从_姐妹_和_死者_看_都柏林人_的艺术特色

二十世纪外国文学

从《姐妹》和《死者》

看《都柏林人》的艺术特色

李兰生

《都柏林人》(Dubli ners,1914)是爱尔兰小说大师詹姆斯?乔伊斯的第一部作品。这部“以莫泊桑和契诃夫式的现实主义手法”①、把都柏林生活的方方面面刻画得入木三分的短篇小说集在世界文学宝库中享有很高的声誉。美国学者布伦达?马尔多克斯(Brenda Maldox)认为,该作品是“用英语创作的最优秀的短篇小说”。②作品蕴含着种种象征意蕴,对主题进行多角度多层面的揭示,流露出对爱尔兰尤其是对人类普遍命运的种种价值关怀,给读者以强烈的道德震撼。

作为一部短篇小说集,《都柏林人》表现出了许多独到的艺术特色。首先,它不同于传统意义上的短篇小说集子。传统的短篇小说集一般都是作者所创作的全部短篇小说的集合,所采用的题材、揭示的主题和选择的场景等基本上都是各自独立、互不相干的;每一篇都是一个完整的整体,各篇在主题的阐发和拓展层面上看不出有多少内在的联系;篇目的排列顺序如果不是按照创作所完成的时序安排,就是按照编定者预先确定的某些意图来锁定的,如《海明威短篇小说集》、《马克?吐温短篇小说集》、《莫泊桑短篇小说集》、《曼斯菲尔德短篇小说集》等等。然而,《都柏林人》却有着与这些短篇小说集完全不同的结构特征。它是按照乔伊斯的创作思想、围绕着一个中心主题(cen2 tral motif)组合而成。15个故事之间在主题的阐发上环环相扣、互相吻合,构成一个有机整体,使整部集子具有相当于一部长篇小说的内在逻辑架构,而每个故事似乎又成了长篇小说的一章。第二,《都柏林人》采用了类似于交响乐曲式的艺术表现技法。它的中心主题“瘫痪和死亡”把各个故事串联起来,并以不同的音色、调式、旋律及种种变奏,进行了充分的艺术表现。这种特色拓展了主题的幅度和深度,极大地丰富了作品的艺术表现力。第三,“瘫痪和死亡”的主题把《都柏林人》一书切分成四部分,每一部分都具有自己的副主题,形成了主题和副主题之间的变奏和回旋(交响乐中的变奏曲式和回旋曲式),分别构成了一个完整的乐章。第四,从小说的艺术技巧上看,《都柏林人》融合了现实主义(或称自然主义)和象征主义的某些叙事手法。在这些短篇中,

乔伊斯以平稳的节奏、“一丝不苟的平庸”(scrupulous meanness)风格③、清晰的叙述和简单的情节结构,把他对都柏林沉闷现实的“心灵顿悟(epiphany)”象征性地表现了出来。上述种种特点也就构成了《都柏林人》一书独特的艺术魅力。笔者拟从这部作品中的《姐妹》和《死者》两个故事入手,对乔伊斯短篇小说的艺术特色作出探讨。

一

《姐妹》(The Sisters)和《死者》(The Dead)分别是《都柏林人》的首篇和末篇,前者于1904年8月13日首次发表在一份叫做《爱尔兰家园》(The I rish Homestead)的周刊上,而后者在1914年小说集出版时才出现。④如果说《都柏林人》是一部交响曲,那么,《姐妹》就是这部乐曲的序曲,而《死者》就是尾声。从音乐学上说,序曲是奏鸣曲中不可缺少的部分,它是乐曲主题的呈示部;尾声是回旋曲的一部分,它是乐曲主题发展的高潮。在交响乐中,奏鸣曲和回旋曲通常构成第一乐章和第四乐章(一般说来,交响曲都有四个乐章,但也有少于四个乐章的),因此,序曲和尾声分别是交响乐中呈现主题和深化主题最重要的部分。

同艾略特一样,乔伊斯也是一个精通音乐技法的艺术大师,他颇能巧妙地运用交响曲和赋格曲的某些表现手法。这一点在《都柏林人》一书的结构上表现得比较充分。乔伊斯是这样来安排他的15个故事的:第一乐章:童年,包括《姐妹》、《路遇》(An Encounter)、《阿拉比》(Araby)这三篇;第二乐章;青少年,包括《伊芙琳》(Eve2 line)、《车赛之后》(After the Race)和《两豪侠》(Two G allants);第三乐章:成年,包括《寄宿舍》(The Boarding House)、《一片小云》(A Little Cloud)、《互相般配》(Counterparts)、《泥土》(Clay)和《痛史》(A Painful Case);第四乐章:社会生活,包括《委员会房子里的常青藤日》(Ivy Day In the Committee Room)、《一位母亲》(A Mother)、《祈祷》(Grace)和《死者》。乔伊斯在《都柏林人》这部短篇小说集中之所以这样来安排这15个故事,正是在于他想把“音乐和小说这两种不同的艺术形式”高度地统一起来,并能使之“相互阐发”⑤,最大限度地实现主题与主题、主题与副主题以及副主题与副主题之间的交响和共鸣。

《姐妹》与《死者》是《都柏林人》中象征意蕴很浓的两个短篇,在艺术上十分巧妙地体现了这种交响和共鸣,因而最集中地反映出了乔伊斯短篇小说的艺术特色。

二

《姐妹》讲述了这样一个故事:一个无名的小孩听到一位他(她)熟悉的神父去世的消息后,心里朦朦胧胧产生了对死亡的某些思考。这个小孩后来又与其姑妈(或姨妈)去那位神父的灵堂吊唁死者,所看到和听到的情形又使他陷入了沉思。这个短篇故事的情节很简单,通篇都是平凡琐事,不能形成波澜,但是,它所揭示的主题却非常耐人寻味,它试图通过小孩那双还很幼稚的眼睛,去揭露都柏林人的文化瘫痪意识。在故事中,神父死前的生活习惯,他的打扮穿着、举止言谈等等,在小孩的心中产生了某种朦胧感。对神父所患的“瘫痪症”小孩先是感到有些蹊跷,就像听到欧几里得几何学中的“磐折形”和基督教教理问答中的“买卖圣职”这些字眼一样;可是后来,“(瘫痪)这个词听起来像是某一个犯了罪、作过恶的人的名字,它使我恐惧,但是我却渴望着能靠它更近一些,能睁眼看看它那致命的结果。”

这是小说第一段中的几行叙述文字,可以看作《都柏林人》中心主题的呈示部分。

从《姐妹》和《死者》看《都柏林人》的艺术特色

本段的第一行文字“这次他没有救了:这是

第三次发作”,奏响了序曲部分的第一个乐句,与后起的其他语句,及至整篇故事形成了交响和共鸣;这种交响和共鸣渐进发展,在《都柏林人》的其他故事中构成辉煌宏大的多声部变奏,直到在《死者》一篇中反复出现,发展成高潮。这是乔伊斯精心创造的艺术风格,这种风格十分切合他早年就已形成了的创作思想,为后来写出《尤利西斯》和《芬尼根的守灵》这样的长篇杰作做好了充分的思想准备。

