服装设计艺术及影响设计

一、服装设计中语言文化艺术发展的现状

由于世界各地社会文化的发展层次和层度不一，对物质生活和文化生活的品味不一，对服装设计语言文化艺术的主观理解和客观教育认知不一，出现了服装设计中语言文化艺术的发展程度也有不少的差距。在这里，我们或许可以用西方现代艺术的发展历程作为服装设计中语言文化艺术发展程度的判断和评价标准，以此来度量一下当前服装设计中语言文化艺术的发展差异。我们都知道西方现代艺术发展所经历的六个时期：第一是对表现手段现实化的探索时期；第二是表现手段即艺术符号的确认时期；第三是艺术符号的形式与表达的内涵完全同一化时期；第四是艺术符号被提炼到夸张和变形但未失去原有的象征意义的时期；第五是艺术符号经历过夸张和变形进入极端且富有新意的时期；第六是艺术符号的非定型时期，即艺术符号变得让人无法理解，出现一种阶段性的新潮现象.如果以这种西方现代艺术标准来衡量目前的服装设计中语言文化艺术发展的程度，可以说目前的服装设计中语言文化艺术所表现出的设计品味水平参差不齐。某些地方的设计品味以及其服装设计中语言文化艺术所表现出的象征意义正进入第四、五时期；更有甚者，有极少数地方的服装设计品味即将进入第六时期。这些高品位的语言文化艺术设计的服装所呈现出的那种姿态超乎一般人的想象，但是它又没有完全脱离具体的语言文化艺术

二、语言文化艺术给提高服装设计品味带来的启发

实际上，不管是哪个国家服装的设计文化，很早之前就开始运用诸多的语言文化艺术符号来体现服装设计的独特品味，以一种比较现实、理性的展示方式来体现对服装设计中语言文化艺术符号的理解，以此来摆脱专门实用主义服装的普通和平凡。比如说我国各朝各代的朝服样式及其花纹图案的设计品味及设计要求。如用飞鸟作为文官朝服的图案，象征其文花；用走兽作为武将朝服的图案，象征其英勇。用飞鸟走兽来设计服装，不仅仅为其美观，更是为了体现封建帝制的政治文化，可以说从代表义走入引申义，从一般的服装设计图案提升到了国家政治文化的高度，可以说代表了政治符号的语言功能。因此可以这样理解：如果现在的服装设计仍不能快速的与语言文化艺术相结合，那么在未来的服装文化中无法找到其栖身之所，或者可以说将处于服装设计文化的最底层。我们可以预见：随着社会文化的发展以及时代的变迁，服装的设计将更依赖语言文化艺术的发展，对服装设

计中语言文化艺术的理解将会决定服装设计品味的走向以及服装设计的地位。

三、影响服装设计品味的因素

值得一提的是，服装设计理念的不断更新和提高，人们对服装的认识已经开始从单一型向综合性转化，人们也开始将服装设计来作为一种语言文化艺术来研究。在现有的文化社会的一种比较前卫、比较潮流的思想的冲击之下，单一实用型的服装设计开始退伍，让位给新型的服装设计，即与21世纪信息时代相接洽相融合的语言文化艺术式的服装设计。服装设计已经开始从过去的数量阶段向现在的注重质量、品牌和特色的阶段转移。此时，就不得不提到影响服装设计品味的几大因素。其一：质量是关键。只有过硬的质量才是吸引消费者的第一关键因素。其二：品牌是先导。中国有句俗话说的好——酒香也怕巷子深。品牌效应就是国际服装领头人傲视群雄的法宝,没有一个不是塑造出品牌效应的模范。市场是综合认知的选择，而不单是产品之间竞争的战场。在一部分的消费者的认知中，品牌就是潮流、地位、品味、个性、特色的代表。其三：产品自身的文化是内涵。在消费界中，每一种消费品已经不单是作为一种具有使用价值的物品而存在的，也是一种代表社会意义或低位的符号。每一个企业的最终目标都是售出商品，服装企业也不例外，只有塑造出属于自己的商品或企业文化时，才是实现其最终目标的根本手段。然而这其中，语言文化艺术所能营造出来的效果便十分的明显了。其四：特色是附加条件。要想设计出属于自己的品味，就需要不断的发掘和探索出自己与其他竞争对

手之间的一切可能存在的差别，哪怕是细微之处，有时候可以说是于细微之处见真章。同时，需要通过各种手段向市场表明自己的产品与其他竞争对手的差别。然而，如何找到与竞争对手之间的差别呢？其中一个特殊的差别便是可以用语言文化艺术来表达，使产品的形象得到艺术上的提升。

总的来说，追求服装设计中的语言文化艺术，将成为目前服装设计拥有独特的品味的路径之一。因为人们对服装的追求和要求已经不仅仅是实用的服装，更多的是向社会角色的追求，也是为了满足自我心理追求的一种方式，也是对自己所产生的各种价值的一种肯定。注重服装设计的品味，分析和追求服装设计中的语言文化艺术，与时代相接洽，与潮流相融合，将成为现代服装设计的不断追求。

服装设计中插画艺术的运用

服装设计中插画艺术的运用随着时代的发展和人们消费观念的变化，服装设计不再只是简单的满足人们的穿衣需求，而已经成为了一门综合艺术，其中包括了插画艺术的运用。插画艺术是一种艺术形式，它通过线条和颜色来表现设计师所要表达的意境和主题。在服装设计中，插画艺术的运用不仅可以丰富服装的设计，更可以使服装更富有情感和美感。一、插画艺术在服装设计中的应用 1.视觉效果服装设计师通过运用插画艺术，在服装上形成图案、图形、色彩、构图等视觉效果，来传达设计师所要表达的主题。例如，设计师可以通过插画艺术来表达出对大自然的热爱，利用自然元素和图案为主题，比如大海、树林、太阳等元素，在服装上表现出来，可以让人感受到自然的美妙和神秘，达到更好的艺术效果。 2.个性化的表现服装设计师可以结合插画艺术，在服装上展示独特的人格和个性。例如，一些设计师会选择一些有特色的图案和色彩来展现自己的特点和个性，这种设计不仅可以让人感受到艺术的美感，还可以更好的体现服装的个性化。 3.文化的表现

插画艺术不同地区、不同文化、不同时代都有不同的艺术表现方式，设计师可以结合插画艺术来表现不同文化特色。例如，设计师可以将地方特色的建筑、景物、食物等元素结合插画艺术来表现。这种设计可以使服装更加贴近群众，更加容易被人接受。二、插画艺术在服装设计中的优点 1.创造性插画艺术是一种创造性、多元化的艺术形式。设计师可以根据自己的审美观点和对服装的理解来寻找灵感，在较小的面积上展现自己的创意和想法，并将之融入到服装设计中，形成新的艺术作品。 2.美学插画艺术可以使服装更加美观、绚烂，且多姿多彩。视觉效果的应用可以使服装的整体美感更加突出，由此所带来的视觉冲击力也会让人们更加喜爱和欣赏服装。 3.文化意义插画艺术在服装设计上的运用，可以表达出不同文化的意义和内涵，反映出不同民族、地区的文化特色。这样的设计不仅可以增加服装的艺术价值，同时也能让人们更好地了解文化的差异和多元化。三、插画艺术在服装设计中的局限性 1.为限制面罩

