美术鉴赏——从“天空”看西方印象派油画的光、影视觉效果

视点

——从“天空”看西方印象派油画的光、影视觉效果

莫奈《印象·日出》西斯莱《莫瑞桥》

印象派油画：印象派（Impressionism）又称为“外光派”，是西方绘画史中的重要艺术流派，产生于19世纪60年代的法国。

印象派强调对客观事物的感觉和印象，反对因循守旧，主张艺术的革新。绘画技巧上对光和色进行了探讨，研究出用外光描写对象的方法，并认识到色彩的变化是由光色造成的，色彩是随着观察位置，受光状态的不同和环境的影响而发生变化，同时把这种科学原理运用到绘画中去。根据观察和直接感受表现微妙的色彩变化。

印象派脱离了以往艺术形式对历史和宗教的依赖，艺术家们大胆地抛弃了传统的创作观念和程序。把焦点转移到了纯粹的视觉感受上，作品的内容和主题变得不再重要。

印象派是现实主义画派发展到极端产生的，早期印象主义画家马奈原也是现实主义的，印象主义画家强调真实的世界就存在于眼睛的观察之中，只有色彩和光影，不在乎物体的实质。所以印象派画家经常创作一些“系列”作品，如莫奈的“干草堆”、“睡莲” 等，描绘在不同的时间、不同的气候条件下的同一场景。印象主义画家将色彩发挥到了极致，他们的画作使人如同面对一扇打开的窗户，极度真实，但不关心绘画的内容。以后所有画家都从印象派画家那里吸收到色彩表现的方法。印象派著名画家除了上述外，还有雷诺阿、西斯莱、德加、毕沙罗等。

克劳德·莫奈绘画风格：

他重视对现实的观察研究，追求表现瞬间的视觉印象，为此，他经常到各地旅行写生，观察大自然景色的变化，捕捉阳光、空气在物体上的微妙变化。他的一生精力主要用在外光的探索上。

他描绘不同时间阳光照射下景物所反映的色泽，使画家对色彩的观察理解大大地深入了一步。在彩色照相尚未发明之前，像莫奈这样对自然色调的如此观察入微是很令人叹服的。

阿尔弗莱德·西斯莱绘画风格：

毕沙罗曾表示，西斯莱是最纯粹的印象派画家，因为他坚守原初的作画理念——透过光与色彩的表现来捕捉自然风景瞬间的真印象。

从构图、笔触、光与色的三个方面分析西斯莱作品的特点:1．构图深受柯罗的影响,工整有序，自由而不拘于形式;天空往往占据画面很大的空间，以展示细腻的光影变化; 作品中的人物空间比例小,刻画简练概括；景物的透视性强，不追求任何的夸张形式。2.以碎点状笔触为主, 起轻快而流畅，结构上厚实而沉稳,奔放而有力地描绘天空和水使其富有轻盈和流动感，絮语潺潺。3.提高色彩的纯度和画面亮度，真实地再现景物在光线和大气中的虚实，外轮廓线和线条在画面上的作用被降低，突出了形体色块。

《印象·日出》是印象派的源头，描绘了勒阿弗尔港口的一个多雾的早晨的景象：海水在晨曦的笼罩下，呈现出橙黄或淡紫色。天空的微红被各种色块所渲染，水的波浪系由厚薄、长短不一的笔触组成的。三只小船在薄涂的色点组成的雾气中显得模糊不清。船上的人或物依稀能够辨别，还能感到船似在摇晃缓进。大船上的吊车因为时间早，没有开工。这一切都显得静谧、不被打破。从观众来看，正是由于天空中雾气的作用，使画面呈现诗的意境。朝阳染红了天空，染红了云彩，染红了水面。莫奈通过对朝阳的强光效果极度渲染天空，连带着朦胧的雾气，又用影的效果倒射水面，很明显看出他对色彩（特别是外光）的观察细致甚微。

从《莫瑞桥》，观众可以感受到很明显的几个色块，这与《印象·日出》的朦胧感形成反差。画面描绘雨后晨曦中的莫瑞桥，空气清新，没有晨雾和阳光的折射，房屋和树木的轮廓清晰可见，湛蓝的天空和粼粼的波光，使画面看上去褪去以往人们脑中固有呆板的乡间景象。色彩极其丰富。可以说西斯莱站的角度非常好，他可以从左下角清楚地看到六座桥洞，以及桥那边重叠的屋顶和居高临下的教堂的尖顶。西斯莱给画中的天空流出了一半的篇幅，用有力的点状笔触，展现天空的轻盈和辽远的视觉感受，又让我感到深邃莫测。画面中虽然没多用光的效果，但在多云天气的光照下，通过对天空、水边芦苇、岸上的石头和草木在水中的倒影效果，真实展现了生活场景。

西斯莱对朋友说，“我总是从天空开始描绘”，“天空并不仅仅是一个背景而已，反之它不仅由它的面（因为天空也像土地一样是有层次的）而呈现深度感，而且由于它的形式，由它的一幅画的效果或构图上所安排的调和而呈现了运动感”。天空对于西斯莱而言，是构图的重要支柱，而并不单纯地作为一个背景。在刻画天空的空气时，西斯莱善于使用精致而丰富的蓝色调子，使天空产生开阔辽远的视觉效果。

两幅画虽然都运用光、影效果展现纯粹的视觉效果，但是所表达的意境完全不同。总的来说，印象派画家(特别是前期的)在美学理念、光色处理、视觉建构和审美情趣等方面处理上富于创意，他们将“光”这个奇妙的效果表现得更加丰富生动，而非之前古典主义单调的酱油色。虽然他们过多考虑画的总体效果，而忽视细枝末节，但那份捕捉大自然瞬间变化的执着和热情依然得到艺术爱好者的认可和我的喜爱。

印象派作品赏析

印象派作品赏析美术鉴赏论文 hpu chang 姓名：学号：学院：专业班级：授课老师：

在后印象派中，最重要的艺术家是梵高。梵高的画是印象派写实主义的反动。印象派客观地看这个世界，而梵高则不在乎正确地描写。不过他的涂色法多少是由印象派演变来的，他喜欢印象派画家所表现的色光效果。他使用厚涂大笔触．让颜色看来如要爆炸似的，或如漩涡般打转。梵谷的作品是激烈的个性反映，不安而神经质，对于表现主义和野兽派都有影响。他在自己的作品中，表现出他自己以及他的生活、内心感受。他的作品，不论是静物《向日葵》、人物自画像《割了耳朵的凡高》、室内画《夜间咖啡馆》，还是风景画《星夜空》，都充满了他对生命的热爱，诉诸了他内心强烈的感情，不仅是他的投影、他的分身，有时候甚至于赤裸裸地说明了他自己。凡高给人们留下的最深刻的印象是什么？是他画的《向日葵》。塞尚曾提出过一个观点：“艺术不是真实的表现客观事物的形貌色彩，而是真实的表现艺术家对客观事物的主观感受。” 那么赏析这幅画之前，我还是查了下梵高的生平经历。在梵高一生中，悲惨、痛苦、混乱和贫困与他如影随形。他从27岁学习绘画，很长时间并没有获得成功，没有人买他的画，甚至没有人欣赏和赞扬他的

