京剧艺术
传统艺术之京剧教案7篇
传统艺术之京剧教案7篇传统艺术京剧教案（篇1）一、课文内容分析《京剧趣谈》选入教材本单元，旨在使学生感悟艺术的高妙，受到美的熏陶。
课文分两部分，作者的编写意图是想通过这两方面的介绍使学生对京剧这门艺术有一些了解。
第一部分《马鞭》是为了向学生介绍京剧表演中利用虚拟的道具来表现真实生活的特点;第二部分《亮相》是为了向学生介绍双方打斗场面的表现手法。
*语言严谨，生动有趣，说理清楚，可读性强。
课文运用分类别、举例子等方法，分别以马鞭等道具、亮相等舞台动作为例子，把京剧表演在道具运用及动作造型方面的一些特点介绍得清清楚楚。
课文内容新鲜，语言简洁，叙述方式生动有趣，画面感强，适合学生自学。
课题右侧配有一幅插图，图中女武生一身京剧行头，手持马鞭，目视前方，英姿飒爽。
这幅骑马图，生动形象地展示了京剧人物威风凛凛的形象，可以帮助学生直观地感受京剧艺术的一些特点。
二、学情分析本课书内容离学生生活实际较远，大部分学生对京剧艺术不太了解。
学生理解*里相关的专业术语会有些困难，因此教师应多补充图片、音频、视频等教学手段拉近与孩子之间的距离，使他们有一个直观的印象，以理解*内容。
本篇是一篇略读课文，以学生自学为主，还可以组织多种形式的朗读，让学生在读中感受京剧的魅力。
三、教学目标1.默读课文，说出自己对京剧的了解。
2.展开想象，感受京剧艺术的魅力。
四、教学重点和难点重点：了解课文介绍的关于京剧的基本常识，体会表达的条理性。
难点：展开想象，感受京剧艺术的魅力。
五、教学过程总体设计说明：本篇课文为略读课文，依据统编教材编写意图，略读课文主要是将精读课文学到的阅读方法和策略，让学生自行阅读和学习，以学生自学为主，尽量避免段落的逐步分析和讲解。
因此，在整篇课文教学设计力求体现学生自主、探究的学习策略。
充分放开学生手脚。
教师通过适时点拨、启发、引导组织教学。
以下设计都是预设学生的学习情况，教师在教学中，可以灵活调控运用，以达成教学目标。
京剧趣谈归纳总结
京剧趣谈归纳总结京剧，作为中国传统戏曲的代表之一，一直以其独特的唱腔、精湛的表演技巧和丰富的文化内涵而闻名于世。
下面我将对京剧进行一些归纳总结，以便更好地了解与欣赏这一经典艺术形式。
一、历史渊源京剧起源于北京，经历了几百年的发展，形成独特的艺术风格。
它吸取了多种传统戏曲的元素，如盘踞、晋剧和皮影戏等，同时融合了外来文化的影响，形成了独有的表演形式和文化传承。
二、表演特点1. 厚重的化妆与道具：京剧的脸谱和角色服装都富有极高的艺术价值，具有独特的审美和象征意义，能够通过视觉传达人物的性格特点和故事情节的发展。
2. 独特的唱腔与音乐：京剧的唱腔采用曲调固定、节奏明快的曲调，其独特的音调和音色使得观众能够更好地理解情节和人物的心理状态。
3. 丰富的表演技巧：京剧以唱、念、做、打为主要表演形式，演员的身体语言、面部表情和肢体动作丰富多样，能够生动地展现人物形象和情绪变化。
三、艺术价值1. 弘扬中华文化：京剧作为传统艺术形式之一，承载了丰富的历史文化内涵和人文精神，能够传承和弘扬中华文化。
2. 艺术审美享受：京剧的精湛表演和唯美场景能够给观众带来视听上的享受，激发人们对美的感知和追求。
3. 人物形象塑造：京剧中各种人物形象的刻画十分丰富多样，能够反映人性的复杂性和社会的多样性，对观众产生共鸣。
四、名家荟萃京剧历史上涌现了众多杰出的表演艺术家，如梅兰芳、程砚秋、尚小云等。