早在1906年以前的两年中,乔伊斯正在为《都柏林人》的出版四处奔波。在给出版商的一封信中,他强调说:他正在给自己

的国家写“一章道德史”⑥

,并声称他之所以选择了都柏林这座“差不多是威尼斯的三倍”、“具有几千年的历史”、“在大英帝国排行第二的欧洲大都市”为素材,决不是因为这座城市具有强大的生命力,而是因为在他

看来,“瘫痪的中心”⑦

。于是,揭露和表现这个“瘫痪的中心”便成了创作《都柏林人》的主要动机。围绕着这种动机,乔伊斯用他那支犀利的笔,深情而又略带嘲讽地谱写了一部关于都柏林人的命运交响曲。这里,他让人们以严肃的目光审视现代都柏林人的“麻木疲软”、道德沦丧、文明的失落、精神的空虚、宗教的虚妄、历史的虚无、文化的迷失、爱情的变形等等。这些由“瘫痪和死亡”变奏发展而来的副主题在每一个故事中得到了充分的表现,进而又以瘫痪→麻木→死亡→复苏的递进模式,通过《姐妹》中奏鸣曲似的表现手法导向《死者》的主题,并使之深化、回旋、发展,用最强烈的音符去全面唤醒爱尔兰乃至全世界的文化意识。

三

《死者》是《都柏林人》的“压轴”之

作,由于它深邃的象征内含,可以看作是乔伊斯走向艺术成熟的一个标志。小说分成四个部分,主要的叙事线索如下:(1)主人公加布里埃尔和妻子格丽塔去姨母家参加一年一度的圣诞舞会和聚餐;(2)艾弗斯小姐对加布里埃尔提出批评,说他是“一个不愿意脱离英联邦的人”(a west Briton )⑧,稍后,加布里埃尔在晚宴上发表演说;(3)加布里埃尔夫妇告别聚餐会回到旅馆过夜,格丽塔向丈夫透露了多年埋在心底的秘密:在爱尔兰西部乡村度过少女时代的她有过一个叫做迈克尔?弗雷的情人,他常给她唱一支名叫“奥格里姆的姑娘”的爱尔兰民歌,这位患了肺炎的痴情少年伫立在格丽塔的窗前向她表白爱情,因淋雨后病情加重而死去;(4)妻子因哀伤过度,抽泣不止,沉睡过去。加布里埃尔站在窗前,无言地凝视着飘飞的雪花,陷入了对死亡的沉思。

如果说《姐妹》所揭示的“瘫痪和死亡”主题仅仅只是由瘫痪向死亡进行平面推移的话,那么,《死者》却把这一主题引向更广更深的层面。它增加了这个主题的诗性张力,使之具有一种立体感。因此,欣赏和解读《死者》,必须透过作品情节结构所揭示的表层意义,去探寻关于“死亡”的哲学、文化和审美的深层意蕴,去玩味这部具有丰富象征意义的作品的“秘响旁通”。正如英国批评家Matthew Hodgast 所说:“这样,乔伊斯告诉我们对于这篇故事不能望文生义,而要透过它苦心经营的现实主义去寻

找象征意义或比喻意义。”

⑨

《死者》的象征意义在小说中首先通过圣诞夜那场纷纷扬扬的大雪表现出来:

……在爱尔兰普降大雪。大雪落在黑夜的中部平原的每一个角落,落在无树的小山丘上,轻柔地落入艾伦沼泽中,直到西部波涛汹涌的香农河口,大雪也落

02?外国文学评论　No.1,1999

在了埋葬着迈克尔?弗雷的荒凉墓地的

每个角落,落在积了厚厚一层雪的那些

歪歪斜斜的十字架和墓碑上,落在墓园

小门的尖铁栅上,落在光秃秃的荆棘丛

中。他听到大雪从太空中轻轻落下,好

像是它们末日的降临,轻轻地落在了一

切生者和死者的身上。这时,他的灵魂

慢慢逝去。⑩

这场飘落在爱尔兰各个角落的大雪使作品富于深刻的象征意义,它以回旋曲式的方式反复出现在加布里埃尔的现实世界和潜意识中,唤起了读者对人类普遍命运的价值关怀;这场雪覆盖了一切:生者和死者、生命和无生命、过去与现在、传统与现实……;它埋葬着一切、涤荡着一切、彻底地消除一切矛盾与对立。就在加布里埃尔对妻子的过去感到妒忌和不安的时候,“他的灵魂接近了那个居住着无数死者的世界,他能意识到他们的存在,却无法理解这种存在为何是那样不可捉摸、忽隐忽现。他的自我也渐渐消失在一个灰蒙蒙、看不见摸不着的世界里:这个实在的世界,这些死者曾一度建造过它并生活在其中,而此刻却正在解体、正在衰落。”加布里埃尔终于获得了一种顿悟:现代的都柏林、爱尔兰、整个欧洲……都在走向衰落。他期待着有朝一日,那座瘫痪的城市、那个正在衰落的世界会在严冬的一场大雪过后,得到全面的复苏。这也许正是《死者》所要揭示的深刻主题。

从一般意义上说,死亡就是一切的终结,是一种存在转化为一种不存在。然而,《死者》所要揭示的主题却超越了这种一般意义。乔伊斯是要通过“死亡”这个生物意义上的命题去阐发一种深刻的审美意义,亦即:虽然那些沉睡了几千年的、属于爱尔兰文化所独有的民族传统,还在受到强大的大不列颠文化的压制和奴役,但是,这种民族

传统复苏的日子已经不远;那场圣诞夜普降在全爱尔兰的大雪预示着爱尔兰文化复兴的到来。虽然“浪漫的爱尔兰已经死去、不再回来/它已和欧?利厄里沉睡在墓穴” λ?,然而,乔伊斯相信:现代爱尔兰的冬天很快就会过去;大雪过后,爱尔兰一定会迎来新的文化春天。

四

如上所述,《都柏林人》中的《姐妹》和《死者》这两个短篇,始终是沿着瘫痪→麻木→死亡→复苏这种发展逻辑来表现“瘫痪和死亡”主题的,乔伊斯的这种艺术构思实际上旨在展示一部完整的爱尔兰历史。爱尔兰过去的浪漫和现代的平庸,曾经有过的辉煌和现在正在经历着的种种创痛,全部通过《死者》中的那场大雪,象征性地表现出来。大雪不仅激活了历史的记忆,而且也唤醒了麻木的欲望;它鼓励全爱尔兰人走出困境、寻求民族精神的彻底解放。 λω因此,从某种意义上说,《都柏林人》是一部具有严肃的历史忧患意识的作品,从中我们不难看出乔伊斯作为一个“最杰出的散文作家”(艾略特语)的历史眼光。

《都柏林人》以四部曲似的方式,呈现了都柏林实际上是爱尔兰的童年、少年、青年和成年生活的各个方面,这四个不同时期分别以其不同的历史发展方式与小说主题的递进层次相呼应。爱尔兰的童年是瘫痪的,只能走向死亡;它的少年和青年是麻木的(像伊芙琳一样);它的成年是死亡了的。乔伊斯相信:只有经过死亡这种极端的悲剧才能使全爱尔兰获得新生和复苏。他的这种构思显然是受了18世纪意大利哲学家维柯的“历史循环论”的启发。 λξ

通过对《姐妹》和《死者》艺术特色的分析,可以发现,乔伊斯对他的祖国爱尔兰倾注了强烈的爱,但是,国人那种精神上的

从《姐妹》和《死者》看《都柏林人》的艺术特色

极度麻木,又使他产生了一种和拜伦当年一

样的情感:哀其不幸,怒其不争。所不同的是:拜伦的《唐璜》一诗哀叹的是现代希腊人,而乔伊斯所注目的却是本国人;但是,两人的切肤之痛都是同样的强烈、同样的诗化和历史化,乔伊斯试图从一种更加哲学化的历史高度,以“爱之切、故言之亦苛”的拳拳之心,通过《都柏林人》一书,向自己的国人提出一种振聋发聩的警示:“在我按照现在的方式谱写这章道德史之后,我已经

向我们国家的精神解放迈出了第一步。”

λψ①　王家湘《现代主义文学:小说》,参见王佐良、周珏

良主编《英国二十世纪文学史》,外语教学与研究出版社,1994年,第376页。

②④　Brenda Maddox ,“Introduction ”in Dubli ners ,Ban 2

tam Books ,1990.

