导演编导专业看电影的小技巧
电影中的十大经典操作技巧
电影中的十大经典操作技巧电影中的操作技巧是指导演和电影摄影师运用各种技术手段、摄影技巧和视觉效果来表达故事情节和情感的一种方式。
下面是电影中的十大经典操作技巧。
1. 镜头运动：镜头运动是通过摄像机的运动来改变画面的视觉效果。
运用移动摄像机的方式，如追踪镜头、飞越镜头、抖动镜头等，可以增强观众的参与感和紧张感，从而更好地传达电影情节的动感和紧张感。
2. 灯光运用：灯光是电影摄影中非常重要的一个要素，通过调整灯光的亮度、角度和颜色，可以创造出各种不同的氛围和情感表达。
例如，柔和的灯光可以营造出温馨和浪漫的感觉，而强烈的红色灯光可以表达热情和紧张的情绪。
3. 剪辑技巧：剪辑是将不同的镜头和画面有机地连接起来，构建电影叙事结构的重要手法。
通过剪辑的方式，可以调节电影的节奏、表达情感和传递信息。
例如，快速剪辑可以增加紧张感和刺激感，而慢镜头则可以突出重要的细节和情感。
4. 深度和视觉构图：深度和视觉构图是指通过布置和安排镜头中的元素来创造出立体感和艺术美感。
例如，运用远景、近景和背景对比来增强层次感，或者使用对称和线条构图来创造出美感和平衡感。
5. 特殊效果：特殊效果是指通过各种特殊技术手段来实现无法在现实中呈现的画面效果，如爆炸、飞行、变身等。
通过特殊效果的运用，可以增强电影的视觉冲击力和观赏性。
6. 音效运用：音效是电影中重要的一个环节，通过调整声音的音量、节奏和音色，可以增强电影的氛围和情感表达。
例如，运用嘈杂的环境声音可以增加紧张感和真实感，而柔和的音乐可以营造出温馨和浪漫的氛围。
7. 色彩运用：色彩是电影中重要的表现手段，通过调整电影的色彩饱和度、色调和亮度，可以创造出不同的情感和美感。
例如，运用冷色调可以表达孤寂和紧张的感觉，而暖色调则可以表达温馨和浪漫的情感。
8. 操作节奏：操作节奏是指通过调整电影的场景切换速度和镜头长度来控制观众的观影体验。
例如，快速切换和短镜头可以增加电影的紧凑感和刺激感，而缓慢切换和长镜头则可以凸显情感和气氛。
戏剧导演教你的七大导演技巧
戏剧导演教你的七大导演技巧导演是影视作品中的关键元素之一，可以通过对演员、剧情、场景等方面的控制，创造出精彩的作品，让人们沉浸其中，产生共鸣。
下面，让我们来看看戏剧导演教你的七大导演技巧，帮助你成为一名出色的导演。
1、把握剧本，深入理解角色剧本是导演创作的基础，只有深入理解剧本，才能产生创意的火花。
导演应该通过不断地阅读、分析、把握剧本，了解角色的性格、心理、情感和行为动机，找到演员最适合扮演的角色。
2、注重场景设计，营造气氛场景设计是影响观众情感的重要因素之一。
导演应该根据剧情需要，设计场景，营造出适合情感表达的氛围和气氛，使观众产生共鸣。
3、沟通良好，与演员合作导演应该始终保持与演员的沟通，并且让演员理解角色，把握剧情，达到最好的表演效果。
开始时，要设定“共同的目标”，即舞台上看起来最好的表演。
4、控制剧情，把握节奏导演应该把握好剧情的发展和节奏，让情感、节奏、桥段、场景等各个方面结合紧密、统一协调。
有的时候，一个小的小节奏调控失误，可能会对整个剧情产生很大影响。
5、注重细节，完美刻画人物影响观众对影视作品的感受，除了演员的表演外，还有许多细节要求。
导演应该注重细节，完美地刻画出人物的形象、性格、言谈等细节，让观众更加深入地理解角色，产生共鸣。