他们以精湛的技艺和深厚的艺术修养为观众留下了许多经典作品，对后世艺术家产生了深远的影响。
五、京剧的发展和传承随着时代的变迁和观众需求的改变，京剧也在不断发展与创新。
各种现代化的舞台布景和道具被引入，新创作的剧目涉及更广泛的主题，以适应当代观众的审美需要。
六、影响与传播作为中国传统戏曲的代表，京剧不仅在国内有着广泛的影响力，也在国际上拥有一定的知名度。
京剧的表演和研究机构设立了许多海外分支，使得更多的外国观众有机会接触和了解这一独特的艺术形式。
京剧的起源京剧的形成
戏曲理论的成熟
随着戏曲艺术的发展，戏 曲理论也逐渐成熟，为京 剧的形成提供了理论支撑。
京剧诞生历史条件
政治经济因素
清朝乾隆年间，北京成为全国政 治经济中心，各地戏曲班社纷纷 进京献艺，为京剧的形成奠定了
基础。
文化交流融合
各地戏曲在北京相互交流融合，形 成了京剧这一新的戏曲剧种。
针对观众群体老龄化问题，应通过创新演出形式和内容，吸引年 轻观众。
传承人才匮乏
加强京剧人才培养，建立完善的传承机制，鼓励年轻人学习和传 承京剧艺术。
市场竞争激烈
在激烈的市场竞争中，京剧需要不断提升自身品质，打造精品剧 目，同时加强市场营销和推广工作。
THANKS FOR WATCHING
感谢您的观看
京剧的起源与形成
目录
• 京剧起源背景 • 京剧形成过程 • 京剧表演艺术特点 • 京剧经典剧目赏析 • 京剧传承与发展现状 • 京剧未来展望与挑战
01 京剧起源背景
中国戏曲发展历程
01
02
03
原始戏曲形态
中国戏曲起源于原始社会 的歌舞，经过汉唐到宋金 的发展，形成了比较完整 的戏曲艺术体系。
地方戏曲的兴起
值。
表演程式化
传统京剧剧目在表演上注重程式 化，包括唱、念、做、打等各个 方面，演员需遵循一定的表演规
范和技巧。
音乐独特
京剧音乐以打击乐为主，通过锣 鼓等乐器的节奏变化来表现不同 的场景和情感，具有独特的艺术
魅力。
新编历史剧创作思路
1 2 3
挖掘历史题材
新编历史剧在创作上注重挖掘历史题材，通过对 历史事件和人物的深入挖掘，展现历史的真实面 貌和人文精神。
京剧的发展历程
京剧的发展历程京剧，又称为“京剧艺术”，是中国传统戏曲剧种之一，起源于北京地区，是中国戏曲中最为著名和具有代表性的剧种之一。
京剧以其独特的唱腔、表演方式和精美的戏服被誉为中国戏曲的瑰宝，也是中国文化的重要组成部份。
下面将详细介绍京剧的发展历程。
1. 起源阶段（19世纪前半叶）京剧的起源可以追溯到19世纪前半叶的北京城。
当时，北京的戏曲演出以鼓曲为主，但演出形式较为单一，缺乏创新和发展。
随着时间的推移，一些戏曲演员开始将四川、安徽、河南等地的戏曲元素融入到北京的戏曲演出中，逐渐形成为了独特的京剧风格。
2. 形成阶段（19世纪中叶）19世纪中叶，京剧逐渐形成为了自己独特的表演方式和艺术特色。
在这一时期，京剧以唱腔、表演、化妆和服饰等方面进行了创新和改革。
著名的京剧表演艺术家梅兰芳、程砚秋等人在这一时期涌现出来，他们的表演风格和艺术成就对后来的京剧发展产生了深远的影响。
3. 发展阶段（20世纪上半叶）20世纪上半叶，京剧得到了更加广泛的传播和发展。
京剧团开始走出北京，到全国各地进行演出，京剧艺术逐渐受到了更多人的爱慕和关注。
在这一时期，京剧进一步丰富了剧目，增加了更多的表演元素，如舞蹈、杂技等，使得京剧的艺术形式更加多样化。
