画意摄影技巧
关于摄影的分类和技巧
关于摄影的分类和技巧摄影的分类和技巧一、摄影分类1.静物摄影静物摄影与人物摄影、景物摄影相对，以无生命(此无生命为相对概念，比如从海里捕捞上来的鱼虾、已摘掉的瓜果等)、人为可自由移动或组合的物体为表现对象的摄影。
多以工业或手工制成品、自然存在的无生命物体等为拍摄题材。
在真实反映被摄体固有特征的基础上，经过创意构思，并结合构图、光线、影调、色彩等摄影手段进行艺术创作，将拍摄对象表现成具有艺术美感的摄影作品。
这就叫静物摄影。
静物摄影在选材方面有广阔的天地，在择好素材之后，就可以随心所欲的处理这些对象，因为被摄物体是无生命的，可以任凭摆布，多角度移动以达到创作意图。
静物摄影具有两大优点：首先，它是进一步体会艺术视觉的深化过程。
当一些很平常的物体被拍成引人入胜的照片时，实际上也就是深入学习观察这些物体的过程。
其次，拍摄静物能获得更多的实际摄影知识。
对摄影者来说，静物摄影的难处在于它的画面构成具有独到之处。
当布置好被摄物体之后，必须选择拍摄角度，在用光方面发挥创造性，进而把从静物摄影中学习到的实际摄影知识、基础原理应用到日常摄影中去。
2.人像摄影人像摄影与一般的人物摄影不同：人像摄影以刻画与表现被摄者的具体相貌和神态为自身的首要创作任务，虽然有些人像摄影作品也包含一定的情节，但它仍以表现被照者的相貌为主，而且，相当一部分人像摄影作品只交待被摄者的形象，并没有具体的情节。
而人物摄影是以表现有被摄者参与的事件与活动为主，它以表现具体的情节为主要任务，而不在于以鲜明的形象去表现被摄者的相貌和神态。
这二者之间的重要区别，在于是否具体描绘人物的相貌。
不管是单人的或是多人的，不管是在现场中抓拍的还是在照相室里摆拍的，不管是否带有情节，只要是以表现被摄者具体的外貌和精神状态为主的照片，都属于人像摄影的范畴。
那些主要表现人物的活动与情节，反映的是一定的生活主题，被摄者的相貌并不很突出的摄影作品，不管它是近景也好，全身也好，只能属于人物摄影的范畴。
展现娇艳的魅力 解析花卉摄影构图技巧
展现娇艳的魅力解析花卉摄影构图技巧“摄影家的眼睛，永远都在评估出现在他眼前的事物。
他只须移动1毫米的几分之一，便可以把线条吻合起来。
他只须稍微屈膝，便可以将透视改变。
把照相机放置在离主体近一些或远一些，他便可以刻画出某一细节——这细节，既可能相得益彰，也可能喧宾夺主。
然而，对照片进行构图所需的时间，几乎是跟按动快门的时间一样的短，因为两者同是条件反射而已。
”——布列松如上面布列松所说的，完成构图的行为其实很简单，可能只是位置上的一步之遥，影像结果就有千差万别，如何获得最佳构图便成为新手、老手都在讨论的问题。
在这春暖花开之季，拍花正当时，让我们一起来探究花卉摄影中的构图技巧。
构图的真谛利用色彩虚实构图图片作者：shensukang极简构图图片作者：上尉同学构图是一个思维的过程，从原本呈现的混乱事物之中发现潜在的秩序。
构图也是一个组织的过程，把大量的要素组织成一个相对完整的整体。
构图的目的是通过组成画面的要素向观者传达影人感受到的完整情绪。
构图赋予画意图片作者：ken89111对于花卉摄影的构图来讲，最基本的要求是主体突出，富有创意，充满美感。
组成构图的要素具体可以划分为形状、线条、明暗、色彩、质感五个方面。
如何判断花卉摄影构图成功与否？一幅好的构图作品可以让画面中的花朵更为真实、生动、唯美。
要注意的是花卉的种类繁多，花形大小、分布程度不一，所以构图方法也要因“花”而异。
