外国美术简史笔记重点

1威伦道夫的维纳斯

出土于奥地利摩拉维亚的威伦道夫。约作于公元前3万年。该作品是举世闻名的女性神雕塑，被人们称为“原始的维纳斯”，又叫“母神雕像”。女神的面部、手脚等细节表现较为粗糙，头部仅刻有卷曲的头发，而手臂则被忽略。女神的乳房、臀部等女性特征形象较为夸张突出，一般认为该作品具有类似巫术般的祈求生殖的目的。作品强调体积感和重量感，具有单纯化和抽象化的倾向，在雕塑史和人类文化史上占有重要地位。

雕像的头部被卷发所覆盖，面目五官不清，细弱的双臂下垂被双乳排挤在两侧。硕大的乳房从胸前垂挂对称式地压在腹部，粗壮的大腿向下逐渐变细连接小腿，足部省略。这种造型很可能是作为神灵偶然，插在松软土地上以供崇拜。

原始艺术家造此女像有意夸张和强调了女性的特征。是符合原始人的理想追求与生殖崇拜。

2黑绘风格

黑绘的题材大多来源于希腊神话故事和荷马史诗中的情节，在这些画面中人们既可以感受到前人们对神祗的信奉和对人神合一的敬仰，也能体会到在吟游诗人在口中叙述历史的真实情节。黑绘的表现手法在写实技巧的基础上将人和物的形象变形夸张，可以产生强烈的视觉效果。再以阴刻技法勾勒出人物的轮廓和服饰，具有一定的立体感，使其画面古朴而生动。黑绘风格出现在公元前6世纪，是把主体人物涂成黑色，背景保持陶土的赭色，使形象轮廓突出，犹如剪影，细部稍用勾线表现。代表作品有《阿喀琉斯与埃阿斯玩骰子》

3红绘风格

红绘风格出现于公元前6世纪末，它恰好与黑绘风格相反，是在背景上涂上黑色，留下主体部分的赭色，人物细部用线来描绘。这种风格主要流行于古典时期，平滑的内容多为情节场面，以神话题材和日常生活题材为主。用流畅秀丽的线条表现了各种人物、戏剧性的动人场面以及细腻的感情。

4多利亚柱式

多利亚式柱子没有柱础，直接立于基石之上，柱身粗壮，柱头简单，有顶天立地般的雄伟气魄。其柱子的高、宽比（即柱高与柱基直径的比）为5.5比1，有的甚至为4比1。这是一个颇为粗壮的比例，其他柱式的比例为8～10比1，东方许多用木柱的建筑甚至达到15～20比1。多利亚式柱子从上到下刻以凹槽（一般为20条）。多利亚柱式虽然与其他柱子一样从下到上逐渐收缩（下粗上细），但收缩不是简单的直线式，而是在中间略微膨胀，形成一条可以感觉到的曲线，在我国的建筑术语中被称为“减杀”。这种收缩曲线使柱子显得更有弹性和力量，赋予石头以生命的韵律。多利亚式柱子的柱身之上由方圆两个构件组成，下连柱身的圆形颈石，它向外挑伸的轮廓也非常注意构造优美的曲线。上接檐部的是方形

石板。柱子以上是檐部。它由上承屋顶的檐壁（也称中楣）和下连柱顶的额枋（也称框缘）构成。檐壁之上还有挑出的檐口，额枋是平整的石条，干净利落，不带任何装饰，檐壁则交替由三陇板和间板构成。三陇板是长方形板面，上刻浮雕。檐壁是柱式中最富有装饰的部位。由于额枋和檐壁之高都不小于柱宽，因此多利亚式的檐部看起来相当突出，往往达到柱高的1/3，早期甚至可达1/2。檐部之上的平缓屋顶相当简单，各种柱式都相同。多利亚是神庙的结构很简单，甚至在它规模宏大的时期也是如此。在这样结构简单的建筑物上，很细微的变化也具有不同寻常的意义。多利亚式建筑结构、建筑体系和装饰风格的持久的简洁性不仅对人们理解建筑，而且对人们理解整个希腊文化，都是非常重要的。这种装饰方面朴实无华的传统风格很好地代表了希腊大陆及其诸岛的建筑特点。它的基本成分经历数个世纪而长盛不衰。