画。梵高的艺术道路短暂而辉煌，他27岁学习绘画，37岁去世。在短短的10年中，他从一个默默无闻的人成为一个伟大的、里程碑式的、世界性的画家。然而，梵高生前卖出的作品只有《红色葡萄园》一幅，而且价格非常便宜，仅为当时的四百法郎而已。在梵高死后不久，社会上就开始评定他是一流画家。可惜的是，梵高本人却在还未获得正确评价之前，就自己拉下了人生的帷幕。转折点发生在梵高去世的前一年，即1888年，在这一年的2月，梵高到了法国南方的阿尔，那是一个阳光明媚的地方。梵高一生最重要的艺术作品，都是在生命的最后一年，在阿尔炙烈的阳光下完成的，《向日葵》就是这期间的作品。向日葵就像太阳，那浓烈的黄色调是光和热的象征，是内心翻腾的感情烈火的写照，但同时也似乎寓意着一种苦难，一种深重的苦难。难怪他可以用短暂的笔触把向日葵的黄色画得极其刺眼，每朵花像燃烧的火焰一般，细碎的花瓣和葵叶象火苗一样布满画面，整幅画尤如燃遍画布的火焰。那是有些神经质和悲情色彩的梵高对生命的狂

西方美术鉴赏论文——浅谈印象画派

西方美术鉴赏论文——浅谈印象画派内容摘要：印象画派(Impressionism)是传统绘画向现代绘画的过渡，是传统艺术和现代艺术的分水岭，标志着新艺术的开始。印象派在色彩表现上打破了“固有色”概念，科学客观分析色彩关系，创立了全新的色彩体系。印象派对我国的美术教育产生了极其深远的影响印象派绘画(Impressionism)是西方绘画史上划时代的艺术流派，19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就。19世纪后半叶到20世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制。其代表作品中，马奈的《草地上的午餐》、莫奈的《日出的印象》、凡高的《向日葵》等更是鼎鼎大名。关键词：印象派绘画现代绘画传统绘画内容：

印象主义是19世纪后期产生于法国的一种艺术思潮和流派。印象派画家在艺术特色上从构图、造型、色彩、笔触以及主观精神的表现上都和之前的古典主义的艺术特色有着明显的区别。他们重写生，重实践，并走出画室，描绘外光和大自然的瞬息变化，用奔放的笔触和没有调和的颜色在画布上直接糅合，形成冷暖色调强烈的新画风。印象派绘画以莫奈的《日出的印象》最初被人讥笑而得名，却在短短的一二十年中跃然成为一场世人瞩目的艺术运动。在1874年巴黎的第一届印象派画展，被认为是印象派绘画团体诞生的标志。该画展向世人宣告，这是一群画家们不懈努力所展示的作品，他们的作品摆脱了由世俗等级制度和固步自封的艺术团体强加于其上的传统桎梏的束缚，同美术史上的任何一场运动相比，印象主义及其关联的画家具有更为神秘的特性，他们起初为公众所不理解，被评论家责难，大多数作品被社会拒绝。可是，他们不气馁，并矢志不渝地朝向自己认定的目标前行。他们并不知道，正是他们开创了西方绘画史的新纪元，也正是以他们的画展为起点，“印象派”从法国开始影响整个欧洲，成为西方现代绘画的起点。一、印象派的构图印象派画家几乎都强调那种偶然一瞥，力求从一种全新的角度去审视对象，例如从晚会包厢里俯视舞台，从某一个角落侧视大厅，从头顶上仰视一群舞女，都是以前传统绘画里没有的。传统艺术主要关注神话、战争和历史题材，讲究构图的舞台戏剧化效果，场面宏大富有文学性。而印象派的构图突破旧的固有模式，多作架上小品，并根

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一．文艺复兴：艺术流派，卓越贡献，哪些艺术家，作品及风格文艺复兴是指14—16世纪西欧和中欧国家在文化思想发展中的一个时期，原意是在古典规范的影响下艺术和文艺的复兴，其变化的思想是关怀人、尊重人、以人为本的世界观，首先发生在意大利。主要艺术流派，艺术家，作品：开端：13-14世纪，有佛罗伦萨画派和锡耶纳画派。佛罗伦萨画派的创始人是意大利文艺复兴伟大先驱之一，确立了绘画的现实主义原则的乔托《哀悼基督》，锡耶纳画派创始人杜乔。锡耶纳画派注重抒情，人物形像秀丽多姿，用色精细，奠定了锡耶纳画派的特事抒情皆佳，是由中世纪绘画传统过渡到文艺复兴新美术的成功之作。继起者是S.马丁尼，代表作《受胎告知》刻画圣母和天使的形像很有特色；天使前趋报讯，圣母惊骇后仰，动势强烈，线条优美，犹未脱中世纪传统，金色背景和华丽的衣衫色调交相辉映，但在迈向现实主义方面则不如同时的佛罗伦萨画派激进。早期：15世纪，画派有佛罗伦萨和翁布里亚画派、帕都亚画派佛罗伦萨代表有早期文艺复兴时期的三杰鼎盛期是15世纪至16世纪30年代；16世纪末由于佛罗伦萨在政治上失去独立，经济衰败，以意大利文艺复兴时期，在经济和文化中心的佛罗伦萨形成的一个重要的、成就最大的画派。及画家们对前辈大师盲目崇拜等原因，逐渐走向强调个人癖好，生硬模仿前人技法的风格主义。最终，样式主义的流行宣布了佛罗伦萨画派的结束。佛罗伦萨画派主要以宗教神话故事为题材，画家们遵循人文主义原则，用世俗化手法描绘至高无上的抽象的神，将神画成生活中

的人的形象，并加以理想化，开一代人物画新风。作品表现的是神话故事和宗教人物，实际上反映的是人的思想、感情和力量。佛罗伦萨画派以油画和湿壁画成就较大，后者主要服务于教会、宫廷和资产阶级上层人物，在形式和内容上都有别于欧洲中世纪绘画。建筑师布鲁内莱撕基《天堂之门》，雕塑家多纳太罗，画家马萨乔〈出乐园〉, 波提切利是15世纪佛罗伦萨画派最后一位大师〈维纳斯的诞生〉、《春》翁布里亚画派代表:佛朗切斯卡《基督受洗》帕都亚画派代表:曼坦尼亚《哀悼基督》盛期：15-16世纪上半叶就是众所周知的文艺复兴三杰:达·分奇代表作:《岩间圣母》《最后的晚餐》《蒙娜丽莎》;拉斐尔代表作：《西斯廷圣母》《雅典学院》;米开朗其罗代表作：《创世纪》《创造亚当》《先知耶利米》. 晚期：15-16世纪威尼斯画派的艺术家为文艺复兴演奏一段豪华的终曲，创始人乔万尼. 贝利尼，代表作《湖中圣母》，其学生乔尔乔内代表作《三个哲学家》《田园合奏》《沉睡的维纳斯》，提香在色彩方面就很大，代表《乌尔宾诺的维纳斯》、《天上与人间的爱》，此外还有柯罗乔《丽达与天鹅》，委罗内塞《利未家宴》，丁托列托《圣马可的奇迹》二．18世纪法国的主要艺术流派及代表人物 18世纪法国主要存在两种艺术形式：体现封建贵族享乐主义的洛可可艺术和反映新兴资产阶级和中产平民理想的市民艺术。 18世纪洛可可风格的着名代表是华托（Watteau），他的画面在描绘优雅和梦境般气氛的同时带有淡淡的哀愁，代表作《舟发西苔岛》、《小丑》。其他着名的画家还有布歇（Boucher），善于使用明亮的色彩，尤其是玫瑰红和天蓝，笔下形象姿态大胆近乎色情，代表作《沐浴的

