关于艺术的读书笔记
艺术概论读书笔记
艺术概论读书笔记【篇一：艺术概论有感】《艺术概论》有感我想就我自身而言，作为一个文科类的学生，先前对艺术的学习和理解总是很肤浅、欠缺的。
在这门课上，老师给我们欣赏了一些优秀的艺术创作，欣赏这样的艺术作品对于我这样的非艺术专业的学生来说是难得的，同时给我的印象却是深刻的。
一方面我了解并学到一些基本的与艺术相关的理论知识；另一方面通过直观的欣赏，即从视觉和听觉上去感受这种优秀的艺术作品所展现的魅力，让我对艺术有了一些好奇和喜欢。
她带来的不仅是美的享受，能狗培养一种艺术精神，能了解相关的艺术知识，更有助于提高自身的艺术修养水平。
有幸在《艺术概论》这门课上看了cctv-10的《人物》栏目：完美生活——李蔚然。
他穿着打扮并不如广告届的时尚先锋前卫另类，他不属于那种以非主流自称的大多数，他的特别在与他的思想，他的广告。
时尚并不只是外表的，脑子里的才叫真的时尚！他的广告能打动人，与其说是创造了一种全新的东西，不如说是在一些已经存在的旧的东西里，找到了一直存在，却总被我们忽视的一些内在联系。
广告也好，文学作品也好，毕竟都是拿给读者和观众欣赏的，我觉得只有那种确确实实存在于生活中的细节才是最动人的。
我超喜欢李蔚然的广告，简洁，有趣，动人。
不由得崇拜了起来。
我更欣赏的一部李蔚然的广告片是使他成为第一个拿了广告届最高奖oneshow的中国人的广告《别人的孩子篇》，这是一部为联合国儿童基金会拍摄的公益广告。
在这部广告短片里我发现的重新界定角色带来的震撼魅力和感人效果，广告中将我们司空见惯了的场面中的次主角统一命名为“别人的孩子”，李蔚然后来用了七个镜头，全篇取黑白低色调为主题，用怀旧的风格烘托整个主题。
“别人的孩子，供给你一日三餐；别人的孩子，为你铺平道路；别人的孩子，会送你上班下班；别人的孩子，保护你远离危险；别人的孩子，救你于危难间；别人的孩子，甚至为你把生命贡献；他们只要一个机会，长大成人，就像你的孩子。
”这七句话分别用用七个分镜头委婉的表达出来，广告中配有非常轻缓的背景音乐。
爱的艺术读书笔记
爱的艺术读书笔记《爱的艺术》读书笔记最近读了一本名叫《爱的艺术》的书，这可真是让我有了不少新的感悟。
书里说，爱可不是那种轻飘飘、随随便便就能有的感觉。
它是一门艺术，得像学画画、弹钢琴似的，用心去琢磨、去练习。
这让我想起了我家楼下的那对老夫妻。
他们头发都白了，背也有点驼，但每次看到他们一起出门散步，那画面真的特别温馨。
老爷子总是走得慢些，老太太就会放慢脚步等着他，还时不时回头看看，眼神里满是关切。
有一回，我在小区里碰到他们，老太太手里拎着一袋子菜，老爷子非要接过去，嘴里嘟囔着：“你别累着，我来我来。
”老太太笑着说：“就这点东西，我拿得动。
”可老爷子还是坚持拿了过去，那股认真劲儿，就好像他手里拿的是无比珍贵的宝贝。
他们之间的那种爱，不是什么轰轰烈烈的大事，就是这些日常里的小细节。
比如一起坐在长椅上晒太阳，老爷子会给老太太剥个橘子，一瓣一瓣地喂到她嘴里；老太太会给老爷子拍拍肩膀上的灰尘，整理一下衣领。
下雨的时候，两人共撑一把伞，老爷子总是把伞往老太太那边倾斜，自己的半边身子都湿透了也不在乎。
有一天早上，我出门买早点，看到老爷子在楼下的小花园里锻炼。
我就好奇地问：“爷爷，今天奶奶咋没跟您一起？”老爷子有点担心地说：“你奶奶这两天有点感冒，我让她多睡会儿。
