性处理。
第二节——节奏摘要：节奏的概念、作用、节奏分析的要点包括节奏的组合方式、与风格的关系、节奏的密度一、节奏的概念：由于音乐是时间的艺术，是动态的艺术，所以音乐艺术的生命和特点取决于它“在时间中的运动”，而在时间中的运动与发展就取决于音长的安排。
所以，我们给节奏下一个定义就是：1、定义：用长短方式来体现的一种特定的音乐时间关系。
2、狭义的认识：狭义的“节奏”仅作为与“旋律”相对应的一个概念，它仅指音乐中的时间因素，所以说，狭义的节奏就是指发音点的长短及组合（节奏＝音长）；3、一般所指：在实际音乐作品中，发音点的长短及组合与拍子的“强弱”及速度的“快慢”是分不开的，尤其是在音型组合的过程中，同样性质的节奏单位和同样数量的发音点数，完全可能由于不同的重音安排而造成不同的节拍效果，此时，节奏的概念就有所扩大，它指音长与节拍、速度的结合。
也就是说，节奏＝音长＋节拍＋速度。
二、作用旋律决定一部音乐作品的性质；节奏决定一部音乐作品的性格。
如果我们把音高看作音乐的基本材料并能决定一部作品的基本性质的话，那节奏就能赋予音乐以多样化的性格。
例如，很多变奏曲中，同一个主题在各个变奏中的多样化变形，是一定离不开节奏的。
三、节奏分析的要点1、节奏单位节奏单位也叫做“音长单位”和“音长模式”，是用来规范和衡量节奏的一种标准，它可以简单的分成两大类型，一类是“基本的单位”，即可以用“2”为参数来“倍加”或“倍分”的那些单位，例如：二分音符、四分音符等；另一类则是不能为第一类所概括的各种音长，如各种连音或自由节奏，通称为“特殊的单位”。
2、节奏的组合方式根据自然的呼吸确定节奏型，从而判断其组合形态。
节奏的组合方式有以下几种类型：3、节奏与风格的关系风格是一个包容量很大的概念，能够影响风格的因素也很多。
因此在讨论节奏风格的时候，主要只限于音型模式方面，因为特定的音型组合不仅要涉及到时代、个人、民族或地方风格，还常常与音乐的体裁与类型相关，因此最能体现节奏的风格特性。
4、节奏的密度节奏的密度，即在单位时间内，发音点的多少。
一般来说，节奏的密度越大，音乐的紧张度就越强；节奏的密度越小，音乐的紧张度越弱。
第三节——调式及和声摘要：调式在旋律中的作用，和声及其表现作用，综合音乐语言分析实例，音乐语言的语义性及不确定性。
一、调式在旋律中的作用：当某些不同的音级围绕着一个中心音有规律的运动时，就形成了调式。
从调式的主音出发，按照高低顺序进行到临近的另一个主音，就形成了音阶。
由于音阶基本都是存在某个调式之中，所以音阶也叫做调式音阶。
在传统音乐里，已有四种主要的调式音阶构成体系，分别是：东方的五声调式音阶、教会调式音阶、西欧大小调式音阶和现代的人工调式音阶。
而每种体系又包含众多的调式音阶结构。
那么调式音阶在旋律中又起着什么样的作用呢？1、它规定了旋律中各音的主次地位、动静关系以及稳定程度。
例如，在大小调式中，要想表现活跃、紧张的情绪，要想使音乐具有向前发展的动力，旋律中就尽量少用调式音阶的Ⅰ级、Ⅲ级和Ⅴ级音；而要想获得停顿、收拢、终止的效果，旋律中可多用I级、Ⅲ级和Ⅴ级音。
2、利用不同调式的特征来加强表达的情绪。
例如，由于自然大调式的主音与三级音之间是个大三度的音程，主音与六级音是大六度的音程，所以自然大调式音响明亮、自然而稳定，因此，若表现“光辉的颂歌”、“雄壮的进行曲”、“欢快的舞曲”，一般都选用自然大调式来写作。
同样的道理，小调式的音响色彩比大调式要暗淡的多，所以那种“悲凉的挽歌”、“忧伤的叹息”，以及许多类似情绪特点的音乐，都采用小调式来写。
由于五声调式不含小二度、三全音、大七度等尖锐的音程，所以，在以大小调为主的西洋音乐中，五声调式常用来表现“幸福的回忆”、“美好的希望”以及描写大自然等音乐形象，如《朝景》。
当然，调式的“色彩”以及人们对这种色彩的感受也不是绝对的，在很大程度上取决于音乐传统的审美习惯，特别是具体作品的处理。
例如，古希腊人认为多礼亚调式是庄严的；弗里吉亚调式是鼓舞人心的；爱奥利亚调式的音阶结构和今天的自然小调式是完全一样的，在当时认为它可以唤起人们的情欲。
海顿、莫扎特的作品，几乎都是用明朗的大调式写作的，柴可夫斯基、拉赫玛尼诺夫，却以擅长处理悲剧体裁而著称，他们的作品常常采用小调式。