九宫格构图法九宫格构图图例图例分割线与兴奋点九宫格构图法简单来说就是假定把画面横向及纵向分别平均分为三份，分割的四条线会形成四个交点，如果将主体位置落于这四个交点上不仅可以有效地被突出，还会让人有舒适的感觉，从根本上来讲，九宫格就是遵循了黄金分割的理论，其中4个分割线、交点分别被称为兴奋线、兴奋点。
九宫格构图图例图例分割线与兴奋点在拍摄花卉时，花朵一定是我们要突出的主体。
所以花朵的位置会确定在“兴奋点”上，单个花朵将花蕊的中心定于兴奋点位上即可。
梦随云散花逐流----画意残荷摄影后期技巧
梦随云散花逐流----画意残荷摄影后期技巧每到炎炎夏日，一池碧水，半塘荷花，一直是大家的最爱。
那塘中摇曳的荷花，也被人们赋予了很多的人文内容。
从小荷才露尖尖角，到留得残荷听雨声，这被无数的文人咏过的花朵，变成了人们心目中的花中君子。
其出淤泥而不染，濯清涟而不妖，中通外直，不蔓不枝，香远益清的品格，也成为了一代代中国文人的品质意像。
就连李清照的兴尽晚回舟，一个误入藕花深处，就不仅惊起了一滩鸥鹭，还拨动了诗人的诗兴，迷漫在荷花半遮的归途。
荷花之美，历来就有不同的表现方法，绘画，诗歌，散文，一样不缺。
而今又多了一种展示方法：摄影。
夏天一到，荷塘边的各种声音就不会停歇----蛙声，蝉声，快门声，不绝于耳。
夏去秋来，一方荷塘，垂垂老矣，真只剩下听听雨声的愁绪了吗？不会，我们可以拍画意残荷。
拍画意残荷，摄影方法和要求，和拍摄别的场景并无太多区别。
关键是我们拍出的素材，要按照国画要求，用PS把它制作出来。
今天我们就来说一说画意残荷的后期制作方法。
素材的拍摄和基础的抠图操作我就略过不说了，直接上抠好的素材：这是我在荷塘里拍摄的一幅图片，根据需要扣取的必要的元素画意摄影的画面要求是，我们要尽量贴近国画的艺术效果。
这类画面的效果一般要求要低对比度，饱和度和清晰度也不宜过高，要以意为先。
国画中各种色彩也有不同的表现形式，比如绿色，一般在国画里面都是偏青色的。
根据这些要求，我们可以逐项对素材进行处理，这样才能达到我们想要的效果。
根据以上的思路，我们画意花鸟的PS核心步骤就大体出来了：1.先调整出画的效果，然后和画布结合后再调整相应的色彩。
画既然是画在纸上，那墨就会在画纸上有浸润效果。
我们怎样做出这个效果呢？方法如下：a,把画面里面的元素全部选取，并存储选区为1.用快速工具全部选中画面中的元素，并存储选区b,复制图层，添加蒙版。
选中图层，执行滤镜，模糊，高斯模糊18个像素（根据需要选择大小）。
然后载入选区，点击蒙版，按ctrl+I,蒙版反相。
中国传统绘画在现代摄影中的表现技法
中国传统绘画在现代摄影中的表现技法摄影作为一种当代艺术形式，与传统绘画相比，具有独特的表现方式和技法。
然而，中国传统绘画的精髓和美学理念在现代摄影中仍然能够发挥出独特的影响力。
本文将探讨中国传统绘画在现代摄影中的表现技法。
中国传统绘画强调意境的营造。
传统绘画注重画面的意境和氛围的表达，通过构图、色彩和光影的运用，创造出独特的情感和思想的体验。
在现代摄影中，摄影师也可以借鉴传统绘画的意境表达技巧，通过构图和光影的运用，营造出具有深远意义的照片。
例如，可以运用对比明暗的手法，创造出戏剧性的光影效果，增强照片的表现力和艺术感。
中国传统绘画强调笔墨的运用。
传统绘画的魅力在于其独特的笔墨表现力，通过墨色的浓淡和笔触的粗细，表达出丰富的情感和意境。
在现代摄影中，摄影师可以通过后期处理的手法，利用滤镜和调色来模拟传统绘画的笔墨效果。