论文设计印象派绘画

浅谈印象派绘画容摘要：本文章主要从印象派产生的原因、定义、绘画笔法技巧、绘画色彩、与现实主义的区别以及印象派的贡献和局限性等方面来进行阐述。关键词：印象派、思想自由、视觉感受、笔法、画布、白色底子一、印象派产生的原因 19世纪的法国，现实主义与反现实主义的艺术流派始终是在激烈的斗争着。官方的学院派墨守成规，思想保守，他们把持的沙龙，拒绝一些年轻有为的画家参加展览会。1863年，有4000多件作品被沙龙拒之门外不准展出，结果引起了社会的不满。拿破仑第三为了稳定舆论，亲自出面过问这件事，并决定从5月15日起举办一个落选沙龙，在这个沙龙上展出被官方沙龙选掉的作品。这一件事实际上就成为印象派产生的先声。印象派的产生不是偶然的，他首先和法国的社会有密切的关系。在第二帝国时期，很多知识分子思想苦闷，他们不满当时社会的现状，却又看不到光明的出路；他们追求自由，但又觉得前途渺茫，于是只有在象牙塔中探求艺术的形式，这也就决定了他们艺术思想的局限性。二：印象派的定义

从历史上看，印象派画家指的是1865到1890年左右在法国的一些交往密切、并一起作画的画家。从70年代初至80年代的10年间——更准确的说，从1874年到1882年这些画家在一起创作、一起展出作品、彼此保持密切的联系，这一段时期是印象派运动的全盛时期。莫奈、雷诺阿、西斯莱和毕沙罗是印象派的创始人和重要成员。从技术上看，可以找到一个具体而又精确的定义。作为初步的定义，即印象派要求画家尽可能的直接接触所画的题材；对所画的题材，画家必须亲眼看到——不是凭想象、记忆或虚构——而且必须看成一个整体，不能省略任何细节，也不能在画室里进行创作。从这里可以看出，印象派的题材就是艺术家本人实际生活的世界——也就是他所熟悉的场面、人物和风景。这些场面给予他的直接视觉感受应该尽量原封不动的搬到画面上来。尤其是色彩，更要细致的观察而且要认识到阴影本身是有颜色的，而不仅仅是比物体局部颜色稍暗一些的色调。所以一片绿色树叶的阴影可能是浅蓝色的，但其中也可能有一些变化。这些色彩的变化必须完全来自印象派画家的亲身观察，而不允许掺杂任何先入为主的主观臆测。三：绘画的笔法技巧印象派对色彩变化进行耐心细致的观察，有时甚至达到入微的程度，它要求画家用色时采用细小的不透明的笔触，而不是画一大片颜色或采用薄薄的平涂。这些笔触要求尽可能的在调色板上不加任何调色油调出来（因为这种笔触并不要求颜料具有流动性）并直接画到画布上去。其他的笔触逐渐往上加，有些是

