写意而不离写实——独成一派的子和画法
写实派、印象派、简约派、抽象派名词解释
写实派、印象派、简约派、抽象派都分别怎么解释写实派：写实绘画从表面看，是一个古典和传统的样式。
从最早的西班牙岩画到十九世纪的法国学院派、印象派；从前苏联的绘画到中国社会主义时期的讲究题材的油画，都是写实的面貌。
但是，一个绘画样式能够逾千年不衰，并不是仅靠传承或某一教学体系所决定的。
现代科学研究证明，艺术是人的物质形态外化延伸的结果。
在人的大脑里面，一些区域对形、色彩、比例、平衡进行专门的感应、解析，这就是为什么人们在生活中对物质形态的判断标准基本相同。
从写实绘画来看也是一样。
比勃鲁盖尔、伦勃朗早数百年，在荒漠的欧洲大地并不知晓的东方，已经有马远、范宽、周昉、张暄这样的写实画家了。
尽管近代的东西方有了彼此间相互影响的诸多机会，也的确存在因为文化上的交流，产生过像后期印象派画家高更、凡高作品中的浮士绘痕迹；存在于中国油画家作品中追求塑造和色彩的欧洲绘画体系的结晶。
但是，写实绘画在中国真正得以传承和发扬光大的原因，却来源于一个更大的渊源，那就是超越存在于我们作为人的基因特性，和艺术家对与生俱来的人性基因的认同。
人性的超越存在是唯一可以解说出中国写实画家的兴趣和志向。
绘画在这个时候，已经不是简单的画画或者仅仅是技巧上的高标准追求，而是把生命的欢乐与痛苦都赌注在里面了。
在中国艺术历史上存在过不少志同道合者组成的艺术团体，但像中国写实画派这样一个由一群在当代中国有着巨大影响力的画家所组成的团体实数罕见。
画派中如陈逸飞、艾轩、杨飞云、王沂东、何多苓等，自上个世纪八十年代以来一直作为公认度极高的中国油画的领军人物，他们的作品始终是美术界和公众的关注点。
中国写实画派的画家都是改革开放后成长起来的，其中大部分人成名于上个世纪八十年代。
一个开放的环境不仅使他们感受到西方现代艺术的冲击，也使他们见到了作为现代艺术靶子的西方传统绘画。
他们遵从内心的选择，不屑于被当代艺术排斥，努力完成心中的目标。
终于在2004年5月，他们团聚在一起，决定以年展的方式，向大众展示他们注满心血和情感的作品。
工笔人物画中线的独立性与写意精神
工笔人物画中线的独立性与写意精神中国传统绘画几千年的历史中，工笔人物画在其中占有着非常重要的地位，它崇尚写实，以工整居多。
工笔人物画不仅能记录人物的样貌和身材，还能向后人表达绘画者的思想，与画中人的情感。
而在工笔画中，线条作用是十分重要的，线条的干净、利落能显现出画面的整洁，线条走势较急时，描画出的人物也会比较硬朗。
画面的或柔或刚都与线条的使用有着直接的关系。
工笔人物画是工笔画中历史最久的一个，从晋代流传至今，这是我们国画之瑰宝。
本文通过研究工笔画线条的独立性与写意精神的关系来研究中国古画想要传达的内在精神，以便传承和发扬中国绘画精神。
标签：工笔人物画；独立性；写意引言工笔画是中国传统绘画中重要的一部分，而人物工笔画又是工笔画中流传最早的一个画种，也是中国艺术史上浓墨重彩的一笔。
它与艺曲、书法、武术等共同组成了我国的传统艺术。
不管在哪一种绘画形式中，线条的作用都是非常重要的，而在工笔画中线条是用来表达作者的所思所想，抒发出作者的浪漫情怀。
工笔画人物具有一定的写意性，“写意”二字，写是代表书写，绘画，描述的意思，比较表面，“意”字则代表着作者想要抒发的感情，这个意字可以是想念，是愤怒，是欣喜，是悲伤，也可以是作画人的个人思想，所处的环境，还有他的家国抱负，本文通过推敲工笔画中线的独立性和写意精神的关系，来体现中国传统绘画的魅力。
一、线条在工笔画中的地位线条是绘画的主要表现形式，只有有线条，画才会有形，才能告诉人们作画者想要表达的思想和情怀。
在绘画中，线条既可以勾勒人形，也可以进行填充，也可以作为装饰线条出现。
而线条对于整个画作既是独立的，又是与其他线条相互依存的，线条有很多的表现形式，如直线、曲线、折线、短线、长线。