6、创新想象，有自己的独特风格作为导演，应该有自己的独特风格和创新想象力。
一个优秀的导演，应该有挖掘和展现人性的才能，用自己的创造力和想象力去呈现出独特的影像。
7、不断学习，不断提高自己导演的道路并不容易，需要不断地学习、启示和成长。
成为一个优秀的导演，需要熟知各个方面的知识，并不断地提高自己的艺术水平和独立思考能力，逐渐形成自己的风格和处理问题的方式。
总之，作为一名导演，要注重剧本、深入理解角色、注重场景设计和气氛的营造，同时与演员良好沟通，掌管剧情，在细节方面完美地刻画人物，有自己的独特风格并不断提高自己。
只有运用每一个细节和创新思想，才能创造出优秀的影视作品，让观众产生共鸣。
如何锻炼导演思维的方法
如何锻炼导演思维的方法1. 深入学习电影理论和技巧要成为一名优秀的导演，首先需要对电影理论和技巧有深入的了解。
这包括学习剧本写作、摄影、音效、剪辑等方面的知识，了解不同的电影类型和风格，并能够从中获取灵感。
可以通过阅读相关的专业书籍、参加电影学院的课程和工作坊，以及观看各种类型的电影来充实自己的知识。
2. 打磨观察力和分析能力作为一名导演，观察力和分析能力是非常重要的。
要锻炼这些能力，可以通过观察生活中的场景、人物和事件，并分析它们的特点和细节。
比如，在街头观察人们的表情、动作和交流方式，思考他们之间的关系和情感；在电影中观察不同角色的表演和镜头的运用，思考导演的意图和效果。
此外，也可以通过学习视觉艺术、摄影和舞台设计等相关领域的知识，提升自己对画面构图和空间感的理解。
3. 通过参与影视制作积累经验只有通过实战经验，才能真正了解导演的职责和挑战。
可以参与学校或社区的影视制作团队，担任助理导演、摄影助理或剪辑助理等角色，亲身体验和了解每个职位的工作内容和流程。
在实际的制作过程中，要仔细观察和学习导演的操作和决策，与其他成员协作并交流沟通，同时也要解决意外情况和应对挑战。
通过这种方式，不仅可以积累宝贵的实践经验，还可以认识到导演在影视制作中的作用和影响力。
4. 提升团队合作和领导能力导演需要与各个团队成员紧密合作，包括编剧、摄影师、演员、剪辑师等。
因此，提升团队合作和领导能力非常重要。
可以通过参加戏剧团体或戏剧课程，学习演员的表演和导演的指导技巧，培养团队意识和领导力。
此外，了解每个团队成员的专业背景和工作方式，设定明确的目标和任务，并与他们保持良好的沟通和合作，从而更好地达成共同的目标。
5. 学会创造和把控情绪导演在拍摄过程中常常面临着各种压力和困难，需要学会处理情绪并保持冷静。
可以通过练习冥想、瑜伽、运动等方式，调整自己的情绪和放松身心，提升心理强大和抗压能力。
此外，与其他导演交流经验和心得，寻求他们的建议和支持也是非常重要的，可以从他们的经验中汲取智慧和灵感。
导演讲戏技巧方法
导演讲戏技巧方法导演讲戏技巧方法1.保持指令一致给演员的指令应该和给摄影师的指令是一样的：你必须想到这场戏的主旨，即“获得撤销成绩”，因此它第一个动作的概念就是“提早到达”。
然后根据这个基础就可发展成你导戏的内容，你只需对演员说这些。
而“提早到达”就是他必须为你做使你能顺利开动摄影机拍摄的事。
在语言沟通上就仅仅是这些，不用说的太多。
2.遵照剧本做指示由于我们需要的镜头是不相关的，所以演员的演出也不需要有任何相关的修饰，应该只是单纯地表演肢体动作而已。
单一动作，如：走到门口，试门把(打不开)，坐到地上，完。
就这样而已。
也不必刻意用任何姿态去表演这些动作。
