浅谈水彩画创作的形式美

摘要：形式美是水彩画的母体，画面缺乏美的形式将无法产生美感。本文提出了一些表现水彩画创作形式美的方法，以期可以提高水彩画创作的形式美水平。

关键词：水彩画；创作；形式美

中图分类号：j225 文献标识码：ａ文章编号：1005-5312（2012）21-0043-01

一、水彩画

水彩画是用水调和透明颜料作画的一种绘画方法，简称水彩，由于色彩透明，一层颜色覆盖另一层可以产生特殊的效果，但调和颜色过多或覆盖过多会使色彩肮脏，水干燥的快，所以水彩画不适宜制作大幅作品，适合制作风景等清新明快的小幅画作。颜色携带方便，也可作为速写，搜集素材用。

二、形式美

形式美指构成事物的物质材料的自然属性（色彩、形状、线条等）及其组合规律（如整齐一律、节奏与韵律等）所呈现出来的审美特性。把色彩、线条、形体等按照一定的构成规律组合起来，就形成色彩美、线条美、形体美等形式美。形式美的构成因素一般划分为两大部分：一部分是构成形式美的感性质料，一部分是构成形式美的感性质料之间的组合规律，或称构成规律、形式美法则。

形式美是在艺术家们的艺术研究和探索中总结出来的，它是极为抽象的一个概念。通过点、线、面、色、形等绘画元素，经作者

水彩画浅析.

水彩画浅析论文关键词:水彩画;水彩画语言;审美价值论文摘要:本文论述了水彩画的发展概况，水彩画的独特语言特点及审美价值，以及中国水彩画与西方水彩画。水彩画在中国的发展相当成熟，在我们多元环境中，更加具有强大生命力。中国水彩画在世界水彩画中一定会熠熠生辉。就绘画种类而言，水彩画在这个大家庭中可以说象是一股清泉，象是一缕阳光，如同诗一般的抒情，同时具有音乐一样的高雅。在历史的长河当中，为人所欣赏，品尝。在给观者带来审美愉悦的同时,也让我们更想去了解它的历史、语言、审美...... 一水彩画的发展阶段水彩艺术历史久远，是人类绘画史最古老的画种之一，就本身而言是用水和颜料调和绘制而成的画面。按历史时间发展大致分为三各阶段：第一阶段为“古代水彩画”。这个时期可以上溯到古埃及、印度、希腊、波斯和中国。我国战国时期的帛画，可以称得上是“古代水彩画”。无论从设色以及画面的风格都体现出了水彩画语言的独特魅力。波斯王朝的细蜜画，也是倍受人观注的“古代水彩画”的形式，更有一种独特的感受。第二阶段为“近代水彩画”。这个时期的水彩画，是我们现在所熟悉的狭义规定的水彩画。是指用水和水彩颜料调和在特制加工的水彩纸上所画的图画。它经过画家的实总结,形成了一套完整的与其他画种截然不同的技法，同时随着科学的发展，光色的运用以及素描光影等造型因素的结合，使画面充分发挥了水的作用,，形成独特的审美趣味。这些因素有机结合，形成了现代水彩画的独特风貌。符合上述这个概念的水彩画，其历史并不太长，首先起源于17世纪的德国，18世纪的英工业革命带来了近代水彩画的繁荣，19世纪末才由西方传入中国。在西方，当水彩画还处于初期尚未形成成熟画种之时，一些画水彩画的画家曾借鉴油画的绘画技巧，以此来提高水彩的表现能力。然而，长期的艺术实践中，水彩画由于颜料、纸张等特性，慢慢摆脱了油画技法的影响，逐步建立起一套完整的独特技法，从而建立了与油画相并列的独立画种。西方许多油画大师，同时也是水彩画家，如德国大师丢勒，英国的“水彩画艺术之父”桑德比，“水彩画艺术的保护人”门罗以及“写实风景画的开创者”康斯特布尔，法兰德斯的鲁本斯，荷兰的伦勃朗等。另外，毕加索、米罗、克利、夏加尔等大师的水彩作品颇为前卫性。使水彩画自由多样，一改前辈的严谨和规范。毕加索的原始、米罗的神秘、克利的幻觉，无不在各自的水彩画中得到了更宽泛的表现。第三阶段为“当代水彩画”。当今世界水彩画融入了更多时尚的因素，由于新材料新工具的运用，再加上世文化的融合交流，使水彩画更加丰富，更加