例如，可以使用黑白滤镜和高对比度的调色，增强照片的艺术感和表现力。
此外，摄影师还可以运用长时间曝光的技术，模糊动态的元素，创造出独特的笔墨效果。
第三，中国传统绘画注重形式的变化和组合。
传统绘画通过形式的变化和组合，表达出丰富的意象和情感。
在现代摄影中，摄影师也可以通过构图和元素的组合，创造出具有独特意义的照片。
例如，可以利用对角线构图和透视效果，营造出视觉冲击力强的照片。
此外，摄影师还可以运用多重曝光的技术，将不同的元素融合在一起，创造出奇幻而富有想象力的照片。
中国传统绘画强调意象的象征性。
传统绘画通过意象的象征性，表达出深层次的情感和思想。
在现代摄影中，摄影师也可以运用象征性的意象，创造出具有深远意义的照片。
例如，可以利用自然元素如花卉、鸟类等，表达出生命的美好和脆弱。
此外，摄影师还可以利用人物和道具的符号意义，传达出社会和人性的寓意。
中国传统绘画在现代摄影中的表现技法可以通过意境的营造、笔墨的运用、形式的变化和组合，以及意象的象征性来实现。
通过借鉴传统绘画的美学理念和技巧，摄影师可以创造出具有深度和艺术感的照片作品。
如诗如画，水墨画意摄影拍摄技巧，拍出禅意十足的水墨中国
如诗如画，水墨画意摄影拍摄技巧，拍出禅意十足的水墨中国中国传统国画，讲究气韵二字。
同样，在摄影领域，有一个分支，即水墨画意摄影，即用摄影的手段将传统水墨画与现代风景相结合，让照片中带有一种写意的、超脱现实的、飘逸虚渺的笔墨风格。
妙在似与不似之间。
这是水墨泼洒而成的水乡风光，酣畅，凝重，深远，迷离。
水墨风格的摄影照片虽然免不了使用Photoshop等软件的后期加工，但是好的水墨摄影作品要尽量少的修改原照片，它考验的更多的是摄影师的构图和捕捉光影的能力。
那么，到底有什么拍摄技巧呢？前期准备——文化沉淀“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，”墨分五彩“，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。
北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。
”就是说的水墨画。
写意水墨画水墨画绘画过程中线条的勾勒，颜色的深浅，哪里留白，哪里浓重都是极其讲究。
并不只是宣纸上的点染勾勒，是要表现“气韵”、“境界”，实际上是一个系统的思想集成最终的表现。
意、识、灵齐备，诗、书、画一体，诗为画之意，书为画之骨。
拍摄对象的选择水墨摄影是为了模仿水墨画，那就要根据它的特点来进行选择。
当你选择一个画面时，可以先将这个画面想象成黑白照来判断画面中线条的走向以及线条数量的多少，判断这些线条是否能够勾勒出虚实、远近。
远山和近水都被晕染成了极简的黑白两色，被轻纱似的薄雾笼罩着。
色彩选择水墨画只用水和墨进行绘画，所以色彩的搭配上选择简约、色彩单一的画面更容易出效果。
黑、白、灰三色构成了简约的画面效果。
构图在画面上留出空白，是中国画构图非常重要的形式美之一。
传统中国画差不多都留有空白。
往往只是将物象最本质的特征、最能表达主题思想的形体做精心的取舍安排，而将可有可无的、与主题无直接关联的内容完全删除，这样就产生了空白。
所以，空白是构图中需要重点思考的构成因素。
画面中留白部分是能否出水墨效果的关键，在确定好拍摄主题后，就要考虑什么样的构图方式能够让画面干净。
摄影技巧 学会这15种构图方法,拍出超赞作品!
