西方音乐史
西方音乐史名词解释
西方音乐史名词解释西方音乐史是指西方世界中音乐的发展和演变的历史。
以下是一些与西方音乐史相关的重要名词解释：1. 古典音乐(Classical music)：古典音乐是指源自欧洲古典主义时期的音乐，大约从18世纪中期到19世纪末期。
它以它对称、和谐、对位法和较为规范的音乐形式为特征，作曲家包括贝多芬、莫扎特和海顿等。
2. 巴洛克音乐(Baroque music)：巴洛克音乐是指大约从17世纪后期到18世纪初期的音乐，它以装饰性复杂、宏伟和宗教意义为特点。
巴赫和韦瓦第是巴洛克音乐的代表作曲家。
3. 浪漫音乐(Romantic music)：浪漫音乐指19世纪音乐的风格，它强调个人情感、唯美主义和自然的表现，同时也注重对乐器的技术和音色的探索。
肖邦和舒伯特是浪漫音乐的代表作曲家。
4. 声乐(Vocal music)：声乐是指以人声为主要演奏工具的音乐形式。
在西方音乐史中，在中世纪和文艺复兴时期，宗教圣歌和合唱曲是最重要的声乐形式。
5. 交响乐(Symphony)：交响乐是指由管弦乐团演奏的四个乐章的大型乐曲。
贝多芬、莫扎特和海顿写作了许多重要的交响乐作品。
6. 管弦乐(Orchestral music)：管弦乐是指由管弦乐团演奏的音乐。
它包括弦乐器、木管乐器、铜管乐器和打击乐器等不同类别的乐器。
7. 协奏曲(Concerto)：协奏曲是指由独奏乐器和管弦乐团共同演奏的音乐作品。
独奏乐器与管弦乐团之间的对话和竞技是协奏曲的特点。
8. 轻音乐(Light music)：轻音乐是指通俗音乐，常常用于娱乐和放松。
它包括爵士乐、流行音乐和电影配乐等多种风格。
9. 篇章(Motif)：篇章是音乐中的一个小节或乐句，其被重复使用以创造主题或主要动机。
10. 复调(Polyphony)：复调是指多个独立的声部同时演奏，它是巴洛克音乐中的一种特色。
11. 调式(Tonality)：调式是指西方音乐中音乐中心音和音乐结构的关系。
西方音乐史上的几个主要流派
西方音乐史上的几个主要流派
西方音乐史上存在着各种不同的流派和类型的音乐，每个流派和类型都有着不同的特点和风格。
以下是西方音乐史上的几个主要流派：
1. 古典音乐：古典音乐是指欧洲的传统音乐，主要流行于16世纪至20世纪初。
古典音乐的特点是曲风高雅，结构复杂，旋律多样，力求完美的和声、旋律和节奏。
2. 巴洛克音乐：巴洛克音乐是古典音乐的第一阶段，其流行时间大约是从1600年到1750年。
巴洛克音乐的特点是运用大量的装饰、复杂的和声和节奏，并且经常使用大型合唱、交响乐、管弦乐队等形式。
3. 古风音乐：古风音乐源于古代中国的音乐，但是在现代被重新发掘和创造。
古风音乐的曲风优美、清新，往往包含古代文化和文学的元素。
4. 爵士乐：爵士乐起源于美国，主要流行于20世纪。
爵士乐的特点是具有丰富的节奏感和即兴演奏技巧，旋律多样，节奏变化多样，能够表现人的情感和精神状态。
5. 摇滚乐：摇滚乐起源于20世纪中期的美国，是一种较为激烈、富有活力和创意的音乐流派。
摇滚乐的特点是吉他声音强烈，使用电子器材，高强度的鼓点和歌唱，能够表现出年轻人的激情和反叛。
6. 流行音乐：流行音乐是指目前全球最为流行、接地气的音乐。
流行音乐的特点是简单易懂，旋律优美，歌曲主题基本都是情感和爱情等主题，通过流行歌曲和MV的形式呈现。
7. 电子音乐：电子音乐是一种主要运用电子音响技术的音乐流派，广泛应用于舞蹈音乐、电影音乐、游戏音乐等领域。
电子音乐的特点是使用合成器和计算机软件创造出独特的音响效果，曲风多样，能够表现出现代社会的科技感和未来感。
西方音乐史
