美术鉴赏

名词解释

流派、风格特征、性质或意义（宗教建筑）

哥特式建筑：

罗马式美术在12世纪下半期趋于衰落。13—15世纪的中世纪美术被称为哥特式美术，这种风格最早兴起与法国，后来流行到整个欧洲。哥特式美术是欧洲中世纪美术的高峰。

因为法国在12世纪出现了强大的君主政体，它的势力使罗马帝国黯然失色。在12—13世纪时，欧洲的人口差不多有三分之是法国人。而首都巴黎，在罗马时代曾默默无闻，12世纪中叶之后变成了一个巨大创造性和极高声望的艺术中心，在艺术方面取得了欧洲的领导地位，当欧洲各国还在建造罗马式教堂的时候，法国人就已经开始试验哥特式建筑了。

“哥特式”在中世纪时是被称为“法国式”。只是到了后来16世纪文艺复兴时期有关建筑学的作者在轻蔑的回顾他们先人的作品时，才把这种风格称为“哥特式”，意思是“野蛮的、乏味的”。这个名字一直被沿用到今天，而且也不再含有贬义的意思，“哥特式”这个名词首先专门用在建筑方面，因为在建筑上最有特征、也容易辨认。哥特式雕塑是在13世纪以后才开始独立出来的。哥特式绘画也主要用在装饰教堂的墙壁镶嵌画即抄本绘画。

与罗马建筑不同的是，哥特式教堂是建在由城市保护的城市中，它已经不再具有罗马式建筑那样的城堡功能，而又了更宽阔、更高、更明亮的内部空间。

特点：1、肋拱的穹隆工程，成肋骨状的穹隆可以建在更复杂的平面上。2、是尖状取代半圆形拱。3、独立飞券是哥特式建筑的一个关键要素，这种飞券在建筑物的两侧凌空越过侧廊上方，抵住中殿十字拱的四角起点，承受其侧推力。

由于结构上的改进，使教堂内部发生变化，有了飞券的支撑，中殿越来越高。柱头消失了，肋拱从圆柱的顶端像麦束一般悠然自得的开放，给支撑穹隆的柱体以持久，亢奋的冲力。

2.哥特风格：一种宗教建筑风格，又称高直式，起源于十一世纪的法国，流行于十三、十四世纪的欧洲，哥特式建筑以尖拱取代罗马式圆拱，改变了罗马建筑的承重墙模式，以垂直向上的动势为特点，宽大的窗子上饰以彩色玻璃宗教画，广泛运用簇柱、浮雕等层次丰富的装饰，高耸、轻盈、神秘，是一种宗教建筑审美风格

代表：巴黎圣母院，亚眠大教堂，米兰大教堂，科隆大教堂

哥德式建筑的整体风格为高耸削瘦，且带尖。以卓越的建筑技艺表现了神秘、哀婉、崇高的强烈情感，对后世其他艺术均有重大影响。哥德式大教堂等无价建筑艺术已列入联合国教科文组织的世界遗产，其也成了一门关于主教座堂和教堂的研究学问。哥特式建筑以其高超的技术和艺术成就，在建筑史上占有重要地位。

巴洛特风格：

17~18世纪欧洲美术。巴洛克风格虽然继承了文艺复兴时期确立起来的错觉主义再现传统，但却抛弃了单纯、和谐、稳重的古典风范，追求一种繁复夸饰、富丽堂皇、气势宏大、富于动感的艺术境界。

巴洛克是17世纪广为流传的一种艺术风格。它的名称由来，说法不一，一说来自葡萄牙或西班牙语，意思是不圆的珠子；又一说它来自意大利语，有奇特、古怪或推论上错误的含义。总的来说这个名称在当时含有贬意，是18世纪古典主义艺术理论家对于上一个世纪一种艺术风格的称呼。古典主义者认为巴洛克是一种堕落瓦解的艺术，只是到了后来，才对巴洛克艺术有了一个较为公正的评价。

巴洛克艺术产生于16世纪下半期，它的盛期是17世纪，进入18世纪，除北欧和中欧地区外，它逐渐衰落。巴洛文艺术最早产生于意大利，它无疑与反宗教改革有关，罗马是当时教会势力的中心，所以它在罗马兴起就不足为奇了，可以说，巴格克艺术虽不是宗教发明的，但它是为教会服务，被宗教利用的，教会是它最强有力的支柱。

巴洛克风格的特点：

①具有华丽的色彩。②是一种激情的艺术，打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家的丰富想象力③极力强调运动。④关注作品的空间感和立体感⑤综合性，巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段⑥浓重的宗教色彩⑦远离生活和时代的倾向。