③⑥⑦⑧ λω　Andrew Sanders ,“Modernism and its Alterna 2

tives:Literature 1920—1945”,in The S hort Oxf ord

History of English L iterat ure ,Oxford University Press

Inc.,New Y ork ,1994,pp.5382539.

⑤　参见刘象愚《独特的赋格文件———论〈尤利西斯〉第

11章中的音乐》,载《外国文学评论》1998年第1

期,第26—33页。

⑨ λψ　参见侯维瑞《现代英国小说史》,上海外语教育出

版社,1985年,第252、253页。

λυ　参见注释①中的第379页,译文稍有改动。 λ?　叶芝在他的一首题为September 1913的抒情诗第一节

中写下了这两行诗,诗中的O Leary 名叫John O Leary

(1830—1907),是爱尔兰著名的民族主义者,曾被监

禁五年,流放15年。

λξ　M.H.Abrams ,The Norton A nthology of English L it 2

erat ure ,the 5th Edition W.W.,Norton &Company ,

Inc.,1986,vol.2,p.2024.

(作者单位:中南工业大学

外国语学院英语系)

责任编辑:刘　晖

22?外国文学评论　No.1,1999

中国山水画的特点

中国山水画的特点中国山水画不讲究形式上的相似，也就是说不太在意画得逼不逼真，而是讲究画的神韵意境，以简洁飘逸的笔法给欣赏者带去精神上的享受。中国山水画的特点据本人的认识应具有以下要素； 1，让人看上去就感到宽广，气魄非凡。要有“方寸之间见万里”“气象万千”的气度。 2，有深度，一层一层，向远延伸，无有穷尽的感觉。 3，层次感要鲜明。块面要分隔开，让人感觉不同块面，立即知道各个块面之间的前后，左右关系。 4，你所要表达的主题是一遍文章的中心，应重点描写，交代清楚，其它的衬托部分强调意到，寥寥疏笔，点到为止，中国画强调意境，可以意到笔不一定到，不要面面具到，交代得太清楚，否则会冲淡主题，画蛇添足。 5，山水画中山石，树木力求新，奇，怪，险。让人有种新鲜感，凶险感。容易吸引观众，打动人。 6，要达到以上效果都是以笔墨来表现的，所以这是笔墨功夫非常重要，应不断练，一副画的层次高低，观此立杆见影。否则你再好意境无法达到。 7，山水画高层次，实景刻画是次要的，关键是“虚”的部分要处理好，说起来容易，要做好，却很难，因为“虚”的部分，常常是随意中产生的，搞不好，一副画就因此搞坏了。这也是水平的问题。一般达到中等水平的画家，写实一般问题都不大，要“虚”得好，就相当于写意画，难度相当高。“虚”的部分，就是给人充分想象的部分。也是意境体现的部分。非常重要。其他再引用一些高手的见解供大家参考；第一、“奇”；中国古代画论中既强调多样性又强调统一性多样性即反对平铺直叙，反对景物雷同。五代李成《山水诀》："千岩万壑要低昂聚散而不同；迭（山献）层峦但起伏峥嵘而各异"。同时也指出，景物不能雷同而要变化，要有强烈的比照。"既追险绝，复归平正。"也就是说中国山水画通常不画缺少对比的平原景色，总是喜欢表示地形地貌对照强烈、山高水深的名川大山。关山行旅图关仝，五代宋初长安人。早年师荆浩，后又师唐代名家王维、毕宏等，有出蓝之誉。喜作宏伟山势，求意境。第二、“远”；具体说就是散点透视。中国宋代的山水画家王微说："目有所极，故所见不周"。也是宋代山水画家郭熙在《林泉高致》中则提出山水画的“三远”表现法。也就是说中国山水画不

《都柏林人》的“顿悟”手法解读

《都柏林人》的“顿悟”手法解读摘要:《都柏林人》是由一连串的精神顿悟组成的，大多数的都柏林人都陷在严重的精神瘫痪状态，整个小说集要唤起的是一个不正常的感官隔离的世界，当视觉和听觉发生碰撞的时候，就触发了主人公对自己的处境和自我的本质的顿悟。关键词:都柏林人;顿悟乔伊斯的文学生涯始于他1904年开始创作的短篇小说集《都柏林人》。在写给出版商理查兹的一封信中，他明确地表述了这本书的创作原则:“我的意图在于给我的祖国撰写一章精神史。”这实际上也成了他一生文学追求的目标。在乔伊斯眼中，处于大英帝国和天主教会双重压迫和钳制下的爱尔兰是一个不可救药的国家，而都柏林则是它“瘫痪的中心”，在这个城市里每时每地都上演着麻木、苦闷、沦落的一幕幕活剧。《都柏林人》共有15篇小说，各自独立而又相互呼应，为一个共同的主题服务。基本上可以分为四部分，分别写童年、少年、成年和社会生活。在艺术手

法上最引人注目的是“顿悟”的使用。乔伊斯在从各个方面表现都柏林人精神世界的瘫痪、无能时，常常选取他们突然意识到自己的卑微、可怜、可耻的瞬间加以刻画，并突出其象征意义，使主题凸现。这种顿悟又被他称为“主显”，即天主显灵，从艺术角度看也使得每一篇小说都获得了神韵。一大多数的都柏林人都陷在严重的瘫痪的冲突中。其中最严重的牺牲者是弗林神甫和伊芙琳。弗林神甫是瘫痪的天主教牧师，在他的职业生涯失败之后，精神上就变得不济了，身为牧师，而应付不了牧师的职责，从而不能自拔。伊芙琳一例是更为剧烈的冲突，因为她是唯一一个有人给提供了具体的积极的逃走机会的人物;她完全有可能实施她的决定，然而在要割断和这座城市和她的家庭的束缚的一瞬间，她变得“likeahelplessanimal”。实际上，整个小说集要唤起的就是一个毫无结果的碎片的世界，一个不正常的感官隔离的世界。都柏林的市民们只靠眼睛来理解，而更令人灰心的是，他们还看不清楚，是以相当模糊不清的方式来看。例如，在《死者》中， Gabriel’seyes，