一、填空题1.古希腊乐器主要有弦乐与管乐两类。
其中最重要的是拨弦乐器里拉琴。
自文艺复兴以来，它已成为音乐艺术的一种象征。
阿夫洛斯管是管乐器的代表。
2.古希腊人音乐社会实践活动很丰富，但在他们的艺术活动中，音乐尚未成为一门独立的艺术，演唱和演奏时还要结合诗、舞，形成诗、舞、乐“三位一体”的综合艺术表演特征。
3.古希腊的音乐体裁多和诗歌、文学有关，在演奏时多采用琴来伴奏。
如史诗、悲剧、喜剧、独唱抒情诗、竞技比赛中的合唱与舞蹈音乐、颂歌等，尤以史诗、抒情诗、颂歌、悲剧最为重要。
4.三大悲剧:埃斯库库罗斯《被缚的普罗米修斯》；索福克洛斯《俄狄浦斯王》；欧里庇德斯《美狄亚》5.四音音节在不同音高上可以构成七种不同的调式，这些调式分别以古希腊的几个重要的不同区域的氏族部落命名，它们是维多利亚调式、弗里几亚调式、利第亚调式、混合利第亚调式及各种变体调式。
6.古希腊的音乐美学思想，主要体现在和谐论、净化论和模仿论三个方面，主要代表人物分别为毕达哥拉斯、柏拉图、亚里士多德。
7.经文歌的定义：两个声部都有歌词的克劳苏拉就被称为“经文歌”，后来还增加到三个声部。
8. 9世纪时，“纽姆普”被普遍使用。
这种记普法只是用一些符号简单的标示音调的大致音高与长短没有节奏标记。
11世纪时，圭多在前人的基础上总结出了四线普，并得以普遍的使用。
为五线谱的形成奠定了基础。
13世纪时，音乐理论家弗朗科，既能标示音高又能指示节奏比例时长的“有量记普法”，并著《有量歌曲艺术》。
使中世纪的记谱法得到完善。
9.中世纪方言歌曲最重要的成就得益于法国游吟诗人的创作。
南部游吟诗人一般被称为“特洛巴多”北部游吟诗人则被称为“特洛威尔”。
10. 14世纪的意大利音乐相对同时期的法国音乐而言更富有世俗生活的情趣，它的主要世俗复调歌曲题材有：牧歌、猎歌和巴拉塔。
11文艺复兴时期是指从15世纪上半叶至1600年近二百年的历史时期。
“文艺复兴”的法文原意是“复活”与“再生”。
西方音乐史完整版
晚期的古典主义音乐
总结词
晚期的古典主义音乐是西方音乐史上最后一 个重要的阶段，它标志着古典主义音乐的逐 渐衰落和浪漫主义的兴起。
详细描述
在晚期的古典主义音乐中，作曲家们开始尝 试突破传统形式的限制，探索更为自由和个 性化的表达方式。这一时期的代表人物包括 约翰·施特劳斯、安东·布鲁克纳和理查·瓦格 纳等，他们的作品在音乐史上留下了重要的 印记。
世俗音乐
流浪艺人
中世纪时期的街头艺人，他们表演的世俗音乐对后来的民间 音乐和艺术音乐产生了影响。
法国的香颂和意大利的麦地那
分别代表了法国和意大利的世俗音乐，这些音乐形式在当时 非常流行。
音乐理论
纽姆谱
中世纪早期的记谱法，用横线表示音 的高低，是现代五线谱的前身。
音阶与调式
中世纪的音乐理论家开始对音阶和调 式进行系统化研究，为后来的音乐发 展奠定了基础。
详细描述
法国巴洛克音乐在歌剧、室内乐和键 盘音乐等领域有着重要的地位。吕利 的歌剧《阿尔西斯特》和拉莫的《和 声学》都是法国巴洛克音乐的经典之 作。
英国音乐
总结词
英国巴洛克音乐以其独特的旋律和丰富的和声而著称，代表作曲家有珀塞尔、普塞尔和塔利斯等。
详细描述
英国巴洛克音乐的代表作品包括珀塞尔的歌剧《狄多与埃涅阿斯》和普塞尔的《奥菲欧》等。这些作 品在旋律、和声和戏剧表现等方面都有着较高的艺术价值。
03 古典主义音乐
早期古典主义音乐
总结词
早期古典主义音乐是西方音乐史上的一个重要时期，它标志着音乐从巴洛克时期的过度，逐渐走向了更为简洁、 清晰和优雅的风格。
详细描述