这就是导演教授演技的最大窍门：遵照剧本所写的单纯肢体动作，愈简单愈好。
千万不要想“入戏”。
演员愈尝试要在他(她)的肢体动作中带出这场戏或这整场戏的意义，愈会砸锅，搞砸整部影片。
我们喜欢老电影里的明星不是没有道理，因为他们的演出都是惊人的简单。
他们常只是这么问：“我在这场戏做些什么?”“走到长廊的那一端。
”“怎么走?”“以相当快的速度，意志坚定地走。
”用最直截了当的动词与副词就是一个导演教演员演戏的法宝。
3.教演员怎么做还有一些演员会问你一大堆问题，像：“我在这个动作时脑中应该想什么?”“我的动机是什么?”“前面那场戏是什么?”这些问题的回答是：“无所谓(你不要管)。
”无所谓的原因是你不要演员演出这些东西。
而如果你想要走运，最好就只是要求他们做最单纯的肢体动作。
4.以最单纯的方式表演“请走到长廊尽头，试着转教室的门把。
”你千万不要说：“试着转动门把，那个门是上锁的。
”电影是由许多非常简单的概念所组成，好演员会将所有小动作以最单纯的方式表演。
5.抛开错误的训练方式很不幸地，大部分的演员都不是好演员。
原因是近代剧场有逐渐瓦解的趋势。
当我还年轻时，很多演员当时大约都是三十岁左右，却已在舞台上演戏谋生十年了。
现在演员就没那么多的机会了，事实上是演员的训练都非常糟糕。
导演的镜头技巧
导演的镜头技巧
导演的镜头技巧是指导演在电影或电视制作过程中，通过摄影机的运动、角度和构图等手段来表达情感、传递信息或创造视觉冲击的技巧。
以下是一些常见的导演镜头技巧：
1. 前后景对比：通过将主要人物或物体放置在前景或背景中，增加画面层次和立体感，突出重点。
2. 追踪镜头：摄影机跟随主体的运动，营造紧张的氛围，并强调主体的行动。
3. 镜头拉近/拉远：通过摄影机拉近或拉远的镜头运动，改变观众与主体之间的距离感，达到情绪上的冲击效果。
4. 随行镜头：摄影机紧随主要人物或物体移动，以第一人称视角的方式呈现，增强观众的代入感。
5. 深度镜头：运用大景深手法，使画面前后的物体都保持清晰，突出全景画面的美感和空间感。
6. 抖动镜头：通过故意抖动摄影机，模拟紧张或动荡的情况，增加观众的紧迫感和焦虑感。
7. 镜头切换：通过不同的镜头切换方式，如剪辑或跳剪，使故事情节更具流畅性和连贯性。
8. 镜头旋转：摄影机围绕固定点旋转，营造梦幻或迷幻的效果。
9. 高低角度：利用摄影机拍摄角度的高低变化，改变观众对主体的视角，增强戏剧效果。
10. 镜头分割：将画面分割成多个小块或屏幕，同时展示多个角色或场景，创造多重视觉效果。
以上只是一些常见的导演镜头技巧，实际上导演可以根据故事需要和个人创造性自由运用各种技巧来达到更好的视觉效果。
12种镜头技巧
12种镜头技巧引言在电影、电视剧以及其他影视作品中，镜头是传达故事情节和展示视觉美感的重要手段之一。
通过不同的镜头技巧，导演能够带领观众进入故事世界，增强观看体验。
本文将介绍12种常见的镜头技巧，帮助读者了解并运用于自己的影视作品中。
1. 倍速快进倍速快进是一种常见的镜头技巧，通过加快镜头的播放速度来表现快节奏、紧张的情节。
这种技巧常用于追逐、激烈战斗或紧张追逐的场景中。
通过加快镜头的速度，观众能够更加直观地感受到故事情节的紧张与刺激。
2. 慢动作与倍速快进相反，慢动作是通过减缓镜头的播放速度来表现细节和情感。
慢动作常用于展示重要的瞬间，如角色的表情、动作或重要转折点。