探析水彩画的艺术特征及表现方法

探析水彩画的艺术特征及表现方法发表时间：2012-06-19T12:23:54.873Z 来源：《中国科技教育理论版》2012年第3期供稿作者：官振彬 [导读] 前面已经谈到水彩画的基本特点，水作为水彩画区别于其他画种的特定界线，其地位的重要性是可想而知的。官振彬深圳宝安画院 518000 摘要水彩画艺术表现的核心在于水与色彩的协调与配合,文章对水彩画的艺术特征及表现方法等问题进行了论述。关键词水彩画艺术特点表现方法水彩画是用水调和透明颜料作画的一种绘画方法，简称水彩。水彩画强调水色的运用，因工具材料的特性，技法与其他画种不同，从而形成自己独特的审美价值和审美趣味。一、水彩画的起源与发展（一）水彩画的起源水彩画的早期阶段，其表现手法非常简单，它只需用水调配可溶性颜料就可作画。古早在 150万年以前，西班牙旧石器时代的阿尔太米拉石窟壁画中的野牛、古埃及人用芦笔画在草纸和墙壁上的画以及我国西南地区诸省的崖画，都可以说是原始社会早期的水彩画。 18世纪到19世纪中期，英国水彩画取得辉煌成就，使水彩画作为一门独立画种真正登上艺术殿堂，在世界艺术格局中占有一席之地。因此，人们把英国作为水彩画的发源地。故此水彩画也称之为“绅士的艺术”。 19世纪末20世纪初，欧洲水彩画，几经沿革，由钢笔淡彩发展成多彩风格，直至逐步突破古老画法，大胆追求自然光色，从而创造出英国水彩画最辉煌的时代。技法日趋成熟，水彩画特性更为明显，名家辈出，享誉世界， 19世纪中期，达到了可与油画相媲美的水平，终于登上绘画艺术的巅峰。（二）水彩画的发展 20世纪初期，许多杰出的画家，都对水彩画的发展做出了巨大的贡献。俄国抽象表现主义画家康定斯基(Wassily Kandinsky，1866 -1944)作了许多实验性的水彩画后，完成了一种比较稀疏的构图，由感性发挥走向严格的自律，创作出一种理性的抽象构成绘画。德国画家保罗?克利 (Paulklee，1879-1940)运用对比技法融合于色彩的层次变化之中，并使色彩的分配、创作出很多优秀水彩画作品。同期或稍后，现代水彩画在美国发展蓬勃，美国已成为 20世纪以来新崛起的“水彩画王国”。随着科技的进步，新的绘画材料的生产，20世纪水彩画已不再局限于透明水彩与不透明水彩两大范畴。二、水彩画的基本特点及其艺术特征 1、水彩画的特点水和彩构成了水彩画语言的基础，借助“水”和“色”的相互作用，使画面具有透明、轻快、滋润、流畅等特点，能获得特殊韵味的效果。19世纪英国著名水彩画家和理论家拉斯金曾作过如下描述：“水彩在画家的处理下，水滴和它明快性质所形成的幻想与造化，溅泼的痕迹，凝结的色块，以及斑斑的粒状虽然对于画面的表现没有什么意义，但由它偶然产生的梦境似的造化，清新的趣味，明丽的色调与松柔的感觉，是其它材料所没有的。”这正好阐明了水彩画的特点。 2、水彩画的艺术性表现水彩画的历史上，有许多大师运用水彩画艺术语言作出了许多优秀的作品，充分展示了水彩画艺术的魅力。文艺复兴时期，德国伟大的油画家、版画家丢勒，同时也是水彩画的先驱。他认为水彩画最能表现色彩和气氛，既可以淡彩薄涂，又可以用不透明水彩刻画入微，充分表现抽象与质感。传世的《幼兔》和《草地》很好地体现了他的技法特点。十九世纪前期，英国的透纳和康斯坦布尔的水彩画表现了强盛的英国工业革命时期雄心勃勃的生命力及对生活的强烈感受。康斯坦布尔在表现乡间景色的作品中，成功地创造了一种精致细腻层次、丰富的色彩结构，以其质朴、真实的艺术唤起人们对生活的热爱、对自然的向往。透纳则以更加犀利的目光、更富于幻想的头脑来进行创作，他的作品不仅着力于对大自然外表的描绘，而且深入自然深处，以写意的手法捕捉大自然的光和色的变化。法国印象主义就是从康斯坦布尔和透纳那里获得了丰富的营养和有益的启示。透纳创造的水彩画壮丽炫目。在《威尼斯从捷迪卡向东看日出》和《从内塔河对岸上看海的宝》中，我们根本无法寻求细节，无法知道当时的场景是否和他所绘的一样，但是它表现了我们对于自然景象的真实感受，而这种感受正是我们在读浪漫主义诗篇和听浪漫主义音乐时所感到的东西。强调气氛与光的再现，对迷人色彩的运用，变幻莫测，活跃而流利，纤细而肯定的重复皴、擦、点、染是透纳技法的最大特点。他还把透明色的技巧从水彩画转移到油画中，使两者交融、各取所长、同步发展，使之得到了最完善的表现，以致水彩担负着十九世纪英国画坛的主角。三、水彩画的材料、表现方法及韵味 1、画纸和画笔水彩画作为一种独立的绘画形式存在于艺术领域当中，其载体是有着自身特点的，水彩画纸是水彩画制作的首要载体，画纸的好坏会直接影响到绘画效果。因而，对于水彩画纸的选择是极其讲究的。理想的水彩画纸，纸面白净、质地坚实，吸水性适度，着色后纸面比较完整，纸纹的精细根据表现的需要和个人习惯选择。水彩画笔一般是由貂毛、牛毛、羊毫及猪鬃或尼龙等制成的。在形状上有扁形笔、圆形笔及线笔之分。在作画过程中，各种形状的画笔会画出不同的效果与情趣。 2、颜料及辅助媒介水彩色从原料上说是从动物、植物、矿物等各种物质中提取制成的，也有化学合成的。颜料中含有胶质和甘油，使其能附着画面。水彩颜料最大的特点是色粒很细，与水溶解可显示其晶莹透明，把它一层层涂在白纸上，犹如透明的玻璃纸迭落之效果。水彩浅色不能覆盖底色，不象油画、水粉颜料有较强的覆盖力。 3、水与彩的特点及韵味前面已经谈到水彩画的基本特点，水作为水彩画区别于其他画种的特定界线，其地位的重要性是可想而知的。水彩画是通过水彩颜料、水及其他辅助材料工具，按照画家作画意图，利用媒介物相互渗溶造成的独特艺术效果，水和彩恰到好处的运用形成了水彩画独特的水韵和色彩韵味。水彩画中，水的韵味有种种不同和差异，水的流动韵味、水的沉渍韵味、水的渗化韵味、水的冲洗韵味等都是水彩画的

浅谈水彩画的特殊表现力

浅谈水彩画的特殊表现力 ——透明灵秀的艺术形式【摘要】本文通过水彩画与其它画种的比较，得出水彩画之所以能够以独立的姿态屹立于世界民族艺术之林，就是因为它有着与众不同的艺术风格和表现力。【关键词】表现力艺术形式艺术风格（一）水彩画的形成与发展运用水彩做画，在绘画技法中是最古老的一种方法。古埃及时代就有人以水为媒剂调和颜料在草纸上作画。中世纪的欧洲人使用类似的方法，绘制祭祀用的手抄经本里的插图，这就是水彩画的雏形。根据推断，中国水彩画的出现当在纸和毛笔发明之后，蔡伦造纸，蒙恬制笔，远比西欧早。水墨技巧到宋代已相当成熟了。宋代沈括在《梦溪笔谈》中说：“徐崇嗣乃效诸黄之格，更不用墨笔，直以彩色图之，谓之没骨。”实质上就是水彩画，但在表现技法上与西欧的水彩画不同，现在我们所称的水彩画是从西欧传到中国来的，已有百余年历史了。水彩艺术在欧洲各有不同的独立开端。欧洲的水墨画始于14世纪，佛罗伦萨教堂里的壁画就有以水墨单彩来起稿的。可见，远在古代，人们就已经把水彩作为一门艺术形式运用到了绘画当中。德国巨匠丢勒（1471—1582）利用水墨技巧发展为比较完整的水彩画（WATER COLOUR）。一般公认为他是第一个作水彩画的。他的水彩画精细，工整，并略施以粉质。作品有《大草坪》，《一簇樱草》等。德国的霍尔拜因和克拉那赫，意大利的彼罗西奥都曾作过水彩肖像和其他题材的水彩画。17世纪佛兰德斯的鲁本斯及其弟子安东·凡·戴克，都曾作过一些水彩速写。荷兰画家阿德里昂·凡奥斯·塔德兄弟则全部用透明色制作水彩画，为现在欧洲大陆的水彩画奠定了基础。使水彩画发展成为独立画种，应归功于18至19世纪英国水彩画家的努力。英国水彩画有自己的传统，从16—17世纪以来风行一种记录性的地形风土画。英国资产阶级革命促进了经济，政治，文化的发展。随着海外的扩张，旅游的