4. 繁荣阶段（20世纪中叶至今）20世纪中叶至今，京剧进一步繁荣发展。
在这一时期，京剧的剧目数量不断增加，演出形式也更加多样化。
京剧团开始走向国际舞台，赴海外进行演出，京剧在世界范围内的影响力不断扩大。
同时，京剧的表演技巧和艺术水平也得到了进一步提高，一批优秀的京剧表演艺术家涌现出来，他们不仅继承了传统的艺术风格，还进行了创新和突破。
总结：京剧的发展历程经历了起源、形成、发展和繁荣四个阶段。
从19世纪的起源阶段到20世纪中叶至今的繁荣阶段，京剧在艺术形式、剧目数量和表演水平等方面都取得了显著的进步和发展。
京剧作为中国传统戏曲的代表之一，不仅是中国文化的瑰宝，也是中华民族的重要文化遗产。
中国京剧艺术京剧ppt
京剧角色
京剧角色的行当划分比较严格，早期分为生、 旦、净、末、丑、武行、流行（龙套）七行，以后 归为生、旦、净、丑四大行，每一种行当内又有细 致的进一步分工。“生”是除了大花脸以及丑角以 外的男性角色的统称，又分老生（须生）、小生、 武生、娃娃生。“旦”是女性角色的统称，内部又 分为正旦、花旦、闺门旦、武旦、老旦、彩旦（揺 旦）刀马旦。“净”，俗称花脸，大多是扮演性格 、品质或相貌上有些特异的男性人物，化妆用脸谱 ，音色洪亮，风格粗犷。“净”又分为以唱工为主 的大花脸，如包拯；以做工为主的二花脸，如曹操 。“丑”，扮演喜剧角色，因在鼻梁上抹一小块白 粉，俗称小花脸。
• 因剧中每一个角色化装时应当使用何种 图案，采用哪几种色彩，均有约定俗成的 谱式，不能随意勾画，故而叫做“脸谱”。
京剧脸谱艺术
敖闰
包拯
程咬金
二郎神
蝙蝠精
地神
曹操
董卓
京剧的脸谱艺术
本眉:
沿着表演者的眉毛，在色彩和形状上做一些夸张。 一些揉脸的人物脸谱上勾这种眉形。
细眉: 比柳叶眉细一些， 是一些性格善良、忠直以及脾
唱词、念白及字头上越来越北京化 ，使用的二胡、京胡
等乐器，也融合了多个民族的发明，终于成为一种成熟的 艺术。
三种古老的戏剧文化:
古希腊——悲喜剧 中国——戏曲 印度——梵剧
戏
曲:
是融歌舞剧为一炉，以剧本为载体、唱腔 为主体、表演为中心，包括唱、念、做、 打的综合艺术。
京剧的形成:
标 志: 四大徽班进京（1790年） 成 熟: 1840年 京剧的唱腔: 皮黄腔 西皮腔——源于甘肃陕西一带 二黄腔——南方长江中下游
气平和的人物所用。画红脸的人物也使用这种眉形。
京剧的艺术表现手法
京剧的艺术表现手法
唱、念、做、打是京剧表演的四种艺术手段法，也是京剧表演四项基本功。
“唱”指演唱，“念”指具有音乐性的念白，二者相辅相成，构成歌舞化的京剧表演艺术两大要素之一的“歌”；“做”指舞蹈化的形体动作，“打”指武打和翻跌的技艺，二者结合构成歌舞化京剧表演艺术两大要素之一的“舞”。
戏曲演员从小就是从这四个方面来培养的，虽然有的演员唱功好(唱老学究)，有的以做工作为主(花旦)，有的以武术为主(吴京)。
但要求每个演员必须具备过硬的唱、念、做、演四项基本功，才能充分发挥戏曲艺术表演作为歌舞剧的功能。
更好的表现和刻画剧中各种角色。
京剧表演的艺术手法
京剧表演的艺术手法
京剧表演的四种艺术手法是唱、念、做、打，唱指的是歌唱，念指的是具有音乐性的念白，舞指的是舞蹈化的形体动作，打是武打和翻跌技巧，这四门功课组成了歌舞化京剧表演艺术中的两大重要因素——“歌舞”，能让其更具艺术性，同时更好刻画戏中人物形象。
京剧表演中的四种艺术手法是
京剧是我国影响力最大的戏曲剧种，以北京为中心，在全国各地都有分布。