洛特小屋的天空——康斯泰布尔的风景画

大众文艺大 50摘要：康斯泰布尔是英国最为重要的风景画大师之一，他对英格兰乡村田园风光诗一样的精彩描绘，使得读者对英格兰的风景以及风景画都有了更深的理解。康氏在风景画上的价值表现在多个方面：对自然的观察、色彩的研究、气象知识在绘画中的运用等，在画史上均有着经久不衰的存在意义。关键词：康斯泰布尔；风景画；色彩；天空风景画是西方绘画中的重要组成部分。自西画传入中国以来，国人便对西画中的风景产生了浓厚兴趣，并习惯从中发现其与中国画山水存在的技法以及审美趣味上的异同。笔者以为，要想深入理解西方绘画中的风景，离不开对英国风景画的关注，而关注英国的风景画则必须关注透纳与康斯坦布尔。本文主要论及的则是康斯坦布尔的风景画。关于英国的风景画，我们不妨将关注的视觉上溯至透纳与康斯坦布尔出生前的半个世纪。那时有关风景画的关键词一为“英国式中国风景花园”，二为以描绘此类花园风景著称的克劳德?洛兰（Claude Lorrain）与加斯帕尔?普桑（Gaspard Poussin）。大约1720年以后，英国古典主义艺术的领袖柏林顿勋爵受花园风景的设计者、建筑家、画家威廉?肯特（William Kent）的启发，认为中国与罗马共和国的园林能充分体现人与自然合而为一的美学思想，进而他们以此模式来设计花园。此类“英国式中国风景花园”中的小桥流水、凹凸有致的岬角屿峡无不流淌着自然的气息，与凡尔赛几何形花园形成鲜明对比。时人认为，凡尔赛花园是将自然套装在直挺外衣内的风景，犹如法式残暴的专制体制，而“英国式中国风景花园”则有助于体现英国式的自由，由此原本英中式花园的美学价值被赋予了政治学的象征意义。一时间，在英国形成了“英国式中国风景花园”运动，与之相应的则是涌现了一批以风景画名世的画家。比起上述的洛兰与普桑，透纳与康斯泰布尔属于后辈，然其贡献却超越了前人，对后人更有着重要的启迪意义，甚至成为印象派绘画的先导。在西方绘画史中，约翰?康斯泰布尔（John Constable，1776—1837）无疑是一位不容忽视的伟大画家。作为英国风景画的集大成者，他与同胞约瑟夫?马洛德?威廉?透纳（Joseph Mallord William Turner，1775—1851），共同铸就了英国风景画在欧洲绘画史上的不朽地位。然二人尽管年龄相当，且均为才华横溢的画家，却因艺术风格以及个人性格上的差异，并无过多的艺术人生上的交集。他们之间向来就没有什么深厚的友情，这或许是我们这些画史外的旁观者较为遗憾的事。透纳是伦敦大菜市处女巷中一位理发师的儿子，可谓出身贫寒，却年少成名，成为英国皇家美术学院的院士时年仅27岁，32岁时便拥有了透视学教授的头衔。相比于透纳，康斯泰布尔的出身并不显得有何显赫，他的父亲是萨福克一个的磨坊主。与透纳终身未婚、游历遍布欧洲不同，康斯泰布尔的一生几乎都没有离开过家乡萨福克的乡村，这一点他承袭了他父亲戈尔丁?康斯泰布尔的性情，老康斯泰布尔偶尔去趟伦敦都要大发一堆诸如“是一种负担，空气也很坏”[1]的感慨。可以说，正是颇具地域风格的宁静优美的英国乡间风景成就了康斯泰布尔的性格与绘画。不同于透纳的年少成名，我们所知道的康斯泰布尔的成名作——如《魏文侯庄园，埃塞克斯》（1816）、《白马》（1819）、《干草车》（1821）、《从主教花园看见的索尔兹伯里大教堂》（1823）、《伯明翰海岸的风景》（1828）等，大多为其四十岁以后的作品。透纳与康斯泰布尔在英国风景画史上虽然均在技法的革新方面举足轻重，比如说他们对色彩和光的理解不仅是划时代的，还对后来席卷欧洲的印象派产生了巨大影响，但就艺术的个性差异来讲，透纳的风景画主要基于水彩，而康斯泰布尔则少有水彩的创作，其主要精力表现为一系列油画风景。再者，透纳的风景画题材广泛（这或许是他的优点），但对后世的读者来说，人们更愿意见到康斯泰布尔钟情于英格兰田园风光的绘画，康氏笔下的英格兰风光总使我们感到他的绘画创作犹如一名苏格兰花园的园丁在修剪自己视为生命的花花草草。正如苏格兰风笛加深了我们对苏格兰高地的感性认识，康斯泰布尔的风景画使得我们对英格兰乡村的迷人风光同样多了几分神往和想象。康斯泰布尔对英格兰乡村的热爱和迷恋几乎是与生俱来的，当他还是儿童的时候便在帮父亲升挂风车机翼的过程中学会了观察气象和天空。老康斯泰布尔的风车几乎布满整个斯托尔河谷，这些风车在康氏的风景中早已成为永恒的意象和母题。在《斯托尔河谷驳船》中，我们看到，一条满载粮食的小船正从他父亲的磨房里被沿河拉出；在《谷地》中作者则描绘了那条自己小时候每天上学所走的小路。可以想象，这些景物康氏再熟悉不过的了，也最容易激起他心灵深处对这些物象无尽的深情。不过，对我们读者而言，康氏对自己深爱的乡村最充满诗意的描绘莫过于《干草车》。《干草车》描绘的是康氏好友洛克住所周围的景色，在康氏众多的风景画中，该画面中出现的吉本农庄上的威利?洛特小屋为时常出现的艺术形象之一。洛特象康斯泰布尔一样迷恋于宁静优美的田园风光，他一生中的80多年均在此度过，其外出的时间甚至没有超过四天。《干草车》原名《正午时光》，这是关于“清水与正午”的风景绘画，康氏对自己所熟知的乡村生活长期的冷静观察和清新感受使得该画成为一首经久不衰的英格兰田园诗，故而该画为康氏赢得了1824年巴黎美展的金奖，可谓实至名归。画面中，一辆牛车正在清澈的小溪中涉水前行，前方可见树丛掩映下洛特小屋以及透过树梢落在草地上的正午阳光。一切是那么的安详，那么宁静，完全沉浸在属于自己的秩序中，即便是一条好奇的狗的叫声也恍若天籁。该作品具有强烈的自然主义特点，是康氏强调现实写生以及捕捉自然界瞬间现象的结果。该画与其他风景一样，天空、光线、色彩演绎成了一种关于风景画的新面貌，尤其是对于前辈风景画家洛兰与普桑来说更是如此。可以说，康氏的风景画更能体现上述“英国式中国风景花园”原初的设计理念。对于绘画本身，总有数不尽的关于技法和观念的争吵，但看了康氏的风景画，“在某种意义上，经验超越现状，引向追忆”，[2]一切以画面本身来说话，而没有丝毫的说教。画这幅作品时，康斯泰布尔是在自己父亲弗莱特福的磨房前的小防波堤上取的景，画家的目光透过画面中的牛车，正好可以看到溪流对岸的小屋，通过这个角度康氏巧妙地将小屋、天空与草地融为一体。与康氏其他的风景画一样，该画中的天空占据很大空间，且描绘得尤为精彩。康氏之所以能将具有自然主义风格的风景描绘推向一个新高度，与其对天空的深刻体验与技法创新密不可分。事实上，很早的时候康氏便对当时兴起的空气效应尤为关心。他相信对天空的描绘应该是风景画的关键，故而他时常去“画天”，画天空中的光线，画天空上变幻无穷的云，他甚至在写生素材的背后注上日期以及云的类型。他曾说：“风景画家如果不把天空当做他作品中一个物质部分，就是忽略了他自己的一个最伟大的助手……天空是自然光之源，统治万物。”[3]由此我们不难理解为何康氏的风景画中总是离不开精妙的带有气象学性质的云彩了。正是康斯泰布尔带有自然主义色彩的风景创作使得英国的传统油画从棕褐色的调子中苏醒过来，从而在阳光、空气与水的世界里恢复了勃勃生机。他对当时流行的色彩观念从不保留自己的看法。他主张户外写生，强调色彩在画面中的神奇魅力。有一次，康氏拜访博蒙特爵士，一位颇具影响力的艺术赞助人与画家。当博蒙特指出自己正试着与普桑的着色媲美时，康氏认为普桑的着色由于收藏时间的原因已非原先的摸样；而当博蒙特指出风景画的主色调应该是小提琴的颜色（当时英国画坛一贯的观点）时，康氏干脆将一把小提琴当场放在户外的草地上，以此表明自然中的颜色与其相去甚远。有人认为，康氏对暖色调的偏爱缘于深色凸镜，也即“克劳德玻璃”——这是画家们用来取景的辅助工具，通过它，自然中的景物犹如通过照相机的取景器一样跨度被缩小，但某种意义上则强化了风景中的细节与空气效果。洛特小屋的天空 ——康斯泰布尔的风景画郑超 (淮阴师范学院美术学院江苏淮安 223001) 理论研究?美术

美术油画印象派论文

风景油画创作心得油画是欧洲人进行艺术创造的产物。欧洲油画的创造和发展，同其他艺术一样也是在人类艺术创造的过程和规律之中逐步探讨的，经历了由简到繁，由低到高的过程。油画的发展可以说是贯穿了西方多国的历史与文化，对其他是艺术领域也产生了长远的影响，正如同艺术是上次建筑，经济是基础，在油画的发展中，总会留下时代的烙印。不同时期的油画受着时代的艺术思想支配和技法的制约，呈现出不同的面貌。风景油画在漫长的发展过程中，形成了独特的风格和审美情趣以及一套完整的理论体系。它充分体现了古希腊及罗马的巨大艺术成就，这种艺术的审美价值是人类发展的宝贵遗产。早期的西方绘画并没有风景油画这一独立的门类，它通常只是在一些人物画中以背景或陪衬的形式出现。直至文艺复兴以后的16世纪，风景油画才作为独立的绘画体裁出现于欧洲画坛，并得到极大发展。德国画家丢勒的水彩画和阿尔特多费尔的油画中，出现地方志性风景画。风景油画成熟于17世纪的荷兰。J.van雷斯达尔、J.维采尔、M.霍贝玛都对风景画的发展有较大贡献。与此同时，又产生了海景画、夜景画、街景画主要分科。意大利又有牧歌式的理想风景画，法国有古代神话人物点景的英雄风景画等。18世纪的英国画家J.康斯特布尔对油画的改革使风景画取得决定性发展。其直接描写自然的写生态度，深刻影响到法国印象主义画家。19世纪的画家还注意表现高山、大海、晚秋、晨雾等前人未描绘过的自然风景。其中以C.柯罗、J.-F.米莱为首的法国巴比松画派为代表，开始采取自然主义的态度表现风景。19世纪后期，印象主义画家以明暗和色彩的微妙协调使风景画成为绘画