工笔画没有光与影的存在，只有行云流水的线条进行表达画面，根据作画者的意愿，或长，或短，或浅，或深，它们不管以哪种形式出现在作画者的笔下，都可以恰到好处的表达出作画者想要向世人所传达的思想和感情。
教你如何画好写意花鸟画
教你如何画好写意花鸟画讲笔墨，初讲可以说“：线者为笔，染者为墨”，易懂易入手。
进而应当明了“笔中有墨，墨中有笔”：用墨无笔，古人称之为“墨猪”，它有肉无骨；用笔无墨是行笔间缺乏墨色浓淡干湿的变化。
其实“笔”与“墨”分不开，所以叫“笔墨”，它是一种表现美丽的手段过程。
如同地球公转和自转：为表现意象造形的美服务，是“公转”；它也有美的自我表现，是“自转”。
笔墨离开了这个意思，那就是“耍笔墨”，那不是“笔墨”，更不是写意画。
学习国画其实说难也不难，关键要得法，在这种前提下，努力勤奋才能见到成效，否则方向搞错了就会越走越歪。
在学习国画时，首先要记住三个字：读、品、临。
读就是欣赏和分析，从作品的主题立意到构图，气韵，从造型特点到笔墨变化，从色彩的运用到虚实关系等等。
“品”就是脱开技法的层面，品味作品要表达的情。
“临”就是对照范画模效，也叫临摹。
临摹的方式很多，对构图气势好的可以进行“整临”如果画面局部精彩，也可以“节临”，一切因需要而定。
每次临完之后一定要对照原作反复比较，努力寻找差距，不断提出新的更高的要求。
王雪涛：花鸟画的六大要领如何画画?怎么画好?是很多人关心的。
有些人来看我作画，用心临写，以至将如何画花，如何画鸟等等，记成文字，视为定法。
这是否能画好画呢?技法不是一成不变的，如何画?要解决;如何画好?更要刻意探究。
利用这一机会谈一点体会。
——王雪涛一、基本功的锻炼要扎实花鸟画是以描绘花卉、禽鸟来表现自然界的生命力，体现欣欣向荣的生气，从而给人以健康的艺术感染。
它描绘的对象是大自然，因此培养对自然界的生命力，训练观察力的敏锐是主要的。
不少前人也是这样做的。
传说一位画家，为了体验草虫的形态，经常趴在草丛中观察，以至露水打湿了衣裳，可见观察之认真。
我小时生活在农村，对自然界中的一情一景十分偏好，幼时养成的观察和写生习惯，对我一直影响很大。
要认真地了解物象的结构、特点、习性和生活规律，画时才能做到心手相应。
“写意”是写“意形”
随手在身后一挥门就关上了。但在没有道具的舞台上，这样的动作就会让观众看不出是做什么。所以，演员的关门动作一定是最典型、最具特征、并充满夸张细节的动作。这样的表演能为观众理解，因为这样的表演“是那个样子”、“是那个意思”，即，演员的表演是可以意会的。写意画也一样，写意画家描绘物象时常常会说，“意思到了就行。”这样，画中表现的物象就常常需要观者去“意会”。会意和指事这两种造字法，在写意画里也可找到踪迹。传统绘画里大量使用的苔点不就是指事吗？观画者对于苔点就是山上草木的认知，有如对刀刃的“刃”字的认知，人们通过刀上的那一点就能领悟到指的是刀刃。 苔点也一样。观赏写意画，观赏者也须调动自已的意念，即对通过物象的理性认识去认知画面形象。
三
写“意形”，就是写意画绘画造型上的基本性质。当“写意”作为一个基本词语的时候，他指的就是这种基本的造型方法、方式。画家依据头脑中的形象记忆，形象积累，想一想就可以下笔作画。画家当然可以用这一基本造型方法通过勾画某种形象去表现、表达作品的主题立意，作品的精神，任意表现个人的思想情感，但这属于创作内容方面了，所以不是一个层面上的问题。一个画法是不会以尚不明确的、通过创作过程才能出现的作品内涵来命名的。