水彩的主要分类、艺术特征及基本画法

水彩的主要分类、艺术特征及基本画法水彩就是水与色彩的融合，泛指用水进行调和的颜料。顾名思义：水彩它给人的感觉有2种，一种是给人“水”的感觉，非常流畅和透明；另一种是给人“色彩”的感觉，各种不同的色彩，刺激我们的大脑，给人们不同的感受，就像世界是多姿多彩一样。主要分类按特性一般分为透明水彩和不透明水彩两种。分别为：水彩【watercolour】一般称做水彩颜料。透明度高，色彩重叠时，下面的颜色会透过来。色彩鲜艳度不如彩色墨水，但着色较深，适合喜欢古雅色调的人。即使长期保存也不易变色。水粉【Gouache】又称广告色，是不透明水彩颜料。可用于较厚的着色，大面积上色时也不会出现不均匀的现象。虽然同属于不透明水彩颜料，但水粉一般要比丙烯便宜；但在着色、颜色的数量以及保存等方面比丙烯稍逊一筹。应根据不同用途选择性的使用。按制作工艺水彩颜料一般有四种：

干水彩颜料片湿水彩颜料片管装膏状水彩颜料瓶装液体水彩颜料艺术特征 “水彩画”顾名思义，就是以水为媒介调和颜料作画的表现方式。就其本身而言具有两个基本特征：一、颜料本身具有的透明性；二、绘画过程中水的流动性。水彩材质的特性导致水彩艺术的特殊性。水色的结合、透明性质、随机性及肌理都是值得研究的课题。水融色的干湿浓淡变化以及在纸上的渗透效果使水彩画具有很强的表现力，并形成奇妙的变奏关系，产生了透明酣畅、淋漓清新、幻想与造化的视觉效果，与自然把

持了和谐的灵动之美，构成了水彩画的个性特征，产生独特的不可替代的特殊性。基本画法干画法和湿画法干画法是一种多层画法。用层涂的方法在干的底色上着色，不求渗化效果，可以比较从容地一遍遍着色，较易掌握，适于初学者进行练习。表现肯定、明晣的形体结构和丰富的色彩层次，是干画法的特长。干画法可分层涂、罩色、接色、枯笔等具体方法。层涂：即干的重叠，在着色干后再涂色，一层层重叠颜色表现对象。在画面中涂色层数不一，有的地方一遍即可，有的地方需两遍三遍或更多一点，但不宜遍数过多，以免色彩灰脏失去透明感。层涂象有色下班重叠，事先预计透出底色的混合效果，这一点是不能忽略的。罩色:

水彩画的特点

水彩画是广为普及的一个画种，作为独立的绘画形式，其形成与发展经过了一定的历史过程，世界上第一幅水彩画是出自德国画家丢勒之手，但成为独立画种并兴盛、发展是在英国，至今已有三百年的历史了。水彩画同其他画种一样，因为使用的工具、材料的不同，有其特长，也有其局限，从而形成了能独立存在的艺术特点。（一）工具性能学习水彩画必须首先了解和熟悉水彩的工具性能，然后才能更好地掌握与运用它。 1、水彩颜料水彩颜料色粒很细,与水溶解可显示其晶莹透明;把它一层层涂在白纸上,犹如透明的玻璃纸迭落之效果。水彩浅色不能覆盖底色，不象油画、水粉画颜料有较强的覆盖力。水彩颜料的群青、赭石、土红等色属矿物性颜料，单独使用或与别的色相混都易出现沉淀现象，巧妙运用可产生新颖的效果。 2、画纸水彩画用纸比较讲究，它对一幅画的效果影响很大，同样的技巧在不

同的画纸上的效果是不大一样的。理想的水彩画纸，纸面白净，质地坚实，吸水性适度，着公后纸面比较来整，纸纹的粗细根据表现的需要和个人习惯选择。不要以为初学不管什么纸都可以作水彩练习，太薄的纸着色后高低不平，水色淤积，影响运笔；吸水太快的纸（如过滤纸），水色不易渗化，难以达到表现意图；太光滑的纸水色不易附着纸面，都不适合画水彩之用。应熟悉自己使用的画纸性能物点，善于巧妙地掌握它。 3、画笔水彩画笔需有一定弹性和含水能力，油画笔太硬且含不住水分，不宜用来画水彩（但有时可以用来追求某种特殊的效果）。狼毫水彩笔、扁头水粉笔、国画白云笔、山水笔等都可用来画水彩。准备一支大号的涂大色块用，具体塑造与细节描绘有两三支中、小画笔即可。 (二）水彩画的特点水彩画因工具材料的特性、技法与其他画种不同，形成自己的艺术特色，把水彩画比如轻音乐或抒情诗般的轻柔，是比较确切的。一幅好的水彩画除去内容与感受情的表达深刻之外，给人的感觉是湿润流畅、晶莹透明、轻松活泼，此种感觉就是水彩画的特点。水彩画之特点是与其他画种相比而言，油画的覆盖、厚涂形成厚重的

水彩画意境之美论文

浅谈水彩画的意境之美摘要：关于水彩画的意境美，更多地由画种本身的特点来产生。本文浅谈水彩画的意境之美，主要从水彩画与意境美的定义着手，通过水彩画的特点、水彩画的题材等几方面来阐述笔者的观点。现代人提高审美性，学会欣赏水彩画的意境美对满足现代审美需求有重要的意义。关键词：水彩画、意境美、水色交融 abstract: the beauty of artistic conception about water colors, more by type the characteristics of itself to produce. this paper discuss the beauty of artistic conception of watercolor, mainly from water colors and artistic conception on the definition, through the characteristics of watercolor, watercolor theme several aspects elaborated the author’s point of view. modern to increase the aesthetic, learn to appreciate the beauty of artistic conception to meet watercolor modern aesthetic demand have important significance. keywords: watercolor painting, the beauty of artistic conception, water color blends 中图分类号：j225 文献标识码：a文章编号：正文