”说完，还叹了口气，“这人一上年纪，身体就不如从前喽。
”我能感觉到他话语里那种心疼和牵挂。
到了中午，我又看到老爷子匆匆忙忙地往家走，手里提着个保温桶。
我问：“爷爷，您这是干啥去？”老爷子说：“给你奶奶熬了点粥，她生病没胃口，就想喝点热乎的。
”那一刻，我突然明白了，爱就是这样，在一粥一饭、一举一动里。
这对老夫妻让我深深体会到，真正的爱不是挂在嘴边的甜言蜜语，而是实实在在的行动。
他们没有说过什么“我爱你”，但他们的每一个眼神、每一个动作，都在告诉对方“我在乎你”。
就像《爱的艺术》里说的，爱需要知识和努力。
这老两口，用他们大半辈子的时间，努力经营着这份爱，把平凡的日子过出了温暖的味道。
艺术的力达芬奇传读书笔记
艺术的力达芬奇传读书笔记达·芬奇是一位伟大的艺术家，他的作品不仅仅是美的表现，更是承载着深刻的哲学思考和科学探索。
《达·芬奇传》这本书以深入研究达·芬奇的生平和作品为基础，揭示了他独特的艺术之路。
通过阅读这本书，我深受启发，并从中学到了许多有价值的东西。
首先，达·芬奇的多领域才华令人钦佩。
他不仅仅是一名画家，同时也是一位雕塑家、建筑师和工程师。
他对各个领域的探索和实践，使他能够将不同的艺术形式融合在一起，创造出独特而富有创意的作品。
他对人体结构的深入研究，使他的绘画作品具有更加准确的比例和真实感。
他对光影的把握，使他的作品呈现出细腻的质感和立体感。
达·芬奇的绘画作品超越了时代的限制，成为了经典艺术的代表。
其次，达·芬奇的研究方法和科学精神也是我所敬仰的。
他不满足于表面的观察和描绘，而是深入探索事物的本质和原理。
他通过解剖学的研究来理解人体的结构，通过光学的实验来揭示光影的运行规律。
他的笔记本中充满了各种细致入微的观察和实验记录，这些记录不仅仅是为了他自己的艺术创作，更是为了推动科学的发展。
达·芬奇的科学精神启发着我，让我深信只有保持好奇心和追求真理的态度，才能不断进步和突破。
此外，达·芬奇对自然界的热爱与珍视也深深地影响着我。
他通过对大自然的观察和描绘，将自然的美妙与人类的创造力相结合。
他的作品中常常出现动物、植物和风景的元素，他希望通过艺术的力量，唤起人们对自然的关注和保护。
达·芬奇的生态意识让我深感人与自然的紧密联系，只有保护好自然环境，才能实现人类和谐发展。
读完《达·芬奇传》，我深刻理解到艺术的力量是无穷的。
艺术不仅仅是为了追求美感和审美享受，更是为了传递人文关怀和思想的力量。
达·芬奇的作品超越了时空的限制，引领着后人的艺术探索和思想思考。
他的艺术精神启发了无数的艺术家和科学家，成为了一面闪耀的旗帜。
舞蹈艺术概论读书笔记
舞蹈艺术概论读书笔记《舞蹈艺术概论》是一本备受关注、引起人们广泛关注的著作，它反映了21世纪舞蹈艺术发展的不同面貌，由国际著名舞蹈学者撰写而成，其内容涵盖舞蹈概念和艺术理论、表演形式、表演各领域的发展和创新、发展与调控等等，为有关艺术研究提供了许多有价值的材料。
《舞蹈艺术概论》面向的中心问题是如何定义、理解、发掘舞蹈艺术，它提出了一种新的研究模式，以实证方法对舞蹈作品的分析和解读进行深入研究。
它指出，要紧紧围绕舞蹈的本质，梳理舞蹈的观念，探索舞蹈的形态，归纳和总结舞蹈发展史。
它也强调了创新、合作、参与等方面，通过多理论层面的认识来深入理解舞蹈的文化内涵。