中的重要门类。至此我们可以发现，独立的风景画虽然在16世纪以后才兴起，但发展飞速，并且已经成为了绘画中的重要组成部分。在众多画派中，对我影响最大的是印象派。19世纪的欧洲画坛被古典主义统治着，就在这个时候，在法国另一种和古典主义绘画思想完全不同的画派悄然兴起，他们打破了百年的习惯，给艺术界而且给当时巴黎普通的民众带来了巨大的冲击，并遭受到来自社会的全盘否定，这个使欧洲画坛发生翻天覆地的改变的画派就是——印象派，也叫印象主义。当时因克劳德?莫奈的油画《日出?印象》受到一位记者嘲讽而得名。印象派油画的主要绘画特点是注重在绘画中对外光的研究和表现。印象主义画家提倡户外写生，直接描绘在阳光下的物象，从而摒弃了从16世纪以来变化甚微的褐色调子，并根据画家自己眼睛的观察和直接感受，表现微妙的色彩变化。印象派是19世纪后半期诞生于法国的绘画流派,其代表人物有莫奈、马奈、毕沙罗、雷诺阿、西斯莱、德加、莫里索、巴齐约以及塞尚等。他们继承了法国现实主义前辈画家库尔贝“让艺术面向当代生活”的传统,使自己的创作进一步摆脱了对历史、神话、宗教等题材的依赖,摆脱了讲述故事的传统绘画程式约束,艺术家们走出画室,深入原野和乡村、街头,把对自然清新生动的感观放到了首位,认真观察沐浴在光线中的自然景色,寻求并把握色彩的冷暖变化和相互作用,以看似随意实则准确地抓住对象的迅捷手法,把变幻不居的光色效果记录在画布上,留下瞬间的永恒图像。这种取自于直接外光写生的方式和捕捉到的种种生动印象以及其所呈现的种种风格,不能不说是印象派绘画的创举和对绘画的革命。印象派是西方绘画史上的一次伟大的革命，它的成就也是人类文明史上最辉煌的成就之一。印象派画家可以说是对传统的反叛，反叛其实也是

一个人的流派德彪西印象派音乐欣赏教案

音画融溶绘声绘色一个人的流派-----德彪西印象派音乐欣赏（选自人音社《音乐鉴赏》第11单元第21节）设计意图：音乐与美术都是借助于情感对学生进行美、德教育的艺术门类。它们教育的共同点是在一定的艺术氛围感染下，调动学生积极向上的情感，创设他们健康、丰富的精神审美世界，感受“真、善、美”的艺术真谛。《高中音乐课程标准》指出：以审美为核心的教育基本理念，应贯穿于音乐教学的全过程。通过激发学生学习音乐的兴趣，运用体验、感受、参与、探究、对比、讨论等学习方式，让他们了解世界优秀音乐作品和多元文化，培养良好的审美能力。本课旨在通过创设一定的教学情境、让学生从音乐中想像画面、从绘画中体会音乐，通过对欧洲印象派几个绘画与音乐作品的介绍、鉴赏和比较，培养学生对美的鉴赏力和分辨力，充分发挥学生的想像力和创造力，使他们体验画中有乐，乐中有画的美好意境。教学内容：印象主义绘画，印象主义音乐代表人物德彪西极其《大海》、《月光》、《亚麻色头发的少女》等音乐作品欣赏。教学目的： 1、通过欣赏印象派代表性音乐作品《大海》、《月光》《亚麻色头发的少女》，引导学生初步感受、体验印象派的风格特点。 2、通过学习、鉴赏，知道印象主义音乐的特点和作曲家德彪西。

3、了解、探索印象主义音乐作品和美术作品的关系。教学重点：通过印象派绘画的导入，使学生了解印象派音乐的特点，欣赏德彪西主要印象派作品《大海》之一《海上-从黎明到中午》，感受、体验其受特有的表现手法及作品风格，从而对印象主义音乐加深认识。教学难点：结合印象派绘画作品，了解印象主义音乐的特点，创作手法，音乐抽象中的具体，具体中的抽象。从德彪西的作品中感受音乐的飘逸、模糊，色彩的变幻等独特的美学思想。教具：电脑、多媒体课件、电视倍投、组合音响。教学时数：1课时（高一年级）教学过程： ◆课前：（创设轻松愉快、印象派特点的音乐环境，暗示课题。）课前屏幕展示本课标题“音画融溶绘声绘色”，并同时播放钢琴曲《亚麻色头发的少女》音乐。（学生在音乐声中进音乐教室坐下，课前发一张白纸）一、引入课题：（从学生已有的学习经验出发，激发学生的学习兴趣和求知欲。） 1、从屏幕上看到了，今天的音乐课和什么有关？绘画或美术。 2、老师概括：二、导入新课：（初步感受多种音乐风格，调动学生多感官的参与和体验，为后面印象派音乐欣赏做铺垫。）音乐常常会使人产生联想，使人产生脑中有画面或色彩的的感觉，优秀的绘画作品也能给人以美的享受，从画面的色彩、线条、构图中感受到音乐的韵律和节奏。色彩、线条、图形都是构成美术作品的基本元素。比

印象派美术鉴赏论文

摘要：本文是通过对梵高与高更的绘画风格及变现手法与绘画中表现的思想对印象派绘画进行赏析。梵高与高更虽同为印象派作家，但他们的绘画技巧与表现手法极为不同，表现的感情也相去甚远，这体现出了印象派绘画的强烈的个人感情与现实结合后形成的绘画方法的不同。正因为这种不同才使得印象派绘画具有更加宽广的发展空间与多样的发展方向。但他们在不同又有相似之处，那就是印象派绘画的统一之处——表现整体轮廓，忽略细节。关键词：印象主义绘画把握轮廓色彩对比美术富于美感，在生活中几乎处处可见。我们学校的建筑与艺术设计学院就属于美术设计中的一种，每当5、6月份，建筑与艺术设计学院都会在教学楼中展示他们的艺术作品，看着他们那些优美的作品，体味着其中的优美的意境，我们都会不禁沉浸在艺术美之中。美术是一门瑰丽绚丽的艺术，通过学习，我知道了它有许多分类，例如：绘画、雕塑、艺术设计、建筑、工艺艺术、摄影艺术、园林艺术、汉字艺术、民间艺术等等。当了解了这些时我才知道美术艺术的殿堂是多么的浩大，是多么的博广。在美术作品中我最先接触到的是印象派的作品，印象派的印象派作品也留给了我很深的印象。印象派绘画具有宣明的特征，印象派绘画也称为印象主义，是西方绘画史上划时代的艺术流派，是十六世纪六十到九十年代兴起于法国的画派。印象派画家作画时不依据可靠的知识，只以瞬间的印象作画。作家在