中国写意山水画的特点及举例

1、以形写神，以神写意。从古到今，中国的绘画一直围绕着一个形的问题在作文章。在绘画的初萌阶段，由于造型能力差，那时的形是简单而幼稚的，是似是而非的，也可以说是“以意表形”。随着绘画经验的不断积累，写形的功能大大提高，进入了“以形写形”的阶段。但随着时代的发展，画家们并不以形似为满足，逐渐认识到了“神似”的重要性。即在造型上表现对象的内在本质精神面貌和性格特征，才算真正达到绘画的目的。最先提出“以形写神”理论的是人物画家顾恺之。后来引伸到中国写意画领域，逐渐比为“以神写意”的意象造型观念。是中国的写意画摆脱了自然形的限制，而追求以笔墨为载体的情感宣泻。由于开拓了表现上的自由空间，画家笔下的形象既跳出了特定时空中客观物象再现的制约，又由于形的限制而避免了过于的随意性。使作品既来源于生活，又高于生活，既有形的观念，又有自我情感的表露，达到极完善的幻化境界。关于形神论的观点，历代都有不少精辟的论述。北宋苏轼提出“作画以形似，见与儿童邻”，虽不免过于偏颇，但观点是明确的。元代倪云林的“逸笔草草，不求形似”，则是文人画家的一种偏激言词。二者都没有把形神的关系界定清楚。对中国写意画的形神问题阐述的最精僻的莫过于齐白石，他说：“不似为欺世，太似则媚俗，妙在于似与不似之间”。似与不似之间就有了一定的空间，画家在作画过程中，积极地去作物象的内在本质即神韵的追求，为了达到目的，就要对物象的特征加以强调、夸张，对形进行必要的概括、取舍、归纳。这个过程叫做“遗貌取神”，这种造型观念叫做“意象造型”。 2、骨法用笔、以书入画。 “骨法用笔”是谢赫六法中第二位，它用“气韵生动”是六法中最重要的两个概念。“骨法”是指客观物象的形神结构，“用笔”则是用笔方法，用笔技巧和艺术表现。唐代张彦远在《论画六法》中提出“骨气形似皆本立意而归乎用笔”。说明“骨气用笔”的内涵是十分丰富的，它不但要表现客观对象的基本结构、神韵，还要表达画家的主观感情和艺术创造。在写意画中，笔墨还有独立的审美价值，表现为特殊的用笔方法所产生的形式美，也表现为笔墨情趣。黄宾虹先生根据中国画的审美要求，总结前人和自己的创作经验，把用笔归结为平、圆、留、重、变五法，他说：“用笔须平，如锥划沙；用笔须圆，如折钗股，如金之柔；用笔须留，如屋漏痕；用笔须重，如高山堕石。”以上是用笔所追求的一种境界，至于具体操作中如何灵活掌握，还要懂得一个“变”字，要留有余地，要掌握好分寸，过分了同样也是弊病。黄宾虹、齐白石、潘天寿、李可染等先生追求线条的凝重深厚，注重留的作用，因此行笔相对较慢，但也并不是处处都慢，该快时还是要快的。有的画家追求线的流畅，行笔速度相对较快，有气势磅礴、一气呵成之感。至于怎样才好，这与每个人的实践经验、审美情趣有关，不可强求一律。至于用笔中的苍、老、活、松、涩、劲、毛、挺、圆、厚的艺术效果，一个“变”字都能概括，靠在实践中去体会去灵活掌握。

2021年压抑中的都柏林人《都柏林人》五千字读后感

压抑中的都柏林人《都柏林人》五千字读后感压抑中的都柏林人-《都柏林人》五千字读后感中外学者在评论乔伊斯的《都柏林人》时，常常用到瘫痪这个词，而作为一个业余读者，我更想用压抑这个词来形容乔伊斯的都柏林和他的都柏林人。印象中的都柏林，并非毫无生气的瘫痪，我能 ___到她生命的律动，也同样能 ___到那种莫名的气息压抑着她的心跳。压抑的亲情，压抑的爱情，压抑的婚姻，压抑的家庭乃至压抑的社会和人际关系。这是一种怎样的感觉呢？想象一下自己身处一间老旧昏暗的 ___，拉开窗帘，本以为能够看到明媚的阳光，却被扬起的灰尘和玻璃上沉积的污渍遮挡的朦朦胧胧的，那种压抑感觉___一种闷闷的窒息感带着期待落空的失落。都柏林就像是这样的一间房子，生活在其中的人们在尘埃中翻滚挣扎，他们也有对阳光的渴望，只是有一个无形的屏障在阻挡着阳光，都柏林人就是在这样的半透光状态下沉默而压抑的成长，从年幼懵懂到驾鹤之年，正如鲁迅先生所说的不在沉默中爆发，就在沉默中 ___。，都柏林人努力在沉默和爆发之间找寻着压抑的平衡，最终也逃不过 ___的宿命。《都柏林人》由十五篇短文构成，十五篇短文篇幅差距很大，看似零散，实则是一部完整的都柏林人成长记，从少年的懵懂叛逆，到

中青年的追求与迷茫，再到暮年的平静淡然，他们也有过追求和梦想，只是在现实的 ___下最终归于尘土。在小说的开篇《姐妹们》一文中，弗林牧师的去世在一个小小的交际圈中漾起了涟漪，小说通过语言的再现和细节的刻画展现出不同的人不同的阐述和反应。弗林牧师因为一只打破的圣杯而陷入灵魂的黑暗，最后瘫痪着郁郁而终，文中多次描写到弗林牧师虔诚的捧着圣杯的样子。圣杯，在受 ___教文化影响的作品中一直是一种神圣的存在，它代表着神圣的宗教和圣洁的信仰。一直以来，我个人对于宗教的看法似乎是贬多于褒的。从某种意义上来说宗教也是一种信仰，不过又比信仰多了那么一分严肃的气质，人应该有信仰，为了信仰而不懈努力去追求也没有错，但是如果对这种信仰过分的执着甚至达到偏执的地步，以至于完全被 ___陷入一个思维的怪圈而不能自拔，那么这种病态的信仰不要也罢。宗教和 ___本来就没有明确的分界线，每一种事物的存在都必然有其合理性，每一种事物也必然有其两面性，就看作为主体的人以怎样的态度来对待。让我们再次回到这篇小说，中国人有句话叫做酒肉穿肠过，佛祖心中留，圣杯只是个寄托，只要心中有坚定的信仰又何必执着于外在的寄托。显然弗林牧师并不这样想，他会把圣杯打碎看作是对信仰的亵渎，进而联想到理想的破灭，而他不知道怎样补救亦无法从这种莫名的罪恶感中解脱，也从未想过向别人倾诉来寻求帮助，只是一味的压抑着内心的挣扎，整日呆在忏悔室里，他就在那里，在他的