构成传统的多利亚式建筑特点的因素是包括柱头在内的圆柱以及神庙外部门廊的柱头上方的雕带或相连的构造。

5提香

提香·韦切利奥（Tiziano Vecellio, 1490-1576）出生在威尼斯的山区小镇卡多莱，他被誉为西方油画之父。

提香·韦切利奥(Tiziano Vecellio1478-1576年)，出生在意大利威尼斯北部风景秀丽

的山区小镇卡多莱，12岁时父亲带他游历威尼斯，后来提香再次来到威尼斯便进了乔凡尼·贝利尼的工作室学画，从此几乎一生都没有离开过威尼斯。意大利文艺复兴盛期威尼斯派。是乔凡尼·贝里尼的学生，并受乔尔乔的影响。青年时代在人文主义思想的主导下，继承和发展了威尼斯派的绘画艺术，把油画的色彩、造型和笔触的运用推进到新的阶段。在宗教画《纳税银》和《圣母升天》中反映了新兴资产阶级的道德观念。《爱神节》、《酒神与阿丽亚德尼公主》等神话题材的作品，洋溢着欢欣的情调和旺盛的生命力。但在1533年查理五世封他为授以贵族称号后，则画了《西班牙拯救了宗教》和《菲力二世把初生的太子唐·斐迪南献给胜利之神》等趋逢权贵的作品。他的肖像画能揭示人物内心世界。中年画风细致，稳健有力，色彩明亮；晚年则笔势豪放，色调单纯而富于变化。在油画技法上对后期欧洲油画的发展，有较大影响。

6拉奥孔

拉奥孔(The Laocoon and his Sons)，大理石群雕，高约184厘米，是希腊化时期的雕塑名作。

雕像中，拉奥孔位于中间，神情处于极度的恐怖和痛苦之中，正在极力想使自己和他的孩子从两条蛇的缠绕中挣脱出来。他抓住了一条蛇，但同时臀部被咬住了；他左侧的长子似乎还没有受伤，但被惊呆了，正在奋力想把腿从蛇的缠绕中挣脱出来；父亲右侧的次子已被蛇紧紧缠住，绝望地高高举起他的右臂。那是三个由于苦痛而扭曲的身体，所有的肌肉运动都已达到了极限，甚至到了痉挛的地步，表达出在痛苦和反抗状态下的力量和极度的紧张，让人感觉到似乎痛苦流经了所有的肌肉、神经和血管，紧张而惨烈的气氛弥漫着整个作品。雕刻家在作品的构图上有着精心的安排，作品呈金字塔型，稳定而富于变化，三个人物的动作、姿态和表情相互呼应，层次分明，充分体现了扭曲和美的协调，显示了当时的艺术家们非凡的构图想象力。作品中人物刻划非常逼真，表现了雕塑家对人体解剖学的精通和对自然的精确观察，以及纯熟的艺术表现力和雕塑技巧。这是一组忠实地再现自然并善于进行美的加工的典范之作，被誉为是古希腊最著名、最经典的雕塑杰作之一。但这里所表现的肉体的痛苦多于内心世界的激动，对外在气氛、戏剧效果的追求胜过对心灵活动的揭示，因而显得不够深沉、含蓄、朴实。

7样式主义：

样式主义称矫饰主义或风格主义他是至意大利文艺复兴向巴洛克转变的一个过渡时期的一个特殊的艺术现象。既不同于文艺复兴的那种崇高和蔼，也区别于巴洛克的艺术。史家们称这个时代的艺术风格为样式主义。艺术家有意识得追求某种极端的形式，热衷于复杂的形象和动作来表达内心的骚动不安和压抑的情感。