巴洛克艺术在本质上是新兴资产阶级在艺术领域的一场革命，体现了资产阶级的审美趣味与文化追求。

印象派：

印象派，也叫印象主义，19世纪60—90年代在法国兴起的画派。当时因克劳德·莫奈的油画《日出·印象》受到一位记者嘲讽而得名。1874年第一届印象派画展在巴黎卡皮西纳大道的一所公寓里举办,有31位印象派画家参展。

印象派画家发现了光与色的美妙，在他们的作品里，轮廓线消失了，严谨的造型不见了，代之而起的是朦胧的光与色，微妙的色彩变化。光与色成为画面唯一主题。

不依据可靠的知识，以瞬间的印象做画。画家们是抓住一个具有特点的侧面去做画，所以他们必须疾飞画笔把颜色直接涂在画布上，他们只能多考虑画的总体效果，较少的顾及枝节细部。印象主义的以粗放的笔法做画，作品缺乏修饰，是一种对笔法较草率的画法。印象主义采取在户外阳光下直接描绘景物，追求以思维来揣摩光与色的变化，并将瞬间的光感依据自己脑海中的处理附之于画布之上，这种对光线和色彩的揣摩也是达到了色彩和光感美的极致。

作为一种美术思潮，印象主义绘画在世界美术史上具有重要地位，它推动了以后美术技法的革新与观念的转变，对欧美、日本乃至中国的画家产生过或大或小的影响。

现实主义：

现实主义(Realism)是从文艺复兴到十九世纪这一特定历史时期形成的一种文艺思潮和创作方法。继法国浪漫主义之后，出现了以赞美大自然，描写现实普通人们生活的现实主义美术运动。现实主义是指表现生活真实的艺术，用忠实于对象的手法描写自己眼界所及的事物，是透过现象反映事物的本质。现实主义绘画是由“巴比松画派”的风景画家以柯罗为代表，“农民画家”为称号的米勒，以“现实主义画家”自称的库尔贝和一些政治讽刺画家，如杜米埃的创作为代表所形成的。

19世纪中期法国写实主义美术家们发展了美术作品的写实技法，特别在风景画中对表现光线和空间感，作了富有成果的探索。一方面，他们使历来被上层社会不屑一顾的劳动者，在艺术创作中得到了一定的地位；另一方面，在他们的实践和理论中，也有某些偏激之处。冷抽象主义（风格派）：

风格派：1917年在荷兰出现的几何抽象主义画派,以《风格》杂志为中心。创始人为T.van 杜斯堡,主要领袖为P.蒙德里安。蒙德里安喜欢用新造型主义这个名称,所以风格派又称作新造型主义(neoplasticism)。风格派完全拒绝使用任何的具象元素,主张用纯粹几何形的抽象来表现纯粹的精神。认为抛开具体描绘,抛开细节,才能避免个别性和特殊性,获得人类共通的纯粹精神表现。新造型主义以一种看似冷漠的,多变的色与形的对比来积极寻求个体主观表达与宇宙普遍秩序的完美统一,以一种“纯造型艺术”来达到个性与普遍性结合的目的.以三原色和直线相交、平行的二元论来表现一种冷抽象的热度。

参加风格派的,还有匈牙利画家V.胡萨尔﹑建筑师J.J.P.乌德﹑诗人A.考克﹑雕刻家G.凡顿格洛等。在”抽象化与单纯化”的口号下,风格派提倡数学精神,凡是缺乏明确与秩序的东

西,都被他们称作是巴洛克,统统予以反对。蒙德里安﹑杜斯堡等人的绘画,在平面上把横线和竖线加以结合,形成直角或长方形,并在其间安排原色红﹑蓝﹑黄。凡顿格洛则把这种原则运用到雕塑中,与蒙德里安不同的是,他的作品是以数学的解析为基础的,由一些简单的立体单元,用垂直和平行的对称方式组合成一定的空间模式,风格派对20世纪上半期的建筑,产生了相当大的影响。