京剧表演有四项基本功，也就是唱、念、做、打，唱指的是歌唱，念指的是具有音乐性的念白，二者在表演的是后互相交融，构成“歌”这一京剧表演艺术中的特色。
舞指的是舞蹈化的形体动作，打指的是武打和翻跌的技巧，这二者相互结合，又构成了京剧表演艺术中的“舞”，由于“歌舞”的结合，才让京剧表演更具艺术性和观赏性，更好的刻画出戏中的人物形象和性格。
对于戏曲演员来说，从小就开始学习唱、念、做、打这四种基本功的，虽然可能有的行当以花旦为主，有的武生为主，但是在对于京剧艺术的态度上马虎不得，必须要具备这四项基础，正式因为有唱、有舞、有对白、有武打，才让京剧成为一种高度综合性的艺术。
京剧的发展历程
京剧的发展历程京剧是中国传统戏曲艺术的代表之一，具有悠久的历史和丰富的文化内涵。
它起源于北京，经过多个阶段的发展，逐渐形成为了独特的艺术风格和表演形式。
下面将详细介绍京剧的发展历程。
一、起源阶段（1790年-1840年）京剧的起源可以追溯到清朝末年的1790年摆布。
当时，一些戏曲演员从四川、湖北等地迁居到北京，带来了川剧、湖北腔等地方戏曲的表演技巧和艺术元素。
这些戏曲演员与当地的曲艺演员进行了交流和融合，形成为了一种新的戏曲形式，即京剧的雏形。
二、发展阶段（1840年-1949年）19世纪中叶至20世纪初，京剧经历了快速的发展阶段。
在这个时期，京剧的表演形式逐渐规范化，表演技巧和艺术手法得到了进一步的提升。
同时，京剧的剧本创作也取得了重要的突破，涌现出了一批优秀的剧作家和作品。
其中，著名的京剧表演艺术家梅兰芳对京剧的发展起到了重要的推动作用。
梅兰芳在表演技巧、唱腔、化妆等方面进行了创新和改革，使得京剧的艺术水平达到了新的高度。
他的表演风格深受观众爱慕，也对后来的京剧演员产生了深远的影响。
此外，京剧的剧本创作也取得了长足的发展。
一些优秀的剧作家如郭沫若、白朴等创作了一系列具有历史和现实主题的京剧剧本，丰富了京剧的艺术内涵和表现形式。
三、现代发展阶段（1949年至今）1949年中华人民共和国成立后，京剧得到了更加广泛的传播和发展。
在这个阶段，京剧的表演形式和剧本创作都经历了一系列的变革和创新。
首先，京剧的表演形式得到了现代科技的应用和推广。
舞台布景、灯光、音响等方面的技术设备不断更新和改进，使得京剧的表演效果更加生动和逼真。
其次，京剧的剧本创作也走向了多样化和现代化的方向。
一些新的剧作家涌现出来，他们关注当代社会的问题，创作了一批具有现实主义色采的京剧剧本。
同时，传统的经典剧目仍然得到保留和传承，成为京剧艺术的重要组成部份。
此外，京剧的传统技艺也得到了保护和传承。
一些京剧表演艺术家和团体致力于教育培训和传统技艺的传承，使得京剧得以继续发展并吸引更多的观众。
- 1、下载文档前请自行甄别文档内容的完整性，平台不提供额外的编辑、内容补充、找答案等附加服务。
- 2、"仅部分预览"的文档,不可在线预览部分如存在完整性等问题,可反馈申请退款(可完整预览的文档不适用该条件!)。
- 3、如文档侵犯您的权益，请联系客服反馈,我们会尽快为您处理(人工客服工作时间：9:00-18:30)。
京剧艺术篇一：京剧的艺术特征论京剧的艺术特征中国的京剧艺术在漫长的历史发展过程中形成了自己独特的艺术风格，体现出中国戏曲重要的美学特征。
本文从综合性、写意性、虚拟性、程式性几个方面，对京剧的艺术特征加以论述京剧艺术的特征首先表现出一种综合艺术的特征。