样式主义的主要特征是在表现题材中有相当一部分是裸体。具有古怪和扭曲的体态和发达夸张的肌肉，作品的思想比较隐晦朦胧，人们难以认识，画中情节往往不在视觉中心显现，被隐约在次要地位，画面空间透视夸张，人物变形，如拉长人体和颈部，画中人往往被挤压在狭小的空间里有冲出画面之感，色彩不着色，再现客观自然的外貌而着力于传达画家主观的情感，在雕塑方面能适应全方位观赏，给观众于舒服愉悦感。

8加洛林文艺复兴：查理曼的理想是恢复昔日罗马的繁盛，在文化上恢复罗马的传统，同时也希望借此恢复罗马帝国的封号，将辉煌的文化传统注入这些半野蛮民族血液中的愿望使这位皇帝亲自领导了这次文艺复兴。加洛林文艺复兴的重大意义在于将北欧的日耳曼精神与地中海文明成功的融合在一起。价值：1基督否定罗马希腊艺术，{禁欲思想}2 奠定罗马式建筑奠定文化基础留下珍贵遗产。3结合形成欧洲艺术统一，奠定现代欧洲为后现代艺术奠定思想基础。

9 渐隐法：

是将轮廓的交界部位画得模糊让边缘线

逐渐融入柔和的阴影之中。这就使欣赏者有了想象的余地和再创造的天空，使人物出现微妙的过渡。

10对偶到列：

对偶倒列: 指绷紧和放松的肢体的交替与敏感的躯干相结合这种艺术手法最早出现于坡

力克利特的持矛者像

答案补充

“对偶倒列”(contrapposto)的手法，即左右躯体在同一雕像内紧张与松弛非对称的动态平衡，造成人物形象以生动具体的感觉。

11古埃及绘画表现程式和特点：

1专制艺术得好大喜功

2形式的表现程式，壮丽宏利明确稳定有写实的基础正面律3主要美术作品陵墓与庙宇宗教的影响

雕塑特点：

古王国时期：1姿势必须保持直立，双臂紧靠躯体，正面直上对观众，2根据人物地位的尊卑决定比例的大小3人物着重刻画头部其他部位则非常简陋4面部轮廓比较写实又有理想化的修饰，表情庄严，感情表现很少5雕像着色眼睛描黑，有的眼睛用水晶石英等材料镶嵌，已达到逼真的效果。

到新王国时期雕塑的特点出现真人大小和巨型的雕像，技巧更加成熟，肌肉表现优美，嘴角稍微微笑。外貌很写实真是。

12古希腊雕塑特征及贡献：1、荷马时期?希腊神话——古希腊雕塑的源泉

2 古风时期的男子人像雕刻主要是青年全身裸体立像，希腊人称为“库罗斯”（意为“小伙子”）。这些雕像在人体比例和肌肉质感方面都接近真实的人体，面部表情开始生动起来，现出笑容。不管何种身份和职业的人物都用这种微笑表现，成为当时统一的时代风格，后人称之为“古风式微笑”。

3、希腊过渡时期雕塑

由古风发展到古典时期中间有一个过渡时期，指公元前5世纪前半期。产生了伟大的悲剧艺术。在雕刻艺术中出现了战斗，歌颂英雄业绩的主题，无论是表现神话还是现实题材都与古风时代作品不同，与“古风式微笑”形成鲜明对照。产生了具有时代精神的严谨风格：从静态的姿势转向力求表现运动甚至激烈动作；从过去只表现人物的正面发展到表现人物的多种方面。雕刻的技巧更加熟练，逐渐形成一种比例匀称、结构准确、形体明晰的“团块”体系。