作画时往往只抓住一个具有特点的侧面去作画，只考虑画的总体的效果，较少的考虑细节的表现。正因为印象派作品不考虑细节，当当时的学院派画家看到印象派著名画家莫奈的《日出.印象》的时候认为其很粗糙，过于随便，而被嘲笑为不懂绘画，被批评为“印象主义”，但印象派及印象主义也正是由此而来，带来了印象派的兴起。印象派画家人才辈出，因为印象派作画特点由作家本身思想及理解而定，可变性较大，印象派由此而呈现百花争鸣的状态。自莫奈之后，印象派涌现出大量优秀的作家，著名的有杜尔·马奈、爱德嘉·德加、奥古斯特·雷诺阿、卡米耶·毕沙罗、西斯莱、西涅克、塞尚、高更、凡·高等。对于印象派的画家，我最先了解的是梵高。他是荷兰的后印象派画家，是表现主义的先驱，并深深地影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。梵高是一位伟大的画家，但同时又是一位充满悲剧的画家。梵高作画时常采用点彩画法，画面色彩强烈，色调明亮，但其作品中却体现出与其色彩不相符的情感特征，包含着深刻的悲剧意识，强烈的个性和形式上的独特追求，一切形式都在吉列的精神支配下跳跃和扭动，表现出了梵高内心精神世界的扭曲，强烈的压抑等深刻的情感。正如在梵高的作品《向日葵》中，画面上那种仿佛从作者内心流淌出的金黄色渲染，单纯的陶罐花瓶，粗糙的台布，层层叠叠的阳光交织成的背景，在台布上泛动着光晕；充满朝气的九朵向日葵正值盛开时节，花盘未尽显露出来，甚至带着娇嫩的绿色，而另外的几朵向日葵则是苍老的、成熟甚至是行将颓败的，花瓣残缺不齐，枝桠僵硬并扭曲倾斜。这仿佛在

美术鉴赏

所谓西方现代派美术，是指西方国家从二十世纪初发展起来的现代美术中某些流派--野兽派，立体派，未来派，达达派，表现派，超现实主义，抽象主义，波普艺术的统称。“现代派”一词是和某种新的，非传统的，区别于过去的艺术思想联系在一起的；现代派美术既不同于以往的传统美术，也不包括现代的各种现实主义流派，它与现代的西方美术更不是同一概念，它在其中只占一席之地。现代派美术的出现有其政治的，经济的，文化的，哲学的历史渊源，是与现代西方社会的进程紧密相连的。新技术革命，社会结构以及人的思想，意识价值观念，人与人之间的关系等等的改变，摄影技术的日益成熟，以日本版画为代表的东方艺术和非洲艺术的传入，康德，黑格尔，叔本华，尼采等人的哲学思想和弗洛伊德心理学的影响以及西方现实社会的种种矛盾和弊端，都促进了现代派美术的形成。从整个欧洲美术历程来看，现代派美术思潮是从印象派前后这个时期开始的。确切的说，起源与法国后印象主义画家塞尚，高更和荷兰画家凡高。 1905年，以马蒂斯为首，弗拉曼克等人为骨干力量的野兽派在巴黎诞生。他们从塞尚的作品中得到启发，在艺术形式深受高更和凡高的影响，用强烈的色彩，奔放粗野的线条，扭曲夸张的形体，来表现对客观世界的主观感受。与此同时，德国表现主义应运而生，他们否定现实世界的客观性同样一味追求艺术家本人的主观感受，但是他们并不注重于纯形式的探索，而是把绘画语言视为反抗社会西安市，宣泄不满的手段。两年之后，以毕加索，布拉克为首的立体派在巴黎出现。它先把一切物象加以破坏和肢解，把自然形体分解为各种几何切面，然后加以主观的组合，甚至发展到把同一物体的几个不同方面组合在同一画面上，借以表达四维空间。自立体派之后，欧洲本土上各种新理论新观念纷纷涌入，于是，未来派在1909年以前卫的姿态与意大利出现。他们排斥过去作为绘画手段的情调和预期的趣味，称颂有独创性的形式，在主题上也否定老一套的东西，认为重要的应是描绘现代的都市生活，诸如钢铁，速度，剧烈的运动等等。未来派之后，意大利有出现了形而上画派。在形而上绘画中，钟表的指针和塔上的小旗都呈凝滞状态，一切都是静止的，笼罩着神秘的沉默，其目的就是要把事物从日常的伦理中分离开。形而上绘画具有超现实主义的成分。第一次世界大战给欧洲各国留下了极为惨痛的创伤。一批青年艺术家出于对社会的强烈不满，发表了《达达派宣言》。达达派由于对人类原有的一切感到厌恶，所以要否定一切，破坏一切。在艺术上，企图摆脱一切古代传统文化艺术，否定一切传统艺术的造型观念和造型规律，一怪诞荒谬的形象表现令人难以理解的事物。 1924年，有法国医生兼诗人，原达达派骨干分子布雷东出面组织成立了超现实主义派。他们依靠所谓自动记述法，利用图画象征，造型隐喻，改变环境等手法，表现荒谬，混乱的感觉和形象，构造了许多变形，幻想，魔术般的奇异世界。 1901年前后，经过多年侨居德国的俄国画家康定斯基，荷兰画家蒙德里安等人的数年摸索，抽象主义终于形成。艺术家摆脱造型艺术再现视觉感受的传统，把点，线，面视作自主的表现力愿素，使之变成有象征意义的符号，从而把艺术家的情感传达给观众。二战后，美国动作画派的创始人波洛克开始转向抽象表现主义。他不用笔画，而是在画布上乱撒颜料；画面上没有任何具体形象和生活内容，只有斑点状的东西扩散开去，从而超越了有框绘画的狭小范围，是画面具有一种无限空间的感觉。进入六十年代，抽象表现主义更加趋于形式化，于是有的艺术家反其道而行只，从“极端抽象”转入“非常具体”——转向生活中实物。着就是始于英国尔后风靡美国的波普艺术（也称流行艺术）。确实有相当数量的作品画面模糊，变形，甚至荒诞离奇，令人不可思议，表现了部分流派的唯心主义艺术趣味和颓废思想；但更多现代派艺术家通过创作体现他们的叛逆性格，强调自身的价值，表现艺术家的主观心灵，也创造了不少值得我们借鉴的艺术表现方法和新材料。后印象主义POST-IMPRESSIONISM（1890-1900）：也称“印象派之后”或“后期印象派”，是法国美术史上继印象主义之后的美术现象。后印象主义一词是英国人和美国人用来描述文森特·梵高、高更和保罗·塞尚等为代表的一群画家以及画风的。该词由英国艺术评论家并曾任纽约大都会博物馆馆长福莱（Roger Fry，1866－1934）提出的。他想对保罗·塞尚立论，就需要一个新术语。几十年来，法国人并没有将这三个人