早期古典主义音乐的代表人物包括约瑟夫·海顿、沃尔夫冈·阿马多伊斯·莫扎特和路德维希·范·贝多芬等。这些作曲 家在创作中强调了旋律的优美和和声的和谐，同时也注重了形式的平衡和结构的清晰。
西方音乐史各时期特点及其代表作
5、古典主义音乐时期（18世纪中叶－19世纪初）
• (1)格鲁克（Christoph Willibald von Gluck 1714－ 1787)是德国作曲家。 代表作品《奥菲欧与犹丽狄 西》(1762年） 及《阿尔希斯特》（1767年）
• (2)弦乐四重奏：所谓“弦乐四重奏”即由笫一小提 琴、第二小提琴、中提琴、大提琴组成，这是古典 音乐时期最重要的室内乐形式。
• （2）协奏曲是莫扎特在歌剧以外成就最突出的一方面。他确立了18 世纪古典协奏曲的结构范式，确定了第一乐章中“双呈示部”和“华彩段” 的形式，并为当时几乎所有的乐器创作了杰出的协奏曲，为近代协奏 曲的发展做出了重要贡献。
• （3）完善了维也纳古典乐派奏鸣曲三个乐章的套曲形式。
• （4）在交响乐中，强调奏鸣曲式中主、副部之间的强烈对比，加强 展开部的不稳定因素，预示了后世交响乐发展的思路。
（2）由来 ：康塔塔于1600年前后诞生于意大利，最早使用 康塔塔这个词的是意大利作曲家阿·格兰迪（A Grandi， 1575~1630）。
（3）两种形式 ：通常康塔塔分为两类：一类是在家庭社交 场合表演的小型的康塔塔（小到可以是一首咏叹调），称 室内康塔塔；第二类是大型的，带有合唱和管弦乐队伴奏 的，在一个特定重要场合的康塔塔。
(3)浪漫主义时期音乐家及其代表作
舒伯特、门德尔松、 肖邦、李斯特、比才等。
谢谢同学们一学期以来的 配合和支持，预祝大家期
末考试取得优异成绩。 加油 ！
• 2、二重奏
• 3、三重奏 如：（1） 钢琴三重奏： ⑵ 弦乐三重奏： ⑶ 竖琴三重奏：
• 小提琴 中提琴
小提琴
长笛
中提琴或小提琴
大提琴
钢琴
大
提琴
西方音乐史上的几个主要流派
西方音乐史上的几个主要流派西方音乐史上有许多重要的流派，这些流派在不同的时期和地区都有不同的发展和影响。
下面将介绍几个主要的流派。
1. 古典音乐：古典音乐是西方音乐史上最重要的流派之一。
它起源于18世纪，经历了巴洛克、古典、浪漫等时期的演变。
古典音乐以其规范的乐曲结构、复杂的和声和丰富的情感表达而闻名。
著名的古典音乐作曲家包括巴赫、莫扎特、贝多芬等。
2. 流行音乐：流行音乐是指流行于大众中的音乐。
它起源于20世纪初的美国，精选了爵士乐、摇滚乐、电子音乐等多种风格。
流行音乐的风格多样，适应了时代的变迁和音乐技术的发展。
著名的流行音乐流派包括摇滚乐、流行舞曲、嘻哈音乐等。
3. 爵士乐：爵士乐起源于20世纪初的美国，它是一种以即兴演奏为特色的音乐形式。
爵士乐吸收了非洲音乐、布鲁斯音乐、乡村音乐等元素，传达了独特的情感和表达方式。
爵士乐的早期代表人物包括路易斯·阿姆斯特朗、艾拉·菲茨杰拉德等。
4. 摇滚乐：摇滚乐起源于20世纪50年代的美国，它是一种快节奏、强烈节拍和高质量吉他演奏的音乐。
摇滚乐以其叛逆的形象和对社会现象的批判而受到年轻一代的喜爱。
著名的摇滚乐流派包括摇滚乐、重金属音乐、朋克音乐等。
5. 古典派：古典派是18世纪末至19世纪初的一种音乐风格，其特点是形式严谨、和声丰富和情感表达丰富。
古典派的代表人物包括莫扎特、贝多芬等。
古典派对后来的音乐发展起到了重要的影响。
6. 进步摇滚：进步摇滚是20世纪70年代末至80年代初的一种音乐风格。
它以复杂的音乐结构、长篇音乐作品和独特的音乐元素著称。
进步摇滚的代表人物包括皇后乐队、创世纪乐队等。
7. 电子音乐：电子音乐起源于20世纪中叶的德国，它利用电子设备产生和处理声音。