服装设计艺术及影响设计

服装设计艺术及影响设计一、服装设计中语言文化艺术发展的现状由于世界各地社会文化的发展层次和层度不一，对物质生活和文化生活的品味不一，对服装设计语言文化艺术的主观理解和客观教育认知不一，出现了服装设计中语言文化艺术的发展程度也有不少的差距。在这里，我们或许可以用西方现代艺术的发展历程作为服装设计中语言文化艺术发展程度的判断和评价标准，以此来度量一下当前服装设计中语言文化艺术的发展差异。我们都知道西方现代艺术发展所经历的六个时期：第一是对表现手段现实化的探索时期；第二是表现手段即艺术符号的确认时期；第三是艺术符号的形式与表达的内涵完全同一化时期；第四是艺术符号被提炼到夸张和变形但未失去原有的象征意义的时期；第五是艺术符号经历过夸张和变形进入极端且富有新意的时期；第六是艺术符号的非定型时期，即艺术符号变得让人无法理解，出现一种阶段性的新潮现象.如果以这种西方现代艺术标准来衡量目前的服装设计中语言文化艺术发展的程度，可以说目前的服装设计中语言文化艺术所表现出的设计品味水平参差不齐。某些地方的设计品味以及其服装设计中语言文化艺术所表现出的象征意义正进入第四、五时期；更有甚者，有极少数地方的服装设计品味即将进入第六时期。这些高品位的语言文化艺术设计的服装所呈现出的那种姿态超乎一般人的想象，但是它又没有完全脱离具体的语言文化艺术

符号设计，即该设计处于一种形神兼备时期，既处于一种可视阶段又处于一种可感阶段，有其独特的“只可意会不可言传”之妙。当然，不可否认的是也有不少的服装设计产品处于第三时期，甚至是一、二时期，像这种一直处于该阶段且停滞不前的产品毫无新意可言，是一种设计观念无个性、无情感的重复，更是一种对服装设计的理念及服装设计中的语言文化艺术缺乏细致研究、深入发现、独特理解，只是简单的对贫乏的语言文化艺术设计的服装的再创造，没有新意的语言文化艺术设计. 二、语言文化艺术给提高服装设计品味带来的启发实际上，不管是哪个国家服装的设计文化，很早之前就开始运用诸多的语言文化艺术符号来体现服装设计的独特品味，以一种比较现实、理性的展示方式来体现对服装设计中语言文化艺术符号的理解，以此来摆脱专门实用主义服装的普通和平凡。比如说我国各朝各代的朝服样式及其花纹图案的设计品味及设计要求。如用飞鸟作为文官朝服的图案，象征其文花；用走兽作为武将朝服的图案，象征其英勇。用飞鸟走兽来设计服装，不仅仅为其美观，更是为了体现封建帝制的政治文化，可以说从代表义走入引申义，从一般的服装设计图案提升到了国家政治文化的高度，可以说代表了政治符号的语言功能。因此可以这样理解：如果现在的服装设计仍不能快速的与语言文化艺术相结合，那么在未来的服装文化中无法找到其栖身之所，或者可以说将处于服装设计文化的最底层。我们可以预见：随着社会文化的发展以及时代的变迁，服装的设计将更依赖语言文化艺术的发展，对服装设

服装设计艺术在社会中存在的价值和意义

服装艺术在社会中存在的价值和意义艺术源于生活，高于生活。艺术是生活的提炼。加工和再创造。艺术家从生活中提取有价值的，有意义的内容，运用到艺术中去反过来又充实人们的生活，给人们带来新的感受。艺术无处不在，每一个职业，每一个动作，每一种语言，每一种形态都可拥有艺术的成分。自然界更是最大手笔的艺术家。人类生存已有很长时间，随着社会的出现，人类的文明开始发展，人类的自我意识，审美意识开启了艺术的大门。随着社会的不断进步，人类对美的认识，对艺术的要求也不断提高，在生活中艺术无处不在。艺术是生活的重要组成部分，对社会。历史。人生，具有审美认识功能。艺术具有三种功能：认知功能：艺术作品是人类文明和知识的载体。尤其是具象写实的艺术作品中往往会记录一些现实生活的事件和场景，通过欣赏艺术作品，人们可以认识作品创作的年代的一些社会风貌，通过艺术作品了解和学习历史。教育功能：科学是以理服人的，而艺术则以情感人，艺术通过对观众情感的影响而陶冶人们的情操，提高人们的境界。艺术教育有着科学文化教育不可替代的功能。审美功能：艺术作品的本质属性是审美属性，人们通过欣赏艺术作品满足审美的精神需求。可以说，审美功能是艺术最重要的社会功能艺术与生活息息相关，体现在人们日常生活的各个方面。人的衣、食、住、行中看，衣在首位，可见服装是生活中必不可少的，从远古时代，人们有了自我意识开始，就有了它的存在。服装文化也随之而变化，服装的发展随着社会的不断变迁，服装文化也随而变化。同时服装也也体现一个时代的政治、文化、经济、思想的发展。也是每个地区、民族的代表特征。例如我们中国的代表就是旗袍。而且服装也已经不仅仅是为了蔽体、御寒，更是一种美的享受。服装存在于艺术之中，也激发每个平凡人对艺术的追求。俗话说‘人靠衣装，佛靠金装’，人们在衣服的要求上也大有不同，他同样与人的地位，形象，性别。。。大有联系，每个人都有自己的品味，就像每个人的名片一样，穿上不同的衣服，彰显的气势也不同，每个人对衣服美的需求不同，就造就了现今社会的服装多样化，对于服装设计师也是很大的考验。服装设计师（Fashion Designer）直接设计的是产品，间接设计的是人品和社会。随着科学与文明的进步，人类的艺术设计手段也在不断发展。信息时代，人类的文化传播方式与以前相比有了很大变化，严格的行业之间的界限正在淡化。服装设计师的想象力迅速冲破意识形态的禁锢，以千姿百态的形式释放出来。新奇的、诡谲的、抽象的视觉形象，极端的色彩出现在令人诧异的对比中，于是不得不开始调整我们的眼睛以适应新的风景。服装艺术显示出来的形式越来越多，有时还比较玄奥。怎样看待服装艺术、领略并感受服装本身的语言，成为今天网络时代“注意力”经济中的“眼球之战”。服装设计既要有很强的审美观，和价值观，既然设计出来的衣服是要在生活中穿的，既要美观时尚，又要低调优雅，是服装永远不会落后，所以一个设计师在设计服装的过程中要忘掉自己是自己，而是在设计你所想表达的意向。社会在不断地进步和发展，越来越高品质的物质给人们带来也越高的品质精神生活的渴望。这给设计艺术家们提出了更高的要求，使艺术设计跟时代前进的脚步不断的发展、提高。从而促进了时装的发展，时装，款式新颖而富有时代感