詹姆斯·乔伊斯都柏林人读后感6篇

詹姆斯·乔伊斯都柏林人读后感6篇《都柏林人》读后感(1)：都柏林的迟疑在简洁的问题上,乔伊斯是海明威的前辈.前辈总不及后辈彻底,况且,有谁能比一个虚无主义者更简洁呢?乔伊斯的简洁有时被描述为"pared-to-the-bone"式的.在《尤利西斯》里头,这种鲜明的简洁已被另一种东西所代替,《都柏林人》却把这种简洁保存得很好.与海明威那种武夫似的简洁相比,乔伊斯仿佛显得更优雅----但实际上并不是更优雅,而是更迟疑.乔伊斯的段落间存在着这一迟疑,它把文本的节奏拉长了,造出恍惚的效果.这简直是女性化的,让人想起伍尔芙.然而当然不是伍尔芙----伍尔芙是回旋,而乔伊斯只是迟疑.他的迟疑是在每次下刀前的一刻;下刀之后,总是能成功地保证"贴骨而削".这么说吧:《都柏林人》里的乔伊斯是神情恍惚、动作柔软而迟缓的削木人,他的木品光滑整洁;海明威是麻利的削木人,噼里啪啦砍出一件光秃秃的好看玩意儿;而伍尔芙比乔伊斯更恍惚、更柔软,并且她只爱细致地雕刻旋涡状的装饰物. 《都柏林人》读后感(2)：大师的小书（2011年5月号《书城》杂志。转载请注明出处。）

有人说：“打开世界地图，并不等于周游了世界。”文学也一样，说再多的“浪漫主义”、“古典主义”、“雪莱”、“托尔斯泰”也没有用。文学是要一本一本读着，一个巷子一个巷子走下来的，谁也代替不了。退一步讲，嚼别人吐出来的甘蔗渣有什么乐趣！那些耸人听闻而又不知所云的概念和名词，给予我们的只不过是榨干了汁汁水水的所谓“文学常识”。听得越多，越围绕作品形成一个符咒，几乎变成卡夫卡的“城堡”，使人无法进入。这真是一个有趣的悖论——评论读得越多，越是不想读原作。“名著就是谁都知道却人人不想去看的书。”可谓一语道破。沸沸嚣嚣的评论有时还真是一场无预谋的骗局。之前基于不知从哪儿听来的粗浅印象，我一直对乔伊斯怀有深刻的偏见。对大名鼎鼎的意识流、如雷贯耳的现代主义，从来都是望而生畏、敬而远之的，总觉得它们无外乎华而不实的文学实验，只是捉弄人的花纹和漩涡。直到我在课堂上看到《阿拉比》那篇小文——这就是乔伊斯！窘迫而敏感的人呵！他的东西总莫名其妙地勾起人的回忆。很神奇的小说，它不把你勾进它的故事里，相反，它拉你回溯你自己的世界——家中的木桌，小孩子的嬉闹，向晚的灯光，昨日和远方，那里民情淳

《都柏林人读后感范文》

《都柏林人读后感范文》初次邂逅jamesjoyce的作品，是在连续读了几卷proust的《追忆似水年华》之后，发掘了意识流文学的新境界，开始特别留意于那种暗流轻涌又波澜暗藏的写作手法，于是便陆续找了许多意识流派的书籍，其中不乏virginiawoolf与williamfaulkner的诸多作品。而其中我特别留意的是文学家萧乾提到的他在剑桥求学时几番磋磨也读透不了的joyce的《尤利西斯》。我便怀着半分憧憬半分犹疑抱来他的几本著作，《都柏林人》那种直面爱尔兰社会底层而触发的清冷深刻的笔调使它这几卷书之间透着幽微又坚定的光芒，为我打开爱尔兰文学别开生面的一页。《都柏林人》是一部由十五篇短篇小说汇集而来的.故事集，分立开来却凝汇成共同的主题，joyce仿佛是在用这十五个故事描画了一卷犀利、客观又细腻深刻的都柏林社会总览。如果以审视印象画派的目光审视这部作品，那么它的色调一定是朦胧幽深的灰蓝，仿佛爱尔兰劳工在铁路上被煤灰熏染的衣衫。整部作品大都采用白描的手法，意识流的痕迹较淡又有微微显露，大都以精心斟酌的视角截取爱尔兰底层人民的生活横断面，从而向读者反映他们的精神世界与心理状态。见微知著是《都柏林人》在写作上的一大特色，作者的笔触冷峻而淡远，试图以最冷静客观的角度透露其意旨。透过现实主义与象征主义两大桥梁，joyce借白描与讽刺无声痛喝了19世纪20年代麻木不仁，死气沉沉的爱尔兰社会，表达了对沉闷麻木的爱尔兰青年一代的痛心与渴盼人们觉醒与社会

蓬勃的情感。本书开篇的《姐妹们》中囚禁于宗教而碌碌一生的弗林，《一小片乌云》中沉溺于虚幻臆想的小钱德勒，《痛苦的事件中》缺乏归属感的杜菲先生与西考尼太太等等都是孤独麻木，毫无斗志的都柏林人的代表，在阴云笼罩的爱尔兰社会，孤愤而绝望的joyce从青年一代上看不到觉醒的希望，便把一腔情绪借其独特的白描手法缓缓倾注于这部短小精悍的作品之中，语气虽淡漠客观而处处都是真情流露。 joyce称《都柏林人》中的精神状态为paralysis（瘫痪），这与地处西欧却经济不景气，人民生活窘迫困苦的爱尔兰经济概况有关，爱尔兰的青壮年劳工曾大批被运送到北美修筑铁轨，有人说美利坚的每一英尺铁路下都有五个爱尔兰劳工的亡灵。死气沉沉与逆来顺受深埋于都柏林人的血液里，而在英格兰的压迫下，爱尔兰人民很难瞥见欣荣的生机。joyce渴望看见人民精神的充盈与觉醒却又无能为力，只能通过辛辣的嘲讽来怒其不争。唯有青年的麻木才是真正的麻木，而唯有青年的呐喊才是真的呐喊。从joyce清冷的灰蓝色笔触中回过神，再翻开被戏称为“蓝色生死恋”的人卫教材，我想，我眼前的中国追梦者们，我眼前的中国医学生，已远远不是瘫痪麻木的都柏林人，在我们的瞳仁里，有未来的奇光异彩，有此刻的笃定光芒。内容仅供参考

都柏林人

从瘫痪到顿悟 -浅议《都柏林人》的交织主题摘要：爱尔兰作家詹姆斯·乔伊斯的短篇小说集《都柏林人》通过讲述不同年龄、不同职业的都柏林人的故事，向人们展现了处于英国殖民统治下的爱尔兰社会。作者首先要揭露的是瘫痪的主题，这一主题贯穿每个故事，是当时爱尔兰社会的主调，但作者并未因此而完全失去对祖国和人民的希望，他意图用小说引起人们的关注和思考，实现精神上的顿悟，这也是小说集的另一个重要主题。本文从两个交织的主题入手,探讨作者对国家和民族的情感。关键词：都柏林人；瘫痪；顿悟 Abstract: Dubliners is a collection of short novels written by the famous Irish writer, James Joyce. The stories in the collection clearly illustrate people of different ages and different careers. The two themes of the stories are paralysis and epiphany. The author wants to draw people’s attention and thought on people’s paralysis, which is the main tune of the Irish society. On the other hand, the author this still keep hope on his country and people. So the theme of epiphany appears here and there in the novels. This paper explores the two themes and the author’s complicated emotion with his country and nation. Key words: Dubliners; paralysis; epiphany 爱尔兰作家詹姆斯·乔伊斯在英国文学史上有着重要的地位。作为后现代主义的先驱和代表，他的象征主义和“意识流”对世界文坛产生了巨大的影响。乔伊斯一生都致力于长篇小说和戏剧，《都柏林人》是他唯一的一部短篇小说集。《都柏林人》是乔伊斯的早期作品，小说以都柏林为背景，以现实主义和象征主义相结合的手法，成功地再现了19世纪末20 世纪初英国殖民下的爱尔兰社会。通过《都柏林人》这部小书，乔伊斯想要描绘出爱尔兰人和他们的生活。乔伊斯1882年出生于爱尔兰，到1912年他离开爱尔兰的这漫长岁月里，他怀揣一颗爱国心，从未停止