波普艺术：

20世纪50年代初萌发于英国，50年代中期鼎盛于美国。波普为Popular的缩写,意即流行艺术、通俗艺术。波普艺术一词最早出现于1952～1955年间，由伦敦当代艺术研究所一批青年艺术家举行的独立者社团讨论会上首创，批评家L.阿洛维酌定。他们认为公众创造的都市文化是现代艺术创作的绝好材料，面对消费社会商业文明的冲击，艺术家不仅要正视它，而且应该成为通俗文化的歌手。在实践中有力地推动这一思潮发展的艺术家是R.汉密尔顿。1956年，他在首届“这是明天”的个人展览会（惠特彻派尔画廊）上陈列出握有“POP”字母的网球运动员的拼集作品。这幅作品成了波普艺术的一面旗帜。英国波普艺术的代表人物还有：E.保罗齐、J.蒂尔森、D.霍克尼、R.B.基塔依、R.史密斯、A.琼斯。

波普艺术是流行艺术（popular art)的简称，又称新写实主义。它代表着一种流行文化。在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。它反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力求表现自我，追求标新立异的心理。

波普艺术同时也是一些讽刺，市侩贪婪本性的延伸。简单来说，波普艺术是当今较底层艺术市场的前身。波普艺术其创作特征是直接借用产生于商业社会的文化符号，进而从中升华出艺术的主题。它的出现不但破坏了艺术一向遵循的高雅与低俗之分，还使艺术创作的走向发生了质的变化。

作品欣赏

年代、风格特征、背景和时代意义

米隆《掷铁饼者》

米隆(Myron)作于约公元前450 年。

《掷铁饼者》取材于希腊的现实生活中的体育竞技活动，刻画的是一名强健的男子在掷铁饼过程中最具有表现力的瞬间。雕塑选择的铁饼摆回到最高点、即将抛出的一刹那，有着强烈的“引而不发”的吸引力。虽然是一件静止的雕塑，但艺术家把握住了从一种状态转换到另一种状态的关键环节，达到了使观众心理上获得“运动感”的效果，成为后世艺术创作的典范。这个作品是古希腊雕塑艺术的里程碑，显示出希腊雕刻艺术已经完全成熟。雕塑刻划的是一名强健的男子在掷铁饼过程中最具有表现力的瞬间，赞美了人体的美和运动所饱含的生命力，体现了古希腊的艺术家们不仅在艺术技巧上，同时也在艺术思想和表现力上有了一个质的飞跃。这尊雕像被认为是“空间中凝固的永恒”，直到今天仍然是代表体育运动的最佳标志。

《命运三女神》

菲狄亚斯(Phidias或Pheidias)主持制作，时间在公元前447~公元前438年。古希腊时期，人们修建了大量的神庙，为神歌功颂德。所有这些神庙中以帕特农神庙(Parthenon)最为出色。帕特农神庙的装饰雕刻是菲狄亚斯在其艺术的鼎盛时期主持创作的。三位女神是克罗索、拉克西斯和阿特罗波斯。她们的任务是纺制人间的命运之线，同时按次序剪断生命之线。

《命运三女神》是描写希腊神话中阿特洛波斯、克罗托和拉切西斯的雕塑，原来位于帕提农神庙的东山墙，虽然头部都已受到了损坏，但仍然生动地展示了希腊古典时期雕刻艺术

所达到的高超的艺术水准，令人叹为观止。三位女神坐着的姿势，是随着墙的三角形趋势而变化的，她们都穿着质地很薄的希腊式宽大长袍，衣褶纤细而又繁复，随着人体的结构起伏，极其生动地体现了鲜明的女性人体曲线，女神们身形优美、饱满而丰腴，使人切实地感受到孕育在她们体内的无限生机和活力。那似乎正在随着呼吸而微微起伏的、富有弹性的身体，让每一个看到这一组雕塑的人都几乎忘记了她们是冷冰冰的大理石，她们是那样的真实、那样的亲切、那样的令人崇敬

波皮切利《春》

文艺复兴初期绘画作品。

画作《春》是画家波提切利根据波利其阿诺的诗歌创作于1481年至1482年间的一幅蛋彩画。这幅作品是按照诗人波利齐安诺的诗来创作的：中间也是一位维纳斯，但形象并未比前一幅上的维纳斯有更多的欢乐情绪。相反，倒是左边三位优美女神（阿格莱西、塞莱亚、攸美罗西尼）描绘得富有生气：森林边，这三位女神沐浴在阳光里，正相互携手翩翩起舞。右边的一个象征华美，中间一个象征贞淑，左边一个象征欢悦。她们将给人间带来生命的欢乐。波提切利用中世纪的装饰风格来展现这三位女性形象，线条富有节奏感，人物的形体美借助于线条来体现，十分流畅。在画的右边，分别是花神、春神与风神（自左至右）三个形象，象征春回大地，万木争荣的自然季节即将来临。