传统服饰对服装设计的影响

传统服饰对服装设计的影响中国素有“衣冠礼仪之邦”之称。中国的服饰艺术是中国深厚人文传统的重要一部分，它经历了数千年甚至更长时间的发展，取得了举世瞩目的成就。中国古代服饰因几千年的朝代变迁，环境、地域、民族的不同，中国传统服饰在各朝代、各个地域、各民族、各阶级有其不同的特点，形成了自己的风格和有时代特色的服饰制度及服饰风俗。无论是古朴的秦汉服装、娟秀的魏晋南北朝服装，还是富丽的隋唐五代服装、高雅的宋装及华贵的明清服装，都有其独特的魅力。中国传统服装有着浓厚的文化底蕴。可以用程式化的宽体式样，平面化的裁剪结构，装饰性的服用材料，精致的服装配件和含蓄美的社会理念来进行最简化的形容。在装饰上，由于传统服装是平面直线裁剪，表现二维效果，所以装饰也以二维效果为主，强调平面装饰。装饰手段是中国传统的镶、嵌、滚、盘、绣几大工艺。这些工艺的巧妙运用，使中式服装虽造型简练，但纹样色彩斑斓，美不胜收。服饰的装饰纹样多采用动物、植物和几何纹样。图案的表现方式，大致经历了抽象、规范到写实等几个阶段。商周以前的图案，与原始的汉字一样，比较简炼、概括，抽象性强烈。周朝以后至唐宋时期，图案日趋工整，上下均衡、左右对称，纹样布局严密。明清时期，已注重于写实手法，各种动物、植物，往往被刻画得细腻、逼真、栩栩如生，仿佛皆采撷于现实生活，而未作任何加工处理，充分显示了人民的勤劳与智慧。古代服装可应用于现代服装设计的元素很多，例如纹样，自然界的事物本身无所谓意识，人们根据当时的意识观念赋予服饰纹样以某种象征意义。因此它也就有了喜庆、祝福、美好的含义。现代服装设计完全可以借鉴古代服饰纹样的形式加以提炼、精简。同时有着宗教图腾意味的纹饰亦是宝贵的素材。从点的角度来看，古代服装的许多局部特征完全可以应用到现代服装设计中来。常见的立领、滚边、大襟、对襟、盘扣、开衩及中国结饰都可以加以利用，项饰就是从立领这一服饰特色上启发灵感而设计出来的。一点一世界，一个好的设计师应该从小的元素入手，从细节入手，你会发现这个世界的美！古代服饰的颜色有着严格的规定，很多颜色在今天看来仍不失流行趋势。这些颜色可用于新材料服装的创作，无论大胆、现代的设计，还是含蓄、温婉的风格都可以通过这些颜色表现出来，为现代服装设计提供更为丰富的形式。中国漫长的历史为现代设计提供了丰富的素材，很多元素可以在现代设计中加以应用，这就需要设计师对中国服装文化有精神方面的了解，并不断地努力挖掘。服装与个性的分析俗话说：“花靠叶衬，人靠衣装”。服饰，它是人对自身外在美的一种设计，是人体的又一层“皮肤”，是流动着的“软”雕塑，是人的气质、个性、情调、风格的亮相，是人生舞台的道具。在人的各种社交场合中，外观是举足轻重的，其中服饰可体现出90%的外观。从某种意义上说，穿着、打扮不单是美化个人的仪表，反映着个人的素质、修养、情趣、品味乃至尊严、人格，而且还反映着一个国家、民族的政治、经济、科技、文化的面貌，反映着全民族的整体素质。这正如郭沫若所说的：“衣裳是文化的表征，衣裳是思想的形象，社会主义带来了永恒的春天，我们要有适应季节的衣裳。” 服饰指的是衣服和同衣服相配合的全部的装饰品和配件。服饰美是指服饰领域里所呈现出来的美，即人们的穿着、打扮所体现出来的美，它属于现实美和技术美的范畴。说得更具体一点，它属于现实美中的生活美和技术美中的实用用品技术创造和欣赏的美。在今天，服饰已经成了现代人精神风貌的表征，成为美化生活、美化环境、美化社会的一个重要组成部分，成为一种高层次、高品位的审美引导，因此，可以毫不夸张地说，服饰美构成了服饰文化的主体和核心，可看成是衡量个人和整个社会生活的主要尺度。

现在艺术对服装造型设计的影响 (赵静)

现代艺术对服装造型设计的影响赵静（陕西服装艺术职业学院服装系，陕西西安 712046）摘要：从艺术的性质来说，艺术分为传统艺术和现代艺术。相对传统艺术而言，现代艺术包罗万象，它是历史性的新潮事物。现代艺术与古典艺术、传统艺术有着相对不同的使用场合。后现代艺术、现代派美术、实验艺术、先锋派、前卫艺术和当代艺术都属于现代艺术。关键词：艺术，传统，现代 Modern art design of the garment ZHAO Jjing (Shaanxi Vocational College of Clothing Art,Clothing Department,Xi'an, Shaanxi,712046) Abstract:From an artistic nature, the arts into traditional art and modern art. Compared with the traditional art, modern art all-inclusive, it is a historic fashion things. Modern art and classical art, traditional art has a relatively different usage scenarios. Post-modern art, modern art, experimental art, avant-garde, avant-garde and contemporary art are all modern art. Key words:Art, traditional, modern 1 引言 20世纪初，西方艺术出现了一系列的改革运动，古典艺术，传统艺术逐渐解体，从思想、表现、创作、表达等方面上，传统艺术的主流发生了巨大的转变。艺术家们开始探索新的艺术创作，立体派、野兽派、达达派、超现实主义、抽象主义、波普艺术、光效应艺术等应运而生。这个运动浪潮被统称为“现代艺术”。 2 现代艺术风范在服装造型中的展现 2.1现代艺术与服装造型的相通性服装造型与现代艺术有着密不可分的相通性，把服装与建筑、雕刻、绘画、音乐等艺术并列是每个时装设计师所向往的。在艺术思潮的影响下，服装造型的发展与现代艺术的发展紧紧相连。服装造型因追随现代艺术的风范被赋予了更高的艺术趣味。因此，服装设计师要拥有建筑师的绘图能力；雕塑师的造型设计；绘画大师的色彩感觉以及音乐家的整和能力。另一方面，服装造型设计促使现代艺术普及发展。因此，现代艺术与服装造型的影响是双向的， 20世纪60年代，服装设计大师圣·洛朗将蒙德里安的一幅抽象派实验性绘画融入针织短裙的设计后，抽象派艺术更深入人心。每一次的现代艺术思潮都能渗透到服装造型设计当中，它们之间互相影响和发展着。从野兽派，立体派，达达派，表现主义，超现实主义，抽象主义的诸多现代艺术中明显看出，其艺术理念和形式对服装造型设计影响深刻。 2.2现代艺术为服装设计在造型上提供了大量可引用的资源现代艺术流派众多，从野兽派、立体派、未来派、表现主义到风格派、构成主义、达达主义、超现实主义到抽象艺术，虽然很多流派出现的时间很短暂，但是它们同样对服装造型设计产生了不可磨灭的影响。

