水彩画半身像写生的方法与步骤

水彩画半身像写生的方法与步骤

一、半身人物的形体与解剖

一般而言，画出带手的人物形象称之为半身人像，于成为半身像要认真刻画的重要部分。

手臂的肌肉包括：三角肌、肱二头肌、前臂屈肌群、手腕肌肉等。手臂突出的几个骨点：肩峰、尺骨鹰突、肱骨内、尺骨茎突、挠骨茎突。

手可分成三个部分：腕、掌、指。腕有八块腕骨，腕部靠拇指侧连挠骨，小指侧连尺骨;手掌有正面的指侧肌群和小指侧肌群。

躯体：胸部是扁立方体;骨盆是呈梯形立方体，上小下大。胸部与骨盆的形体是呈相反倾斜方向的，两者体现出大的形体穿插关系。颈部呈圆柱形。

二、姿势与姿态

姿势与姿态是半身像写生的关键。一幅半身像的成功之处就在于姿势与姿态美感的生动体现，表现出和谐、对称、均衡、节奏、变化上的统一。在半身像中由于手的出现使人们对姿势与姿态所带来的要求要比头像复杂得多。传统表现和现代表现对姿势与姿态的要求是不一样的，传统写实手法在姿势上偏向于追求均衡、和谐、稳重、对称的效果，姿势和姿态的运动感、装饰效果放在次要位置。如达．芬奇的《蒙娜丽莎》，构图呈金字塔形，姿态追求自然，动态变化减到最低，双手显得姿势优雅，整体姿态文静而又庄重，它是文艺复兴的典型艺术

特点的体现。

关维兴的《人间圣母》当中人物的姿势追求变化、运动、夸张，体现姿态对人物心理特征和内心情感的戏剧性表达。而美国画家托马斯的《牛仔之歌》在传统写实手法的基础上，进一步加强人物造型的浑厚感，使人物的形象更加威武雄壮。当然，姿态与姿势在运用当中体现的法则也是灵活的，并无统一的程式，任何形式只要在姿势与姿态的运用当中能与人物情感与心理特征相协调，个人艺术风格与艺术法则相统一，画面就能取得好的效果。

在设计姿态与姿势过程当中，一般来说不同于创作的动作设计。写生人物要求人物姿态要自然，多采用模特本人习惯的动作，可稍作调整以达到动作的自然。有时模特在瞬间的变化最为生动自然，我们就要善于捕捉到这种自然的姿态。所以写生是一个积累经验的过程，它是区别于照片的一个重要之处。

三、衣着的表现

服饰的表现在半身人像写生中占相当重要的位置。民族服饰花纹多，图案面积大，在整体概括上要准确;传统服饰相对宽大，较厚重，较大面积地遮盖身体，因此，产生的形体效果也不同;冬秋季服装衣纹变化大，而且不同质感、不同款式和色彩容易搭配，质感较强，极富绘画性;夏季较透明质地的衣服衣纹比较琐碎，或者有饰边花纹等装

饰物，处理衣纹过程中要注意概括、提炼，要抓住符合人体结构的衣纹，表现出简与繁、松与紧、虚与实、静与动的关系。

四、人物性格与特征

人的基本脸型相同、相似的地方很多，以前很多人在画模特的时候总会有七分像自。其原因一方面在于人的基本结构的一致性和相似性，另一方面在于画者不能区分人与人之间细微的个性差别，找不到某个人的特征与性格。我们每个人在头骨结构上大致相同，但又有差异，中国人用汉字的甲、目、申、国、由、田、风等字的形态概括人的脸部特点与特征。而平时我们多用文学语言区分人物五官的差别，如三角眼、杏仁眼、大环眼，鼻子有高鼻梁、蒜头鼻等等，这都是体现了人物性格、特征的各异。

绘画大师们在写生或人物创作中对人物性格特征的把握十分准确、生动和感人。如列宾在《伊凡雷帝杀子》中将伊凡大帝恐惧、后悔的表情特征，以及残暴、凶恶的性格表现得十分深刻。俄国画家谢罗夫在《肖像》中，将人物形象刻画得入木三分。