摄影技巧学会这15种构图方法，拍出超赞作品！01井字形构图所谓井字形构图，就是指在构建画面的时候，以虚拟的四条直线将画面横竖平均分成九份，使画面中的直线形成一个“井”字，将被摄对象安排在井字形的交叉点位置来完成构图。
因为取景画面被平均分成九份，这种构图方式也可以称为九宫格构图。
井字形构图是常见的构图方法，也是最基础的构图方式，这种构图也可以说是黄金分割法的一种。
拍摄荷花时，可以利用井字形构图的方法，将荷花安排在井字形的交叉点上，使荷花得到突出表现井字形的交叉点可以说是画面中最吸引人的位置，所以将主体放在这些交叉点上，便可以使主体在画面中得到突出呈现，同时也能使整个画面呈现出变化动感的效果。
需要注意的是，在实际应用井字形构图时，井字形的四个交叉点会带给画面不同的视觉效果，这需要根据现场的拍摄环境与主体之间的关系因地制宜地进行安排。
当被摄主体是比较小的物体时，可以将其放置在井字形交叉点上得以突出；拍摄猫咪的头部特写时，可以将猫咪的眼睛安排在井字形交叉点位置，使猫咪表现得生动可爱而当被摄主体是比较大的物体甚至占满整幅画面时，如果想要突出主体的局部时，也可以使用井字形构图，将这一局部放置在井字形交叉点上。
拍摄游泳的孩子时，将孩子安排在画面的黄金分割点附近，可以使画面表现得更协调，孩子也能够得到突出体现。
02三分法构图所谓的三分法构图，就是指将被摄主体安排在画面三分线位置来进行拍摄的方法，将画面横向或者是纵向平均分成三份。
这种平分会使画面产生两条横向或者是纵向的等分线，我们将这两条等分线称为三分线，利用这些等分线来构建画面的方式就是三分法构图。
三分法构图往往会给画面带来和谐、优美、生动等画面效果，而不同的三分线形式在拍摄不同的主体时，使用方法也是不同的。
一般情况下，在拍摄风光题材的照片时，横向的三分法构图比较常用，而这种三分法还可以分为上三分与下三分。
利用三分法构图拍摄草原时，如果主要想表现草原风光，可以利用上三分法的方式进行取景拍摄。
著名摄影流派、大师及作品欣赏
达达主义摄影
达达派即达达主义。是二十世纪初在欧洲产生的一种资产 阶级的文艺流派。关于“达达”一词的由来，历来众说纷纭。 有些人认为这是一个没有实际意义的词。在罗马尼亚语中意 为“是的，是的”。最流行的一种说法是，1916年，一群艺 术家在苏黎世集会，准备为他们的组织取个名字。他们随便 翻开一本法德词典，任意选择了一个词，就是“dada”。 在法语中，“达达”一词意为儿童玩耍用的摇木马。因此， 就被命名为“达达主义”，以昭显其随意性。 达达主义的主要特征包括：追求清醒的非理性状态、拒 绝约定俗成的艺术标准、幻灭感、愤世嫉俗、追求无意、偶 然和随兴而做的境界,蔑视传统、挑战边界。 颠覆，摧毁欧洲社会和文化秩序，拓宽了艺术的边界，对一 切现代主义流派都产生了影响。
当今天的人们用“小清新”、“萌系”、“时尚大片”、 “人文纪实”等流行词汇来形容摄影的面貌时，或许不太了 解在不到200年的历史中，摄影走出了多条流派之路，如同一 个个自然形成的小村庄，最后汇建成了今天大都市。 绘画主义摄影是盛行于二十世纪初摄影领域的一种艺术 流派，它产生于十九世纪中叶的英国。该派摄影家在创作上 追求绘画的效果，或“诗情画意”的境界。
什么是纯粹摄影？ 其创导者为美国摄影家斯蒂格里兹。他们主张摄影艺术应该 发挥摄影本身的特质和性能，把他从绘画的影响中解脱出来， 用纯净的摄影技术去追求摄影所特具的美感效果——高度的 清晰、丰富的影调层次、微妙的光影变化、纯净的黑白影调、 细致的纹理表现、精确的形象刻画。