浅谈我对水彩画的认识

浅谈我对水彩画的认识摘要：几个世纪来，水彩画作为具有独特艺术魅力的画种之一，以其画面独特的材质魅力深深吸引了人们，兴盛不衰。如今，水彩艺术在世界各国也和其他艺术门类同步呈现出现代艺术的特征风貌，风格多元，其特有的艺术语言和审美价值使它独立于其他画种。关键词：水彩画；水媒介一、引言水彩画是用水调和透明颜料作画的一种绘画方法，简称水彩。水彩画强调水色的运用。水彩画因其对水的性能的充分运用和尽情发挥，形成了其他画种所不易做到的水色韵味。二、水彩画的起源于发展（一）水彩画的起源水彩画的早期阶段，其表现手法非常简单，它只需用水调配可溶性颜料就可作画。古早在 150万年以前，西班牙旧石器时代的阿尔太米拉石窟壁画中的野牛、古埃及人用芦笔画在草纸和墙壁上的画以及我国西南地区诸省的崖画，都可以说是原始社会早期的水彩画。 18世纪到19世纪中期，英国水彩画取得辉煌成就，使水彩画作为一门独立画种真正登上艺术殿堂，在世界艺术格局中占有一席之地。因此，人们把英国作为水彩画的发源地。故此水彩画也称之为“绅士的艺术”。 19世纪末20世纪初，欧洲水彩画，几经沿革，由钢笔淡彩发

展成多彩风格，直至逐步突破古老画法，大胆追求自然光色，从而创造出英国水彩画最辉煌的时代。技法日趋成熟，水彩画特性更为明显，名家辈出，享誉世界， 19世纪中期，达到了可与油画相媲美的水平，终于登上绘画艺术的巅峰。（二）水彩画的发展 20世纪初期，许多杰出的画家，都对水彩画的发展做出了巨大的贡献。俄国抽象表现主义画家康定斯基(Wassily Kandinsky，1866 -1944)作了许多实验性的水彩画后，完成了一种比较稀疏的构图，由感性发挥走向严格的自律，创作出一种理性的抽象构成绘画。德国画家保罗·克利 (Paulklee，1879-1940)运用对比技法融合于色彩的层次变化之中，并使色彩的分配、创作出很多优秀水彩画作品。同期或稍后，现代水彩画在美国发展蓬勃，美国已成为 20世纪以来新崛起的“水彩画王国”。随着科技的进步，新的绘画材料的生产，20世纪水彩画已不再局限于透明水彩与不透明水彩两大范畴。举凡能用水稀释作画的材料。如压克力、透明水彩液、水彩铅笔，都包含在水彩画的领域之中。三、水彩画的特点（一）水彩画的特点水彩画是以水与色的交融而形成的画种。它主要借助于光在物体上产生的明暗关系和色彩变化来进行物体的塑造，是真实客观地对事物的形态、色彩和特征作深入刻画的绘画形式。水彩画是通过水彩颜料、水及其他工具材料，按照画家的创作意图，利用水彩画的技法和

水彩画创作过程与分析

第三章、艺术创作的过程/第一节、创作素材的搜集与整理一、通过速写搜集素材

速写。顾名思义是一种快速的写生方法。速写是中国原创词汇，属于素描的一种。速写同素描一样，不但是造型艺术的基础，也是一种独立的艺术形式。这种独立形式的确立，是欧洲18 世纪以后的事情，在这以前，速写只是画家创作的准备阶段和记录手段。在中国素描和中国白描结合产生独特的以线为主线面结合的造型方法。速写对绘画工具的要求不是很严格，一般来说能在材料表面留下痕迹的工具都可以用来画速写，比如我们常用的铅笔、钢笔、圆珠、碳铅笔、木炭条、毛笔等等。速写的作用对于初学者来说，速写是一项训练造型综合能力的方法，是我们在素描中所提倡的整体意识的应用和发展。速写的这种综合性，主要受限于速写作画时间的短暂，这种短暂又受限于速写对象的活动特点。因为速写是以运动中的物体为主要描写对象，画者在没有充足的时间进行分析和思考的情况下，必然以一种简约的综合方式来表现。 ★速写能培养我们敏锐的观察能力，使我们善于捕捉生活中美好的瞬间。 ★速写能培养我们的绘画概括能力，使我们能在短暂的时间内画出对象的特征。 ★速写能为创作收集大量素材，好的速写本身就是一幅完美的艺术品。 ★速写能提高我们对形象的记忆能力和默写能力。 ★速写能探索和培养具有独特个性的绘画风格。因此对于初学者来说，速写是一种学习用简化形式综合表现运动物体造型的绘画基础课程。速写对于绘画创作者来说，速写是感受生活、记录感

受的方式。速写使这些感受和想象形象化、具体化。速写是由造型训练走向造型创作的必然途径。经常练习速写，能使我们迅速掌握人体的基本结构，熟练地画出人物和各种动物的动态和神态，对创作构图安排和情节内容的组织会有很大的帮助。对于绘画创作者来说，速写是感受生活、记录感受的方式。速写使这些感受和想象形象化、具体化。速写是由造型训练走向造型创作的必然途径。动态速写技术是画家成熟的标志。人体的动态速写要求画者不但要具备较高的造型能力和整体意识，还要具有敏锐的感受能力和熟练运用解剖知识的经验。但是我们不能因此而说，动态速写的学习要放在基础训练完成以后，相反我们应该在基础素描训练的同时进行动态速写练习。在欧洲，人物速写被当作主要的造型训练手段，现在国内有些地方从儿童阶段就开始培养人物速写的能力，也起到了很好的效果。动态速写与静态速写有很大不同，在随时变化的对象中，你无法用反复观察的方法捕捉对象，也无法用事先准备好的方法表现对象，动态速写依靠的是对对象动作变化过程中动态的“选定”和对选定动作的感受和记忆。“选定”是动态速写特有的技术。选定是指画者对活动的对象瞬间动作的特定选择，也就是速写者面对自由活动的对象人物，在对象一系列动作中选择最有造型意义的瞬间动态。动态速写动作的选定该符合两个条件，一个是选定的动作要有“造型性”；另一个是动态要具有美感，两个条件缺一不可。比方说，我们在选定一个人跑步动作时，要选定最能体现速度、力量和矫健意味的动态，也就是腿部跨度最大、手臂摆动幅度最大的动态，假如我们选择了手脚重叠时的动态，画出后的效果就会像是走路而不是跑步了。对选定动态的感受和记忆也是非常重要的，这是个一次性过程，而不像素描那样可以多次反复地进行。这种一次性记忆必须是感受性的，如果失去了感受性的记忆，我们所画出的动作可能会流于公式化、概念化。只有凭借对特定动作感受的特殊性，再辅之以对人体解剖知识的了解我们才有可能画出诸如疯狂的跑或悠闲的跑等等避免雷同的作品。在实际操作中，我们仅靠瞬间的观察来完成一幅特定动态速写作品是不可想象的。我们必须依靠对这个特定动作的一般性经验和相关知识记忆补充，才能完整地完成作品。二、通过写生搜集素材