浅谈服装设计的艺术性和商业性

浅谈服装设计的艺术性和商业性当今社会是信息的时代，生活中人们以追求时髦，讲究穿着以成了一种新的社会时尚。服装设计越发处于一个重要的地位。时装,既是商品又是艺术.谈起服装,人们首先想到的可能是它的款式、色彩、面料等.学术和艺术因素,对于一个单纯搞服装设计者来说,更偏重于艺术方面的研究.但在服装厂家、公司眼中,首选的是市场,设计出的服装有市场才有价值. 服装属于商品文化。东西方对其理解大相径庭。西方人把艺术作为其价值的评价主体；而我们则以功利评价服装为主。我们应该如何正确理解时装设计之中的艺术性和商业性呢？个人认为，应该从时装设计的社会客观性和设计师的人为主观性这两个方面来加以认识。首先，在允许的条件下要极力追求时装美的表现形式。在我国，以功利为评价核心，追求以销售为第一性的时装设计一直没有得到快速发展，这是由于人们对时装的整体认识尚未完善，着装知识尚未普及等等因素。也就谈不在时装的艺术性和商业性的如何完美结合了。比如我国的旗袍，以合体、反映人体曲线美，具有民族味作为主要特色而为不少中国女性青睐。但是，旗袍的穿着场合限制较大，与现时代人们的的生活距离较远。可某些服装厂家不顾现装，对其进行简单的修改就期望大批量生产，于是出现了既失旗袍的优雅端庄又缺现代筒裙款式的味道…新式样‟，这样的“设计”之后果必然是造成产品的积压。当然，我国设计时装的另一因素是长期的封建意识造成我国人保守的思想和严重的“从众”心理，促使着毫无个性的设计产品充斥市场。因此，作为一个设计人员在设计之前必须建立一个正确的设计思维。艺术性的，商业性是一个相互联系为作用的两个要素，任何放弃了它们的前提而孤立强调其中之一设计都不能也不可能会创造优秀的作品。艺术性和商业性在设计中应该是并列的，而这其中，艺术最终应服务于商业性。时装艺术是既联系与其它艺术又区别于其它艺术的独立文化。因为它有一个重要的联系媒介，就是必须通过消费者加之鉴定设计的成败。可见必须把商业性作为设计的首要条件。鉴于国内的经济基础及设计水准，把功利作为评价之核心，以人为设计目的，这也是一种循序渐进和正确的发展方向。那么，如何提高设计作品的商业性呢？应该注意两个方面：第一，流行倾向与市场的销售状况。现代时装最显著的特征是“变”，我国在近几年随着经济、政治的改革开放进一步加深，在服装业上这一种趋势，越来越靠近世界的流行轨道而逐渐显著起来。由此而来，如何追求时尚的穿着成了消费的中心问题。于是，流行倾向的研究就成设计师作品致胜、服装厂家、商场部门获得的重要一环。时装的适应性差、流行周期短等特点首先表现在商业性上的是具有良好商业较益的时装在设计销售上是以多品种、多层次、多变化来适应不同层次的消费需求的。其次应该明白时装的流行倾向特点是泛指某几种类形的面料、某几组色彩及服装款式的长短，大小、松紧的总趋势。它的要求是设计师应结合市场需要灵活地把流行趋势溶入自己的设计风格中。求类似而并非盲目照搬。再次是流行倾向与市场消费的紧密结合表现在对时间与流行的掌握上。时装的流行千变万化，但它还是有一个产生、发展至消亡的过程。这就需要设计师具备一种深刻的洞察力，在流行倾向产生之前具备准确的预测能力，而当一种流行