论中国山水画的特点

论中国山水画的特点张利维摘要：中国山水画的特殊传统是创造形神交融、天我合一的意境。传统的中国山水画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求"以形写神"，追求一种"妙在似与不似之间"的感觉。中国画与西洋画的不同，还表现在其艺术手法、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是"失调"的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓谈相生相融，做到浓中有淡，淡中有浓；浓要有最浓与次浓，淡要有稍谈与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。关键词：中国山水画，形神交融，工笔，构图，用笔，用墨，中国山水画是传统画种之一。以自然风景为主要描绘对象。题材

有风景佳胜、名山大川、城市园林、村野乡居、舟桥楼宇等。元代以后山水画在画史上占据相当的地位。习惯上，依画法不同分为：勾勒设色，金碧辉煌，富装饰风，称青绿山水或金碧山水；纯粹水墨者为水墨山水或墨笔山水；水墨为主、略施淡赭淡青称浅绛山水或淡着色山水；以水墨勾皴淡色打底且施青绿者为小青绿山水；几无水墨纯以彩色描绘者为没骨山水。中国山水画历史久远，独立的山水画始发于魏晋南北朝之间，文献表明该期山水画理论已趋成熟。至隋唐，展子虔《游春图》展露了隋代或初唐青绿山水之面貌，已见其写实能力之飞跃。盛唐吴道子之山水画简练且写实，李思训之山水画富丽而典雅；张及中晚唐画家创水墨山水；敦煌壁画中出现没骨山水；五代北宋则出现荆浩、关仝、董源、巨然、李成、范宽等一批名家，在真实地表现大自然和审美认识上跨入新的阶段。该期荆浩的《笔法记》、郭熙父子的《林泉高致》则较系统地总结了山水画理论。至元代，黄公望、倪瓒、王蒙、吴镇，使山水画走向抒发主观情感、创造多种风格的新途，并使山水画中诗书画的结合趋于完美。明末董其昌简化古人所创山水形象，参照书法法则，使山水画风又一变化。清代山水画一派沿袭董源、巨然和黄公望，变化古法、笔墨；另一派则强调抒发个性，面向自然，将笔墨发挥尽致以传情达意。五代两宋以后山水画的发展变化，产生了数量甚众的名家、流派，理论著述亦趋于完备，从而奠定了近现代山水名家产生的基础。中国山水画的特殊传统是创造形神交融、天我合一的意境，即不

《都柏林人》读后感

[《都柏林人》读后感] 乔伊斯曾经说《都柏林人》的创作宗旨：“是要为我国的道德和精神史写下自己的一章”，《都柏林人》读后感。但我以为，通过乔伊斯那敏锐的观察力揭示出来的有关都柏林人的精神状况，也可以说是全人类，尤其是现代社会人的精神状况。比如，《姐妹们》和《圣恩》所暗示的天主教信仰衰落的事实既是都柏林存在的现象，也是整个世界现代化过程中，人类思想世俗化过程中相伴随的现象。而《一小片阴云》里那个被上司侮辱的小职员不正是现代资本主义社会中被资本所压迫的人的一个缩影吗？还有《痛苦事件》，那个保持自身独立的知识分子的思想，大概在所有自有知识分子的脑海中都能窥见相似的痕迹。总之，生长于都柏林的乔伊斯，在其作品中无疑会带有周围环境影响的痕迹，但是我们决不能将《都柏林人》仅仅担当做一部地域性的小说。从一种以人为出发点的视角去阅读，无疑将给我们带来更大的启示。《姐妹们》以一个现代主义风格浓厚的段落开头。直接切入叙事者的意识流。向读者有限地透露出佛林神父的信息。接着便是叙事者从其姑父、姑母和老柯特那里听来的对话。从众筛选出一条小而重要的信息：佛林神父死了。然后，叙事者自己夹叙夹忆起自己跟佛林神父的交情。但叙事者同他的姑母拜访居丧之家时，佛林神父的形象由他的亲人描述。从中，我们了解到了佛林神父的死因：因为打碎圣杯而积郁而死。结尾处提到众人看见佛林神父独自忏悔都认为他有毛病。这一细节似乎暗示着作者对都柏林人天主教信仰沦丧的忧虑。死人是不会说话和行动的。只有透过他人的嘴，我们才能了解都一个逝去的人的形象。因而，整篇小说就像是一个关于佛林神父的间接描写，通过众人的回忆，一个虔诚的天主教徒的形象油然而生！《一次遭遇》乔伊斯对人类内心的观察是极其敏锐的。这种敏锐表现在小说的最后一句话中：“他跑过来像是救我似的。而我却觉得懊悔；因为我内心总有些瞧不起他。”当小说中的叙事者“我”不愿意同一位老者继续交谈却无计逃脱时，拯救者出现了，可这个帮了“我”大忙的人却曾被“我”瞧不起，“我”的愧疚油然而生。《阿拉比》一个关于男孩暗恋的故事。小说起先着力刻画男孩心中无法遏制的爱火。接着着力渲染男孩

中国国画的五大特点

中国国画的特点的介绍，一共分五步进行讲解，其中部分观点来自中国专业字画交易平台-易从字画商城，查看更多好的字画作品也可以直接登录易从字画商城网站。中国国画的特点一：传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉：而西洋画呢？则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。但它非常讲究画面的整体、概括。有人说，西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，这是不无道理的。中国国画的特点二：中国画有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。中国国画的特点三：从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。中国国画的特点四：中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。中国国画的特点五：在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则饨，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓谈相生相融，做到浓中有淡，淡中有浓；浓要有最浓与次浓，淡要有稍谈与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。由于中国画与书法在工具及运笔方面有许多共同之处，二者结下了不解之缘，古人早有“书画同源”之说。但是二者也存在着差异，书法运笔变化多端，尤其是草书，要胜过绘画，而绘画的用墨丰富多彩，又超过书法。笔墨二字被当做中国画技法的总称，它不仅仅是塑造形象的手段，本身还具有独立的审美价值。以上谈的中国国画的特点，主要是指传统的中国画而言。但这些特点，随着时代的前进。艺