经典美术作品赏析期末论文

中西方绘画作品中的美美术鉴赏主要是通过对美术作品的感受、认识、挖掘作品的内涵，来完善自己的品格,树立正确的人生观和科学的世界观并且开发智力、潜能，提高艺术修养和陶冶思想情操。从中西方经典绘画作品中，我们能对美有不同的感受。首先谈一下西方绘画中的经典的作品：以"光为画面主角"的印象派最伟大的大师莫奈曾经画过二幅《撑阳伞的女人》，一幅作于1875年，一幅画于1886年。印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。这幅画采用仰视的角度来表现画面的人物，女人半侧着身子，衣褶因为她的转动也在旋转，动态的呈现着这一微妙的动作，而平衡女子动作的是她手持的阳伞。阳伞的灰绿色调与天空融合在一起，把人物既与画面结合又跳出背景澄明的天空。画面中的远处的小男孩儿又拉深了画面的层次感，不仅突出了撑阳伞的女人也把远处的天空显得更加高远。在印象派中"光才是画面真正的主角"。在这幅画中，为了表现物体的动态变化和光色的斑斓绚丽、光怪陆离，画家采用小笔触和色调并列方法，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。所以印象派的胜利在于它不仅仅是开拓了一条奇路使人们耳目一新更在于它可以把画家自身的感受记录下来传递给他人。这种心灵上的震撼是其他流派所无法比拟的。蒙娜丽莎，自问世至今，将近五百年，后人不知做过多少品评和揣测，留下越来越多的迷局。当今，世上有研究《蒙娜丽莎》的专著数百部，而有近百名学者将此画作为终身课题。人们过分地喜爱她无止境地探讨她那难以觉察的、转瞬即逝然而亘古不变的微笑，那洞察一切而又包容一切的眼神，那端庄沉稳的姿态，高贵而朴素的装束，以及无懈可击的完美构图。人们惊叹列奥纳多，上帝一样的智慧，采集那么多美的元素，将众多美好合为一个完美。于是，美、智慧、永恒，三位一体，极致的搭配，再无超越的可能。人们

美术：外国美术鉴赏第7课从传统走向现代——印象派与后印象派

第七课从传统走向现代——印象派与后印象派教学目标：通过本堂课的学习，学生了解印象主义、印象主义的代表画家。学会如何来欣赏现代绘画。教学重点： l、色彩和光学的关系。2、莫奈、凡高教学难点：如何用心来欣赏绘画。教具准备：课件教学过程：一、引入新课：同学们是否还记得我们以前讲过的现实主义艺术的风格特点？二、新课讲授课题——印象主义绘画现在请预习过的同学来给介绍一下：什么是印象主义？印象主义的由来？印象主义这个名称是由法国画家莫奈的一幅风景画《印象·日出》得来的。印象主义画家以阳光和色彩为主角，借助光与色的变幻来表现作者从一个飞逝的瞬间所捕捉到的印象。请学生介绍莫奈和他的作品《印象·日出》。教师出示一张白纸，问：这是什么颜色？白色！打上红色的灯光后，问：现在是什么颜色的？红色的。打上蓝色的灯光后，问：现在是什么颜色的？蓝色的。大家从这个实验中，得出什么结论：在不同的光线下，物体会展现不同的颜色。请同学回忆，曾经学过的形容阳光色彩的词句。我们来看莫奈笔下的阳光的颜色。请看系列作品《卢昂大教堂》。辨别这三张画，大家可以讨论，它们分别是什么时间画的？黎明、中午、黄昏。印象主义绘画的代表者，除了莫奈还有谁？看马奈的代表作：《草地上的午餐》、《酒吧侍女》、《吹笛的男孩》。组织学生讨论，请同学简单的来总结马奈的艺术风格。马奈：十分善于使用黑色的。使整个画面的色彩响亮醒目而又各得其所。现在我们来看这些画，你能否分辨出莫奈的和马奈的作品。不同的颜色经过色点的组合，就形成了新的色彩，那刚才大家用的绘画的方法就是——点彩画法。看点彩大师修拉的作品《大碗岛的星期日下午》。分析：新印象主义：尝试用原色色点配置，使画面产生视觉混合的色彩效果，运用这种准确分布的各种色点来客观理性地、冷静地组成画面艺术形象。因他们用这种科学的、严格化的色彩和笔触，代替了印象主义画家的那种富有感情的色彩和生动潇洒的笔触，所以人们又称它为“科学的印象主义”。引导讨论：大家认为这种绘画方法好吗？这种绘画风格把印象主义对光与色的追求推向了一个极端，还有一批画家在寻求另外的一种对光和色的表现方法——后印象主义。学生介绍后印象主义：指那些曾经追随印象主义，后来又极力反对印象主义的束缚，从而形成独特艺术风格的画家。后印象主义者不喜欢印象主义画家所采取的过于客观的科学态度。他们主张，艺术形象要有别于客观物象，同时饱含着艺术家的主观感受。后印象主义的代表画家：高更、塞尚、凡高。大家看看这是谁的画？很多同学非常熟悉凡高的作品，为什么？对，他的画曾经是世界的最高价。一说起凡高我们就想到向日葵，凡高在自己在一生中画过11幅《向日葵》，它体现了凡高的什么样的性格？凡高为什么要反复画向日葵？通过课件了解：凡高于1888年2月来到法国南部的阿尔，在那里他深深地为南方璀璨的阳光而激动。他在给埃米尔·伯纳的信中表达了他的狂喜，他说，那里的河是翠绿的，落日象熔金的炼炉，太阳是金黄色的，“在我眼里，此地的乡间，气氛宁静，色彩绚丽，……与人们在日本版画中见到的景象一模一样。他强烈地爱上了遍地生长的金色向日葵。画中，那一朵朵葵花在阳光下怒放，正如凡高自己所说“这是爱的最强光！” 《向日葵》表现出了画家什么样的情绪？对生命的热爱！

浅析印象派绘画的光与色

云南艺术学院本科毕业论文开题报告题目：浅析印象派绘画的光与色学院：美术学院专业：油画指导教师：报告人：学号： 201202044088 时间： 2015年12月23日

浅析印象派绘画的光与色论题论题的依据: 1.说明本论题研究的理论意义和现实意义 2.综述国内外有关本论题的研究动态和自己的见解 1.本论题研究的理论意义：对于印象派绘画的光与色的分析和研究是对于古典文化继承和发展的一种表现，具有重要的学术价值，对后世的意义重大现实意义：对其的研究只要是传播和学习印象派绘画对光色运用的技巧，在我们的绘画写生中对光色的运用以及一些学习技巧 2.国内外有关本论题的研究动态：从上上个世纪的七八十年代以来，印象派的绘画进入到了一个发展的鼎盛时期，并以其独特的个性特点和魅力受到了各国绘画作家的青睐和学习。它的产生与发展既是对之前艺术成就的一种总结和发展，又是绘画界的一次重大的变革自己的见解：通过对印象派绘画的理解认识到印象派绘画中的魅力，对于这些经典的艺术，我们应该正确的进行看待，对于其中一些先进的思想和主张理念等，我们要在继承的过程中加以创新与发展论题研究的主要内容：该论题研究的内容主要是以下几个方面：一、印象派绘画的产生和特点二、莫奈绘画中光与色三、如何在创作过程中运用光与色