• 主张摄影艺术应该发挥摄影自身的特质和性能， 用纯净 的摄影技术去追求摄影 所特具的美感效果，也叫直接拍 摄。
他重视画意 的营造，力 求印象绘画 效果，以表 现蒙胧之美。
• 印象主义的局限是对摄影的真实表现认识不足，在影像创 作中以绘画的审美要求对影像表层进行了简单的修改，并 想以这种机械的仿画般的改动来使得摄影更为艺术化。 • 印象主义摄影的特点是蒙胧、唯美、模糊、典雅。整体作 品构图自然，画面影纹粗糙，不求立体与质感，不求细节 的展现。
摄影师的摄影技巧分享与展示话术
摄影师的摄影技巧分享与展示话术摄影，是一门用光线和色彩作画的艺术。
作为摄影师，掌握一些实用的摄影技巧，并能够清晰地向他人展示和分享，不仅能提升自己的摄影水平，还能让更多人感受到摄影的魅力。
接下来，我将为大家详细分享一些关键的摄影技巧以及相应的展示话术。
一、构图技巧1、中心构图中心构图是将主体放在画面的中心位置，这种构图方式能够突出主体，使观众的注意力迅速集中在主要元素上。
展示话术可以是：“大家看这张照片，我把主体放在画面正中央，周围的环境起到了很好的衬托作用，让主体更加突出，一下子就能抓住您的眼球。
”2、三分法构图将画面平均分为九宫格，把主体放在四条分割线的交叉点或者沿着分割线分布。
比如这样说：“这张照片运用了三分法构图，主体放在了左边的交叉点上，画面看起来更加平衡和有层次感，是不是让您感觉很舒服？”3、对称构图适用于具有对称美的场景，比如建筑、倒影等。
展示时可以讲：“这是一张对称构图的作品，两边完全对称，给人一种稳定、和谐的美感，是不是非常独特？”二、光线运用技巧1、顺光顺光拍摄时，主体正面受光均匀，色彩鲜艳。
分享时可以说：“这张照片是在顺光条件下拍摄的，主体的细节和色彩都得到了很好的展现，看起来非常清晰和亮丽。
”2、逆光逆光能够营造出强烈的氛围感和轮廓光。
比如：“您看这张逆光拍摄的作品，主体的轮廓被光线勾勒得非常清晰，营造出了一种神秘而浪漫的氛围。
”3、侧光侧光可以突出主体的立体感和质感。
可以这样展示：“这张照片用侧光拍摄，主体的立体感一下子就出来了，纹理和质感都表现得淋漓尽致。
”三、拍摄角度技巧1、平视角度平视角度拍摄的画面与人眼的视觉感受接近，给人一种真实和亲切的感觉。
展示时说：“这张照片采用平视角度，就像我们平时看到的场景一样，让您能够身临其境。
”2、仰拍角度仰拍可以使主体显得高大、雄伟。
比如：“大家看这张仰拍的照片，是不是让主体看起来更加高大壮观，充满了力量感？”3、俯拍角度俯拍能够展现出广阔的场景和整体的布局。
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若说画意派摄影需要一个定义，毋宁说需要一个地位。 事实上，建立在更高层次之上的审美需求，将画意类作 品置于很玄妙的境地：与鲜活热辣的时尚摄影相比
，似乎更为“阳春白雪”一些，也更为隽永;而与单纯的 瞬态拍摄相比，则更具内涵。以个人的理解来看，画意 摄影实际上就是：瞬态拍摄时间或空间场景绘画
技法结合而成的摄影作品。一句话，若说瞬态摄影是历 史的见证，可以为之做注脚;画意则是可以装点生活的道 具，是可以关照审美享受的载体，应该出现在人
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岩棉复合板 /
对美学知识的积累，除此之外，还要有较强的图像软件 操控能力。若两者都具备了，那么在画意摄影的天地里， 长袖善舞并不是梦想。胶片时代的前人通过各类