水彩画中的留白--以我的毕业创造为例

一前言学习水彩已经有三年的时间，这期间，我致力于研究水彩静物、风景及人物创作等各种艺术技法。例如干画法、湿画法，撒盐法、涂蜡法等等，都是我们在水彩绘画中常用的方法。通过这次毕业创作的思考和实践，我发现水彩中的“留白”在我们所有的绘画过程中都起到了非常重要的作用。而且，很多著名画家在论述其作品的文章中，着重指出绘画中“留白”的优势更是让我受益匪浅。 2004年殷俊(上海华山美术学校教师)在《新材料新技法新画貌——试论留白胶在水彩画中的运用》一文中阐述了水彩画需要留白的原因和对水彩画留白方法的研究，并详细论述了留白胶在水彩绘画中的使用方法，让我意识，在水彩画中，“留白”是不可或缺的技法。曹伟华(湖南理工学院美术系教师)在《论水彩艺术中的“留白”》中提出了“留白”的更深一层含义是色彩构成的要素之一，也同中国画中的“布白”如出一辙，更具有空、虚的涵义，并详细论述了水彩画面中留白要遵循的主要原则。雷勇斌(四川美术学院美术教育系教师)在《空白的精神——水彩画中的留白》一文中从水彩本体语言和东方化的审美观念等美学范畴入手，深入地阐述其重要性，同时论及“留白”在当代水彩画创作中的重要意义。杨净静、张洪亮（广东工业大学研究生导师）两位研究生导师在《简析水彩艺术中的“留白”美》文章中从东方审美观与水彩语言诗意气质相契合这一点入手，阐述水彩留白产生的虚实之美、气韵之美以及审美主体参与所实现的意境美，从而揭示“留白”在水彩画创作中犹如画中活眼的重要意义。这

些著作都饱含着画家们对水彩创作中的体会和经验。在研究中，我致力于研究“留白”的技法，与他们研究不同的地方是，他们都从比较单一的形式研究“留白”的重要性。在此，我将结合毕业创作作品和论文为读者论述水彩画中“留白”产生的原因过程和结论以及“留白”的美学效果。将其如何处理和其意义为读者综合地论述出来，从而相互填补其中的不足之处，让我的作品背后有强大的理论支持，同时让我的理论通过作品全面诠释。在论文的第二部分将讲述什么是水彩画中的“留白”。第三部分以我的创作实践，阐述出整个创作的过程，从“留白”的创作构思到“留白”画面的处理，论证了其在水彩画中的意义，并谈及自己在创作以后的思考。最后进行结语，总结“留白”对我创作的影响，以及由创作得到的感悟对今后的艺术实践和相关工作的重要意义。我主要以讲述法，作品欣赏法以及举例分析法、总结归纳法来研究和论证了“留白”这个艺术技法在我毕业创作中起到的重要意义和艺术成就。二水彩画中的留白（一）留白的形式以前不管是在室内绘画还是在室外写生，经常都能听到老师指着画面上某一块地方强调“画面没有留白的地方，最亮的部分如何表达？”“应该留出空白的地方，从浅到深，慢慢深入〃〃〃〃〃〃”，由于水彩透明色的特性，浅色不能覆盖深色，而只适合深色在浅色上重叠添加，在进行常规水彩绘画的时候，一般采用先画浅淡色的方法去去描