作为绘画形式的“写意”一词的基本概念，就是从造型方法、方式这一绘画的最本质的方面来定义的，因为这个词表示“写意”的基本特性最准确。这才是数百近千年来这个专用名词形成，被约定俗成的使用而不得更换代替的原因。试想，如果“写意”的字义是表达“情意、意气、立意”等属于创作主体即画家的“意”，那么“写意”与其它艺术形式又有什么不同？这个“意”也就不为写意画所独有，“写意”岂不成了一个毫无特性的词？写诗、写小说、作曲、做雕塑、刻版画，哪一样能离得了创作者的“意”呢？世界上有主张不表达“情意、立意、意气”等的艺术吗？没有。作为汉语词汇，“写意”一词先已存在，并有多个含义。在传统艺术领域，写意在其他艺术形式中也有其具体所指，但唯有写意画的写意成为一个专用词汇，是人们选择使用的结果，并在写意绘画的实际演变发展过程中被赋予了确切含义，这个含义就是‘写“意形”。
国画写意人物，三步搞定，看了你也成画家。
国画写意人物，三步搞定，看了你也成画家。
国画写意人物画的绘制过程一般要经过木
炭条起稿，墨稿造型，色彩渲染这三个步骤即
可完成。
当然在具体绘制过程中，这三个步骤的界限并不是太分明的。
如木炭起稿完成后在墨稿造型阶段往往要在边勾线边渲染的状态下进行。
因为墨和色的渲染是相互融合，而不是等到墨色干透后再去着色。
这要根据具体情况而定。
在绘制写意人物画过程中需要注意的主要
事项：
第一、人物的五官和四肢
人物的五官，四肢，手中的器物等结构明确的部位一定要控制好墨色的浓淡干湿，以及用笔的准确性。
第二、画面动态线的把握
人物的主要动态线，即线条在整个画面中的节奏感需要凭借当时的感受而进行即兴发挥，而不开被起稿时的木炭条基本形态所限制住手脚。
第三、木炭草稿的清除
当基本墨稿完成后，在画稿完全干透后，用轻柔的毛巾将木炭稿痕迹拍干净，尤其是面部等需要着色的部位，不然着色后这些木炭粉末会与颜色一同粘到宣纸上。
第四、墨色深浅的控制
无论在百色宣纸还是色宣纸上，写意人物画的用墨和用色都要考虑到墨色的干湿变化，一般要尽可能画的深一些，因为墨色在完全干透后会出现饱和度不够的情况，这时再去补色或者补墨都会对作品的生动产生较大影响。
下面这幅作品记录了写意人物画的大致绘
制过程。
与大家分享。
图文/巩庆喜
国画写意人物画步骤：木炭条起稿
国画写意人物画步骤：墨稿造型
国画写意人物画步骤：着色渲染
国画写意人物画步骤：作品完成。
写意与写实——浅谈中国油画中的艺术表现
写意与写实——浅谈中国油画中的艺术表现写意与写实的探求成了中国人艺术审美和艺术鉴赏的显著特征。
中国传统绘画造型上要运用“意象造型”。
在中国油画创作中也产生很多写意和写实的表现手法。
本文通过对写实油画和写意油画的介绍,浅析的它们在中国油画中的结合与发展。
标签：写意油画写实油画抄艺术表现写意与写实手法是中国古典艺术的重要范畴,是中国人艺术审美和艺术鉴赏的显著特征。
20世纪初,在科学注意浪潮的冲击下,国人迷恋西方写实绘画。
最早创造中西融合的画家就是享誉二三十年代中国画坛的陶冷越教授,他把油画厚图与传统绘画技法结合,把西洋画的写实与中国画的写意结合起来,成为“中国式”油画的重要原因。
可以说,西方重写实的再现型艺术是科学的,而中国重写意的表现性艺术才真正是艺术的。
一、写实油画在中国油画中的艺术表现油画中重要的一部分就是写实油画,写实油画在欧洲油画发展史上占有主要的地位,也是欧洲油画中主要的表达形式,中国现实主义油画起源于欧洲,当时给中国油画带来巨大冲击和影响的算是俄罗斯现实主义思想潮流,在中国当时特殊的历史背景里,现实主义美术受到了很大的重视并得到广泛的发展。
时代变迁中国油画在经历了“新具象”,“新写实主义”到如今已形成多元化的形态,中国人对油画的审美停留在一定的阶段,在这样的环境下写意油画就不是所以人都能欣赏的,大部分人对于写实的油画才能接受的,才能符合大众的审美需求,可见写实油画有着比较广阔的空间,也越来越多的受到大众人的喜爱。
其中也出现了不少比较优秀的画家,在9届10届美展中金奖的作品全部都是写实的作品。
如冷军的《五角星》忻东旺的《早点》这也说明了写实油画在油画中的地位与价值。
写实艺术不只是要再现客观事物,而是要把现实的批评态度把主管的精神融入其中。