技术手段综合在一起创造了这一独特的艺术类型，但也 只能靠独特的肌理与划痕来诠释摄影美学的点线面。现 在，我们可以用大量的拍摄素材、丰富的技术手段
将画作的“意”充分地表达在摄影作品里。画作的隽永， 照片的记录特性，两者相加的结果会超越两者单独存在 的意义。如果说这是一种照片和画作相加的价值
的，通过大量的练习即可达到，而观念的“意”才是金 子中的钻石。所以在拍摄前，一定要问自己：我的创作 意图是什么?需要什么样的场景?表现的地点是什
么?时间年代如何?总之，决不能没有情节、没有故事， 否则画面也就没有了基石。“画”大于“摄”画意摄影 的根本始终是摄影，但是如果脱离开“画”的形
式，画意摄影是否也就没有意义了?“画”作为外在特点 之一，是这种形式的一部分。既然说是画，就要更多地 遵循于画的美学原理。如何使画面更美，更符合
模特是一个表现在画架前的职业模特，但如果面对大众 市场而非拍卖或者画廊销售时，人像拍摄将到原点，照 顾到客户情绪的同时，最好的办法是发掘客户的历
史与审美爱好。笔者曾经拍摄过类似的摄影作品，清淡 的水彩痕迹让客户想起儿时快乐的时光，而以自己作为 模特变为画中的主人公，是除谈心外更能获取好感
的手段，画意类作品注重生活高于生活，即使是普通的 客户，也不允许出现失败的作品，因为那是你的而不仅 是客户的。
摄将到原点，照顾到客户情绪的同时，最好的办法是发 掘客户的历史与审美爱好。笔者曾经拍摄过类似的摄影 作品，清淡的水彩痕迹让客户想起儿时快乐的时光
，而以自己作为模特变为画中的主人公，是除谈心外更 能获取好感的手段，画意类作品注重生活高于生活，即 使是普通的客户，也不允许出现失败的作品，因为
那是你的而不仅是客户的。画意与人物的融合艳俗类人 像摄影作品往往更关注模特表现的精准与情绪。画意摄 影也是如此，其实每个画意派摄影师更希望自己的
们生活的各个角落。对画意摄影来说，“画”是一种形 式，要把这种形式变为有意义的作品，就要把个人的观 念融入照片里。因此“画意”首重“意”字，若只
追求画面效果，忽略画面内的意图，也只能是一幅失败 的作品。两者比较，摄影是记录性大于可读性，一幅摄 影作品不一定让读者赏心悦目，但其历史的传承使
其具备了史料的价值;画作则是可读性大于记录性，画家 把自己的意图更直接地倾注在画布上，以其艺术的独特 价值吸引人们的目光。学习画意摄影的根本就是
，这种价值是怎么体现的?如何实现这种相加?我从小学 习美术，酷爱油画，接触到图像编辑系统的大千世界的 时候，就产生了将美术与人像相结合的欲望。在
逐渐的摸索中，通过经验积累和无数次的尝试，终于蹒 跚着走出了画意人像的一条小路，下面浅谈几点心得， 以与同好共享。意”大于“画”对一副成功的作品
来说，画面中的独特内涵总是让人惊喜、值得玩味的焦 点，而其间的表现手段却往往会被无意间忽视掉。因为 无论绘画的笔触，或是摄影、制作的技巧都是可控
组成元素的“质感”的实现是一个关键环节。那么具体 到画意人像的创作上，又应该如何理解?如今，画意派摄 影作品似乎在主流之外形成了一条小河，这种独
特的表现方式已经被更多的人所接受，尤以人像作品和 风光作品吸纳最快。具体到画意人像的创作上：商业上 的广泛波及从画意摄影诞生的那一刻起，画意人像
便是其中的一个重大课题。甚至在二十世纪八十年代曾 经有过一段小小的高潮。那时期的很多广告画面上，总 是有意无意地被施加一些肌理、磨损的痕迹，而同