现代艺术流派对服装设计的影响

现代艺术流派对服装设计的影响随代的发展，思想的解放，人们更注重追求个性。那种由一种风格统领十几年的时代，已经不复存在。 90年代以来，流行服装的一个显著的特点，就是进入了一个追求个性与时尚的多元化时代，各个历史时期、各个民族地域、各种风格流派的服装相互借鉴、循环往复，传统的、前卫的、各种新观念、新意识及新的表现手法空前活跃，具有不同于以往任何时期的多样性、灵活性和随意性。与设计师的建议相比，人们更看中的是自己的生活方式及自己所属的那个团体的特征。如今，人们在着装时不只是要表现一种视觉效果，还要表现一种生活态度、一种观念和情绪。因此作为流行时尚的诠释者，要对多种的审美意向和需求保持高度的敏感性，并能够透过流行的表面现象，掌握其风格与内涵。设计风格，即是设计的所有要素——款式、色彩、材质、配饰，形成统一的、充满魅力的外观效果，具有一种鲜明的倾向性。风格能在瞬间传达出设计的总体特征，具有强烈的感染力，达到见物生情，产生精神上的共鸣。浪漫主义风格源于19世纪的欧洲，是近年来服装流行的主流，它主张摆脱古典主义（古典艺术发源于18世纪的法国，以画家大卫为代表。古典主义艺术在形式和内容上都以古希腊罗马为借鉴的楷模，风格典雅、端庄）过份的简朴和理性，反对艺术上的刻板僵化，它善于抒发对理想的热烈追求，热情地肯定人的主观性，表现激烈奔放的情感，常用瑰丽的想象和夸张的手法塑造形象，将主观、非理性、想象融为一体，使用品更个性化，更具有生命的活力。在服装史上，1825-1845年间被认为是典型的浪漫主义时期。服装的特点是细腰丰臀，大而多装饰的帽饰，注重整体线条的动感表现，使服装能随着人体的摆动而呈现出轻快飘逸之感。在1997年的国际时装潮流中，以亚历山大·马克昆（AlexanderMcqueen，现任法国HubertdeGivenchy公司首席设计师，其设计风格是根据所欲表现人物所处环境为背景，用现代手法表现往昔的精神）与约翰·加里阿诺（JohnCaliano，英国人，现任法国CD公司首席设计师）为代表的设计师们纷纷推出了浪漫主义风格的服装，这一潮流的出现绝非偶然，而是对90年代以来国际流行舞台上那种冷漠的未来派设计、简约中的中性服装的一种反向趋势。在服装史上这种现象屡见不鲜，当一种风格流行了一个阶段后，就会因缺少变化而缺乏新鲜感和吸引力，继之而起的就将是一个反向的趋势。 90年代的浪漫主义风格，又不同于80年代末那种追求装饰的人工主义，而是更趋自然柔和的形象、浅亦淡的色调、柔和圆转的线条、轻柔的材质，表现的是一种怀旧的情结和田园风格，它与设计领域里的后现代主义相呼应，表现人们对现代工业所带来的那种单调冷漠、整齐划一的一种逆反心理，追求所谓唤起历史的回忆，重视民族民间传统，讲究装饰意趣，从历史和民族服装中去寻找设计灵感，使人们在都市的喧嚣中，感受到一种充满幻想的心灵空间。这一风格取材广泛，其灵感来自池畔、喷泉、浴池或来自珊瑚等等，甚至来自晶莹剔透的气泡。在亚历山大·马克昆的设计里，他创造性地将生态学、原始世界和未来世界相混合，以天马行空式的款式、别出心裁的剪裁、温文尔雅的曲线，创作出一件件摇曳多姿的艺术品，极富有野性的魅力。在1997年的国际流行舞台上，随着西方简约和冷漠设计形式的淡出，继之而起的是充满装饰意趣和神秘魅力的东方风格。如印度、中国、吉卜赛等风格，异彩纷呈，一片金碧辉煌，人们在其服饰的繁花似锦的装饰图安可，在缤纷色彩的跃动下，在柔美轻盈的面料里，尽显浪漫主义情怀。由于现代艺术家竭力追求表现自我而纷纷打破传统风格，从而出现了各种流派，前卫风格就是对立体派、未来派、波普艺术（该艺术是50年代初在美国流行的一种艺术形式，针对抽象表现主义脱离生活的作法，提倡艺术必须回到日常生活中去，强调艺术的价值存在于任何平凡的事物之中，以游戏的心态为原则，非理性，非和谐，以丑为美）等现代艺术诸流派的总称，源于20世纪初，以否定传统、标新立异、创作前人所未有的艺术形式为主要特征。如果说古典风格是脱俗求雅的，那么前卫风格则是有异于世俗而追求新奇的，它表现出一种对传统观念的叛逆和创新精神，是对经典美学标准做突破性探索而寻求新方向的设计。前卫的服饰风格，多用夸张及卡通的手法，或标新立异，或造型怪异，或诙谐幽默，表现出对现代文明的嘲讽和对传统文化的挑战。 90年代初的流行服装，是以前卫的风格为设计主流的，它是80年代末保守复古潮流的一个反向的趋势，其设计反映出不仅仅从传统服饰中寻找价值的意识，他们认为传统的设计僵化、麻木，让人激动不起来，常常需揭下传统文化道貌岸然的面具，用幽默诙谐的手法，开轻松的玩笑。前卫的风格特点是离经叛道、变化万端、无从捉摸而又不拘一格。它超出通常的审美标准，任性不羁，以荒谬怪诞的形式，产生惊世骇俗的效果。 90年代以来，流行服装上的前卫风格，分别演绎了从50年代、60年代到70年代以来的表现风格，前卫的街头文化，即表现为50年代的“垮掉的一代”，60年代的“嬉皮士”，70年代的“朋克”，80年代的“雅皮士”，直到90年代的“X一族”。前卫的服饰风格成为他们反叛的一种精神象征，反映了西方反叛、以自我为中心的一代，他们因对现实的失望与厌倦，而只好在前卫风格的文化圈子里，寻找精神寄托的社会现实。而正是这些风格前卫的五十、六十年代的街头文化、奇异的组合、怪诞的样式，给后来的设计师以极大的启迪和影响，冲破了人们在着装上的种种禁忌，设计师们把这些街头服饰的特点，用于日常便装的设计上，

服装设计艺术及影响设计

服装设计艺术及影响设计服装设计艺术及影响设计服装设计艺术是一门综合性学科，代表着一种文化的表现形式。服装作为人类社会的基本需求之一，其设计元素的使用和创新是影响着服装行业的重要内容。本文将从服装设计艺术和其对设计的影响两个方面进行探讨。一、服装设计艺术的发展服装设计艺术源远流长，可以追溯到人类社会的早期。我国古代即有“衣裳之美，岂止于衣冠哉”之说，历史上的服饰文化积淀深厚，不同历史时期的服装文化都有其独特的风格。比如，唐代的华丽绚烂，宋代的简约雅致等等。随着文明的进步和科技的发展，服装设计艺术也随之演化和发展。20世纪初期，设计艺术家和时尚设计师们开始走在了潮流的前列，将大胆的剪裁和各种元素巧妙地融合在一起，从而创造出了独具魅力的服装风格，如卡尔•拉格菲尔德、贝特鲁斯特等人在职业和业余领域的表现都让人难以忘怀。随着时代的发展，服装设计艺术的探索也在逐步深入，服装设计正在向着更加理性化、智能化、人性化等方向发展。艺术和科技的完美结合是服装设计的一个重要趋势，科技的运用让服装设计更加深入人心，更加符合现代人的审美需求。二、服装设计艺术对设计的影响

服装设计艺术是一门独特而又复杂的学科，它的影响不仅体现在时尚领域，还延伸到了设计的其他领域。 1. 色彩运用服装品牌的广告和宣传，通常会采用丰富多彩的色彩来吸引消费者的眼球。在设计中，服装设计艺术为画家和插画家提供了展示色彩艺术的平台。服装设计理念影响了建筑设计、室内设计和家居设计等其他领域，设计师们也更加注重对色彩的运用和理解。 2. 比例与设计服装设计艺术中，关于人体比例和尺寸的准确运用是一个基本技能。设计师们需要将身体尺寸和服装融合在一起，使其更加适合人体并展现独特的美。在其他领域的设计中，尺寸与比例的运用同样也十分重要。比如建筑设计中人体工程学的考虑，室内家居设计中的空间划分等等都需要注意比例和尺寸的运用。 3. 制造工艺的创新服装设计艺术的制造过程中非常注重细节，如缝制边角和结束的整洁，二位和三位尺寸套件的准确性。这也是其他制造行业所必须关注的细节问题，如电子产品的外观设计、汽车设计等都需要考虑到细节的问题。所以，服装设计艺术对于其他制造行业的创新也产生了积极的影响。 4. 人体工程学实践