电子音乐以其前卫的音响效果和独特的旋律而受到人们的关注。
著名的电子音乐流派包括Techno、House、Trance等。
西方音乐史知识点
西方音乐史知识点第一章古希腊、古罗马音乐一、古希腊音乐古希腊文化是西方文明的渊源。
与古希腊的哲学、文学、科学、建筑、美术和戏剧一样，音乐也是古希腊文化的一个重要组成部分。
虽然古希腊流传下来的音乐作品很少，但是丰富的文字记述和雕刻向人们描绘了古希腊音乐文化的风貌。
在漫长的西方音乐历史中，古希腊音乐文化精神不断地影响和启发着后世的人们。
神话是古希腊艺术的丰富土壤，在古希腊神话中音乐是极富魅力的。
阿波罗不仅是太阳神，也主管音乐。
半神半人的底比斯国王安菲翁用琴声的魔力修筑了底比斯城堡。
色雷斯的歌手奥尔菲斯以音乐的魅力拯救出地狱中的妻子尤丽狄茜，后又得而复失。
这个故事体现出古希腊神话的人性特征，它被近百次地谱写成歌剧。
缪斯（Muses）是分别掌管文艺和科学的九位女神的统称，而“音乐”（music）一词还是由缪斯演化来的，足见在古希腊人眼中，音乐是与人类追求真和美的活动密切相关的。
西方最早的弦乐器是里拉琴（Lyre），又称诗琴。
神话中的众神的使者赫耳墨斯在龟壳上蒙上牛皮，支起两只羚羊角，架横木拉起琴弦便发明了里拉琴。
从文艺复兴开始，在西方的文学艺术中，里拉琴一直成为音乐的象征。
里拉琴后来演变成形状较大的基萨拉琴（Kithars）。
古希腊的管乐器是阿夫洛斯管（Aulos），一种芦管制成的单管或双管的竖笛。
里拉琴多用于独唱伴奏，史诗弹唱，它是祭祀阿波罗仪式中的主要乐器。
而在崇拜酒神的仪式中，及后来的酒神合唱和雅典悲剧合唱中，阿夫洛斯都是重要乐器。
在西方现代文化观念中，里拉琴和崇拜阿波罗的音乐与阿夫洛斯和崇拜酒神的音乐，已成为相互对立性格的两大类音乐的象征。
前者平静而节制，后者狂喜、放纵。
古希腊的哲学家们对音乐的论述，对于西方音乐发展有重要的影响和启发。
毕达哥拉斯把音乐的音程与节奏的和谐与宇宙星际的和谐和秩序相联系，因而把音乐纳入他以抽象的数为万物之源的理论中。
然而他对弦长比例与音乐和谐关系的探讨已经带有科学的萌芽。
西方音乐史简介
西方音乐史简介一、古希腊罗马时期时间约为公元前3200年~公元400年。
这部分的音乐资料只能从考古而来，从发掘出的绘画、雕塑及少量流传下来的诗歌文学与哲学著作可以进行了解，但几乎是不可能聆听与欣赏。
有资料统计这一阶段残存下来的乐谱还不到10件，但是从残存下来的雕塑等诸多文化遗产可以看出曾经存在过的辉煌与成就，古希腊的大哲学家都曾对音乐进行过讨论与研究，这被后人视为西方音乐之源。
在公元前12世纪~前8世纪荷马时期的两部史诗反映了古希腊的音乐文化。
史诗本身既是文学作品又是音乐作品，它由职业弹唱艺人“阿埃德”用一种叫基萨拉的乐器伴奏吟唱。
公元前776年，古代奥林匹克运动会开始举行，在比赛时常伴有音乐，后来产生了音乐比赛。
公元前7世纪~前6世纪，斯巴达把音乐作为国事活动与教育的重要手段，使音乐得到了进一步的发展。
公元前146年后，古罗马征服希腊后，它的文化主要受益于希腊，同时又吸收了叙利亚、巴比伦、埃及等国的文明成果。
二、中世纪时期中世纪时期中世纪Medieval(476年至1450年左右)从公元476年,Goth人入侵意大利,西罗马帝国灭亡,到文艺复兴间的长长一千年被称为中世纪.后来,文艺复兴时期的人文主义学者把这一时期称为歌特(Gothic)时期。
宗教音乐是这一时期的主体,并确定了根据八个调式系统对曲调进行的分类，及从纽姆谱（neumes）逐渐发展为精确的音高记谱法（Pitch notation）.另外,从原始的单音音乐过渡到复调音乐的尚松(chanson）大量出现,乐器的发明与制作的进展也是该时期的重要特征。