4、希腊古典时期的雕塑艺术

古希腊雕刻进入古典时期后出现了新的繁荣，雕刻家们进行新的探索和创造，突破古风程式，试图在人体直立的基础上将人体的重心移至一足，使另一足自然地表现出一些动态，

以表现现实生活中人物的各种运动感。这是古代艺术家美学观的新发展，意味着雕刻家对人与人体美的认识的提高。这时期创造的作品更接近现实的完美人体。出现了理想化的脸型：椭圆形的脸，直鼻梁，平展的额头，端正的弧型眉嘴唇微微的鼓起，下唇比上唇丰满，嘴角为微微下垂，发髻刻成有组织的波纹，人物表情宁静而严肃。

5、希腊化时期雕塑艺术

希腊化时期一般指公元前334—30年，又称希腊主义时期。

同古典时期雕塑相比，希腊化时期的艺术风格多样，既有同古典艺术接近的风格，如《米罗岛维纳斯》等一系列维纳斯雕像，也有体现这一时期生死搏斗、美丑相争的时代精神、掺入悲剧性风格的《拉奥孔》等。希腊化时期的雕塑艺术由于希腊本土雕塑传统深厚，依然成为希腊雕刻艺术的中心。

贡献：

13三大教堂的特点：

拜占庭建筑特点：1是屋顶造型，穹窿顶

2整体造型中心突出3是穹顶支撑集中式建筑形式。4是色彩的使用上，及注意变化，又注意统一。

罗马式建筑：1十字形为罗马式的主要代表形式，2教堂墙壁加厚，窗户小，距地面较

高。3教堂纵横两庭交叉处配有碉堡式的塔楼。4整个外形像城堡，坚固，沉重，显示当时封建宗教的权威。

哥特式建筑：1不是城堡式2尖角拱门肋型拱顶和飞供，所有的门窗劵顶都设计成

尖供状。3钟塔和教堂轻巧，垂直的形体一样，高耸云霄。4以高直尖和都具有向上动式为特征的造型风格，是教会独特的宗教思想的体现。

哥特式与罗马式区别差异：1后者有结实而厚重的墙壁而前者轻盈纤细的结构，罗马式有沉重的拱顶其稳定性是厚重的墙壁，支撑各种压力和应力。哥特式采用尖劵和肋拱来减轻拱顶的重量，比半圆形的拱顶更稳固，并能够跨越各种形状的开间，用纤细的细片和墩柱就能支撑拱顶的重量。2罗马窗户很小，哥特式窗户很大采用彩色玻璃，3哥特式带有呈放射状分布的后堂回廊式型制不在想罗马式的呈孤立的单元。

哥特式教堂代表：圣德尼教堂巴黎圣母院罗马式教堂代表：杜勒姆教堂盛赛尔南大教堂拜占庭式教堂：圣彼得大教堂

14文艺复兴

文艺复兴核心：人文主义

文艺复兴：

1）文艺复兴运动时指14世纪到16 世纪首先在意大利开始而又遍及欧洲各地的一次变化变革。

2）“文艺复兴”的原意是“在古代规范的影响下，文学和艺术的复兴”