这种镜头技巧帮助观众更好地理解故事情节，增强情感的表达和传达。
3. 追踪镜头追踪镜头是指摄影机跟随角色或物体的移动，通过随着目标的运动来展示场景。
这种镜头技巧常用于追逐场景或强调角色的动作。
追踪镜头可以增强观众的参与感，带领观众进入角色的视角。
4. 偏斜镜头偏斜镜头是指将镜头倾斜，使画面产生一种不平衡、不稳定的感觉。
这种镜头技巧常用于表达紧张、疯狂或混乱的情绪。
通过使用偏斜镜头，导演能够营造出戏剧性的效果，增加观众的紧张感。
5. 隐身切换隐身切换是一种通过特殊剪辑技术实现的镜头技巧。
在隐身切换中，角色或物体在一个镜头中存在，但在下一个镜头中消失。
这种镜头技巧常用于展示角色的神秘和不可思议的特殊能力。
隐身切换可以增加观众的好奇心和惊喜感。
6. 镜头跟随镜头跟随是指镜头随着角色或物体的运动而移动，保持与目标的相对位置和角度。
这种镜头技巧常用于展示角色行动、追逐或坠落的场景。
镜头跟随可使观众更好地感受到故事情节的紧张和动态。
7. 镜头拉远/拉近镜头拉远和拉近是一种通过变焦来改变镜头视角的技巧。
拉远是指将焦点从近距离移至远距离，拉近则反之。
通过镜头拉远和拉近，导演可以调整场景的广度和观众的视觉焦点。
这种镜头技巧常用于展示场景的宏观或微观，或强调角色与环境的关系。
导演如何掌控电影的节奏与叙事
导演如何掌控电影的节奏与叙事节奏和叙事是电影制作中至关重要的因素，能够对观众产生强烈的情绪共鸣。
而导演是影片的创作核心，对于如何掌控电影的节奏与叙事起着决定性的作用。
本文将从导演的角度探讨如何巧妙掌握电影的节奏与叙事，以便实现预期的效果。
I. 建立起节奏感节奏是电影的心跳，能够带动观众情绪的起伏。
导演在电影制作中可以通过以下几种手法有效地建立起节奏感。
1. 剪辑技巧剪辑是电影表达的重要手段之一，导演可以通过剪辑的速度、镜头的切换等手法来调控电影的节奏。
快速的剪辑和镜头切换会使影片的节奏感更加紧凑，适合表现紧张激烈的情节；而慢镜头和缓慢的剪辑将使得影片的节奏感减慢，适合表现冷静深沉的情节。
2. 音乐的运用音乐是电影中不可或缺的元素之一，恰当的音乐能够带给观众强烈的情感体验。
导演可以根据剧情需要选择相应的音乐，通过音乐的节奏、音量和音调的变化来调控整个电影的节奏。
快节奏的音乐可以增加影片的紧张感，而慢节奏的音乐则适合表现影片中的柔情和伤感。
3. 景别与场景的切换景别与场景的切换也是导演调整电影节奏的一种方式。
导演可以通过切换不同的场景和景别，使得电影的节奏感更加流畅。
利用场景与景别的变换，导演可以将观众从一个情节带入另一个情节，从而保持影片的紧凑感。
II. 打造精彩的叙事1. 剧本的选取与改编导演在电影制作之初需要选择一部有吸引力的剧本。
一个好的剧本为电影的叙事奠定了坚实的基础。
在改编剧本的过程中，导演可以根据自己的创意和观点对剧本进行个性化的调整，以便更好地展现影片的主题和情感。
2. 视觉叙事视觉叙事是电影中重要的叙事方式之一。
导演可以通过摄影、服装、布景等手段来表达情节和人物的内心世界。
合理运用颜色的搭配、光影的变换以及镜头的运动，能够为电影增添更多的艺术感和叙事效果。
3. 运用镜头语言导演可以通过镜头的运动、镜头的角度和距离等来进行精确的叙事。
静态的镜头适合表现角色的内心独白和情绪的变化，而运动的镜头可以使影片更加生动和紧凑。
学习电影剪辑中的叙事技巧
学习电影剪辑中的叙事技巧电影剪辑是一门艺术，它能够将拍摄的素材组合成一个富有吸引力和感染力的故事。