三、文艺复兴时期文艺复兴时期Renaissance(1430年至1600年)，非宗教的人文主义兴起,明确摆脱中世纪经院哲学的枷锁,欧洲音乐文化趋于统一,声乐、器乐表演艺术水平大为进步.复调音乐开始步入黄金期.记谱法已由字母法和符号法转为二线谱、四线谱直至五线谱。
16世纪后期,在意大利诞生了最早的歌剧。
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继叙咏:背景:圣加尔修道院修士诺特克(Notke 约840-912)记述了继叙咏产生的过程。
诺特克年轻时唱的有些圣咏,曲终处有很长的花唱式旋律,记起来颇费力。
9世纪中叶,北欧海盗南下掠夺财富,摧毁了好些修道院。
法国鲁昂附近一所修道院被摧毁以后,有位修士携带唱本投奔圣加尔修道院。
在他带来的唱经本中,有些花唱式旋律的下面被人填上了词。
诺特克受此启发,也动手给“阿拉路亚”尾部的花唱式旋律填写歌词,同时采用老师伊索的建议,一个音符填写一个音节,创作出一批堪称早期典范的继叙咏。
继叙咏的歌词由若干成对的句子组成,每对句子的音节数相等,配以相同的旋律。
圣咏的头尾处有时加上一个单句,构成a bb cc dd ……式的曲式结构。
850-1150年是继叙咏创作的繁荣时期,大量的继叙咏都含有世俗歌词。
继叙咏:继叙咏是单声部的,在花唱式旋律填上歌词,形成音节式歌曲风格。
它和附加段的产生与奥尔加农恰好相反,它们是从音乐艺术高度发展的花唱式旋律,折回到简单的音节式的歌曲旋律风格,借助语言内涵的逻辑力量而形成的圣咏补充形式。
格里高利圣咏与继叙咏比较:格里高利是单声部的,吟诵、散文式的,也有歌词(拉丁歌词),缺乏格律。
继叙咏也是单声部的,有了格律,是诗歌式的,填上了世俗歌词。
附加段(trope)是间插在圣咏中的补充部分,一般短小,添加在圣咏的起始、中间或结尾。
依附于圣咏存在,没有圣咏,就没有附加段。
狄斯康特风格:(不是体裁)复调音乐兴起之前,格里高利圣咏的节奏很可能是由拉丁文歌词的节奏和语感来决定的。
当奥尔加农上方声部花唱式旋律的音符成倍增加,定旋律圣咏的每一个音符都越拉越长,圣咏歌词被肢解成一个个长无止尽的音节以后,拉丁文原有的节奏感也随之荡然无存。
这种情况下,教会音乐家们开始用将音节分为长(扬)和短(抑)的节奏模式,来组织花唱式奥尔加农的上方声部,以加强旋律进行的律动感和规整性。
当定旋律声部也用节奏模式来组织时,上下声部常常会构成几乎同时进行的,音对音的对位织体,这种织体写作被称为狄斯康特(discantus)风格。
哥特式风格与圣母院乐派12世纪中叶,教会艺术形成名为哥特式的新格局。
哥特式原指一种建筑风格,是教会文化与城市经济结合的产物。
哥特式教堂高高耸立,就像要挣脱世俗的引力,升往天国。
这种仪式从建筑构思的角度分析,很富戏剧性,含有浓厚的浪漫主义情调。
音乐上的哥特式风格的代表是巴黎圣母院创作的复调音乐。
圣母院奥尔加农上方第二声部花唱式的音符越来越多,下方定旋律声部的每一个音符也因此而无限制地拖长,需要几个歌唱者轮流换气方能支持住。
花唱式上方第二声部可能是用假声演唱的,流动的旋律在厚实的低音衬托下尽情地盘旋翱翔,造成一种广漠的空间感,与高高隆起的哥特式穹顶交相辉映。
巴黎圣母院:中世纪走向盛期出现乐派,其中重要代表是巴黎圣母院乐派(The School of Notre Dame),杰出作曲家莱奥南(Leonin,12世纪下半叶)和佩罗坦(Perotin,活跃于1190-1220)领域:主要是中世纪的奥尔加农代表性风格的体现。