在京剧舞台上，演员的表演要完成得行云流水、赏心悦目是不容易的，必须做好唱、念、做、舞这些最扎实的基本功。
每一个行当的演员只有表现出很高的基本功的水准，才能让一出戏很好的完成。
我们就以四功中的“舞”来说，京剧表演中的“舞”，大都是按照一定的节律，在音乐的伴奏声中进行的。
主要是通过演员的肢体动做来表达人物丰富的内心活动和思想感情。
比如表现剧中两位将领交战的场面，观众常常看到，胜者一方好像并不急于去追击敌人，马上致对方于死地，而常常是在舞台上大耍花枪，尽情表演，让观众看得眼花缭乱，直到掌声四起；再比如京剧舞台上表现少女天真无邪、兴高采烈的样子时，演员经常是用快速跳跃的碎步下场，用这样的舞蹈姿态和行为动作，目的就是用来体现人物的性格和情感状态。
不仅如此，京剧表演中，还需要音乐、舞美、服装、化妆等诸多部门的通力配合，没有它们的配合，演员再好的演技都无法施展，再好的剧目都无法完成。
所以说，京剧这个艺术载体，容量广泛，包含着多种因素，需要调动多种艺术手段来共来同完成，因而是一种综合艺术形式。
也正因如此，京剧舞台才给人一种花团锦簇、丰富多彩的审美感受。
写意性是相对于西方的写实主义戏剧而言。
写实主义戏剧从模仿生活的角度出发,要求戏剧通过对真实生活场景的再现以及逼真、生动的艺术写照,来反映生活的本质,无论是戏剧环境还是演员表演都要以现实生活为蓝本进行严格的攀写。
中国京剧则是强调舞台的写意性,对戏剧环境进行高度概括和压缩,提炼出一种具有象征意味或符号化特征的表演场景,演员表演注重心到、意到,在一个假定性的空间里完成“合歌舞以演故事”的戏剧任务,而不必严格地再现真实的生活场景,逼真地模仿生活。
如西方戏剧要表现春夏秋冬、江河湖海、亭台楼阁,就要在舞台上把这些场景具象化地展现出来,让人物在一个真实的空间里行动。
京剧要表现这样的场面,只需采用典型化的道具和演员的表演就可以实现,像《秋江》描写小船在江中行驶的场面,就是只借助一个简单的道具船桨和演员模仿坐船的动作来实现的,其他像“骑马”“上楼’“行路”“坐轿”等等,都是这种表现方式。
写意性的实质其实就是“得其意而忘其形”,是一种’`貌离神合”的戏剧境界。
美国人史达克·扬在看了梅兰芳的演出后说:“从前听人说中国戏不真实,但现在看了,觉得中国表演艺术非常真,不过不是写实的真,而是艺术的真,使观众看了比本来的真还要真。
”如果用裘盛戎的话讲就是’I以神传真”。
虚拟性是指京剧的舞台是一个时空高度自由的表演空间。
西方戏剧要求严格攀写生活,不能自如进行时空变化,所以它的舞台局限性很强。
京剧舞台由于采用虚拟手段,可以非常自由地进行时空转换,做到“上下几千年,纵横几万里”。
四个龙套可以代表千军万马,一个圆场可以表示百里、千里行程.几声更鼓敲过,可以表示从白天转入黑夜或是从黑夜转为白天,一个唱段可以度过春夏秋冬,骑马可不必有真马,坐轿未必有真轿;同一张椅子,既可以是椅子,也可以是床铺,还可以是山坡、城墙。
这种虚拟型的戏剧手段是很受外国人推崇的。
1919年梅兰芳访日演出时,日本戏剧家神田就说“京剧与日本戏剧不一样:,完全不用布景,也不用各种道具,只有一桌二椅,这是中国戏剧十分发达的地方。
如果有人对此感到不满,那只是说他没有欣赏戏剧的资质。
使用布景绝不是戏剧的进步,却愈味着观众头脑的迟钝。
”西方现代派的戏剧似乎受京剧艺术的影响也很大,在现代派戏剧里,大盆使用抽象化、象征化、写意化、符号化的手段,或许是从京剧中得到了较大的启发。