浅谈水彩画风景的表现要素

浅谈水彩画风景的表现要素发表时间：2018-11-06T18:18:50.983Z 来源：《防护工程》2018年第19期作者：张旭灿刘妍[导读] 在水彩画的创作过程中，创作者通过一定的绘画技巧，加以色彩的辅助作用沈阳城市学院辽宁沈阳 110000 摘要：在水彩画的创作过程中，创作者通过一定的绘画技巧，加以色彩的辅助作用，将对生活的美好愿望通过艺术的手法表现在画面中，给观者带来美妙的视觉感受。本文简述创作水彩风景画的要素，对水彩画表现要素进行了几点分析，以供参考。关键词：绘画，水彩画，表现要素随着绘画形式、语言的不断拓展，水彩风景画在继承和兼容中开拓新的绘画理念，不仅在意境表达的内涵上有了较大的丰富和扩充，在外在的表现形态上也具有较强的包容性和延展性，其在意境的营造上也更具独特性和时代特色。 1创作水彩风景画的要素水彩画的主观意象得出审美标准。水彩画的材质特征直接决定了这一画种特殊的视觉审美效果。下面介绍一下水彩风景画的要素。 1.1如何构图和选景一副画表现手段除了表现最基本的工笔意外(绘画功底要惟妙惟肖)就是要靠色彩的搭配，来表达画的真正内涵，色彩是绘画表现的重要手段，能直接使对象内心发生视觉传媒。要想做好一幅画最好选择层次比较鲜明的并且有远、中、近三个大物象比较好，这样做的好处是让创作者更容易掌握空间距离所产生的色彩变化规律。这样构图的时候也会把美的要素融入到画中，也更容易创作一些。 1.2如何掌握视平线和透视效果一幅画首先是，也应该是表现颜色，历史，心理，它们会仍然藏在里面因为画家不是没头没脑的蠢汉，里面存在一些色彩逻辑，如果把他自己陷落在后者里面，那他就完了的确，色彩是绘画无穷尽的源泉，讲究色彩构成，应从色彩产生的本源上去观察、分析、找到其变化的根据和规律性，克服对色彩的盲目感和神秘性，养成用色彩理性的去观察对象的习惯，让瞬息万变的色彩关系相对稳定和明晰。一种手段被广泛使用在风景画中，那就是透视效果，因为透视效果可以增强主题、烘托空间、使构图更有表现力。风景画的视平线选取的高低取决于选景远处消失点的位置变化，不同的视平线选择给欣赏者带来一种不同的视觉变化，创作者要善于抓住这种创作灵感。例如，当选取高地平线时，地面占据的画布更多，天空占据的画布更少，可以产生一览众山小的鸟瞰效果；当选取低地平线时，地面占据的画布更少、天空占据的画布更多，景物能产生深远、昂扬向上、气势非凡的场面效果。充分的掌握和处理好视平线和透视效果，才能产生更好的画面感，才能创作出真正水彩风景画。 2水彩画表现要素的相关分析在艺术领域，水彩画常常以清雅脱俗、明丽畅快的风格给人们带来无尽的艺术遐想，优秀的水彩风景画极具艺术价值和艺术感染力。写生实践表明，在水彩风景画的创作过程中，水韵、气韵、色彩感、透明感是四种极为重要的表现要素。绘画者只有将水彩风景画的表现要素与创作要素完美地结合起来，才能创作出优秀的水彩风景画作品。 2.1水韵在水彩风景写生中，“水”是其本质体现。水元素运用的好坏，直接关系到水彩画的成败。水是大自然的生命之源，水的韵味多种多样，对于水元素的合理拿捏和适当运用，是创作者技能的体现。水的韵味主要体现在流动、沉渍、渗化、冲洗。水的流动韵味可以营造出画面的动感，运用水的流向，使人感觉到活灵活现的艺术气息。根据需要，将画面倾泻，使水色可以自然流淌，如果拿捏得当，可以营造出非凡的艺术效果，令人感到灵气十足，生动逼真，浑然天成。水的流动韵味是创作者独具匠心的设计和创造，展现出创作者非凡的技艺，这样的作品集自然的景致和独特的设计于一体，可以有很强烈的艺术感染力。水的沉渍韵味是水印的痕迹，这些痕迹为水彩画增添了生动的色彩，如果把握得当，会有极佳的艺术效果，一般可以用于表现雨天的泥泞和颓废衰败的场景。水的渗化韵味是水色相互渗化产生的极其生动的效果，这种效果是一种非常柔美的艺术表达。通过水色渗透使作品更加和谐流畅，韵味十足。水的冲洗韵味就是用水冲洗画面，使画面产生变幻莫测的艺术效果，还可以使画面具备很强烈的层次感，从而增强作品的特色。 2.2气韵水彩作品讲究气韵，从而丰富画的意境和内涵。创作者要将看到的风景与自身情感充分融合，这样才能更好的进行创作。如果将观察到的景致画出来，那就不再是创作，只有虚实结合，在客观中融入主管感受，才能够使意境更为深远，使画面更加富有节奏，使元素更加均衡。以现实为基础，升华主题，超越现实却尊从于现实，这是水彩作品气韵的真谛。一幅优秀的作品，融入了创作者的人生观、价值观和艺术观，是自然的馈赠和智慧的杰作。水彩画的艺术格调反映出创作者的构思，也能印证一幅画是否具备丰富的内涵和深刻的思想。创作者需要从形式、结构等方面去营造一种艺术氛围，将平常的事物变得更为神奇，独具匠心，更加注重艺术品位。 2.3色彩感色彩是绘画重要的艺术语言，是与人类情感联系非常紧密的。作为西画的一个标志，依然具有重要位置。水彩风景画正是利用色彩的奇妙变幻，表现以有情、有韵、飘飘洒洒的艺术情感。巧妙地运用色彩，可使艺术作品给人的印象更加强烈、深刻;塑造的艺术形象更加真实、准确;情感抒发更加饱满真挚，从而更加鲜明生动的表现意境。水彩风景画中的色彩写意，决不是自然色彩的还原堆砌，它贵在传情达意，以色彩来传神抒情。明快、强烈、轻柔、含蓄、表现力强是水彩画的色彩特点。尤其在风景画创作中简约、空灵、透明的画面表现方面与写意、抒情的意境营造方面具有着先天的优势。中国传统绘画的色彩强调主客观的统一，追求用色彩抒情达意。不拘泥于光源、冷暖、色调的局限，而重视物体本身的固有色;追求色与物、线、墨的调和，以求情感的表达。在风景画的创作中，甚至大胆的融合了中国山水画的墨色观念。在意境表现上，兼容水墨情趣，含纳黑白、虚实，表现出很强的色彩包容度。 2.4透明感

水彩画技法作品简介

水彩画技法思南凉水井中学何冲作品一：故乡之《三道水》三道水作品简介：故乡之《三道水》我的家乡在贵州思南亭子坝的一个村庄，那里的美景颇多。《三道水》是黑滩河、李山沟和龙洞水三条小河汇合处的景象，虽然没有一艘船只，但是三界分割处的沙滩上几颗树和水组成的画面，真是可谓美极！构思与实施步骤：我先用中性铅笔（2B）在水彩纸上画几幅小稿，然后精选一幅比较完整的速写进行作画创作。

在此作品中，我用蓝色起稿。首先是详细标画各种形象的正确位置，再将各组成部分的形象固定到位后，就开始详尽地描画了。先在沙滩上用深蓝色来表示水，其他地方保留白色的底色，。蓝色调几乎是一致的，通过色彩浓度的变化表示距离的远近。然后，取赭石、熟褐、青莲色，采用干画法描绘几处沙滩。在三界水处未干时，取淡黄、淡绿、草绿、深绿等色，用湿画法一鼓作气把几棵树画完。此处，一幅完美的作品诞生了——我的故乡《三道水》。作品二：家乡柴山之大岩港大岩港作品简介：家乡柴山之大岩港要善于在平凡的景物中发掘美和创造美，对于一个复杂的景色，总要苦心经营，取舍剪裁概括，去掉与感受无关和次要的东西，集中