精神品格是写实主义的精髓,任何艺术都离不开自己民族文化的精神铺垫,我们在吸纳了外来艺术形式的过程中也出现了本族文明特种的作品,中国写实注意油画经过一代又一代画家的艰辛探求,写实油画已经取得了令人瞩目的成就,发展到现在已经不仅仅是一个流派了,更是一种艺术主张一种艺术精神。
什么是写意画
什么是写意画什么是写意画写意画即是用简练的笔法描绘景物。
写意画多画在生宣上，纵笔挥洒，墨彩飞扬，较工笔画更能体现所描绘景物的神韵，也更能直接地抒发作者的感情。
写意画是在长期的艺术实践中逐步形成的，其中文人参与绘画，对写意画的形成和发展起了积极的作用。
相传唐代王维因其诗、画俱佳，故后人称他的画为"画中有诗，诗中有画"，他"一变勾斫之法"，创造了"水墨淡，笔意清润"的破墨山水。
董其昌尊他为"文人画"之祖。
五代徐熙先用墨色写花的枝叶蕊萼，然后略施淡彩，开创了徐体"落墨法"。
之后宋代文同兴"四君子"画风，明代林良开"院体"写意之新格，明代沈周善用浓墨浅色，陈白阳重写实的水墨淡彩，徐青藤更是奇肆狂放求生韵。
经过长期的艺术实践，写意画代已进入全盛时期。
经八大、石涛、李、吴昌硕、齐白石等发扬光大，如今写意画已是影响最大、流传最广的画法。
写意画主张神似。
董其昌有论："画山水唯写意水墨最妙。
何也?形质毕肖，则无气韵;彩色异具，则无笔法。
"明代徐渭题画诗也谈到："不求形似求生韵，根据皆吾五指裁。
"写意画注重用墨。
如徐渭画墨牡丹，一反勾染烘托的表现手法，以拨墨法写之。
元代吴镇论画有云："墨戏之作，盖士大夫词翰之余，适一时之兴趣，与夫评画者流，大有寥廓。
尝观陈简斋墨梅诗云：''意足不求颜色似，前身相马九方皋。
''此真知画者也。
"写意画强调作者的个性发挥。
扬州八怪以"怪"名世，作画不拘常规，肆意涂写，并以一个"乱"字来表露他们的叛逆精神。
郑板桥曾表白："近代白丁(民道人)、清湘(石涛)或浑成或奇纵，皆脱古维新特立。
近日禹鸿胪(之鼎)画竹，颇能乱，甚妙。
“写实”与“写意”分判之下的自我理由——论刘国松绘画理论中的错误与偏执
内容提要：刘国松对传统中国画中的工笔错误地判定为“写实”，同时将写意等同于西画中的变形，并且认为抽象是写意的进一步发展。
在如此混乱和错误的判定之下得出中国绘画表现上写实、写意与抽象的三个时期的划分，强调后者是对前者的否定，在此基础上提出反叛的创造观，其自身的创新仅仅以所谓新皴法为最大收获。
刘国松的理论导致的实践绝非中国绘画的合理发展，反而是文化基因的轻率剥离。
关键词：写实；写意；变形；抽象；创造郎绍君先生在《类型与流派》一文中将20世纪的中国画分为三大类型和九个流派[1]。
三大类型分别是“传统型”“泛传统型”和“非传统型”。
其对于20世纪中国画的考察主要基于大陆范围而不涉及我国台湾的画坛，以其三大类型的划分来看，刘国松的画作则应该归于非传统型。
其自身的定位是“中国的现代绘画”[2]，更为确切地说其创作实践主要是“现代水墨画”（《刘国松谈艺录》第61页）。
本文无意于对其绘画实践作出分析与评判，而在于对其指导实践的绘画理论进行适当的论辩，以对支持其实践的理论合法性作出适当的论定。
一、写实、反写实1.对传统中国画“写实”的错误判定“写实”作为绘画理论用语并非中国本有，而是随着西方艺术理论的引入才被使用的。
“写实”一词来自于日语，在旧日语中r e a l i s m被译成“写实主义”，同样为中文旧译所沿用，而在现代日语中则是以片假名形式的音读外来语，现代汉语则译为“现实主义”。
“写实”一词在王国维的《人间词话》中出现了三次，均是将其与“理想”对举[3]，则“写实”即“现实”。
在西方绘画中现实主义的表现是与再现理论相一致的，这是西方古典绘画的重要特征。
西方古典绘画对现实的模仿是与认知的功能结合在一起的，在西方主客二分的思维中，对象是被客观认知的，而绘画就是手段之一，如达·芬奇所论：“我们的一切知识都发源于感觉。
”“对作品进行简化的人，对知识和爱好都有害处，因为对一件东西的的爱好是由知识产生的，知识愈准确，爱好也就愈强烈。