在这个过程中，叙事技巧的运用至关重要。
掌握好这些技巧，可以让观众更好地理解和沉浸在影片所呈现的世界中。
首先，我们来谈谈剪辑中的节奏把控。
节奏就像是电影的心跳，它决定了观众的情绪起伏和注意力集中程度。
一个好的剪辑师要善于通过镜头的长短、切换的频率来营造出不同的节奏。
比如，在紧张刺激的追逐场景中，剪辑师会采用快速的镜头切换和较短的镜头时长，让观众感受到紧张和压迫感；而在温馨感人的情节中，则会使用较长的镜头和较为缓慢的切换，给观众留出足够的时间去感受情感的细腻。
画面的选择与组接也是叙事的关键。
每一个镜头都应该有其存在的意义，能够为故事的发展和主题的表达做出贡献。
在选择画面时，要注意画面的内容、构图、光线和色彩等元素。
比如，一个明亮温暖的画面可能传达出希望和喜悦，而一个阴暗压抑的画面则可能暗示着危险或困境。
在组接画面时，要遵循逻辑和视觉上的连贯性。
比如，从全景切换到特写，应该有一个合理的过渡，不能让观众感到突兀。
另外，声音的运用也能为叙事增色不少。
背景音乐、音效和对白都能影响观众的情感和对故事的理解。
恰当的背景音乐可以强化氛围和情感，比如在恐怖场景中使用阴森的音乐，在浪漫场景中使用轻柔的音乐。
音效则能增强真实感和代入感，比如关门声、脚步声、风雨声等。
对白的剪辑要注意清晰和流畅，确保观众能够清楚地听到和理解角色之间的交流。
剪辑中的蒙太奇手法更是一种强大的叙事工具。
通过将不同的镜头组合在一起，产生新的意义和效果。
比如，平行蒙太奇可以同时展示两条或多条情节线的发展，交叉蒙太奇则能增加紧张感和悬念。
对比蒙太奇通过对比不同的画面，突出主题和情感。
还有，视角的转换也能丰富叙事。
从主角的视角到旁观者的视角，从全景视角到微观视角，不同的视角能够给观众带来不同的感受和理解。
例如，通过主角的视角，观众能够更深入地体验角色的情感和内心世界；而旁观者的视角则能提供更客观的观察和评价。
- 1、下载文档前请自行甄别文档内容的完整性，平台不提供额外的编辑、内容补充、找答案等附加服务。
- 2、"仅部分预览"的文档,不可在线预览部分如存在完整性等问题,可反馈申请退款(可完整预览的文档不适用该条件!)。
- 3、如文档侵犯您的权益，请联系客服反馈,我们会尽快为您处理(人工客服工作时间：9:00-18:30)。
*导演编导专业看电影的小技巧*(重点）
第一遍：先看光，每个镜头中光是怎么用的，下一个镜头的光有什么变化，有没有投影的变化，有没有黑天白天的变化，有没有阴天、下雨；
第二遍：空间有没有大小的变化，大房间，小房间，有没有室内室外的变化；
第三遍：听声音，是同期还是后期，每个镜头中有有没有表现出的音空间来，它是什么样的，下个镜头的声音空间感有什么变化；
第四遍：背景是什么，与前景的关系，它怎样变的（这是透视关系）；
第五遍：有没有运动，是画面内的被摄体在运动，还是摄影机在运动，是水平运动（左右横移）多还是纵深运动多。
第六遍：有没有用变焦，它是准确地表现了两个人物关系，还是造成了错误的关系。
变焦用得多不多；摇镜头有没有增加新的信息或含义；
第七遍：运动的动与静的关系，是前景有运动，背景没有；或是背景有运动，前景没有；或是前后景都有，或前后景都没有；
第八遍：剪辑点在哪里，起幅的画面是怎么样的，落幅的画面是怎样的，如果是一个人在跑，注意起幅的人体造型好不好，好与不好，看的时候有什么不同；是用切换多，还是用叠化多。