刻画主体。使画面不仅是客观真实表现，更是艺术的表现，达到表现自然而非照抄自然。此画构图是精妙完美，画峰所及，无一多余。在色彩处理上运用了深沉的青绿灰色调。整个画面是由远而近，在统一色调中求变化，以丛山、树、岩头构成了深远宁静的春色。构思与作画步骤：先用淡绿起稿，然后用板刷把纸画湿，再上色：第一步，从远处画到近处，从中间的树和山向暗部和亮部。上色前先薄薄地涂上一层清水让纸湿润，用大笔从天空画起。接着，画远山，紧连着画树、房子、地面和岩头。这时主要是抓基本调子，画的是形体结构和色彩关系。第二步，深入刻画。远中近层次，加强空间关系，最放在质感的适当刻画和一些深动细节表现上。如天空的更远层次、地面的远近比较、近处刻画小石、使远近距离拉开、树的形态特征和远近变化等。第三步，画面调整和统一。删减削弱那些画蛇添足、喧宾夺主的地方，使画面达到艺术的完整性。

水彩毕业创作感想

届别 2014届学号201014310210 美术系毕业创作感想《生活》姓名徐建军系别、专业美术系、美术学导师姓名、职称何次贤、教授完成时间2014年5月20日

《生活》 ——创作《生活》感想四年的大学生活似弹指一挥间，从刚跨入大学时的懵懂和憧憬，到现在即将走上工作岗位的从容、坦然。时间如此的短暂，就要告别了，在这毕业之即，对自已四年来的学习绘画生涯和老师们的细心指导作一个汇报。从一开始对绘画热爱的我喜欢上了水彩，被水彩画那水的灵动、透亮深深吸引住了。所以我毫不犹豫的选择了水彩这门专业。在毕业前，毕业创作也算是给自己一个四年绘画的总结，也是毕业前进行的一门必修课,是对自己整体艺术素质的综合训练与提高的一个认识。因为想表现的东西太多了，真的很想把整个四年都画出来，表现出来。但后来发现自己水平有限，想画的画不出来。自己挑选了好多素材，经过自己的上网查找，拍摄照片等等，自己的创作初稿就这么敲定了。在构思之前何老师耐心的为我分析、讲解创作中将遇到的难题。素材是自己在网上找的难度相当大，而且也没有多大寓意。到后期处理画面时问题就出现了，好多细节及色彩方面都没处理好。当时心情既矛盾又焦虑。但何老师依然鼓励我，让我别气馁，并且耐心的和我交流、为我打气。经过和老师的一番交流后，我反复思考与实践、怀疑、否定、再怀疑、再否定之后，我决定重新选题材。一、素材搜集我发现还是要画适合自己的，画自己想表达的。从生活中搜集创作素材是创作的原则，去感受生活中的美，我创作的这幅作品题材很简单，一面挂满了金黄玉米、老窗户和爬满红色腾叶的老墙。窗户上面贴有一幅牛拉犁图案的窗花。窗户和窗花是利用photoshop软件p上去的，窗花自古以来就是代表着人民对生活的美好喜悦，美好愿景，牛代表着勤劳、踏实、稳重。因为我这幅创作也是想表达自己一种收获后对生活后期的一种向往，通过自己的努力、勤奋，走好今后的路，过好今后的生活。表现自己四年时间的收获与今后的生活憧憬。二、创作构思与构图创作稿敲定后，我就开始对整个创作开始在内心慢慢琢磨，慢慢构思这幅画要该怎样画。我个人比较喜欢色彩对比鲜明的绘画作品，喜欢那种强烈的视觉冲

第二课水彩画的创作方法与步骤

第二课水彩画的创作方法与步骤 (第五单元) 水彩画创作的方法与步骤包括如何进行构图，如何进行人物及景物的选择，画素描稿，画色彩稿和落幅创作等五个大的方面。一、构图构图是画家在创作中对构思、主题、形象进行表现的一个重要步骤，是水彩画创作中把构成画面所需的形象与素材进行整体布局和统筹安排的艺术，是创作中将画面各部分通过组合、配置、对比和在有限的平面框架对所要表现的物体、空间进行组织并构成画面的特殊形式，是体现水彩画家创作意图和创作思想的手段。总而言之，构图是指如何把人、景、物等最合理地安排在画幅中以获得最佳布局的方法，是表现创作意图的全部手段的总和。构图通常被称为“章法”、“布局”，亦称“经营位置”、“置布势”、“结体”和“锁笔”等等。在水彩画创作中，水彩画家利用视觉要素在水彩纸上按照一定的空间把物体组织起来，将诉诸视觉的点、线、面、水、色、形态、明暗、光影等进行有序的组合。水彩画家借助于水彩的语言通过主题展示给观众，因此，在水彩画的创作中，创作主题和思想及其表现手段要比构图更先考虑。构图不是目的而是手段，它是作品全部绘画语言的组织方式。构图以将容通过形式结构的布置而得到恰当表现为原则的，只有主题和形式得到统一时，才能产生更加完美的构图。构图的任务在于尽最大的可能阐明画家的构思，正如米勒所说的那样：构图就是把一个人的思想传递给别人的艺术（图161）。构图有一定的规律。即把画家所要表现的主题以及与主题有关联的所有物体、道具和空间放置在一起而产生某种艺术形式，这里包含着阐明、强调、浓缩、隔离、增添、删减、后加、利用、选择以及抵制等理念，而且还包括了概念、主观意识等，这是构图中不可缺少的过程。画家在确定了一个主题之后，首先必须研究有关如何表达这个主题和突出这个主题的问题。深入探求一个主题，意味着从各个方面去思考它——主体的确定、主体的大小、主体的角度、主体如何说明主题、其他客体如何来为主体服务、明暗布局如何、色彩布局如何等，意味着采取何种表达形式更能表现主题这些关键因素。图161《舞蹈演员》（水彩）汪晓曙图162《一个世纪始与末的对话》汪晓曙画家对构图原理的探讨往往是从有关的秩序这个角度来进行的，认为画面构成有一种秩序。古代希腊人认为黄金长方形（黄金分割）代表着数字规律的美，把黄金率定为一切构图的基本法则。认为美与和