论题研究的基本方法：本文主要采用文献、理论分析和实践研究相结合的方法来探讨本论题论题写作的进度安排： 2015年 11月 15 日前，完成调研、收集资料，阅读资料。 2015年 12月 23 日前，拟写出写作提纲。 2016年 2月 12 日前，完成初稿起草。 2016年 3月 15 日前，完成论文修改。 2016年 4月 10 日前，完成定稿打印。主要参考资料： [1] 张强、罗凯 .《油画技法》. 湖南人民出版社. [2] 何政广.《莫奈印象派绘画大师》、河北教育出版社. [3] 约翰?雷华德、贝纳?顿斯坦著.平野、陈友任译.《印象派绘画大师》 .广西师范大学出版社. 指导教师意见（研究的理论意义或应用价值、创新之处、研究方法可行性等）：

美术鉴赏论文

美术鉴赏论文（13-000）梵高的《向日葵》赏析姓名：学号：学院：专业班级：授课教师：时间：2012年6月6日

摘要：梵高油画《向日葵》，具有非同寻常的仿佛想要突破画框的一股奔涌而出的力量，和一种难以克制的自我表达的欲望，令人震撼。梵高笔下的《向日葵》不仅仅是植物，而是带有原始冲动和热情的生命体。梵高和向日葵谱出相濡以沫生命与共的蓝与黄交响乐章，是其悲剧一生的象征物。从内在精神到外在形式无不给我们启发与深思。关键词：印象派情感美学向日葵梵高印象派产生于19世纪下半叶的法国。以马奈为中心的一批画家如莫奈、西斯莱、雷诺阿、塞尚、德加、毕沙罗等人，在反对学院艺术的口号下，以创新的姿态进行艺术革新，并登上法国画坛。1874年他们在巴黎举行了第一次展览，社会反响很大，参展作品中，有一幅莫奈创作的题为《印象·日出》的油画，遭到学院派的攻击，评论家们戏称这些画家们是“印象派”，这样印象派绘画便由此而得名了。如今一提到印象派，我想没有一个人能忽视荷兰画家梵高。Vincent Van Gogh，1853.3.30——1890.7.29，后期印象画派代表人物。文森特·梵高是继伦勃朗之后被认为是荷兰最伟大的画家。他和高更、塞尚并称为后印象派。他们吸收了印象派的精髓，却反对印象派纯客观理性的描绘，提倡事物的实质和象征意念，是现代艺术最重要的先驱。梵高27岁时才开始绘画，在短短十年间, 绘画了800多幅油画及同等数目的素描, 却几乎从未能觅得买家, 只能长期依赖弟弟Theo 在经济上和精神上的支持。他的一生，就正如毕加索所说: 『这人如不是一位疯子, 就是我们当中最出色的。』

外国美术赏析(印象派、新印象派和后印象派绘画)

外国美术赏析—绘画我们毕业啦其实是答辩的标题地方

目录早期绘画文艺复兴时期绘画巴洛克和洛可可时期绘画新古典主义和浪漫主义时期绘画写实主义绘画印象派、新印象派和后印象派绘画20世纪绘画

1印象主义是19 世纪后期产生于法国的一种艺术思潮和流派, 印象主义画家根据光色原理对绘画色彩进行了大胆的革新,打破了传统绘画的褐色调子,彻底反对官方学院派艺术的统治,后来成为以法国为中心的欧洲美术运动的主流.早期印象派分为两派,以莫奈为代表的注重色彩,以德加为首的注重形体造型.后印象派认为绘画不应拘泥于客观自然主义的描写,强调主观理性和自我情感、个性的表现。风格方面：印象派：印象派画家提倡户外写生，直接描绘阳光下的景物，根据自己的眼睛观察和直接感受表现色彩的微妙变化。他们有意放松严谨的造型，笔法多样，注重光与色本身，题材成为光色的载体和附属品。代表画家有：马奈，德加，莫奈，毕沙罗，雷诺阿。新印象派：在印象派发展的时候，法国又出现的新的用色方法，以修拉为代表的“点彩派”。新印象派的画家，在创作时不仅应用光线的分析和视觉的生理特征，以达到最高纯度和新鲜的色调，造成明亮辉映的画面。而且，在画面上更进一步表现明朗的秩序观念。后印象派：美术史家把印象派之后出现的几位风格迥异的天才画家统称为“后印象派”，他们更集中突出的表现颜色与光影的变化。代表画家有：梵高，高更，塞尚后印象派更加强调构成关系，认为艺术形象要异于生活的物象，用作者的主观感情去改造客观物象，要表现出“主观化了的客观”。他们在尊重印象派光色成就的同时，不是片面追求外光，而是侧重于表现物质的具体性、稳定性和内在结构。后印象派代表画家:梵高塞尚修拉劳特累克高更 23

油画论文写作提纲

论文题目：浅谈油画创作中色彩的运用及表现 ——以后印象派画家梵高为例选题的价值：主观性色彩在油画领域中,已经成为具有独立审美价值和表达主体内心体验和情感的绘画语言,充分体现了画家的艺术修养、审美情趣、气质和个性特征,同时还带有民族和地域的因素。所以我选择这个论文题目,以强调主观性色彩在当代油画发展、创新中的重要性。所选题目的研究现状：从野兽派以后的表现性绘画，则完全依靠色彩的主观表现来建构画面的空间和创造情感的氛围，甚至把油画色彩作为纯主观的非现实性的表现手段。现代油画艺术的主要特征之一，是以色彩来表现精神。油画主观性色彩的极大地丰富了油画艺术的情感表现力。不管是吸收东方绘画色彩神韵的装饰性色彩，还是意象性、象征性色彩，甚至是抽象性色彩都可以作为油画的色彩语言，表达艺术家的情感意念和内心体验，色彩的精神性和表现价值得到了充分的体现。随着抽象绘画的产生，西方主观性色彩越来越注意反映人的内在色彩，无论是带有浪漫主义倾向的“热抽象”，还是理性单纯的“冷抽象”，抽象主义在摒弃了具有再现要素的形象与色彩时，更加依赖于以主观性色彩来表达对客观的理解与感受，色彩成了形式语言中最为突出的部分。摘要：创作中对色彩的应用是凭着自己对客观世界的观察、探索所逐步积累下来的经验，还是要靠有意识的培养和训练，主观感受的自由表达所获得的。关键词: 主观配置色彩色彩的表现性目录：摘要—————————————————————300字引言—————————————————————500字一、主观感受与客观规律的统一性(1000字） 1.1. 主观感受与客观规律 2.2. 主观和客观的有机结合在油画中正是有了形体结构的承载和支撑，色彩才具有了说服力和表现力。在注重物体内在的形体结构的同时，也应该对色彩有到位的认识、理解和运用，才会使两者更好的结合为一体，所以用色彩来造型的画面。每一笔色彩都会影响到整个画面色彩的平衡。当找到色彩关系平衡的同时其形体也就完美了。色彩与形体结构在油画造型艺术中对体积空间的塑造和内在情感的传达都起着很重要的作用。不管是写实还是表现，具象还是抽象，绘画的过程实质上是不断的调整色彩之间，形体之间以及形色之间的关系，从而实现与某种创作意图相