《舞蹈艺术概论》还提出了对舞蹈的探究的几个主要框架，即审美（技艺、结构、形式和表演）、历史（传统舞蹈和现代舞蹈）、政治（社会变迁、价值体系和社会阶层）、文化（媒体、社交行为和思想）、社会（通过不同概念观察舞蹈）等。
在研究过程中，要通过实证研究，对不同类型舞蹈中所蕴含着的审美、文化、政治等方面进行深入探讨，梳理出不同特点表演形式、历史意义和影响力，从多个角度反映出舞蹈艺术的特性，提供有效的信息及研究方法。
《舞蹈艺术概论》总结出了四大创新主题：现代舞蹈的研究自发性、社会历史性价值观、参与和抗争性艺术、多元文化背景下的舞蹈发展。
现代舞蹈研究自发性，意味着更多的理论、知识、思考，这些都是新的研究视角，要求舞蹈学者不断发现新的观点和心态，持续激发创作的灵感；社会历史性价值观，意味着从不同文化、历史、社会背景等方面研究舞蹈，探讨舞蹈作品的传播形式，发掘其中的精髓；参与和抗争性艺术，提倡将舞蹈作品中的社交、文化、社会、历史等因素融入到舞蹈中，以符合当下社会发展；多元文化背景下的舞蹈发展，建议要从不同的文化背景入手，强调舞蹈的多元性和融合性，为舞蹈的发展提供有力的支持。
综上所述，《舞蹈艺术概论》是一本具有重要影响力的研究著作，它以全新的视野深入探究舞蹈艺术，指出舞蹈如何发展，也为舞蹈表演者提出了重要建议。
《艺术的故事》读书笔记
《艺术的故事》读书笔记摘要：《艺术的故事》这本书是上《中外设计史专论》这门课程的时候老师给我们推荐的，其实刚一开始翻看这本书的时候觉得很枯燥乏味，但是细读下来却对这本书有了些许敬意。
《艺术的故事》是贡布里希爵士编著的，书中概括地叙述了从最早的洞窟绘画到20世纪前半叶的实验艺术发展历程。
里面的内容很多，绘画、雕塑、建筑均有所涉及。
倘若是其它艺术史类的著作，六七百页厚的书籍细看下来多少是需要些勇气的。
还好本书通俗易懂，简明晓畅的语言就能表达严肃的题目。
关键词：艺术；基督教；文艺复兴；东方艺术前言“艺术”是个遥远而崇高的词。
每当我在一瞥中恍惚所见“艺术”两字，便畏惧般地匆匆避开，深怕自己如赤子的无知引来对其的亵渎。
在中国，艺术的发展自商周的青铜器墓室中的壁画至高山流水的音乐翩翩优雅的舞蹈及唐煮宋点明沏泡的茶道，而如今我们更多的是在追求对古时的悠远的怀想而非致力于创造新鲜的血液。
所以怀揣着一个中国梦的我总是梦想，在我的中国我们的中国里，会涌现出一批又一批的伟大艺术家，创造出一代又一代的巅峰之作。
只因我在少时总是摒弃了对于艺术的亲近的念头，无论是童年时期的习画或是书法，总抱着一种敬而远之的态度，因此此类不成爱好便也只能草草了事。
而如今当我真诚地怀着强烈的膜拜之心看那古今集大成者的书画杰作或是身边同龄人引以为傲的大笔一挥的作品，便又为以前的年幼无知后悔不已。
身处中国，目光所及之处是遍地开花的书法国画古玩。
面对市场上充斥的良莠不齐的作品，如何炼出一双火眼金睛至关重要。
但是敲开艺术领域的大门是件极其艰难的事儿，因为你永远也猜想不到这个圈子里的都是些什么物种。
他们或孤僻或癫狂或神经质或敏感得要命(此皆艺术家们的独有特色)。
书房里曾有摞成一刀的书画册，其中的仕女图我到如今也没看出有什么稀罕劲儿。
然而读《艺术的故事》时我看见贡布里希说过：“事实上，左右我们对一幅画的爱憎之情的往往是画面上某个人物的表现方法。
”这样的一句话打消了我对古代美女们丰满肥美的脸庞以及狭长细小的眯眯眼因不解而产生的反感。
艺术的故事读书笔记