3）文艺复兴是欧洲历史上的一个伟大转折点，建立新资产阶级文化，促进了世俗文化发展，由此形成了------人文主义。

人文主义含义：

文艺复兴时期的理想运动，背离中世纪的神学研究路线，主张研究希腊，罗马的古典文化，强调人的活动与能力，而不少神的活动与能力。

人文主义特征：

1术世俗化，2。技法科学化3。审美理想化

前文艺复兴的代表人物：

雕塑家：尼古拉。皮萨诺

绘画，壁画：奇马布埃

绘画：杜桥

中世纪文艺复兴分水岭：乔托

早期文艺复兴三杰，特征，代表作，艺术成就

三杰：布鲁内莱斯基。多纳太罗。马萨乔。

特征和艺术成就：布鲁内莱斯基，在建筑艺术上取得杰出成就，并在透视学和数学领域做出重要贡献。开创了文艺复兴式建筑。

多纳太罗，将雕塑从教堂建筑中独立出来，成为独立的艺术。彻底摆脱中世纪建筑风格样式，结束了一千多年中世纪雕塑样式。

马萨乔，1。空气透视法和光源体现人体的体积。2.现实场景，人物结合一起3。现实主义具象表现形式。

代表作：布鲁内莱斯基，代表作,《佛罗伦萨大教堂》

多纳太罗，代表作《加塔梅拉塔骑马像》

马萨乔，代表作《出乐园》和《纳税钱》

15文艺复兴盛期三杰：

达芬奇，是整个文艺复兴时期最卓越的代表人物之一，伟大的现实主义画家

技法，1。薄雾法（风景被雾笼罩）2。渐隐法（肌肤，脸部颜色的微妙变化）3。三角形构图4,四分之三侧面5。开创半身带手。

代表作《最后的晚餐》，《蒙娜丽莎》

米开朗基罗，雕塑家和画家，艺术作品上倾注了满腔悲剧性的激情：雕像《大卫》

1，表现的是建功立业以前的大卫，一个充满愤怒的青年人

2，这种力量是人文主义者向往的自由的人所具有的巨大潜力，成为文艺复兴时代英雄的象征。

技法，形体的壮美，爆发性。代表作《大卫》《创世纪》《偷尝禁果》

拉斐尔，技法，个性与激情，优美的风格。代表作《雅典学院》《西斯庭圣母》

16威尼斯画派：

艺术贡献：

1。柔和轮廓2。在绘画题材上，抛弃神的题材，采用世俗，表现现实人以及威尼斯两岸的景色，表现威尼斯现实的状态和奢华的生活。3。在构图上，创造新的构图形式，斜依一本4。使用全新的材料进行创作，最早使用油，亚麻油，麻布的画派。

代表人物及特点;

1.贝利尼，威尼斯画派创始人，注重风景的描写，把自然景色诗意化，使作品充满宁静和淡雅的情调。2，色彩和素描的表现力为首要的因素，这也是威尼斯画派的共性。代表作《有小树的圣母》，《神的欢宴》，《湖的圣母》

2,。乔尔乔涅，@，威尼斯画派全盛时期的人物，第一个严格意义上的威尼斯画派的画家@，诗一般的画面，不仅是一种优美的视觉效果，而且有丰富的人文主义内涵：《沉睡的维纳斯》

1。最早使用亚麻油，亚麻布2。创造了宁静，柔美，和谐的风格。3。为真正风景画的产生奠定基础。4。创作作品没有确定的主题。5。在整个构图上，斜依的人体，《沉睡的维纳斯》（对角线构图）

3提香。@，作品显得壮丽，热情，富于想象，色彩强烈，用笔奔放。@，人物更为粗狂，更加意气风发，也更完整

“金色的提香”现代油画之父，最早使用笔触，色彩对今世影响极最大。1。用色大胆2。壮烈热情3。笔触的运用4。现代油画之父。

17乔托：

1佛罗伦萨画派的创始人，奠定了文艺复兴的现实主义基础。

2．主要创作形式是壁画，用人文主义精神来理解圣经题材，渗透着崇高的道德内容。壁画《逃往埃及》

3。表现真实的生活场面。

18，作品分析

结构处理上，以及头部的表情上，却给人以沉着平稳的印象，这正是古典主义风格所追求的。

《掷铁饼者》赏析

《掷铁饼者》是公元前5世纪到公元前4世纪古希腊杰出的雕塑家米隆的代表作。大理石雕复制品，高约152 厘米，罗马国立博物馆、梵蒂冈博物馆、特尔梅博物馆均有收藏，原作为青铜，米隆作于约公元前450 年，现在已经遗失。