荷兰绘画大师伦勃朗更是画了几十张自画像，对自己不同的神态、性格特征作了细致的观察和生动的刻画，从中找出不同的个性。他的自画像每一张的表情和性格特征都抓住了当时的心情和心理状态，由中年到老年，虽然时间跨度大，但非常生动，他的自画像因此在美术史

上留下了难于磨灭的印象。

五、肖似

肖似是肖像画家们最终要追求的目标，它包含了肖像艺术的各个因素。我们在人像写生中要强调肖似，要在人物性格特征上下功夫，更深层地理解人物特定个性，在姿态设计上、心理特征的表达上、画面气氛营造上和艺术表现上要与人物的时代感、身份及精神气质相符合。

比如叶献民在《春天的追忆》中，采用明快的色彩，加上厚重的笔触，生动地刻画出人物的个性。梅尔尼柯夫在《苏联姑娘》中，用十分自由的运笔和强烈的色彩表现了苏联女子的热情与豪爽。罗宗海的《老区新人》表现出一位老区新人热爱家乡、建设家园的雄心壮志，整幅画面，尤其是背景，简洁明朗，显示出人物内心宁静与崇高。安格尔的《培尔丹先生像》用双手放在腿上的姿势以及蓬乱花白的头发，表现了培尔丹临死之前的精神状态和对事业执着的追求。我们熟知的《蒙娜丽莎》中，达芬奇用了一种对生活充满信心的微笑表达了人物的内心世界。

六、半身人像写生步骤

1、起稿

用铅笔或颜色勾出人物大的动态线和轮廓线，将头顶、肩宽位置、手的位置以及人物中心对称轴线画出，当然这条轴线是不存在的，只是

为了观察方便。在比较整体观察方法上画出五官位置及特征加强主体的明暗转折关系，作示意性的描绘，点到为止。衣服的描绘要符合人体结构，主线清晰，衣裙的变化要作大段的交待，五官要注意轮廓的透视关系，要等大的构图位置安排好后再画五宫，用笔要准确、简练。

2、画大体色

一开始先用水使纸湿润，等纸上无水的反光之后才开始着色。上色顺序是淡色——主体色——变化色——深色。中间步骤可有顺序地反复穿插进行，以便造成画面效果的生动与自然。主体周围的界线要画模糊些，虚实相生，明暗对比由弱渐强。五官基本确定后，再画头发、衣服和背景大的色块，注意手的形状与大小，这一步尽量使用大笔触。若长期作业，可将色彩对比加强一些，在深入过程中将色彩调准。

3、深入刻画

深入阶段要对面部五官进行重点刻画，可先从感兴趣的地方开始，但要注意整体，也可从最容易表现的部位入手。头发与脸部的对比关系要拉开，注意头与手的细节刻画。五官在深入时，细节的增加要注意透视关系，手的细节增多往往会显得比原来起稿时要小，可略放大些。加强头、颈、胸三大块的空间关系和穿插关系的处理，分析光源的方向和强弱，暖色与冷色在亮部、暗部、明暗转折处北京桔子树少儿美术培训班课程内容通常分为：

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分别产生怎样的影响，要注意环境光不应改变主色调和光源色，即使很强的反光也应将它减弱。在细节的刻画当中应讲究用笔，控制水分的量和流向，用笔要有艺术表现力，才能显示出水彩画的特点。深入过程是从局部到整体再由整体到局部反复调整的过程，局部深入的目的是使整体形象丰富。

4、整体调整

经过数遍甚至更多的深入刻画，人物的性格特征和五宫的素描关系、色彩关系都具体起来，水彩的特点随之明显。这一步就是对以上的各种关系作最后的调整，达到完美的效果。这个阶段大多脱离模特，依赖于主观的艺术处理。深入阶段是基本功的体现，而总体收拾更多地表达了个人的艺术修养。就画面而言，要有一种超越对象的东西，如肌理、丰富的色层、笔触等等，这是绘画表现的长处。