服装设计与艺术审美结合探析

服装设计与艺术审美结合探析服装设计和艺术审美是紧密联系、相互交织的两个概念。在现代社会，随着文化交流和时尚的普及，更多的人开始关注服装设计与艺术审美之间的关系。本文就从设计方式、材料运用以及创意方面对其进行探析。设计方式服装设计是一门艺术，它并不是简单的把一些线条、形状、颜色拼凑起来。艺术审美的运用在服装设计中能够体现出设计师的审美意识和创意天赋。设计师们在创造服装的过程中可以超越现实的束缚，同样也可以运用现实中的元素作为设计灵感。他们可以从自然、文化、历史、科技、艺术等方面进行创意的汲取，使其成为服装设计的表现元素。这种审美是基于个人经验的，同时也是文化和历史的结晶。艺术的审美在服装设计中的运用，不仅为服装带来美感，还可以塑造服装的气质、格调，弥合文化之间的差异，充分发挥“群体审美”的效应，引领时尚潮流。材料运用在服装设计中，材料的运用也起着至关重要的作用。艺术审美的运用可以让设计师更好地驾驭各种材料，从而让服装更显艺术美感。例如，设计师可以通过不同的织物材料、质感、光泽以及颜色等去呈现自己的设计思路和艺术风格。恰当的材料运用在服装中可以起到画龙点睛的作用。经典案例就是影视

剧中的服装搭配，如果服装搭配合适，服装与文化、作品之间的联系可以得到完美呈现，彰显出文化与时代特点。艺术的运用，让服装设计变得更加精美和精致，完美的展现出服装的魅力。创意方面在服装设计空间中，创意本身是不可替代的。艺术的审美与创意方向一起，让服装表达出创意的全部魅力。服装设计师通常会在日常生活、人文环境、艺术创作和新兴科技等方面寻找创意的获得方式。他们不断追求新的灵感，将创意融入到服装设计之中，变成一件件艺术品。艺术设计的精髓在于利用想象力，将想象的东西变成现实。总之，服装设计与艺术审美之间的结合是不可忽略的。艺术的审美和创意无处不在，材料的运用让这些元素得以合理、完美的呈现。通过服装设计和艺术审美的结合，人们可以更好地理解、欣赏和表达时尚，同时也能够体现出人类文化的多样性和创意。在此基础上，我们应当鼓励和推动更多的设计师更深入的挖掘服装设计与艺术审美之间的关系，发掘更多的有意义的思考，推动社会文化的进步。

舞台服装设计对舞台美术艺术效果的影响

舞台服装设计对舞台美术艺术效果的影响摘要：随着时代的发展和进步，艺术设计的重要性愈发凸显。在舞台表演中，探究如何通过服装设计强化美术艺术效果有着重要现实意义。本文首先阐述了舞台服装设计的基本要素，旨在探究其对舞台美术艺术效果的现实影响。关键词：舞台；服装设计；美术艺术效果舞台服装设计是舞台美术艺术的重要组成部分，它对舞台上演员的表演以及舞台整体的美术效果有着重要的影响。舞台服装的设计需要结合作品内容及演出要求，将演员服装和舞台背景特点有机结合起来，营造出恰当的舞台氛围和演员形象。因此，设计师的创作灵感、专业技艺以及对美术效果的把握，对于演出的成败将起到至关重要的作用。 1.舞台服装设计的基本要素舞台服装设计是舞台美术创作中的一个重要组成部分。舞台服装设计通过服装颜色、质地、款式、线条、形状等要素的选择和搭配，塑造角色形象，传达情感、氛围等信息，使得观众更好地理解剧情和人物。下面将分别介绍舞台服装设计中的基本要素。 1.1颜色颜色在舞台服装设计中的作用非常重要。颜色是一种视觉效果，可以产生情感、氛围和个性等方面的表现，它对服装的传达和演员的气质具有很大的影响。不同颜色代表着不同的情感和象征意义，比如红色通常代表着激情和活力，黑色则代表神秘和权威等等。因此，在舞台服装设计中，颜色的选择至关重要，需要根据角色性格、身份、情感等来选择适合的颜色。 1.2质地

服装的质地也是舞台服装设计中的一个重要要素。不同的质地会产生不同的效果，比如丝绸、缎子等柔软的面料通常会给人一种优雅、娇媚的感觉，而皮革、棉麻等硬朗的面料则会给人一种刚毅、朴实的感觉。因此，在舞台服装设计中，需要根据角色的性格、身份等特点来选择适合的材质。 1.3款式舞台服装的款式也是舞台服装设计中的一个重要要素。款式是服装的形状和轮廓，不同的款式会传达不同的情感和性格。比如，宽松、流畅的款式通常会给人一种柔和、优雅的感觉，而紧身、修身的款式则会给人一种力量、自信的感觉。因此，在舞台服装设计中，需要根据角色的性格、身份等特点来选择适合的款式。 1.4线条线条在舞台服装设计中也扮演着重要的角色。线条不仅可以调整服装的整体比例和结构，还可以凸显服装的质感和风格。例如，流畅的线条可以传达柔和、柔美的感觉，而直线、平直的线条则可以传达刚毅、利落的感觉。因此，在舞台服装设计中，需要根据角色的性格、身份等特点来选择适合的线条。 1.5形状形状也是舞台服装设计中的一个重要要素。服装的形状会影响角色的形象和气质，同时也会影响角色的表现。例如，裙摆宽大的连衣裙会让角色看起来柔美、优雅，而窄身的西装则会让角色看起来利落、自信。因此，在舞台服装设计中，需要根据角色的性格、身份等特点来选择适合的形状。 2.舞台服装设计与舞台美术风格的关系舞台服装设计和舞台美术是紧密相关的。舞台服装作为舞台美术的一部分，是呈现角色和情节的重要手段。它不仅要满足剧情和角色需求，同时还要与舞台美术的整体风格和意图保持一致。下面将从舞台服装设计与舞台美术风格的关系、相互影响等方面进行阐述。 2.1舞台服装设计与舞台美术风格的关系