艺术的故事读书笔记贡布里希的《艺术的故事》是一本关于艺术历史的经典著作，它以通俗易懂且引人入胜的方式，为我们展现了从史前原始民族的洞窟绘画到现代社会的实验艺术的漫长艺术发展历程。
在阅读这本书的过程中，我仿佛跟随作者进行了一场跨越时空的艺术之旅。
书中开篇就提出了一个重要的观点：“实际上没有艺术这种东西，只有艺术家而已。
”这一观点打破了我们对于艺术那种高高在上、遥不可及的固有认知，让我们意识到艺术是由一个个具体的、鲜活的艺术家所创造的，而他们的创作都离不开其所处的时代背景和个人经历。
书中对古代埃及艺术的描述给我留下了深刻的印象。
埃及艺术在很长一段时间里都遵循着严格的程式和规范，比如人物形象的表现方式总是侧面的头部、正面的眼睛和身体。
这种看似刻板的表现形式并非是埃及艺术家缺乏创造力，而是因为在当时的宗教和社会观念中，艺术的主要目的是永恒地记录和象征，而非追求真实的视觉感受。
这种对永恒和秩序的追求，反映了古埃及社会高度稳定和宗教信仰的强大影响力。
希腊艺术则是另一个令人瞩目的篇章。
希腊艺术家们开始关注人体的自然美和比例，他们努力通过艺术来表现真实而完美的人体形态。
希腊雕塑中的人物形象优美、比例协调，展现出了高度的写实主义和理想主义的结合。
这种对人体美的崇尚和对艺术技巧的精益求精，为后来西方艺术的发展奠定了坚实的基础。
中世纪的艺术往往与宗教紧密相连。
教堂中的彩色玻璃窗、壁画和雕塑，都是为了向不识字的民众传达宗教教义和神圣的故事。
这些艺术作品充满了象征和寓意，色彩鲜艳而庄重，虽然在表现手法上可能不如后来的艺术那么写实，但它们所蕴含的精神力量和对信仰的虔诚表达却令人动容。
文艺复兴时期是艺术史上的一个辉煌阶段。
艺术家们重新发现了古希腊罗马的艺术成就，并在此基础上进行了创新和发展。
达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔等大师的作品展现出了对人体解剖、透视和光影的精确把握，以及对人性和美的深刻理解。
这个时期的艺术作品不仅具有极高的艺术价值，也反映了当时社会思想的解放和人文精神的兴起。
艺术与视知觉读书笔记
艺术与视知觉读书笔记(共7页) -本页仅作为预览文档封面，使用时请删除本页-艺术与视知觉读书笔记这是一篇由网络搜集整理的关于艺术与视知觉读书笔记的文档，希望对你能有帮助。
艺术与视知觉读书笔记（一）本书采用一种不受羁绊的写作风格来系统地陈述艺术与视知觉。
书中力图将那些潜在的原则清晰地陈述出来，阐述了视觉所具有的倾向于最简洁结构的趋势、视觉图式细分的发展阶段、知觉的动力特性及其他各种适用于所有视觉现象的基本原则，以使读者能够更清楚地看到形状、颜色、空间和运动等要素都可以作为一个统一的媒介呈现在艺术作品中。
鲁道夫·阿恩海姆（Rudolf Arnheim,1904-2007），原籍德国，1946年定居美国。
曾先后就任于纽约社会研究院和劳伦斯学院，1968年后担任哈佛大学艺术心理学教授，1974年退休后担任密西根大学艺术史系访问教授，1976年获“全美艺术教育协会突出贡献奖”.主要着作有《艺术与视知觉》、《视觉思维—审美直觉心理学》、《电影作为艺术》、《艺术心理学新论》、《熵与艺术》等。
阿恩海姆是20世纪最伟大的艺术心理学家和美学家之一，他对艺术心理学、美学、美育、建筑及煤介等都做出了富有创见的贡献，是欧洲学术传统的继承者，其研究成果涉及20世纪思想领域的诸多方面。
阿恩海姆很注重格式塔心理学的研究成果。