它是作者通过对罗马神话中唤醒春天的诸神的富于想象力的描绘，表现人与自然和和谐相处的寓意画。作品表现了波提切利精致明净的独特画风，从而奠定了它在世界美术史上的重要地位。波提切利的艺术成就集中体现在秀逸的风格、明丽灿烂的色彩、流畅轻灵的线条，以及细润而恬淡的诗意风格，这种风格影响了数代艺术家，至今仍散发着迷人的光辉。《春》这幅作品，是绘画技术上的胜利，它精致的布料和笔触，高超的绘画技法，极具美感的人体，以及把握难度颇大的构图，都体现了波提切利天才的艺术水准，这幅画不愧是早期文艺复兴的代表作品。

米开朗琪罗《大卫》

文艺复兴盛期雕塑。

米开朗基罗26岁受委托雕塑“大卫雕像”，30岁时完成，雕像由一整块纯白大理石雕成，米开朗基罗精研肌肤、血管纹路及关节，被推崇为古典艺术品的典范。

这尊雕像被认为是西方美术史上最值得夸耀的男性人体雕像之一。不仅如此，《大卫》是文艺复兴人文主义思想的具体体现，它对人体的赞美，表面上看是对古希腊艺术的“复兴”，实质上表示着人们已从黑暗的中世纪桎梏中解脱出来，充分认识到了人在改造世界中的巨大力量，象征着人类尊严的觉醒。

米开朗基罗生活在意大利社会动荡的年代，颠沛流离的生活使他对所生活的时代产生了怀疑。痛苦失望之余，他在艺术创作中倾注着自己的思想，同时也在寻找着自己的理想，并创造了一系列如巨人般体格雄伟、坚强勇猛的英雄形象。《大卫》就是这种思想最杰出的代表。米开朗基罗是意大利文艺复兴盛期一位多才多艺的巨人。他不仅是伟大的雕刻家、画家，而且也是一位杰出的建筑家和诗人。在他漫长的一生经历了意大利从繁荣到衰落的转变，他始终是一名坚定的人文主义者，他的作品带有强烈的英雄主义色彩。如果说达芬奇创造了内心深邃、高度智慧和风格文静的典型，那么米开朗基罗就以塑造了充满力量、坚毅果断和具有信心的英雄形象而不朽。他的笔下、刀下的英雄虽然取材于宗教、神话故事，其实是讴歌当时人们心目中的力挽狂澜拯救祖国的英雄，寄托了艺术家和人民的希望和理想，具有鲜明的时代意义。

《教皇英诺森十世》

17~18世纪西班牙美术。

1599年6月6日，委拉斯贵兹出生于西班牙著名工业城市塞维尔。他早年限老埃雷拉学习，后来投奔帕奇科门下。委拉斯贵兹以勤奋的努力和聪颖的天资成为帕奇科最钟爱的学生。这时期的几件作品，如《卖水老人》、《煎鸡蛋的老妇人》等风俗画，明显地仿效卡拉瓦乔的明暗技法。1623年经正在担任首相的塞维尔元老奥列瓦尔斯伯爵的举荐，进入西班牙宫廷为国王腓力四世画像，深得国王的欢心，从此被任命为国王的宫廷画师，得以在宫中悉心观摩大批意大利文艺复兴大师和当代巨匠们的作品。他对威尼斯画派的巨匠提香和当代佛兰德尔画家鲁本斯的作品尤其崇拜。从此开始摆脱拘谨和枯燥变得生动和明亮起来。代表这种转变的第一件作品是《酒神与醉汉》。他还创作了大量的肖像画。包括《腓力四世立像》、《奥利瓦雷斯骑马像》、《王子腓迪南猎装像》《拿扇子的妇人》（《矮子安东尼奥》《教皇英诺森十世肖像》等。

委拉斯贵兹晚期主要作品有《宫娥》、《纺织女》等。《宫娥》是一幅描绘宫廷生活的作品，它真实地揭示了生活在宫廷里的人们，由于处处受着枯燥礼仪的约束，生活并不愉快。《纺织女》同样是真实生活的反映，这是一幅17世纪欧洲少见的现实主义的名作，证明委拉斯贵支虽然身为宫廷画家，但始终未失平民的本色。

此画是委拉斯贵兹第二次访问意大利期间画的。在罗马，作为西班牙国王腓力四世的宫廷画家，委拉斯贵兹出席了教皇英诺森十世主持的1650年庆典。当时他还会见了同时代的画家普桑、雕刻家贝尼尼等人。就是在那里，应英诺森十世之请，委拉斯贵兹画了这幅有名的肖像画。据说当教皇本人第一次看到这张画时几乎是吃惊而不安地说了一句话：“画得太像了！