第九遍：在一个镜头中人物的调度是怎样的，有没有第四面墙的舞台处理（即所有镜头中的人都排成一排面向摄影机，就象幼儿园里的排排坐，吃果果。
）演员的单独表演也是力求面向第四面墙？
第十，音乐用在哪里；有没有主题歌，有作用吗？音乐与人物动作（或称表演）关系，音乐与摄影机运动的关系，音乐与色彩变化的关系，音乐与对话的情绪及节奏的关系，音乐与自然音响（即噪声）的关系等等
第十一遍，如果是故事片，情节的转折点是用什么手段来表现的，是用嘴皮子说出来的，还是无声的段落，如果是你的话，你能用无声把这一段落表现出来吗？
第十二，画面上人物关系的变化，有变化，还是没有变化，A在整个镜头里始终站在B右边，就没有走到B的左边去过，等等；
第十三遍，画外空间是怎么用的，是作为画面内的空间的延伸，还是另外一个非叙事的空间；第十四，对话写得是否生活化，还是舞台腔，好念吗？
第十五，每个镜头中人物都穿什么颜色的服装，他们之间的相互关系，也就是说，有没有色彩的调度，即作为流动色彩来使用；
第十六，道具的时代，地域，民族，文化方面准确吗？
第十七，时间上是否用闪回，是用什么手段来表现的，合理吗？
第十八，用长镜头吗？最长的镜头有多长，你感觉是长，还是没有实际那么长，这个长镜头内的人物关系是怎样的。
全在画面，或者是一个在画内，一个在画外（正反拍不算内）。
第十九，人声，是男高音，女高音，男中音，女中音，男低音这样的搭配吗？
第二十遍，特写是作为情节中的视觉重音来用的吗？
第二十一遍，全片的声画结合如何，有精彩的地方吗?
编导类专业统考秘籍
秘籍一：掌握写影评套路对于没有系统学过影视理论分析的学生而言,高校不会要求学生有很理论化的阐述,关键是要求真,写出考生的真实感受,最忌讳人云亦云,没有主见。
比如,考生可能在事先复习中看过相关的内容介绍或别人对影片、作品的评论,一味引用别人的想法是得不到高分的。
其次，表达方式要系统。
例如在表达“喜欢”时,要言之有据，列出理由。
避免空泛地讲大道理。
此外，应该尽量从正面角度阐述影片的主题。
建议：掌握一套写影评的套路(以下方法供参考)：开头部分，用简短的话将影片的基本内容
进行概括；第二部分，写自己的观后感，认为影片的主题思想是什么；第三部分，写影片的艺术风格是什么；最后进行总结。
要注意的是，影片的主题思想应该和艺术风格相统一。
秘籍二：最忌讳胡编乱造
进行命题创作，切忌胡编乱造。
考生应该从联系实际生活，有感而发。
这一环节主要考察三个要素:文字表达能力、构思能力(想象力)和驾驭故事的能力。
要利用设置情节任务、矛盾冲突、渲染和铺垫等技巧展开创作。
考生应尽量从身边的小事写起。
要重点突出故事里面的人物，在人物的情感上下功夫，以情动人。
写文字要具有画面感，即提倡细节描写。
比如，到了一个地方，可以描述一下环境。
写人物时，可以通过他的穿着、打扮、面部表情，来为人物性格服务等。
建议：考生用第1人称来写故事，比较易于把握。
考前一周可以看一些成熟的微型小说,例如《故事会》、《读者》等，形成写故事的概念。
此外，在考试前，还应该有意识的准备2篇写人物的文章。
秘籍三：看文艺普及读物
对于高中生来说，高校不会要求考生在某一点上很深入，但是考生对文艺的知识面必须要广。
比如，对于某一领域有哪些大师要心中有数。
同时，考试是以客观性基础常识为主，思考性常识为辅。
考生对一些问题要能谈一点感受。
如对现在的诸多选秀类节目怎么看等。
编讲故事主要分为七种方式，即以下七种：