《掷铁饼者》这件作品表现的是投掷铁饼的运动员。在运动过程中作者米隆选择了一个转折性的瞬间：运动员为投掷而大幅摆动双臂、快速旋转身躯。他的身体运动已达到极限，在下一个瞬间他就要掷出铁饼。作者抓住的这个瞬间概括了掷铁饼这一动作的整个过程，显示了运动员最典型的姿态。最强烈地展示了运动员肌肉的健美和力量。这个掷铁饼人的双臂张开，仿佛一张拉满的弓，加强了观众对于铁饼就要被飞速掷出的联想；铁饼和运动员头部的两个圆形左右呼应，支撑身体的右腿如同轴心，使大幅弓起的身体保持平衡。这样的构思设计显示了米隆的艺术匠心。这是一个非常难处理的动作。作者能在构思和塑造上达到如此完美的程度，显示了他对于人体结构知识的极度熟悉和高超的雕塑技巧。同时我们也可以知道，作者所在的那个时代的艺术风格是怎么样的：那是追求一种健

美、庄重、和谐，洋溢着青春活力的美。

米隆生于公元前492年，公元前5世纪到公元前4世纪古希腊杰出的雕塑家，艺术活动主要于公元前472年到440年间。米隆大概在20岁时到阿基列达斯门下学习，而艺术成熟于40岁左右。他擅长以青铜为材料的雕塑，能巧妙而准确地表现人物在运动中的正确姿态，塑成形神俱真的动物。传说他为雅典城堡塑造的青铜牡牛雕像，由于乱真而招惹成群的野狼；他雕刻的马，竟引起真马的嘶叫。可惜的是米隆所有的雕刻原作都没有保存下来，现在所看到的仅仅是后来罗马匠师模制的大理石复制品。他的主要活动时期在公元前5世纪中叶。米隆的突出贡献在于他使希腊雕塑最终摆脱古拙的样式而确立古典风范。

《掷铁饼者》充分体现的米隆的艺术风格，同时也体现古希腊时期的雕塑艺

术风格。

米隆的《掷铁饼者》是古希腊中较早表现男性形象的作品。这位在奥林匹克竞技赛场上的运动员，在即将掷出铁饼的一瞬间充分表现出男性的青春美、健劲美、智慧美。雕塑家造型之准确、运动感与节奏感把握之贴切，使两千多年来的观赏者无不赞叹。《掷铁饼者》取材于希腊的现实生活中的体育竞技活动，刻划的是一名强健的男子在掷铁饼过程中最具有表现力的瞬间。雕塑选择的铁饼摆回到最高点、即将抛出的一刹那，有着强烈的“引而不发”的吸引力。虽然是一件静止的雕塑，但艺术家把握住了从一种状态转换到另一种状态的关键环节，达到了使观众心理上获得“运动感”的效果，成为后世艺术创作的典范。掷铁饼的强烈动感与雕像的稳定感结合得非常好。雕像的重心落在右腿上，因此右腿成了使整个雕像身体自由屈伸和旋转的轴心，同时又保持了雕像的稳定性。掷铁饼者张开的

双臂象一张拉满弦的弓，带动了身体的弯曲，呈现出不稳定状态，但高举的铁饼又把人体全部的运动统一了起来，使人们又体会到了暂时的平衡。整尊雕像充满了连贯的运动感和节奏感，突破了艺术上时间和空间的局限性，传递了运动的意念，把人体的和谐、健美和青春的力量表达得淋漓尽致。体现了古希腊的艺术家们不仅在艺术技巧上，同时也在艺术思想和表现力上有了一个质的飞跃。这尊雕像被认为是“空间中凝固的永恒”，直到今天仍然是代表体育运动的最佳标志。

从《掷铁饼者》我们可以看出，米隆是位大胆进行艺术革新的雕刻家，他勇于探索和表现新而又难的雕刻技法，力图使和谐壮丽与逼真生动合二为一，他善于运用超群的雕刻技巧表现运动中的人体，尤其是对激烈动势中的竞技者的人体均衡与静止的处理有独到之处，这充分表现在他的《掷铁饼者》中。这尊被誉为“体育运动之神”的雕像，一望而知是表现投掷铁饼的一个典型瞬间动作：人体动势弯腰屈臂成S型。这使单个的人体富于运动变化，但这种变化常常造成不稳定感，所以作者将人物的重心移至右足，让左足尖点地以支撑辅助，以头为中心两臂伸展成上下对称，从而使不稳定的躯体获得稳定感。身体的正侧转动，下肢的前后分列，既符合掷铁饼的运动规律，又造成单纯中见多样变化的形式美感。米隆的这尊雕像解决了雕塑的一个支点的重心问题，为后来的雕塑家创造各种运动姿态动作树立了榜样。米隆的雕塑艺术的最大长处是反映迅速变化的运动感，往往能突破时空的局限，抓住雕像动作的关键瞬间，扩大了形象的时空表现力。