艺术流派对服装设计的影响之巴洛克

艺术流派对服装设计的影响之巴洛克摘要：巴洛克（baroque）一词源于葡萄牙语barroco，本意是有瑕疵的珍珠，引申为畸形的、不合常规的事物，在艺术史上却代表一种风格。这种风格的特点是气势雄伟，有动态感，注重光影效果，营造紧张气氛，表现各种强烈的感情。巴洛克艺术追求强烈的感官刺激，在形式上表现出怪异与荒诞，豪华与矫饰的现象。在音乐、雕刻、绘画与服饰上都以华美的色彩和众多的曲线增加世俗感和人情味，一反以前灰暗而直板的艺术风格，把关注的目光从人体移到人与自然的联系上。关键词：巴洛克；服装；影响巴洛克艺术改变了文艺复兴时期的艺术形式和表现手法，很快形成17世纪的风尚。物极必反，这种守旧的艺术风潮却埋藏了反叛的种子。之后的音乐、雕刻、绘画与服饰上都以色彩和曲线为主要的设计元素的设计风格，设计的重点也从人体转移到了人与自然的联系上。这就是流行于十七世纪以“巴洛克”命名的艺术思潮，而这一艺术风潮也对于人们的着装产生了深远的影响。一.巴洛克女装的特点巴洛克服饰造型上强调曲线，装饰华丽。女装中最突出的是改变了以前过度夸张的形式，摒弃了裙撑，腰线上移，有明显的收腰，把女性身材勾勒得平缓、柔和而自然。最大的特点是大量褶皱和花边。无数的花饰。巴洛克女装的特点是上衣流行紧身胸衣，外面套无袖的短外衣，在腰部是成“V”字形收紧的并装饰有大量的褶皱和花边在裙子上。在法国时期开始上衣的领口开始加深，几乎是裸露出胸部以上的全部空间。领口边缘装饰以镶嵌花边或是或者丝绸的花结装饰。女士衬衫较为宽松肥大，袖子也有长短之分，都镶着大量花边，非常华丽。外出时穿外套，披着暗色的斗篷，或是男人样式的长大衣。路易十四时期也正是巴洛克风格最为鼎盛的时期，图案元素里喜欢使用大团花和果实在服装面料上呈现出一种具有华丽感，到了路易十五时期是过度时期花卉图案设计元素开始变小。到了巴洛克后期女装出现了臀垫和托裙，袖子变得又短又大，呈现出很大的泡泡形状。二.巴洛克时期男装的特点巴洛克时期的服饰具有虚华矫饰的风格，尤其在男装上极尽夸张雕琢之能事。服装史将这一时期划分为两个阶段，前阶段以荷兰风格为主，在整体上注重肥大松散的造型，服色以暗色调为主体，配白色花边和袖口，以求醒目。男服采用无力的垂领，肥大短裤，水桶形靴，衣领、袖口、上衣和裤的缘边、帽子以及靴的内侧露出很多缎带和花边。后期以法国宫廷风格为主，盛行欧洲。短上衣与裙裤组成套装，袖口露出衬衫，裤腰、下摆及其他连接处饰以缎带，在宽幅褶子的帽上装有羽毛。巴洛克服装中男装最大的特点就是大袖子花边了，带马刺的靴子也成了时髦，还有羽毛大帽子和佩剑。布里特的袖子一般为紧身式袖口逐渐收细，袖子上有漏斗状的袖克夫作为装饰袖口装饰有花边或者露出里面的内衣的花

后现代艺术影响服装设计

后现代艺术影响服装设计后现代艺术是20世纪后期的一个艺术领域，它的艺术方法与传统主义不同，强调对现代社会的批判性反思和多样性，对现实主义的刻板印象进行探究，并具有浓厚的个性化特点。后现代艺术的出现标志着人们对“艺术”的定义的重新审视，它的影响不仅体现在艺术领域，还深刻地影响了时尚界，造成了对服装设计的新思考。一、颜色与变形后现代艺术对服装设计的影响表现在颜色和变形方面。后现代艺术家喜欢运用鲜艳、强烈的颜色，这种色彩的表现在服装设计上体现为，服装设计师更加关注颜色的运用。高对比度的颜色组合在服装设计中也是常见的，包括鲜艳的现代色彩、暗色调、柔和的中性色等等。此外，后现代艺术家对定形、对称、整洁的刻板印象进行反思，比如：沃尔特·本雅明认为，机械文明造成的失去意义的物品具有潜在的表现力，物品的变形性可以启发我们创造具有自我独立性的事物来表现自我。服装设计师的设计也趋向于呈现出“变形”、“扭曲”的概念，并加入更多的实验性的元素。二、材料与装饰后现代艺术注重材料的随意组合和重构。艺术家把不同材质的物品组合在一起，制造出新的造型与质感。这种表现形式在服装设计中也有着广泛的应用。服装设计师将不同的面料、

纽扣、拉链等材料用于设计搭配，呈现出新的质感和视觉效果。此外，后现代艺术延续了装饰艺术的发展思路。加上一些图案、绣花或者漆面、金属、皮革、珠宝、贴花等各种装饰，为服装注入了更加丰富的立体感、质感以及艺术感。三、多样性后现代艺术最大的特点与体现是多样化。后现代艺术家们偏爱多元文化的融合以及对多样性的尊重，这样对服装设计有着深刻的影响。服装设计师们设计服装时赋予自己的思维与想象更多的空间与灵活度，他们试图用多样的思维方式和设计元素去创作服装。他们从不同文化、时代的艺术家的作品中寻找灵感来创作，这能使其设计出来的服装不局限于特定的风格、不失去个性。总结，后现代艺术对服装设计有着深远的影响。艺术家们对颜色、变形、材料、装饰等方面的推崇和追求，使得服装设计也逐渐体现出新奇、独特的魅力，并获得越来越多消费者的认同。时尚界也随着这种思想继续推进，进一步促进了服装设计的多元化的发展。

传统服饰对现代服装设计的影响

传统服饰对现代服装设计的影响首先，传统服饰为现代服装设计提供了丰富的设计灵感。传统服饰具有丰富多样的图案、织物和剪裁方式，这些元素为现代服装设计师提供了广阔的创作空间。例如，中式旗袍是中国传统服饰的代表，其修身的剪裁和华丽的绣花图案一直是设计师们青睐的对象。现代设计师融合了旗袍的元素，并将其运用于现代服装设计中，创造出了华丽而现代的作品。其次，传统服饰对现代服装设计的影响还在于传承和弘扬文化。每个国家都有其独特的传统服饰，这些服饰承载了深厚的历史和文化内涵。通过将传统服饰的元素融入现代设计中，设计师们不仅能够传承文化遗产，还能够向世界展示自己的独特风格和创意。例如，日本的和服作为日本传统文化的代表，在现代服装设计中经常出现。设计师们通过保留和服的剪裁和面料，同时结合现代元素，打造出独特而现代的服装作品。此外，传统服饰还为现代服装设计提供了可持续发展的思路。传统服饰通常采用天然材料和手工制作，对环境的影响相对较小，具有较高的可持续性。现代设计师们通过借鉴传统服饰的制作工艺和使用材料，探索出更加环保和可持续的服装设计理念。例如，一些设计师选择采用有机棉、竹纤维等天然材料，结合传统的染色和织造技术，打造出环保而时尚的服装。最后，传统服饰对现代服装设计带来了多元化的时尚潮流。传统服饰在全球范围内各具特色，无论是印度的萨里、非洲的民族服饰还是阿拉伯的凤凰袍，都具有强烈的地域特征和民族风情。这些服饰的流行和被接纳，使得世界文化更为多元化。现代设计师们通过借鉴和融合不同的传统服饰元素，创造出独特的时尚潮流。这不仅丰富了时尚界的创新性和多样性，还促进了不同文化之间的交流与融合。