米勒《钟声》

现实主义。

由法国著名画家让·弗朗索瓦·米勒创作于1850年，这幅画中，画家将人类的美德、本性和自己的人生态度融入其中。画的主题体现了人对上帝的信服、崇敬和对命运的谦恭、顺从，同时赞扬了农民的勤劳和知足，寄予了对他们的同情。更重要的是，《晚钟》缅怀了养育众生的农民祖先，也告诫人们不要忘记土地是生活的根本，应该热爱大地母亲。尽管只是描绘农民平凡的劳动场面，纯朴无华的典型的农民形象，《晚钟》在纯朴浓厚的深情中也给人一种震撼的力量。《晚钟》从现实生活入手，撷取身边农民日常劳作中的一个小画面进行艺术描绘。画面上,暮色中一望无际的田野，远处隐隐约约显露出教堂的钟楼，画面的前景是一对在田间操劳了一天的农民夫妇，他们听到了远处传来教堂的钟声，虔诚的夫妇放下手中的活计，双手合掌在默默地祈祷，感谢上帝的恩赐。他们身边停放着运送农产品的独轮小推车、小筐、装土豆的麻袋和竖立着的农具。落日的余晖把大地染上一层淡淡的温暖色调，远处收获过的田野有些萧瑟和凄凉。

梵高《向日葵》

后印象派。

1888年4月，已35岁的梵高从巴黎来到阿尔勒，来到这座法国南部小城寻找他的阳光，他的麦田，他的向日葵……梵高创作了大量描绘向日葵的作品。

这是梵高最被人熟知的一幅作品，或者说它是一组作品。在绘画艺术的漫长历史中，凡高的向日葵似乎成为最具代表性的作品，它甚至成了艺术史上的一座丰碑。它还向我们展示出一位伟大艺术家的精神世界。

“向日葵”的绝妙之处在于梵高为我们描画出了向日葵这样一种颇有象征意味的植物的饱满与生机(虽然它们被放在瓶中)。画家通过描绘向日葵，向我们表达了他对生命的理解。

《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画面像闪烁着熊熊的火焰，满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力，色彩的对比也是单纯强烈的。然而，在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时，无不为那激动人心

的画面效果而感应，心灵为之震颤，激情也喷薄而出，无不跃跃欲试，共同融入到梵高丰富的主观感情中去。总之，梵高笔下的向日葵不仅仅是植物，而是带有原始冲动和热情的生命体。

梵高笔下的向日葵，像一团熊熊的烈火，那样的华丽，那团烈火似乎想要将每个观看过它的人的心燃烧，让每个观看过它的人震惊于梵高的想象力。

毕加索《格尔尼卡》

现代主义。

立体主义(Cubism)是西方现代艺术史上的一个运动和流派，又译为立方主义，1908年始于法国。立体主义的艺术家追求碎裂、解析、重新组合的形式，形成分离的画面－－以许多组合的碎片型态为艺术家们所要展现的目标。艺术家以许多的角度来描写对象物，将其置于同一个画面之中，以此来表达对象物最为完整的形象。物体的各个角度交错迭放造成了许多的垂直与平行的线条角度，散乱的阴影使立体主义的画面没有传统西方绘画的透视法造成的三维空间错觉。背景与画面的主题交互穿插，让立体主义的画面创造出一个二维空间的绘画特色。

油画《格尔尼卡》，是立体主义的领导人毕加索作于20世纪30年代的一件具有重大影响及历史意义的杰作。此画是受西班牙共和国政府的委托，为1937年在巴黎举行的国际博览会西班牙馆而创作，是表现战争题材且具有纪念意义的作品。画中表现的是1937年纳粹德国空军疯狂轰炸西班牙小城格尔尼卡的暴行。作为一个具有强烈正义感的艺术家，毕加索对于这一野蛮行径表现出无比的愤慨。他仅用了几个星期便完成这幅巨作，作为对法西斯兽行的谴责和抗议。毕加索他那潜在的变现主义再次迸发出来，线条扭曲着，膨胀着，激情在奔腾驰骋，这便是《格尔尼卡》。