莱奥南为圣咏编成两声部奥尔加农时,交替使用三种不同的织体风格,一种是花唱式奥尔加农,一种是狄斯康特,还有一种是格里高利圣咏原有的单声部齐唱风格。
这种作曲方法,突出了乐曲内部段落之间的对比,提高了仪式圣咏的新鲜感和吸引力。
圣母院乐派的第二代佩罗坦,将圣母院奥尔加农从二声部扩展到三声部,有时还是四声部。
佩罗坦创作的奥尔加农节奏感更强,通过缩短花唱部分和增加狄斯康特部分,他的复调圣咏获得了明显的舞蹈节奏感,从侧面反映出世俗音乐对教会音乐的影响。
13世纪圣母院三声部和四声部奥尔加农中,上方各声部尽量避免在强拍上与定旋律构成不协和音程,力求遵守传统的协和音程规则,因此,尽管声部充实到三个以上,和声依然不够丰满。
纽姆记谱法:(neumatic notation)从8世纪开始,为了使那些不常用的圣咏不致因间隔时间太久而被遗忘,抄写圣咏的人就在歌词的上方添加一些与语言重音或标点相似的符号,简明扼要地指明旋律的上下走向趋势。
将近9世纪中叶,出现了用纽姆符号抄写的完整圣咏旋律。
奥尔加农(Organum):背景:早期圣咏为单声部音乐,至9世纪,出现最早的复调音乐-奥尔加农,西方音乐跨出了从单声部音乐向多声部音乐迈进的第一步。
此后,圣咏音乐朝两个方向发展,一是为圣咏添加声部,并用一定节奏模式来组织音乐进行,如奥尔加农;二是为花唱式圣咏的拖腔填上歌词,如继叙咏(sequence)、经文歌(motet)。
奥尔加农是9世纪-14世纪的复调音乐形式。
根据历史发展阶段,可分为4种类型。
A平行奥尔加农(parallel organum),在格里高利圣咏的上方或下方附加一个平行声部,可构成按协和音程八度、五度和四度进行的两声部圣咏,音乐史上称为平行奥尔加农。
或者有一种稍加变化的平行奥尔加农,两个声部从同度开始,其中一个声部上行进行,到两个声部构成四度时,再作平行进行。
平行奥尔加农是一个有史可查的、从单声部音乐发展到多声部音乐的完整过程中的第一步,它预示着西方音乐将逐步挣脱依附语言的单线条思维传统的束缚,进入纯音乐性的和声发展的新空间。
b自由的或反向的奥尔加农(free organum )盛行于约11世纪,原有的圣咏曲调作为定旋律(tenor)置于低声部,上方附加声部除了与低声部构成平行进行或斜向进行外,还经常构成音对音的反向进行。
C花唱式奥尔加农(melismatic organum)上方第二声部的音符增多,与低音部圣咏构成多音对一音的关系。
低音部圣咏曲调中的单个音符被拉长了,明显地减弱了原有的旋律感,华丽的上方声部几乎压倒下方圣咏而成为奥尔加农主旋律声部。
从这时起,奥尔加农低声部的圣咏旋律就被称为“tenor”,意思是支撑者或延长者。
14世纪起,称这一原有的声部为”定旋律“(cantus firmus )或“定旋律声部”。
12世纪的花唱奥尔加农中,大二度、七度和九度均已用作经过性的不协和音程。
D有量奥尔加农(Measured organum)12世纪末,教会音乐家们参照古希腊诗歌的音步,先后编选出6种节奏模式,用以组织音乐织体。
所有声部均用6种节奏模式组织的奥尔加农,被称为有量奥尔加农。
历史价值:从单声部音乐发展到多声部音乐的完整过程中的第一步,它预示着西方音乐将主部挣脱依附语言的单线条思维传统的束缚,进入纯音乐性的和声发展的新空间。
是以德彪西的《大海》和穆索尔斯基的《图画展览会》对印象主义和民族主义进行论述印象派的音乐注重的是和声的色彩变化,强调朦胧感。
在印象派的音乐中,富有色彩效果的和声远比旋律重要。
印象主义音乐在听觉感受、观念意识和心灵体验上都超越传统进行了全方位的更新。