上海大学创意写作考研经验【新祥旭考研】

上海大学创意写作考研经验新祥旭考研：十年专注考研一对一辅导为时两年，我像发了醉梦一场。两年，任何一个年轻的生命，都可以经历许多不同于考研的事，能够去创业、去谈恋爱，或者去疯狂地玩一场，我却孤独地享受着每个夜晚的痛苦和快乐，以及每一份对文学的爱。金融跨考文学，这种荒诞和自我怀疑，让我进入默尔索的心里，审视着他在《局外人》中所受的那份煎熬。考研一战中国现当代文学，二战创意写作，到底made it。历经两次考研大战，得到录取结果，小小激动了一番，说胜利为时尚早，到底算是挺住了。《这个杀手不太冷》里，变态警察史丹，应着交响乐的节奏，左手打着节拍，右手便举枪射杀毒贩，他的一举一动随着想象的贝多芬，沉浸于杀人的艺术和癫狂之中，一如尼采奔上街抱住马颈大哭时的疯狂。有时细思，我的血液里是否也溶有未知量的吗啡，让我以一种近乎疯子的方式追求一个虚无的目标，所谓无知者无畏，原本对文学茫然无知，仅凭对写作的痴狂便一脚跨进从古希腊时期便源源流淌的文学之河。儿时，家里能找到的书便是父亲三三两两购得的路遥和王朔，这二位应该算得上我的文学启蒙者。《人生》中高加林为何不死心待在农村，却想法设法进入城市这不属于自己的天地？答案是：他回不去了。这个回答成为一个魔咒，在求学时始终让我无法回头，然而到底要为着什么，却毫无念头。兴许只是如《红楼梦》中那副对联，“身后有余忘缩手，眼前无路想回头”，不到黄河不死心罢了。小学时，老师布置了一篇作文《老师》，对作文一无所知的我由父亲代笔写了一篇，不过“老师是园丁，学生是花朵”云云。反遭老师鄙夷。人生最初接受的写作让我感到屈辱。然而，时光似乎能颠倒黑白，流光的奔驰能拨转方向，使“已经”又成为“未曾”。我做成了堂吉诃德欲求的事，不无夸张地说，写作逐渐成为我生命的一部分，那种屈辱反倒让我想要奉献终身，像对宗教的虔诚一般渴求艺术。在莽撞地四路碰壁后，我才进入这一方天地。1989年到1994年，木心与一班异国谋饭之人，讲了五年的世界文学史，这种近乎荒诞的文学聚会，虽不如昔长安逍遥园中鸠摩罗什聚众译经之盛，却能让我辈未曾亲身经历的人叹息不已。诺博到底弥补了这一缺憾。当我一头冲进文学世界，茫然望着一个多彩而杂乱的陌生世界，各个方向都是路，都通向某个写作方向，青春文学、网络文学、类型小说、严肃文学，所有既存的目标在这个写作的铁屋子里尚是未知。诺博的文学盛宴，逐渐让我明白，我自始至终热爱的就是最好的写作，写最好的作品。“文无第一，武无第二”并不是真理，文中高下皆取决于你当下以及未来的每一步。套用海子的《面朝大海，春暖花开》，从明天起，做个幸福的人，好好工作，好好读书，好好写作，自立自为自足，方不辜负文学。在写作的道路上，我并不是什么先知先觉的人，只是发了菩提心，欲求正果罢了。又或者我也如贾雨村一样，早已遇到煮粥老僧却仍处蒙昧。若让文学去改变世界，可能性不大，我也无此想法，只是不想辜负文学，不辜负艺术，即便如高行健所说的作家便是一种“生前无偿”的事业，我想，我，我们，也能做到庄子所说的“彷徨乎无为其侧，逍遥乎寝卧其下”，能够“无所可用”，“安所困苦哉”！关于上海大学创意写作考研一、文艺理论基础

中国画的特点

中国画的特点:意境、笔墨、章法布局处理所谓意境是指画中所体现的思想感情的境界。意是画家对物象在情感上的"妙悟"，所谓境是境界。意境是客观生活中事物在画家头脑中所反映的结果。就是画家在作画之前，通过对客观物象的深入观察、体验和认识（即感觉）所引起的主观感受，然后把生动而强烈的感受反馈于被描绘的物象，达到"物我两忘"的境界。并且，中国绘画主张"缘物寄情"、"以景寓意"、"以神取形"、"笔不周而意周，笔不工而心恭"。在概括客观物象的同时，必须融进画家的主观感受，透过描绘对象创造形象的方式来借以体现画家的主观感受，使主观情感和客观物象精神性格交融和转化，即"神遇"（石涛语）及"迹化"（石涛语）为可视可想的。产生动人心魄的意境。意境是构成一幅中国画的灵魂，其主题的确定，构图的布局和安排，形象的塑造，笔墨及造型的处理，无不受"立意"的主宰。王维在《山水论》中说："凡画山水，意在笔先"。张彦远说："夫象物必在于形似，形似须全其骨气，骨气形似，皆本于立意而归乎用笔"。总之，中国传统绘画历来重视立意问题。中国画第二个特点是对笔墨的注意中国画从立意到形象的塑造，总归于用笔用墨。谢赫在《六法》中将"骨法用笔"列为第二条。张彦远说："骨气形似，皆本于立意而归乎用笔"。中国画家以写代描，把笔意墨法置于首位。故使笔墨成为表达"意境"、"形神兼备"的重要条件。关于用笔。我国绘画很重视线的表现，用线来塑造形象。以线为骨，就是指以线为造型的骨架。为之"骨法"表现物象须有具体的线去塑造，其关键在于"用笔"。线在塑造形象中力的变化，功在于运用笔法。古今画家通过熟练的使笔、运笔，产生笔力、笔意、笔趣，形成虚实变化，浓淡相依，顿挫回旋，巧拙适度，富于节律的造型底线。中国传统画论中形容东晋·顾恺之的线如"春蚕吐丝"；形容唐·尉迟乙僧的线如"屈铁盘丝"；形容唐·吴道子的线为"吴带当风"；形容曹仲达的线为"曹衣出水"。所谓笔法即指执笔的方法和指、腕、肘的运用。传统的笔法为人所使，其法有中锋、侧锋、逆锋、顺锋、藏锋、露锋等法。所以掌握笔法（即用笔）的起止形态变化及行笔运转方向变化，使之随画意而使转，达到状形立象、传情达意。关于用墨。中国传统绘画一贯是主张用笔和用墨的。清·恽南田说："有笔有墨谓之画"。论用笔必然要论用墨，谈用墨必谈用笔。所以，笔与墨在中国画中是相互依存、相互为用的。有笔，墨才能变化；有墨，笔才能显现。故"笔为画之骨，墨为画之肉，有笔无墨非也，有墨无笔亦非也"（潘天寿语）。然而，中国传统绘画尤重用墨。笔以达气，墨以生韵。用墨表现画面的气韵，求得生动是很重要的。中国之墨经用笔引发和水的渗化，可变化出浓、淡、干、湿、黑、白（纸的本色）不同层次的色彩感。古人谓之"五墨六彩"。中国传统绘画用墨大约始于唐，经五代到宋确立了用墨的重要地位，嗣后经元、明、清得到长足的发展渐次完备了用墨之法。古代绘画用墨法很多，有浓墨法、焦墨法、淡墨法、泼墨法、破墨法、积墨法、宿墨法。归纳其要者，谓之破墨法、积墨法、泼墨法三种。破墨法即淡破浓，浓破淡，干破湿，湿破淡，以水破淡之法，备求墨色的浑化对比。泼墨法即以多量的水份调墨，要求不能太均匀，而后随笔泼洒，一次完成，以求墨色浑化自然、润泽。积墨法即在淡墨上层层加深，每次待干后复加之。求得墨色层次既有变化而又浑厚。此三种