汉弥尔顿《到底是什么使我们今天的好充满魅力》

汉密尔顿是马塞尔·杜桑的得意弟子。他的这幅题目冗长的拼贴画《到底是什么使得今天的家庭如此不同，如此有魅力？》，是最典型的波普拼贴画。画上所杂凑在一起的广告画、照片和画报剪贴资料，反映着画家所要提示的西方现代的流行生活方式：一套公寓房间，现代化的陈设。女主人公是一个坐在床上扭捏作态的裸体模特儿，中间站着的男主人公肌肉发达，是当代青年崇拜的健美型男性标准。他右手拿着一根放大了的棒棒糖，上面贴有“pop”字样(有人据此认为这是“波普艺术”诞生的由来)。地上有一台带式录音机、床柜前一台电视机，墙上有放大的连环图画的封面，左侧立一福特徽章。此外，还有真空吸尘器广告，窗外左边有一个电影屏幕，上面正映现着电影《爵士歌手》中的艾尔·乔尔森的特写镜头。裸体男子的健美体格与裸体女子的性感肉体，提示着人们，这些大众传播媒介正是波普美术所要提示的东西，它也是西方现代文化的潮流事物。

《王与后》

《王与后》，青铜雕像，高161.3厘米，英国现代雕塑大师亨利·摩尔，创作于1952年至1953年间，位于苏格兰旷野。这件作品，是亨利·摩尔50年代初在艺术风格上的一件试验性作品。作品中国王与王后的头部都有一个洞，似眼非眼；面孔十分怪诞，象个面具，似人非人，身体薄且长，呈扁叶状。整个作品简洁明了，没有过多的细部刻画。

对这件作品的评述有很多，最精彩的莫过于亨利·摩尔对自己构思的说明：“恐怕，理解这组雕像的线索正在于这个‘王’的头部，那是冠、胡须和颜面的综合体，象征着原始王权和一种动物性的‘潘神’似的气质的混合。‘王’的姿态比起‘后’来显得较为从容和自信，而‘后’则更为端庄，而且带点帝后的自觉。在我开始做雕像的手和脚的时候,有机会使它们做得更为现实,以进一步表达我的想法。我想以此说明人类的温良和原始皇权观念之间的对比关系。”作品是亨利·摩尔受英格兰威廉爵士的委托而创作的，并且被他天才地指定放在苏格兰贫瘠的丘陵地带的一片旷野之中。这对童话般的统治者的形象便与悠久的英国历史

以及童话式的传统观念联系在一起。他们仿佛从遥远的古代一直端坐到今天，尊严而亲切，静静地伴随着荒原，永远如斯，唤起了人们无限的充满诗意的联想。自然环境的衬托更增加了这尊雕塑意味无穷的历史感与神秘感，这仿佛是向人类原始文明的呼唤，也朦胧地表达了现代人的迷惘与失落。

希腊宗教反映了希腊人的生活观：乐观、自由以及对人性的肯定。

公元前5世纪前期的希波战争，拉开了希腊古典时期的帷幕。这场战争由于希腊各城邦之间非凡的合作，最终取得了全面的胜利，极大的鼓舞了希腊人的民族优越感。可是，战争带来的和平和安宁并不持久，它很快的被曾在反波斯战争中扮演领导角色的雅典与斯巴达之间的争夺所取代。此后，希腊城邦之间的不和带来了不少的骚乱。就在这一时期，希腊进入了历史上的黄金时期，以雅典为代表的奴隶制民主政治进一步成熟，经济、文化空前繁荣，特别是在文学艺术上，迎来了人类历史上第一个高峰。可以说，古典时期的美术在各个方面都取得了巨大的成就，其中，雕刻和建筑对后世影响最为深远。

佛教的基本精神：

1、人生是苦的；

2、苦的原因在于欲望；

3、只有消灭一切欲望，才能消灭苦因，断绝苦果；

4、要做到这一切，只有通过八正道，即：正见、正志、正语、正业、正命、正精进、正念、正定，以涅槃为终极目的

涅槃亦即“无为”、“寂灭”。

佛教具有消极性

中世纪野蛮黑暗的原因

1、古罗马时期，战争是常态，强者征服弱者，互相残杀、人口减半，罗马帝国没有精力抵抗蛮族入侵。蛮族的洪流也就决破堤岸，滚滚而来，来的全是野人，“当时的情景犹如在宫殿的桌椅之间放进一群野牛，一群过后又是一群”。

2、世界史上著名的“欧洲民族大迁徙”：从4世纪开始，来自欧洲中部、罗马帝国东方和北方的日耳曼人、科尔特人等游牧民族，由于匈奴的入侵，开始大规模的向西迁徙，涌入罗马帝国富饶的黑海地区。直到6世纪末，这种迁徙活动从未停止过，最终导致了西罗马帝国的灭亡和“蛮族”国家的建立。