从构图、笔墨、色彩三个方面体现了艺术品中的形式美。
俗语中往往蕴含着真理，生活中人们看到一个美的事物时，常用“带劲”一词来形容，这里的“劲”我想就是阿恩海姆在其着作中不厌其烦阐述的“张力”吧。
按阿氏给的概念：“张力”不同于我们在生活中感知的物理性运动。
，它是一种不动之动。
“任何物体物体的视觉形象，只要它显示出类似楔形轨迹、倾斜的方向、模糊的或明暗相间的表面等知觉特征，就会给人造成一种正在运动的印象”.雕塑艺术从展示方式来看，是一种静态艺术，“它只宜选择那些具有概括性的瞬间的表情与形体运动”来传达情感，但古今中外优秀的雕塑作品确实具有一种动感，能够寓动于静，破静为动，“由于形象本身就是死的、虚构的，如果在其中不能看到灵魂的运动和肉体的运动，他的僵死性就会成倍增加”.（达。
爱的艺术的读书笔记
爱的艺术的读书笔记爱的艺术的读书笔记（精选7篇）爱的艺术的读书笔记1在自己学习之余，抽出时间认真的阅读了大师佛洛姆的作品《爱的艺术》。
感受十分深刻，我们学习工科的，平时注重了太多理性而忽略了对一些生活中的一些基本的现象的分析，对爱的理解只停留在感性的层面上，这使得有些人可能在自己的感情处理中遇到很多问题。
读这部作品最大感受就是能在享受中警醒，在反思中顿悟。
在《爱的艺术》这本书中所谓的＂爱＂与人们普遍认为的那种＂一个人偶然幸运地体验并陶醉于其中的一种纯粹的快感＂不同。
佛洛姆认为爱是一种能力，一种态度。
爱是一种积极的活动，并不是一种被动的情感。
如果用最通常的方式来描述爱的主动特征，那么，它主要是给予，而并不是接受。
或者说爱是一个人的活动能力，而不是两个人的偶然相遇。
因此，人们需要从理论和实践上对爱进行系统的学习，才能真正具备爱的能力，才能更好地实践爱。
一个人在世界上存在的意义是什么，这是人从开始有自己的意识以后一直在追寻的问题。
在读完这本书之后，我认为，人存在的价值就是＂爱＂。
这也是人与其他自然界东西的本质区别，我们的全部的人格都是在这里体现出来的。
当然会不会爱也就体现出人生的真正的价值。
要想探索出爱的真谛，就必须从理论和实践两个方面说起。
爱的起源应该追溯到人们从脱离自然界开始后的孤独和无力感。
在长期的历史进程中，人们从自然界的束缚中逃离并获得自由，却又转而依附另一种精神权威而逃避自由，就是为了克服孤独和无力感，但这种方式永远也无法让个体获得真正的自我，实现人作为人的真正价值。
然而，作为人类社会进步的必然趋势，人的个性的全面发展终究要实现，并且这种发展的最终归宿就是爱。
尽管当今社会的人们在爱的旅途中到处碰壁，比如高离婚率、自杀率、犯罪率等等问题对这个社会的和谐造成了极大的伤害，人们对爱的实践感到空前的茫然，对爱的关注和渴望更是超越了以往的任何时代。
但是人们还是一如既往的忽略探索爱的本质含义，在行为上走向了另一个极端。
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关于艺术的读书笔记【篇一：《艺术的故事》读书笔记】没有艺术，只有艺术家——《艺术的故事》读书笔记看完了《艺术的故事》，再回过头看书名和内容简介，不由觉得“故事”真的是再适合不过的形容了。
它概述了从最早的洞窟绘画到当今的实验艺术的发展历程，但是相比于说它讲述了一段关于艺术的历史，更多的是在表达艺术和艺术家们的故事。
对于艺术的含义，贡布里希认为艺术在不同时代和地区的定义不同，而“艺术”这一概念则是武断地用一个思维框架来套所有艺术家的所有出品。