古希腊能产生这样的雕塑艺术跟那个时代的分不开的。古希腊人崇尚体育运动，公民可以裸身参加竞技运动，为艺术家观察和创造，写实提高了有利的条件。由于希腊的城邦国家制度，在军事技术落后，防卫和进攻能力低下的情况下，为了保存自己，侵略别人，掠夺奴隶和财富，必须具备强壮的体格。因此，希腊人特别重视体育锻炼，在气候温和的希腊，人们在从事体育运动和宗教性的文艺演出活动时，常以裸体炼身，全身赤露成为希腊人特有的风俗习惯。这种社会风气造就了社会普遍赞颂健美的人体，他们认为完美健康的人体乃是人的骄傲，把肉体的完美看作神明的特性。由于裸体锻炼和普遍的竞技活动，使雕刻家有机会观察、研究和表现人体特别注意表现男子裸体的健美和力量，以及女子的柔美动态，形成了西方美术中崇尚人体美的艺术传统。这种社会风气和艺术实践活动，促使了希腊的雕刻家们创造出空前高超的人体雕像。由于在古希腊的观念中所崇敬的神和人是同行同性的，神是最完美的人的化身，因此在创造神的形象中是以人间最完美的人体为典范的。由此可见希腊人的世界观是把神拉到人的境界中来，从神的本质中看到人性，也从人的本质中看到神性。希腊人的信神、实质上是意味着对人的肯定，这是它社会意识的独特之处

或许在许多人眼里，艺术和体育并没有什么必然联系。可丹纳认为，体育作为古代欧洲的文化风尚，对艺术的发展有根本性的奠基作用。希腊的青年，是献给神的战马，他们大半时间都在训练场上，跳跃、奔跑、拳击、掷铁饼，他们不像是现代人那样，把肉体放在头脑里，而是以体格健壮比例匀称擅长各种裸体运动为荣。生活在古希腊时代的雕塑家们见到的硕美的人体太多了，他们的笔下流淌出来的人体美自然跟后世那些没见过世面的艺术家们大不一样。这种对体育的推崇，自然造就了希腊雕塑艺术登峰造极的地步。而回头看看我们汉代出土的击鼓说书俑，满脸皱纹，给谁看都会有无限的安全感，可知是礼乐教化的结果了。

在古代希腊文明中最突出的成就之一是雕刻艺术，在世界艺术史上占有重要

的地位，其中尤以人体雕刻最为突出，它又是和希腊人的宗教观念、体育锻炼密切相关，古希腊雕刻，特别是古典时期和希腊化时期的雕刻，其共同特点是追求一种和谐的理想美。它的突出成就集中体现在人像雕刻，特别是人体雕刻上。《掷铁饼者》就是那个时代那种艺术风格的最佳表现。

《最后的晚餐》赏析

2《最后的晚餐》达.芬奇油画 1495-1498 420X910厘米,现藏米兰圣玛利

亚德尔格契修道院.

达.芬奇毕生创作中最负盛名之作。在众多同类题材的绘画作品里,此画被公认为空前之作,尤其以构思巧妙,布局卓越,细部写实和严格的体面关系而引人入胜。构图时,他将画面展现于饭厅一端的整块墙面,厅堂的透视构图与饭厅建筑结构相联结,使观者有身临其境之感。画面中的人物,其惊恐,愤怒,怀疑,剖白等神态,以及手势,眼神和行为,都刻划得精细入微,唯妙唯肖。这些典型性格的描绘与画题主旨密切配合,与构图的多样统一效果互为补充,使此画无可争议地成为世

界美术宝库中最完美的典范杰作.