3、在罗马帝国内部，由于长期的战争和占领广大殖民地造成罗马人骄奢腐败堕落，造成社会黑暗，大批的底层民众看不到生活希望，他们转而信仰基督教，从而使基督教不可阻挡的成为了罗马的国教；“相信世界为苦海，以醉心于上帝为无限幸福。”到了三世纪已经发展成为能够控制西方世界的强大力量。

4、蛮族虽然在武力上征服了罗马人，但在文化上却被基督教征服了，古希腊古罗马的光辉文化一去不复返；

5、基督教不关注科学与技术，排斥一切与基督教不相符合的哲学、文化等，从而使整个欧洲陷入科技倒退，文化倒退，经济倒退；由于欧洲17、18世纪的学者在当时对这段历史了解得不多。常用“野蛮，黑暗”来命名，黑暗中世纪也由此流传下来。

中世纪美术为什么与基督教文化紧密相连

在欧洲中世纪文化中，基督教的影响占有统治地位，决定了当时的社会生活方式和社会意识形态，艺术也不可避免地具有浓厚的宗教色彩，充当着上帝与教会的代言人的角色。因此，也有人将欧洲中世纪艺术称为基督教艺术。但是，中世纪的艺术仍然是丰富多采的，是多种文化源流的综合，并为近代欧洲文化艺术的发展奠定了基础。基督教起源于中东，当它作为一种文化形态在欧洲确立时，也带来了东方的一些文化特征。同时，古罗马帝国在接受基督教文化时，并不可能完全放弃已经根深蒂固的古希腊罗马的文化传统，尤其在建筑、雕刻和绘画等式样上，而是又一个漫长的融合改造的过程。最后，基督教在地中海沿岸确立之后，在向西欧扩展的过程中，又吸收了当地的文化成分，即所谓“蛮族艺术”，产生了一些新的

样式，直到公元10世纪前后，才形成了相对统一的基督教艺术风格。因此，欧洲中世纪艺术不能单纯理解为宗教艺术，而是在东方文化、古希腊罗马文化传统和蛮族文化的基础上融合而成的基督教艺术。基督教中的爱，在近代成为了西方资本主义关于平等、自由，博爱的观念的重要思想来源。

中世纪美术：所有艺术围绕基督教展开

中世纪绘画：题材围绕圣经，人物形象呆板枯槁，表情凄苦，动作僵硬，没有生气。这与中世纪的社会文化是相一致的。

中世纪：基督教的时代，教会统治下的欧洲，经济衰退，科技停滞，文化衰退

中世纪早期的教徒：扭曲的自我折磨来实现所谓救赎

中期：经院哲学的局限，对科学的严重阻碍

晚期：基督教陷入腐败危机和信任危机

基督教一方面主张人道主义，主张通过个人的自我克制与完善来实现社会公平正义，对社会的良性发展与个人道德建设有重大贡献，另一方面基督教反对一切基督教以外的其他宗教，异教徒受到严厉禁止与残酷对待，基督教反对科学，反对对上帝的一切质疑，严重阻碍科学与技术的进步，也阻碍了经济的发展，而且，基督教到了中世纪后期，教会开始堕入腐败，基督教进入了严重的信任危机中。

文艺复兴一词的原意是：在古典规范（古希腊古罗马文化）的影响下文学与艺术的复兴文艺复兴作为欧洲历史上一次伟大的转折点，他的含义远不止“文学”与“艺术”的复兴，它是艺术、文学、科学、教育、哲学与宗教的全面繁荣，这种繁荣的基础是古典文化，但它很快就超越古典文化，成为欧洲社会挣脱封建教会精神枷锁，驱散宗教黑暗，建立新型资产阶级文化的武器。

时间：14到16世纪

性质：一场伟大的资产阶级的文化运动

文艺复兴是14世纪至16世纪欧洲文化和思想发展的一个历史时期，是欧洲历史上一次重大的新文化运动，是人类历史上一个百花齐放、硕果累累、群星争艳、人才济济的光辉时代。恩格斯称之为“人类从来没有经历过的最伟大、进步的变革”，“是一个需要巨人而且产生巨人”的时代。

文艺复兴最早源于意大利。意大利在当时的欧洲已经率先完成了从封建主义走向资本主义过渡的阶级准备、思想准备和物质准备.文艺复兴的指导思想是人文主义，其核心是“人乃万物之本”，主张以个人作为衡量一切事物的尺度。