贡布里希认为，仅仅由于一幅画让他想起了童年而喜欢它，没有任何问题。
没有错误的“喜欢”，只有错误的“不喜欢”。
错误的不喜欢指的是任由偏见蒙蔽自己，丧失了欣赏艺术作品的时机。
在序中贡布里希说道，“实际上没有艺术这种东西，只有艺术家而已。
”而在书中他又说道，“实际上根本没有艺术其物。
只有艺术家，他们是男男女女，具有绝佳的天资，善于平衡形状和色彩以到达‘合适’的效果；更难得的是，他们是具有正直性格的人，绝不肯在半途止步，时刻准备放弃所有省事的效果，放弃所有外表上的成功，去经历老实的工作的辛劳和痛苦。
我们相信永远都会有艺术家诞生。
” 那么艺术家又是什么？书中提到，“所谓的艺术家，从前是用有色土在洞窟的石壁上大略画个野牛形状，现在则是购买颜料，为招贴板设计广告画。
”这两个例子冰山一角，并不能全面的概括一个艺术家的真正定义。
但这样的说法，也说明贡布里希对艺术并不持有崇敬而疏远的态度，他认为艺术家是亲近的，艺术也是可以亲近的。
他对艺术家们的创作是这么说的，“艺术家和批评家过去和现在都对科学的威力和声望深有印象，由此不仅产生了信奉实验的正常思想，也产生了不那么正常的思想，信奉一切看起来难解的东西。
”而在如何欣赏艺术方面，贡布里希也作了详述：既然艺术是一种美，那么欣赏艺术，就不应该着重于“艺术学”或者“艺术史”所关注的东西，而应该去欣赏一种美，从艺术作品中寻求共鸣。
按照作者的说法，艺术家们创造他们的作品的时候，最看重的是如何做到“合适”，而这个“合适”在欣赏的时候，也是最应该看重的。
这关于艺术的“故事”，作者从很久很久以前——史前，一直讲述到了现代。
过去的作品并不是仅仅被当成纯粹的艺术品，而是有明确用途的东西。
原始艺术并不章法着技艺的原始，因此他们的东西看起来不顺眼是因为手艺有限。
土著艺术家用自己最喜欢和最顺手的形状构成人物或面孔，或许不太像，但却会保持一种图案的统一与和谐，有时也含有特殊的寓意。
他们只需要知道它“是”什么，而不需要它看起来“像”什么。
关于字画同源的埃及艺术只有一章，且和后世艺术其实是不同源的。
埃及艺术的特点表现为两点：几何形式的规整和对自然的犀利观察。
他们的艺术无意给人观看，意在“使人生存”，因而重要的不是“好看”，而是“完整”。
到公元前7世纪至5世纪，“埃及人曾经以知识作为他们的艺术基础，而希腊人则开始使用自己的眼睛了。
”他们开始尝试表现出事物在他们眼中的真实形象，但也并未完全摒弃古老的观念，依然十分注重表现人体结构，注重关于形式的知识。
直到公元前4世纪末，希腊才出现“肖像”的观念。
艺术家发现了既能赋予面目生气又不破坏其美的两全之策，并且懂得了怎样捕捉个别人的心灵活动和某个面孔的特殊之处。
在对中国艺术的描述上，贡布里希的认知很有趣，他提到中国艺术家不像埃及人那么喜欢有棱角的生硬形状，而是比较喜欢弯曲的弧线。
他还提到了据说临摹自顾恺之的一幅责妻图，他称之为“具有我们所称道的中国艺术的全部高桂和优雅之处。
画中的姿势和布置十分清楚，人们对一幅阐明事理的图画所可期待的能是已尽。
此外，它也说明中国艺术家已经掌握了表现运动的复杂艺术。
这幅中国早期作品中没有丝毫生硬之处，因为画中特别喜欢使用起伏的线条而赋予整个画面一种运动感。
”确实，回想起来从青铜时代的饕餮纹开始，中国纹饰艺术从来没有脱离对曲线塑造的追求。