水彩创作感想

水彩创作感想水彩的起源最初，人们在埃及尼罗河沿岸发现了一种叫做纸莎草(Papyrus)的纤维质植物，取其茎皮，可以制成卷轴，用来写字作画，做成关於科学、历史、巫术及宗教的书卷。这种卷轴的另一重要用途是陪葬，伴随死者抵达另一个世界，上面的文字帮助他们向冥神奥西里斯解释他们一生的作为。卷上的画像以后被称为细密画，都是用透明的颜色画成的。土黄色、赭色取之於泥土；红色取自朱砂类的矿物；石青为蓝，石绿为绿，土黄为黄，虫胶为橙；黑色以柳木炭制作，白色则用白垩。这些色料都用阿拉伯树胶(Gum arabic)加蛋白调和，用水稀释后使用。简而言之，这就是水彩。一千年以后，大约公元前170年左右，帕加马国王欧墨尼斯二世率先使用羊皮纸。以羊皮经石灰处理，剪去羊毛，再用浮石软化，便成了这种新的书写材料。把这些羊皮订成小册子，称为手抄本，再合订成册，使成为留传后世的羊皮典籍。此后，手稿一直使用羊皮纸。首到公元九世纪，无论在希腊、罗马、叙利亚还是拜占庭，大多数细密画都是用水彩与铅白混合制成的一种不透明的水彩来画的。而此时正值查理曼大帝的卡洛林王朝。查理曼大帝十分重视手稿创作，他召集了许多交替使用透明和不透明水彩的大画家。这种混合使用一直延续到中世纪后期乃至文艺复兴时期，当时已普遍将水彩应用於细密画中。事实上，这些就是水彩画的雏型。水彩画的特色水彩画是以水为媒介，调和透明颜色，在特定的纸上所完成的画种，表现出透明，轻快，滋润的效果，这与国画和水粉画的性质上是不一样的。水彩画的发展已百余年，一经出入我国很快就被国家所接受，最主要的是水彩中水色淋漓的淡雅趣味符合中国人的审美。水彩画难于驾驭是每个画家都知道的，很多时候画家都在研究技法，很难提笔就画，无法像油画随心所欲，再加上这是西画，他的精华都在西方，在地域上就产生了隔膜，所以他的普及率还是相对较小的，国画是我国的国粹，在我国发展不论理论还是绘画技巧上都是比较成熟完善的，也为中国大众所普遍认可。生活在这两大画种的夹缝下，水彩要如何才能以独特的政治面貌站在世界的艺术舞台上呢？有一点是国内外水彩画家公认的，或者说是任何一个画家都不能轻视的，那就是创作的重要性。掌握色彩规律及绘画方法水彩画是以水与色的交融而形成的画种。它主要借助于光在物体上产生的明暗关系和色彩变化来进行物体的塑造，是真实客观地对事物的形态、色彩和特征作深入刻画的绘画形式。长期以来，人们通过水彩对客观事物的造型与色彩等因素和艺术表现法则进行全面认识和研究，水彩画成为色彩的科学表现的典范。西方传统绘画观念认为，现实对象最真实的再现只有轮廓和形，而轮廓线是通过与背景不同的色彩和明暗对比产生出来的，西方水彩画追求光影变化的形式成为水彩画通常的表述形式。水彩画根据对象的明暗光影对其进行形象塑造。它利用明前暗后、明实暗虚、明强暗弱、明主暗宾的视觉规律来进行水彩画的创作与表现，并能通过光的变化来表现其空间感、质感、层次感和立体感。同时，画家还可根据自己对事物的直观印象来描绘和反映现实生活，表达画家的感觉和观念，把对物体的色彩特征作为描绘的前提和主体，从中发现一般人

对水彩画写生创作教学的点滴思考

对水彩画写生创作教学的点滴思考水彩画是以独特的纸笔为材料、工具，以最平常最自然的水为媒剂调色所作的一种画。水彩画教学是中小学美术教学的重要内容，是中小学学生学习色彩知识和绘画表现技法的重要途径。基于此，水彩画被设置为高等师范院校美术系教学的一门重要的主干专业课，其教学水平直接影响培养的中小学美术教师的质量，影响中小学的素质教育的全面实施。因此，教好水彩画又成为提高美术教学质量至关重要的环节。作为艺术创作活动的一种形式，水彩画是艺术情感流露的语言中的一种。其水色交融、淋漓、华滋、渗化、流动的性质；色彩的透明、和谐、蕴蓄；笔触的轻柔、流畅、洒爽、随机变化等艺术特色，让人感觉得到那种光波的流动，这种意境是其他画种难以比拟的[1]。然而，水彩画的技术性比较强，这就要求绘画者必须具备一定的素描基础。所以，为提高教学质量，本人作为一名教师在水彩画教学写生创作实践中进行了如下尝试。 1 掌握步骤一幅画有开始中间结束三个阶段。当然，这不是机械划分、千篇一律的，可因人、因物因时而异，并无绝对定规。首先是被人物或景物的形象和绘画的预期效果所打动，而引起强烈的艺术表现欲求，即从轮廓、形体、色光、节奏处理都经过分析、反复推敲，直至完成大体色彩基调。其次是进行塑造和深入刻画细部，设色的过程要趁湿衔接，以易于掌握色彩的干湿关系，使画面润泽、淋漓酣畅，画一部分见一部分效果，无须反复涂改，有一气呵成之势。再次是最大限度地把自己的审美感受用充满激情的色彩、线条和笔触表现出来。 2 认识色彩水彩色是靠纸的白色来体现色光明度层次的，这就要求水彩颜色的透明度要高，色粒要细而均匀，否则色彩会出现令人不快的凝滞感。因此学生必须了解颜料的透明性、着色性与染色性、耐晒性沉淀性和浑浊性，对各种色之间的调配，做有系统的实验。[2] 色彩是大自然中寻常而又奇妙的现象，一般人能认识固有色——物体生而有之的颜色。其实，色的本质是光，严格地说，色是因为物体对于各种色光的反射与吸收的不同而呈现出不同的色相，作画时必须较为客观地去分析物体在特定光源下的色彩变化关系，才不会画出千篇一律的色彩画面[3]。但是，一般情况下，学生是依葫芦画瓢，照色选色，或者是被束缚在固有色中。这就说明学生没有掌握好光与色；固有色与环境色之间的关系。教学中，我特别注意引导学生观察物体处于不同光照之下和不同空间中的色彩变化，例如比较红色月季花在阴天、雨天、晴天，早晨、中午、晚上的不同光照下呈现的色差；不同光照下受光面与背光面颜色的差异。这样，作画时才能判断准确，才能有的放矢。