在庆祝逾越节的前夜，耶稣和他的十二门徒坐在餐桌旁，共进庆祝逾越节的一顿晚餐。餐桌旁共十三人，这是他们在一起吃的最后一顿晚餐。

《最后的晚餐》画作内容：

高4.6米，宽8.8米，画面利用透视原理，使观众感觉房间随画面作了自然延伸。为了构图使徒做得比正常就餐的距离更近，并且分成四组，在耶稣周围形成波浪状的层次。越靠近耶稣的门徒越显得激动。耶稣坐在正中间，他摊开双手镇定自若，和周围紧张的门徒形成鲜明的对比。耶稣背后的门外是祥和的外景，明亮的天空在他头上仿佛一道光环。他的双眼注视画外，仿佛看穿了世间的一切炎凉。

《最后的晚餐》是基督教传说中最重要的故事，几乎被所有宗教画家描绘过。但在达芬奇为米兰格雷契寺院食堂画《最后的晚餐》之前，所有的画家对画面艺术形象处理都有一个共同的特点：那就是把犹大与众门徒分隔开，画在餐桌的对面，处在孤立被审判的位置上。这是因为画家们对人的内心复杂情感无法表现，从形象上难以区别善恶。由于达芬奇对人的形象和心理作过深入的观察和研究，能从人物的动作、姿态、表情中洞察人物微妙的心理活动并表现出来。

画家选择的瞬间情节是耶稣得知自己已被弟子犹大出卖，差弟子彼得通知在愈越节的晚上与众弟子聚餐，目的并非吃饭，而是当众揭露叛徒。当耶稣入座后即席说了一句：“你们中间有一个人出卖了我。”说完此话，引起在座的众弟子一阵骚动，每个人对这句话都作出了符合自己个性的反映：有的向老师表白自己的忠诚；有的大感不惑要求追查是谁；有的向长者询问，整个场面陷于不安之中。过去的画家无法表现这一复杂的场面和弟子们各不相同的内心精神活动，唯芬奇从现实生活中对各种不同个性人物的观察，获得不同的个性形象，于是在画中塑造了各不相同的人物形象，观赏者可以从自己的生活经验出发，对画中人作出不同的心理分析。

画家描绘的弟子们的心理和情态，在现实生活中都可以找到相似的模特儿，可是叛变者的形象是很难画的。达芬奇为塑造犹大的形象已停笔几天，他常站在画前沉思。当时请芬奇作画是按时付酬金的，后几天不动笔使院长十分恼火，并打算扣芬奇的工资。院长将想法通过总管告诉芬奇，芬奇说了停笔的原因。总管虽能理解，但扣工资非他本意，而是承院长旨意。这时芬奇转首看看院长，立即表示可以很快完成犹大的形象，如果实在找不到犹大的模特儿，就把院长的头像画成犹大，总管会意地笑了。后来米兰大公来看芬奇已完成的画，一见坐在犹大位置上的是院长，他笑了，并说：我也收到修士们的指控，说他克扣修士们的薪金，他和犹大是一个样的，就让他永远地坐在这里吧。大公对芬奇说：“他对你不公平，你巧妙地报复了他。”芬奇之所以用院长作模特儿，并非完全是出于个人的报复，而是发现院长和犹大都很贪婪金钱，他们在本质上是一致的。所以犹大是作为贪财、叛卖、邪恶的典型而进入芬奇的作品的。

这幅在格雷契寺院食堂墙壁上的宏大画面，严整、均衡，而富于变化，无论从构思的完美、情节的紧凑，人物形象的典型塑造以及表现手法的纯熟上都堪称画家艺术的代表。它也是人类最优秀的绘画作品之一，由于它的问世而使达芬奇名扬世界。