人文主义

重视人的价值，提倡个性与人权；

主张个性自由，反对天主教的神权；

主张享乐主义，反对禁欲主义；

提倡科学文化，反对宗教迷狂。

文艺复兴时期的社会

1、经济的发展，使新型资产阶级登上历史舞台

2、商业发展，使城市成为经济的中心，庄园经济衰微，市民成为社会的重要力量，他们厌恶旧的生活方式，向往财富与多彩人生

3、教会权力落入世俗君主之手，教会的力量开始衰微

4、阿拉伯伊斯兰文化经由十字军和远东贸易带入欧洲，使欧洲文化注入新的血液

17~18世纪欧洲美术

时代背景

1、自然科学的发展，使人类对自身的认识有了新发展，一方面认识到人在自然面前的渺小（日心说），又认识到人自身的神圣伟大，社会呈现出令人乐观的向上的力量；

2、民族国家兴起，中央君主专制集权的加强，中产阶层的兴起，世俗力量逐渐摆脱宗教控制；

3、宗教改革运动的影响。路得的宗教改革实质上是一场披着宗教外衣的资产阶级性质的改革。

后印象主义 POST-IMPRESSIONISM（1890-1900）：也称“印象派之后”或“后期印象派”，是法国美术史上继印象主义之后的美术现象。后印象主义一词是英国人和美国人用来描述文森特·凡·高、高更和保罗·塞尚等为代表的一群画家以及画风的。该词由英国艺术评论家并曾任纽约大都会博物馆馆长福莱（Roger Fry，1866－1934）提出的。他想对保罗·塞尚立论，就需要一个新术语。几十年来，法国人并没有将这三个人和印象主义加以区别，只是近期才用这一术语把他们和那些主要名家区分开来。虽然保罗·塞尚一生中的大部分时间都和那群画家起展出作品，但“后印象主义”仍是一个方便的术语用来突出这三位后来的画家，而且他们也确实与该群体十分不同。

所谓后印象主义是指塞尚、凡·高和高更的艺术观念和艺术创造。他们三个人最初都是学印象主义。塞尚和高更还参加过印象主义画展，凡·高虽然没有参加过印象主义展览，但他一直自称是印象主义。后来他们三人都认为绘画不能仅仅像印象主义那样去模仿客观世界，而应该更多地表现画家对客观事物的主观感受，他们虽有共同的创作倾向又有各自鲜明的艺术个性：塞尚一生的创作活动都是为了追求心目中永恒性的形体和坚实的结构，以创造形象的重量感、体积感、稳定感和宏伟感，最后达到简单化和几何化的效果，这使他成为后来的立体主义和抽象主义的始祖。高更主张不要面对实物，而凭记忆作画，提倡综合的和象征的美学原则。凡·高的新画风，可以说是印象主义、新印象主义，日本的浮世绘版画融合在他个人气质中的产物，是东西方绘画合流的结果。凡·高的画，一个突出的特点是强烈地表现了自己的个性。有人说，他的画都是他的自画像。

现代主义

20世纪是信息时代，可以用"信息爆炸"来形容这个时代的特点。由于科学技术的高速发展和国际交流的日益频繁，人对自然和社会认识的深度和广度迅速发展。全球性的经济危机、集团性国际冲突的一次次激化、冷战的态度和对生态问题的关注，促使人们对全球性问题和未来问题进行思考。各种人文学科和自然科学的相互影响、相互渗透，不断激发出新的观念，并对社会产生强大冲击力。上述种种因素对20世纪西方艺术形形色色的"主义"和"运动"有着直接或间接的影响。

20世纪西方艺术最大的特点：

一是对传统的借鉴打破了民族、地区、国家、时间等人为的或自然的障碍而更具世界;

二是各门类艺术之间相互影响更趋密切，例如，美术创作借鉴了电影和摄影手法，借鉴了文学中的意识流，试图把音乐的抽象性移植到绘画中等等，这些都明显地带有实验性。任美术内部，各种形式也相互借鉴、融合，以致一些传统的分类和观念已失去了存在的价值。 19世纪末的象征主义为20世纪各种艺术倾向打下了基础。但1880年以后出生的一代艺术家已属于20世纪的年轻一代，他们不再同情世纪末的情趣。20世纪西方进入了个性化的时代，强调个性和内省反思是社会的和个人的价值判断的立足点。"反传统"成为这个世纪艺术的主流。各种"主义"和"运动"就是由所谓前卫的年轻一代艺术家发动的。他们的创作更深地卷入到艺术家的个人世界之中，更强烈地表现他们的个性。因此20世纪西方艺术更倾向多样化，更具多变性和主观随意性。