1、词语概念式，即以一个词语或短语为命题编讲故事。
如：一树鲜花。
2、句子判断式，即以一个短句或句子为命题编讲故事。
如：班主任今天没有来，突然停电了。
3、形象组合式，这是最常用的一种模式，即给出几个不相干的词语要求在故事中出现，不必分顺序。
如：邮票、金鱼、台灯或改变、同桌、礼物。
4、给定材料式，这种模式的活动性很高，比如高校会给你一个故事提纲，让你把这个故事写出来。
由于篇幅问题这里就不再列举。
5、续写式。
续写式包括短片、电视剧或成语、小故事之类的续写。
如：南郭先生逃走之后。
6、改写式。
将成语、唐诗等改写为故事，在这种模式中改写与扩写是并重的。
如：请改写“耶娘妻子走相送，尘埃不见咸阳桥”。
7、情节拼块式。
如同小时玩魔方，有几个混乱的情节拼块，要把它们用你认为比较合理的顺序增加适当情节拼回原状。
编讲故事有四个要素：时间、地点、人物、情节。
其中，人物要有冲突，情节悬念强烈，叙述要有画面感。
近几年中国传媒出现一种新的考试形式，即以一段音乐为题，要求编讲故事。
题目看似刁钻其实并不难，只要有合理的想象，言之成理、言之成句并且与音乐主题（或舒缓或激昂等）比较切合即可。
附录一些大学的专业题
中国传媒大学2009年艺术类编导考试内容
广播电视编导(电视编辑方向) 初试面试：①自我介绍（1分钟）②回答考官提问（高中所学知识）③命题演讲（根据背景材料提示，自己命题演讲）复试笔试：电视节目分析（重点考察考生的分析能力和写作能力）（2小时）
广播电视编导(文艺编导方向) 初试①特长展示（除钢琴外，其它乐器或道具，以及放音设备请自备，主要考核考生的艺术感悟能力和艺术学习经历，可以出示考级证书等证明。
）②根据考官提供的材料进行讨论（8人一组，每组就一个主题讨论10分钟左右。
主要考察学生心理素质、专业素质、语言表达能力、团队协作能力。
）复试笔试：根据要求编写一项活动的创意（1小时30分钟）（如：一次主题班会的策划方案，主要考核考生的想象能力、创意能力、文字表达能力、艺术知识积累等）北京师范大学2009年影视学考试内容
A. 初试 a) 语言表达 b) 文学艺术基础知识口试。
B. 复试 a) 口试：新闻评述 b) 才艺展示c) 构思阐述及情境再现
C. 三试 a) 影像作品分析（笔试，100分）b) 文学作品分析（笔试，100分）
北京电影学院2009年戏剧影视文学考试内容
初试笔试：命题写作复试笔试：影片分析
三试面试：考察考生对艺术和生活的感受以及语言表达能力
戏剧影视文学（影视媒体理论）
初试笔试：文艺综合常识复试笔试：命题写作
三试口试：基本素质考察（对艺术和生活的感受以及语言能力、逻辑分析能力）
中央戏剧学院2009年戏剧影视文学考试内容
初试：命题散文写作及文艺常识（笔试）复试：口试
浙江传媒学院广播电视编导专业考题一、看片段《红高梁》中的15个已打乱顺序的镜头，观看四遍
1．将15个镜头排好顺序（40分）2．根据你所排好的顺序，编讲一个800字左右的故事（60分）
二、看两段广告，回答以下问题，共50分
1．广告一《运动饮料》中怎样来表现产品的？
2．广告二《运动饮料》中的创意是什么？为什么要做这样的处理
3．广告三《雪铁龙汽车》运用了哪些综合手段？
4．广告四《雪铁龙汽车》中这种车的特性是什么？勤劳的蜜蜂有糖吃
三、观看影片《海中女神》，请从摄影构图、光线、色彩、节奏、影调等方面写一篇800字左右的评析文章。
（题目自拟）。