而在人物画还在中国画中占领主导地位的时代，中国画家有一个算一个都可以说是曲线控。
流畅的曲线和动势以及人物优雅的姿态和柔和的神情，这些是一直延续至今的中国味道。
而中国画进入山水画时代后有关“意境”的问题凸显出来。
“有时画家啊就觉得自己分明是在进行这种探险航行。
他们想重新观看世界，把肉色粉红。
苹果非黄则红之类公认的观念和偏见完全抛开。
”表现方式的不同是艺术家的决定，也左右了我们对一幅画作的回应。
艺术家追寻的是一种事物与事物之间相互关系的和谐感，“合适”。
但是至于艺术家到底要到达什么样的“合适”，效果，我们却不能带有很多先入之见。
因此所谓的“艺术法则”并不是固定的。
而根据不同的需要在变化的。
古代的艺术家们同时需要考虑他们作画的目的，宗教等等。
我们需要在了解了艺术家不同的目的等等的因素之后，才能更好的了解一幅画想要到达的“效果”是什么样的。
卢浮宫的一位馆长曾说了这样一句话来形容《艺术的故事》：“几乎就像《蒙娜丽莎》一样著名。
”这本书在大众中很快就大受好评，贡布里希也在序当中写道：“此书的意图，是为了所有面对一个奇异而迷人的领域，觉得需要一种初步指南的人。
”艺术原是捉摸不清的，是神秘高深的，但是贡布里希把艺术的历史讲得简单有趣，就像近在身边的，拉近了艺术与人的距离，于是，贡布里希仅仅是一个讲故事的人，而我们也只是听故事的人。
因为这故事有趣，而亲近、热爱艺术。
【篇二：论艺术的精神读书笔记】《论艺术的精神》一、为何介绍此书《论艺术的精神》〔以下简称《精神》〕是西方抽象艺术的鼻祖瓦西里．康定斯基早在1910年写成的；就连我手上的中文译本也是1987年出版的。
那么为什么要介绍这样一本主要讲绘画艺术的老书呢？理由如下：1、由于摄影艺术的年轻和中国艺术摄影领域对于总体艺术较缺乏系统的了解，导致我们今天面临的主要问题不是如何对艺术史中的经典理论进行扬弃，而是先要通过“了解”和“吸纳”的关口。
不能很好地完成这一过程，则很容易使“扬弃”和“创新”沦为奢谈。
而《精神》又差不多是了解抽象艺术这一重要艺术流派的必读之书。
2、中国摄影界的“纪实摄影热”已经持续了几年，这无疑会多少淡化了人们对于艺术摄影的关注和进行更深层的探讨。
我们希望的是“百花齐放”，所有不应“热”此“冷”彼。
否则，摄影的艺术功能将萎缩，而《精神》又是一本纯艺术范畴的读物。
3、艺术摄影和纪实摄影在目的、形式、题材、方法等方面有着一定的差异，而关于艺术摄影的探讨将包含着这种差异的探讨。
差异搞明白了，不但会促进艺术摄影的发展，还将以“反证”的方式对“纪实摄影”起到推动的作用。
4、抽象艺术作为艺术史中非常重要的一个流派，它不但具有“转折点”的意义，还深深地影响着现代艺术的诞生和发展。
虽然《论艺术的精神》素有“现代绘画的启示录”之称，但抽象艺术的影响事实上不仅局限于绘画，艺术摄影同样不应对之视而不见。
5、在形式上，摄影以“能够真实地记录客观物象”为主要特征，但艺术摄影也无法脱离“平面造型艺术”的范畴，此艺术范畴的发展规律和那些共性的特征同样作用于艺术摄影。
6、西画同样经历过“真实再现客观物象”的过程，这一过程的结束首先与摄影的诞生不无关系，继而又引发了关于艺术本质、艺术形式等方面一系列革命性的探索和实验。
那么艺术摄影应如何对待这些问题呢？就此有的人将摄影艺术美学建立在“客观再现美”“科技记录美”的基础上，这是很值得商榷的。