民族主义音乐强调地域性、民族性;它的一个重要结果是形成具有不同民族特点的旋律、调式、和声与形式结构,出现了各种富有活力的崭新风格。
德彪西是印象派音乐的创始者和主要代表人物。
他的《大海》完成了1905年。
这部作品实际上由三部交响素描组成,描绘了不同时间大海的不同情绪、色彩和感觉。
尽管人们并不完全同意将德彪西称作一个印象派作曲家,但有一点是显而易见的,那就是他的音乐中带有强烈的主观和客观交织的色彩,主观感受并不被激情所左右,而要求诉谙纯客观的、准确的表达。
而作品的主旨思想并不在音乐中直接加以表现,而是通过客观化了的感觉渗透出来,于是作品中给人留下印象的,常常是那种强烈的色彩感、线条感、形状感和动感。
《大海》中每一个细节都是精微的,富有视觉性的。
第一段,“黎明到中午的大海”,黎明时刻海洋静穆、安详。
逐渐地大海似乎苏醒了:一片水波懒洋洋地起伏。
德彪西对传统的旋律似乎不感兴趣、他感兴趣的是短小的节奏片段与和声片段的游戏,是天空、云彩与阳光在他的闪烁的汹涌的音乐之海上的千变万化的反映。
第二段,“浪之嬉戏”,海洋开始时是非常文静的。
后来就转入戏谑的盛怒。
彩虹般的色泽出现并消失在喷射的水花之中。
德彪西的乐器调色板极其细腻而捉摸不定,在结束处几乎是难以觉察地逐渐归于沉寂。
第三段,“风与海的对话”,一个低而有威胁性的声音响起,好像预示着暴风雨的接近。
一阵因预期将有什么事发生而引起的骚动传遍整个乐队;力量在迅速聚集起来,暴风雨似乎即将来临。
但是一切淬然沉寂下来,接着是一声仿佛来自远方的充满乡愁的呼喊,像德彪西的海妖之歌一样。
喧闹声加强了,在乐队深处奏出前面的第一主题,最后,第一乐章结尾处的众赞歌在欢腾的高潮中重现。
这部作品之复杂与千变万化是罕见的,而它又要求极端的精确与完美,这也是罕见的。
民族主义音乐在十九世纪西方浪漫主义音乐中占有重要地位。
十九世纪浪漫主义发展到中后期,其思想文化已广泛深入地渗透到欧洲绝大部分地区。
很多相对封闭的国家的作曲家继承了德奥等成熟的主流音乐文化,与本民族的音乐素材创造性地结合起来,进行了杰出的、不朽的创作,展现了音乐交流碰撞的强大生命力,成为浪漫主义音乐得以延续的重要生力军。
民族乐派是指十九世纪中叶以后活跃于欧洲乐坛,与资产阶级民族主义文化运动密切联系的一批音乐家。
他们中的大多数人,政治上是激进的,同情或参加本国的资产阶级革命,具有强烈的民族意识。
在艺术上他们主张创造出具有鲜明民族特性的新音乐。
民族乐派的音乐家经常采用本国优秀的民间音乐素材去表现具有爱国主义的英雄主题,借以激发本国人民反抗封建和外族统治。
民主性、人民性、民族性,始终是他们艺术活动的鲜明标志。
代表作,如:斯美塔那的《我的祖国》、西贝柳斯的《芬兰颂交响诗》等。
图画展览会是俄国著名作曲家穆索尔斯基所做的钢琴套曲。
1873年,圣彼得堡的美术学校举行了哈尔德曼的绘画遗作展览会,这一展览会成为穆索尔斯基写作这一首组曲的动机。
这一钢琴组曲,不仅是穆索尔斯基的代表性器乐作品,而且是十九世纪俄国最有独创性的乐曲之一。
乐曲是由与“图画”有关的十首小品,以及有间奏功用的“漫步”主题组合而成。
其配合之佳,表现了穆索尔斯基所独有的大胆的创造性,因此,这一首乐曲时至今日仍然很受欢迎。
这种直截了当的表现方式,对后来的法国印象派有很大的影响。
穆索尔斯基的钢琴组曲《图画展览会》在钢琴曲的风格上是一个革新,它开发了钢琴的表现力,在声音的对比和丰富的色彩变化方面,是从管弦乐里吸取的手法。
在这组曲中,描写性还处于次要地位,而主要的是那完美自由的创造性。
诚然,作曲家把音乐外部的观念体现在这部组曲中,这种对于音乐表现成分的创造(特别是钢琴)是十分有价值的。