服装设计中呈现的设计美学(全文)

服装设计中呈现的设计美学生活中处处都有美，美存在于万事万物。以康德为代表的美学家认为，美学研究的对象就是美，是研究感性认识的改善。19世纪以前人们对美学探究还局限于绘画、音乐、建筑等经典艺术，工业革命以后日常生活中衣食住行的美学问题也被关注，对服饰美的关注人群也越来越多。设计美学是美学的一种，设计美学在服装领域的体现是服装给人带来的艺术美――服装美。服装美形成于19世纪末20世纪初，主要研究服装与着装人、着装场合以及环境融为一体的综合美感。服饰美可以塑造人体美、勾画出不同的姿态美、制造出不同的风度美。所以人的美，不管是内在还是外在美，都离不开服饰美的衬托。俗话说，“人靠衣裳马靠鞍”、“三分长相，七分装扮”，都反映出服饰美对我们日常生活的重要性。 1 服装自身呈现的设计美学在服装设计中，服装设计理念是服装设计的前提，服装的色彩、面料、款式三要素的相互协调，形成了服装自身的整体美。设计美学体现在服装各要素之间的完美结合，面料运用图案的设计，色彩的选择，廓形的运用以及工艺的设计等方面。 1.1 服装设计中体现设计美学中的理念美设计师的设计灵感主要来自两个方面：一是民族传统；二是崇尚大自然。这两个方面很好地体现出了设计的理念美。ZG传统文化的基本理念就是和谐，正是这一传统理念缔造了我国服饰

的深厚文化底蕴。设计美学在服饰中的呈现是意象的，不张扬、不束缚，在遮羞和有用的前提下体现人体美，含蓄的显现出流畅、婉约、细腻流动的人体曲线美。让人体在服饰的点缀下流露出和谐的韵味，这正是ZG人的服饰观、人生观和价值观。服装的美学特征是具有时代烙印的，设计美学的变化过程是人类思想变迁的重要见证者。从古至今服饰经历了漫长的变化过程。例如道家追求纯自然的人类和谐状态，道家服饰（图1）就顺应自然，简约、质朴、宽松的服装既展现了自然的人格精神，又体现了融于自然的脱俗境地。而西方的哥特式服饰（见图2）则表现了当时西方人大力表现个性和夸张色彩、崇尚人体美。哥特式衣服中的垂袖和裤袜等采纳左右不对称的强烈色彩对比，让人想到风格华丽色彩鲜亮的哥特式建筑。启发后人在服饰设计中采纳艳丽、对比鲜亮的色彩。当时采纳的尖头帽，无论是鸡冠头巾帽还是尖顶高耸的安尼帽，都是和哥特式建筑中高高耸立的尖塔，出于同一种思想和审美观。从古至今，设计的美学理念都是来自于大自然和传统文化。 1.2 服装设计原理体现设计美学中的形式美设计美学在服装设计中是有规律的，在服装的款式设计中设计师按照服装设计原理进行设计来满足人们对美的追求。而服装设计原理就是美学的比例、节奏、主次、平衡、多样统一等形式法则。比例就是指服装的整体与局部设计，局部与局部的尺度设计。节奏就是指服装中重复或有规律的出现线条、花纹、色彩等。

服装设计的实用性与艺术性

服装设计的实用性与艺术性摘要：服装设计是一门复杂的学科，不但需要艺术审美而且需要技术的支持，当今服装消费者从单一追求服装的实用性逐渐向实用性与艺术性两方而转变。本文通过分析服装设计的实用性与艺术性两方而，并引用相关设计师与设计品牌实用性与艺术性结合非常成功的案例，总结服装设计的实用性与艺术性之间的关系。关键词：服装设计；实用；艺术随着人们生活条件的不断提高，衣食住行中衣的作用不仅仅是温保或裹身，个性、时髦、靓丽、流行，是现代人追求的服装属性。服装设计的目的来源于人们对生活深层次的追求（包括生理需求、心理需求、文化需求和审美需求），运用一定的设计思维模式、美学形式和设计顺序，并运用一定的艺术视觉形式表现出来。选择适合设计作品的材料，通过合理的工艺裁剪方法，使其实物化的一个过程。许多服装院校学生毕业后进入设计岗位都会而临自己所设计的款式在投入市场后其销售情况低于预期或与预期大相径庭的情况。其设计本身并非主要问题。在校内学生主要以其设计形式、设计美感为出发点进行设计，但确忽略了设计其实并非完全主观性活动，在进行设计行为时必须考虑设计的实用性（服装根本属性、市场、目标消费者）原则。［服装设计的实用性在学术界把人类穿衣动机分为四大类：保护、遮羞、护符与装饰；保护身体是人类穿衣的最初动机，可分为保温与保护两种动机;遮羞、隐蔽、遮盖出现在人类原始社会之后；未开化人类常常把“服装〃作为一种巫术或图腾披挂在身上，作为护身符；装饰指的是服装作为人类装饰欲和美感的

发现而产生的。实用性服装是以人为木，以生活和市场深层次的需求为主导，它完全面向个人，供人消费并使得生活更便利，同时与当时所趋的潮流同步，是服装文化发展的基础和根木，那么服装设计的实用性体现在哪里呢？下而从保护和遮羞这两大人类穿衣动机以及现代人所追求的服装易搭配性展开。秋冬服装设计的首要目的就是以保护为前提，秋冬时节气温渐冷，设计师在进行结构与造型设计之前，需考虑其面料的保暖性。在运动服的设计上需考虑其功能性要素，如登山服装需考虑其耐磨、防潮等特性，在慢跑服装的设计上需考虑其透气吸湿等必要因素;设计如衬衫、T恤这些服装时，需考虑其搭配性的特点；在内衣设计上需要考虑内衣的防潮抗菌功能。总而言之服装设计的实用性是以人类着装最初动机和满足人们物质需求为主要目的。服装的实用性还体现在其可穿着易搭配性，这方面既包含艺术性又包含实用性，如过于明亮夸张的配色打底衫就不符合可穿性要求，可穿性的前提是易于搭配。在外套设计上也需要体现实用可穿性原则，颜色与图案的装饰上纯度不应过高，图案设计不应过于复杂。 2服装设计的艺术性服装设计的艺术性在于其服装的美学需求，主要作用和要求是不断地追求创意，推进服装流行文化并且引导消费者的消费导向，为服装设计寻找新的设计方向。我们经常看到的时装发布会中极具创意性和审美性的服装既体现了设计师的创造才华，扩大和提升了品牌的影响力和知名度，同时又带动和促进了服装产品的销售，满足目标需求, 产生了巨大的经济效益，反过来，这些效益又为更多的艺术性审美性服装的产生提供了雄厚的经济基础。秋冬