而通过《精神》了解抽象艺术的意义，将不仅局限于“抽象摄影”的范围，还对艺术摄影总体的艺术语言有着一定的启示作用。
以上这6点，是我们介绍《精神》的理由，也是我们读此书的部分现实意义。
二、《精神》及其作者中文版的《精神》是李泽厚先生主编的“美学译文丛书”中的一本，由查立先生翻译，腾守尧先生校对，中国社会科学出版社出版。
该书共收集了康定斯基的4篇论文－－《论艺术的精神》《点．线．面》《关于形式问题》《论具体艺术》，其中以前两篇最为著名。
该书的作者康定斯基1886年出生于莫斯科的一个贵族家庭。
其早年在莫斯科大学学习政治经济学和法律。
1895年在莫斯科展出的法国印象派绘画作品，对康定斯基步入艺术之路起到了触发的作用，他尤其喜欢莫奈的《干草垛》。
1896年，30岁的他屹然放弃了德班大学法学教授的职位，并跑到慕尼黑学习绘画；1900年进入慕尼黑皇家美术学院。
1909年他与别人一起创立了“慕尼黑新艺术家联盟”并出任主席。
1910年创作了第一幅抽象画，并写成了《论艺术的精神》一文。
1914年他返回莫斯科；俄国革命胜利后，曾任人民文化委员和莫斯科美术学院教授。
1921年又返回德国任教于包豪斯学院，学院被纳粹查封后，他流亡到巴黎，并加入法国国籍。
1944年逝世于巴黎。
康定斯基在世界近现代艺术史上的地位毫不低于马蒂斯、毕加索，更可贵的是，他的价值同时表达在艺术实践和艺术理论两方面。
虽然他没有什么宏篇巨著，但基于他那成功的创作实践和受过的良好教育，使他的文字具有很高的含金量，并尤其被艺术家们所喜欢。
康定斯基的探索虽然以绘画艺术为主，但却影响了艺术总体的发展，因为抽象艺术的原则是贯穿于整体艺术之中的，其中包括艺术摄影。
三、《精神》的启示《精神》的启示可分为宏观和具体两个方面。
宏观方面指的是对艺术总体性的认识和把握；具体方面指的是关于抽象艺术语言的分析。
1、抽象艺术不是形式主义长期以来，抽象艺术在中国一直不能被正确认识，误解之一，就是认为抽象艺术是远离生活的、缺乏深刻内容的形式主义艺术。
其实抽象艺术的诞生，本是西方艺术发展到某一历史时期的必然产物，它并没有脱离传统的脉络。
抽象主义绘画理论不但与毕达哥拉斯、柏拉图、黑格尔等人的理性哲学和经验哲学有着一定的联系，还明显地受了德国美学家沃林格尔思想的影响。
抽象主义还与印象主义有着内在的因承关系，如果没有成熟了的印象主义作为基础，我们将很难想象，古典主义的母体能够分娩出抽象主义这样一个新生儿。
就此，从哲学和传统的角度来看，我们很难说抽象主义是没有根据的突发奇想，是浅薄的、外表形式的故弄玄虚。
而康定斯基在阐述他的艺术观念时，也表述得很清楚：“内在因素，即情感，它必需存在；否则艺术作品就变成了赝品。
内在因素决定艺术作品的形式。
” 关于艺术作品的形式与情感、精神的关系，他还认为：“只有凭借感情，艺术家和观众才能沿着正确的方向前进。
因循固守于某一种形式，则必然步入死胡同；唯有任凭感情驰骋，才能获得无限的自由。
因为前者将自己局限于物质的存在，后者则追随精神；精神创造出一个又一个的形式。
” 一些人之所有将抽象艺术作品贬为形式主义的货色，其实是因为他们没能搞明白抽象艺术作品是怎样通过抽象的形式来抒发情感和展现精神内涵的。
抽象作品基本排除了题材因素，而是直接用抽象的语言〔色彩、线条、构成等〕来揭示“精神内涵”，这便注定了人们不应再以欣赏具象作品的方法来解读抽象作品。
至于应如何欣赏抽象作品，我们自然可在《精神》中找到答案。