再次，京剧艺术的表演具有程式性的特点。
京剧艺术的程式并不是一开始就有的，一般都是大家在平时训练中，为塑造某一角色或模拟某些日常生活行为而创造的带有舞蹈化、节奏化的动作。
后来大家觉得很好，而且将其用到其它戏中的人物身上也合适，于是经过不断加工，这套动作就被普遍采用。
可见，程式原本是某一特定的动作，后来才逐渐成为带有规范性的表现手段的。
比如京剧舞台上的骑马、坐轿、上山、下楼等等动作都有一套完整固定的表现程式。
京剧艺术程式性的特点首先一方面表现为它不是僵化不变的，而是在剧情发展的基础上，根据人物性格、人物心理的需要灵活运用的。
就拿京剧《失街亭》和《逍遥津》这两部戏来说，《失街亭》的诸葛亮升帐和《逍遥津》的汉献帝打朝，人物上场都要打“引子”，这段“引子”是京剧中自报家门中定场白的一部分，又唱又念。
但为了表现诸葛亮的威仪沉稳和雄韬大绝，他上场时打的是完整的“双引子”，使舞台气氛显得庄严肃穆；而汉献帝性格懦弱，面对杀气腾腾的曹操十分害怕，为了进一步刻画烘托这个人物，这段引子还没有打完，就让他吓退到龙位上了。
可见京剧中程式的运用不是一成不变的，而是要遵照从剧情出发，为塑造人物服务的原则。
另一方面，由于京剧艺术是按行当划分的，所以不同行当的程式也各有千秋。
比如同样是拉“云手”这个动作，由于行当不同，就有不同的表达方式。
所以我们的京剧老前辈们在长期的舞台实践中，仅就这个动作就总结出了这样五句话，即：“老生齐眉，旦角齐乳，花脸过顶，小生齐肩，武丑齐腹”，其中的道理让演员一看就懂，使大家不言自明。
京剧艺术丰富的程式化动作在舞台上变幻莫测，它吸引着观众的视线，使京剧舞台上的人物更加生动，魅力无限。
无论是京剧艺术的综合性特点，还是它的虚拟性和程式性特点，都体现出中国戏曲最重要的文化特征，都凝聚着中化传统文化最重要的美学思想。
这些特征来自于生活的土壤，是一代又一代艺术家们智慧和汗水的结晶。
我们作为新时代的京剧演员，应该在继承传统文化的同时，与时俱进，表现时代新人物，新气象，更要努力创造新技巧，让京剧舞台人才辈出，让我们的京剧事业繁荣昌盛，不断向前发展。
篇二：谈京剧艺术论文浅谈京剧艺术摘要：在文化快速流通和变更的新时代，传统文化的延续和发展日益成为人们谈论的话题。
近几十年来，戏曲艺术逐渐从市民文化娱乐的主流地位趋向边缘化。
京剧也同样如此，但是当今京剧艺术的发展也涉及对传统文化的传承与保护，是一个值得深思和研究的问题。
通过从京剧艺术表现手法、京剧伴奏乐器、京剧行当、京剧中的优秀人才等多方面多角度向大家介绍了我国国粹京剧,为适应时代的发展，特提出我国京剧改革发展的思路，希望国粹京剧有更好的发展。
关键词：京剧；表现手法；重要作用；发展道路京剧，又称“京戏”、“国剧”、“皮黄”，由“西皮”和“二黄”两种基本腔调组成它的音乐素材，也兼唱一些地方小曲调（如柳子腔、吹腔等）和昆曲曲牌，可以说京剧集我国戏曲之大成，植根于中华民族文化的沃土，凝结着中华民族的民族性格、民族精神，承载着中华文化的血脉和精华，充满了无限的艺术魅力。
1790年，江南安徽戏班应召进京为乾隆皇帝祝寿，从此在北京、天津安顿下来。
经过十几年的演变，成为一个由徽剧、汉剧、昆曲、秦腔、京腔和民间曲艺综合而成的崭新剧种。
它以西皮、二黄为主，字正腔圆，当时人们根据这一新兴剧种的唱腔，直呼其名为：西皮二黄。
它于1840年前后形成于北京，盛行于20世纪三、四十年代，现在它仍是具有全国影响的大剧种。