使自己与被摄者的耐心消耗殆尽。这一点无论对“摄影” 还是 “作画”来说，都绝无好处。应该说，摄影师突破 自己的最好方法便是了解生活，以及被摄者
的生活常态，结合自己的场景选择来表现。一个很好的 办法是提前做好腹稿，最好用笔画出简图，拍摄前与被 摄者进行充分交流，如果有类似的照片做参考更好
。 “做”大于“型”作画有写实派也有写意派，有婉约派 也有豪放派，画意摄影同样如是。掌握不同的手法完成 自己的作品是非常重要的一环。了解绘画的
场中，极大数量的观念类作品是以画意人像的形式来呈 现的，通过人像——情节产生的原点——来表述作者独特 的创意与心思。这类作品在历届“双年展”或者
交易会中经常出现，一直是参观者、购买者眼里的宠儿， 这是画意摄影商业作品的触角延伸。画意与人物的融合 艳俗类人像摄影作品往往更关注模特表现的精准
与情绪。画意摄影也是如此，其实每个画意派摄影师更 希望自己的模特是一个表现在画架前的职业模特，但如 果面对大众市场而非拍卖或者画廊销售时，人像拍
朋友都知道，素描、水粉、水彩、油画、国画、混合颜 料、混合材质、画布、速写纸、素描纸、水粉纸、水彩 纸、乃至墙面喷涂的肌理与纹路都是不同的，笔触
的质感也是不同的，有无数的肌理元素等待我们探索。 另一方面，则取决于摄影师掌握的“图库”数量，即摄 影师对拍摄素材的积累。“手法”和“图库”之后
，才是模特的“型”。通过瞬态拍摄获得的“型”可能 是接近完美的，但画意的主题内涵与表现形式才是作品 成败的关键。简单来说，即在后期过程中，对画面
画意摄影流派产生于19世纪80年代，到20世纪20-30年代 早期终止。画意派主张摄影师表现自己的个性和才华， 不依附传统模式。强调画面中影调、
线条、平衡等美学元素的重要性超过照片的现实意义。 当时，画意派很少采用类似拼贴、叠合等方式产生类似 绘画的效果，而是通过直接的拍摄和采用特殊工艺
的制作。如果说在19世纪时，技术门槛还是画意派的天 敌;那么如今，胶片时代大师们所面对的难关几乎变得不 值一提。归根结底，画意的“准入证”并不高
美学原理的角度出发，去实现拍摄元素的排列与组合。 对于用光要求也是同等的，一幅美的作品无不是光的艺 术，不止是摄影，画画也同样如此。了解更多的美
学规则，是摆在“画意派”面前的艰难任务，也是持之 以恒的最高准则。“摄”大于“做”照片的品质好，后 期的工作会相应减少很多，只一味地追求最后一环
，一切靠后期的想法是错误的。这要求作者对摄影器材 的掌握如臂使指，合理地运用自己的摄影器材。如果你 喜欢浪费快门，那么在不加选择的拍摄中，往往会
期的摄影作品则十分倾向类似油画效果的背景。一幅幅 以油画背景为底，人像置前的作品如同雨后春笋般覆盖 了整个市场。但在当时，室外拍底片擦出独 特的纹理，然后在暗室中进行显影程序，以期达到曝光 不足或曝光过度等不同基调的照片。如今，日益成
熟的后期影像技术缩小了想象力与现实之间的差距，这 种更为自由的表达形式，也获得了观念、新媒体艺术作 者的喜爱。在摄影拍卖市场或摄影类作品的销售市
，凡是懂得画意本义的摄影师都可以做得很好——因为目 前的技术手段和辅助道具都超越了前人的想象。但事实 上，关于画意摄影——不管从业者在行业中的分
工如何、地位几许，对这个题材一直多有保留。但在门 类如此繁多的发展道路上，针对如此庞大的市场，摄影 师无一不希望自己的作品变得更美。在这样的背景
下，“画意派”这个在胶片时代曾经一度辉煌，历经凋 零的摄影类别，静悄悄地敲响了复苏的战鼓。画意摄影 的本质是什么?视觉艺术可否通过画意获得升华?