都柏林人英文读后感By reading Dubliners

By reading Dubliners, I'm deeply impressed by the vivid description of the musical air, sophisticated inner thoughts as well as the compact plot which makes it readable. Eveline, from James Jorce's short novel Eveline, is a tragic character. Within a short coverage of only 5 pages, James dug deeply into this girl's life, thoughts and fate. Life is like a libra, you have to weigh it. On the one side, there is the boring daily rountine of hard work, dull job,father's maltreat, lightless future, the same life trace and poor ending like her mother's. But at least Eveline could have a shelter and enough to eat. On the other side, there is the most attractive unknown future, love from Frank, adventurous life in a new continent, a new world. However, the uncertainty also could drive one frenzy. To start life in a unsecure state, and accept the unsecure love of possibility is not an easy option. Anyone who faces this kind of choice would be drown into hesitation, needless to say that it happens in that age, that place, to that thoughtful girl, Eveline. Her name is as beautiful as evening. And the story happens to start during a silent night with an air of Italian melofy. Her tender thoughts adds to the softness of night. The memory of the teenage is one of the handful treasure she can bring out and count joyfully now and then. Besides, her brother is her tender of heart. Even the few shining points of his despicable father have been carefully kept. Kind, mild, and diligent, she has inherited all the virtues as well as weakness from her passed-away mother. However, under the veil of night, there can also be tide water and undercurrent. Youth is the power which fight againsts all those old tradition, those ugly convetion and all that is of the past. Eveline feels the requirement to love, breath and live a life as she likes. She dreamed to sail on sea, live in a new continent which might be of light and hope. Deep from her heart, she cries hard, making a declaration that her own era is coming. As Eveline draws back at the port, all her careful plan and tired struggle become vain. She, as the only supporter of the family, cannot release her burden and responsibility as she supposed. Having responded to her mother's will, she is bonded to a life of tiresome, maltreat and boredom, the typical life of labour-class woman of that age.while a new life is waving at her, she does try several times before all her line of defence collapses. We can see how her decision fluctuates from the description of the ship. She used to dream day and night to set on board such a ship representing a bright future and happy life. But, at that moment, it becomes a black mass. The weather is misty while the whistle of the ship is mournful. In such a sad atmosphere,her failure is also our failure, human being's failure. Actually, in our lives, we may act as Eveline sometimes. On one hand, we dream about something new, fresh, something which can erase all the old regulation that makes us sick.on the other hand, we are not brave enough to embrace a unknown life, though it may be fabulous. Life under control is our lovely, familiar last stray. What's more, we are too easy to adapt to everything. That's not bad in some aspects, But it kills our aspiration to go on voyages, to sail on the sea. Eveline does not find it totally an undesirable life, though hard. In our life of only several decades, we could save ourselves only by jumping from the bank to the board, a task left by Eveline, remaining to be finished. And I think that's Jame's will.

都柏林人读后感范文

都柏林人读后感范文都柏林人读后感范文读完一本经典名著后，你有什么体会呢？是时候抽出时间写写读后感了。那么读后感到底应该怎么写呢？以下是小编为大家整理的都柏林人读后感范文，希望对大家有所帮助。初次邂逅James Joyce的作品，是在连续读了几卷Proust的《追忆似水年华》之后，发掘了意识流文学的新境界，开始特别留意于那种暗流轻涌又波澜暗藏的写作手法，于是便陆续找了许多意识流派的书籍，其中不乏Virginia Woolf与William Faulkner的诸多作品。而其中我特别留意的是文学家萧乾提到的他在剑桥求学时几番磋磨也读透不了的Joyce的《尤利西斯》。我便怀着半分憧憬半分犹疑抱来他的几本著作，《都柏林人》那种直面爱尔兰社会底层而触发的清冷深刻的笔调使它这几卷书之间透着幽微又坚定的光芒，为我打开爱尔兰文学别开生面的一页。《都柏林人》是一部由十五篇短篇小说汇集而来的.故事集，分立开来却凝汇成共同的主题，Joyce仿佛是在用这十五个故事描画了一卷犀利、客观又细腻深刻的都柏林社会总览。如果以审视印象画派的目光审视这部作品，那么它的色调一定是朦胧幽深的灰蓝，仿佛爱尔兰劳工在铁路上被煤灰熏染的衣衫。整部作品大都采用白描的手法，意识流的痕迹较淡又有微微显露，大都以精心斟酌的视角截取爱尔兰底层人民的生活横断面，从而向读者反映他们的精神世界与心理状态。见微知著是《都柏林人》在写作上的一大特色，作者的笔触冷峻而淡远，试图以最冷静客观的角度透露其意旨。透过现实主义与象征主义两大桥梁，Joyce借白描与讽刺无声痛喝了19世纪20年代麻木不仁，死气沉沉的爱尔兰社会，表达了对沉闷麻木的爱尔兰青年一代的痛心与渴盼人们觉醒与社会蓬勃的情感。本书开篇的《姐妹们》中囚禁于宗教而碌碌一生的弗林神父，《一小片乌云》中沉溺于虚幻臆想的小钱德勒，《痛苦的事件中》缺乏归属感的杜菲先生与西考尼太太等等都是孤独麻木，毫无斗志的都柏林人的代表，在阴云笼罩的爱尔兰社会，孤愤而绝望的Joyce 从青年一代上看不到觉醒的希望，便把一腔情绪借其独特的白描手法缓缓倾注于这部短小

中国水墨画介绍

中国水墨画介绍水墨画：由水和墨经过调配水和墨的浓度所画出的画，是绘画的一种形式，更多时候，水墨画被视为中国传统绘画，也就是国画的代表。也称国画，中国画。基本的水墨画，仅有水与墨，黑与白色，但进阶的水墨画，也有工笔花鸟画，色彩缤纷。后者有时也称为彩墨画。在中国画中，以中国画特有的材料之一，墨为主要原料加以清水的多少引为浓墨、淡墨、干墨、湿墨、焦墨等，画出不同浓淡（黑、白、灰）层次。另U有一番韵味称为"墨韵”。而形成水墨为主的一种绘画形式。 1简介水墨画，是中国绘画的代表，也就是狭义的“国画”，并传到东亚其他地区。基本的水墨画，仅有水与墨，黑与白色，但进阶的水墨画，也有工笔花鸟画，色彩缤纷，后者有时也称为彩墨画。中国水墨画的特点是：近处写实，远处抽象，色彩微妙，意境丰富。黑白调子的水墨画早期都是以山水画的形式来表现的，虽然仅有黑与白，但因为纸色的关系，其实是略为偏黄的。彩色的水墨画在近代有泼墨山水的应用，也有水墨动画的应用。与水墨画有关的还有水墨版画。与一般版画不同的是，水墨版画虽然也是木刻版画，但使用宣纸做为纸材，在不同的地方重复水墨印刷，层层渲染的效果，使得每一张作品都明显不同，也具有水墨画的美感。中国画的一种。指纯用水墨所作之画。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明朝及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。 “墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提后人宗之。长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。水墨画是中国画的一个分支结构，是组成中国画体系的元素之一。从物理的角度，水墨画就是用毛笔蘸着墨和水的合成物，描绘在宣纸上的一种绘画形式。 2艺术特征水墨画是中国汉族特色较强的一种绘画艺术形式，借助具有本民族特色的绘画工具和材料（毛笔、宣纸和墨），表现具有意象和意境的绘画。其特征主要有两个方面，一是从工具材料上来说，水墨画具有水乳交融，酣畅淋漓的艺术效果。具体地说就是将水、墨和宣纸的属性特征完美地体