它的行当全面、表演成熟、气势宏美，是近代中国汉族戏曲的代表，素来有中国“国粹”的美誉之称。
直至2010年11月16日京剧列入“人类非物质文化遗产代表作名录”。
一、京剧简介（一）京剧艺术表现手法唱、念、做、打是京剧表演的四种艺术手法，也是京剧表演的四项基本功。
“唱”指演唱，唱功中，行腔转调、发音吐字均有一定要求。
“念”指具有音乐性的念白，二者相辅相成，构成歌舞化的京剧表演艺术两大要素之一的“歌”。
“做”指舞蹈化的形体动作，做工包括手、眼、身、法、步，都是要经过严格的训练。
“打”指武打和翻跌的技艺，二者相互结合，构成歌舞化的京剧表演艺术两大要素之一的“舞”。
京剧同时也借助外物来表现人物的情感，例如青衣的水袖：喜则舞袖；怒则掷袖；气恼时甩袖；羞愧则以袖掩面；惊呆则双手垂袖；向外抖袖表示抗拒；向内抖袖表示惶恐等等。
同时，京剧艺术又讲究语言准确、鲜明生动、精炼含蓄。
与此同时，京剧艺术中的舞蹈极讲究条理，“三五步行遍天下；六七八百万雄兵；一个圆场千百里；一支曲牌五更天”。
反映了生活中的真实美感，京剧就是艺术的美来源于生活的体现。
（二）京剧伴奏乐器京剧伴奏乐器分打击乐与管弦乐。
其中打击乐器有板、单皮鼓、大锣、铙、钹等，称为“武场”；管弦乐器有京胡、京二胡、月琴、三弦，称为“文场”。
在戏曲舞台上，人物的一切行动，包括最隐秘的思想活动，都是通过舞蹈化的身段动作、音乐化的念白和演唱，并在音乐的伴奏中进行的，由各种打击乐器的音响组成的“锣鼓经”，起着极其重要的作用。
（三）京剧行当京剧角色的行当，早期分为生、旦、净、末、丑、武行、流行七行，以后归为生、旦、净、丑四大行，每一种行当内又有细致的进一步分工。
“生”是除了花脸以及丑角以外的男性角色的统称，又分老生、小生、武生、娃娃生。
“旦”是女性角色的统称，内部又分为正旦、花旦、闺门旦、武旦、老旦、彩旦（揺旦）刀马旦。
“净”俗称花脸，大多是扮演性格、品质或相貌上有些特异的男性人物，化妆用脸谱，音色洪亮，风格粗犷。
“丑”扮演喜剧角色，因在鼻梁上抹一小块白粉，俗称小花脸。
（四）京剧中的优秀人才 1927年，北京《顺天吋报》举办京剧旦角名伶评选，其中梅兰芳以演《太真外传》，尚小云以演《摩登伽女》，程砚秋以演《红拂传》，荀慧生以演《丹青引》，荣获“四大名旦”。
他们创造出各具特色的艺术风格，形成了梅兰芳的端庄典雅，尚小云的俏丽刚健，程砚秋的深沉委婉，荀慧生的娇昵柔媚“四大流派”，开创了京剧舞台上以旦为主的格局。
武生杨小楼在继俞菊笙、杨月楼之后，将京剧武生表演艺术发展到新高度，被誉为“国剧宗师”、“武生泰斗”。
老生中的余叔岩、高庆奎、言菊朋、马连良，20年代时称“四大须生”。
同期的时慧宝、王凤卿、贯大元等也是生行中的优秀人才。
30年代末、余、言、高先后退出舞台，马连良与谭富英、奚啸伯、杨宝森称之“四大须生”。
女须生孟小冬，具有较高艺术造诣，颇有乃师余叔岩的艺术风范。
（五）京剧脸谱京剧脸谱，是具有民族特色的一种特殊的化妆方法，在京剧中每个历史人物或某一种类型的人物都有一种大概的谱式，现在已经被大家公认为是中华民族传统文化的标识之一。
脸谱的主要特点：美与丑的矛盾统一；与角色的性格关系密切；图案是程式化的。
但京剧脸谱的勾绘是以生活为依据，如生活中常说的人的脸色晒得漆黑、吓得煞白、臊得通红、病得焦黄等，这些都在京剧脸谱中得以体现。
京剧脸谱的色画方法，基本上分为三类：揉脸、抹脸、勾脸。