芭蕾舞的8个特点

以芭蕾舞的基本动作作为训练内容，其健美力度是量般健身运动无法比拟的，开、蹦、直、立是芭蕾的四大要素，具有收缩肌肉纤维的功能，使身体各部位发展均衡，姿态优美挺拔，同时在悠扬的音乐伴奏下，让美丽得到直观又含蓄的展现。现代热舞也并非一味的激情、豪放，它舒缓放松的舞步，正是兼容了芭蕾的优雅！

芭蕾舞最早起源于意大利，是从15世纪的贵族宫延演出演变来的，那时的题材古代传说为主，兼有舞蹈、哑剧、歌曲和朗诵表演，并有豪华的服饰布景和音乐伴奏。在法国路易十四时期，芭蕾得到了迅速发展，成立了第一所皇家舞蹈学院，对芭蕾训练进行了规范化的研究整理，确定了一套沿用至今的芭蕾舞动作体系。

1 “直”是指主力腿和动力腿的膝盖伸直，后背的垂直，换句话说就是把全身肌肉拉长，使芭蕾的舞姿达到舒展，长线条完美的视觉造型。这是古典芭蕾审美的根本标准之一。还有一种指芭蕾是直线艺术，在舞台中的运动路线多呈直线形，这也与西方国家的思维方式一致。这一点与中国的“圆、曲线”的审美标准有很大的不同。身体与地面垂直也是古典芭蕾技巧所必须的，如旋转技巧，动作时除了全身收紧向高空发射外，更重要的是颈、背、腰、臀垂直于地面，使力量集中在体内的中心线上，只有这样才能使你的旋转运动起来，否则所有的旋转无从谈起。

3 “轻”是指舞者动作轻盈、自如，如：跳跃动作，起跳和落地时加强身体的控制能力全身看起来很放松动作自如，特别是落地时，需要脚趾、脚掌、脚跟依次落地并微微下蹲，就象小猫脚上带有肉垫一样，没有声音。就像前苏联芭蕾大师乌兰罗娃所说的：“使舞姿轻巧的是跳舞匠、轻盈才是舞蹈家”。一名优秀的芭蕾舞蹈家即使在很累的情况下，也能很好的控制自己的身体和气息，总是把优美、轻盈的舞姿展现给观众。给人以美的视觉享受和心灵愉悦。

4 “准”是指准确完成每个动作和舞姿的规格要求，使动作运动路线和位置准确。有人做过实验，一名技术过硬的舞者在训练时，做了100次的Battement tendu（擦地）他的脚尖每次都擦至在一个点上，其路线也丝毫不差。即使技术性很强的动作也毫不例外。又如：空中转两圈（720度），舞蹈者五位脚起跳在空中保持良好的舞姿后，落地时还准确地落在五位上，在古典芭蕾中这一点显得格外重要，即使技术含量再高的动作，也要表现的准确无误，否则古典芭蕾的动作

规范会变形，也即将失去光彩。

5 “稳”是指动作要做得不仅准确而切稳健、扎实，比如芭蕾中有许多双人舞的托举技巧，需要男女演员默切，不要让观众感觉到女演员快要掉下来一样，动作做得东倒西歪，让观众提心吊胆观看，这样的话还不如去看惊险刺激的杂技表演。还有做旋转动作时要求演员在旋转中保持良好的稳定性，结束时要使舞姿准确地、稳稳地停在一个点上，再加上音乐的渲染，作品的艺术表现力会让观众报以热烈的掌声。

6 “美”芭蕾舞和其它舞蹈一样也是一种观赏性极强的视觉艺术，需要一举一动都要有美感，芭蕾舞对美的要求是极高的。是“流动的音乐、活动的雕塑”。象音乐一样受时间的限制，象雕塑一样受空间的影响，编导家门通过发现美，运用美的舞蹈形式反映美的生活，而观众通过对舞蹈美的感知进行想象创造，从而在情感上引起共鸣。

7“开”就是指舞者不分男女，均需肩、胸、跨、膝、踝，五大关节部位左右对称的外开，特别是两脚向外180度的展开，最大限度的延长了舞蹈者的肢体线条，扩大舞蹈动作的运动范围，增强了表现力，同时也增强身体的平衡能力和运动的灵活性。美国著名舞蹈评论家珍妮·科恩指出“芭蕾的古典风格是以脚的五个位置为基础的动作。这五个位置中表现出外开的本质是指两腿以髋关节处向外旋转。表演

时，在舞台有限的空间内炫耀和张扬贵族的气派。”（正象有人所说，芭蕾舞脚位的一位表现重视，二位表现自信，三位是谦虚，四位是自豪，五位是艺术效果。）贵族气度不仅是芭蕾重要的历史体现，也是审美标准的重要组成部分，通过系统的、科学的训练使身体达到非职业舞者所不能的境界，使身体理想化、职业化。

8“绷”是指舞者踝部脚背的绷直，是古典芭蕾审美的根本标准之一。绷直的训练主要是通过Battement tendu（擦地）的练习，以及在各种跳跃的过程中下肢收紧，脚跟、脚掌、脚尖依次推地向高空跳起，使身体线条延长。以Battement tendu（擦地）为例，动作时脚跟推动脚背、脚尖向外擦出，一直到脚趾尖擦到最远的点，脚趾尖勾向脚心，同时仍然保持延伸的感觉，好象要穿破地板继续延伸。芭蕾是一种线条性艺术，只有各部位的绷直才能使观众有延长肢体线条的视觉感，只有通过绷才能在有限的空间内使肢体末稍具有放射性，使舞姿更加舒展。芭蕾曾在一段时期内追求“灵空”，舞者要有使舞姿轻盈飘逸的艺术魅力，也只有通过绷才能使肌肉收紧，产生上升的动势。

论中西方芭蕾舞之异同

“神似”与“形似” -----论中西方芭蕾舞之异同芭蕾——始终给我优雅、高贵、脱俗的感觉，也一直渴望穿上白天鹅的芭蕾舞裙，在舞台上哪怕唯唯诺诺的演出一次也好，恨自己只会幻想，喜欢了这么久的芭蕾竟从没有真正的打算去了解她、探究她，如果不是因为老师布置了这个题目，我不知道这个问题会不会就这样被我拖进那如死水一潭的混沌生活中…… 此习作所有与芭蕾专业相关之文字全部选自《芭蕾舞及教学论研究》（著·人民出版）一书。我们开始吧—— 芭蕾（Ballet）是一门表演细腻、技艺精湛、魅力无穷、使人心旷神怡的艺术。它那优雅的舞姿、轻盈的跳跃以及富有韵味的脚尖旋转常常把人们带入梦幻般的艺术世界，她的高雅与美妙堪称人类文明进步的精华，被奉为“舞蹈艺术皇冠之珠”。芭蕾艺术从诞生至今已有500多年的历史了，早在文艺复兴时期的意大利，在人文主义思潮影响下的人们开始总是人体的价值和作用，再加上古罗马和古希腊古典文化遗产的深远影响，意大利成为文化复兴的发源地，从而推动了社会的经济、科学和文化的迅猛发展，尤尤其是在艺术上出现了前所未有的繁荣。芭蕾就是在这样的历史背景下，在古朴的民间舞基础上，从一种游戏性质的舞蹈开始，在意大利宫廷中逐渐形成了一种具有确定风格、舞步与技巧的艺术形式。“早期的芭蕾在萌芽时期，吸收了各种不同的养料，其中在戏剧结构和演出形式上，早起芭蕾借鉴了希腊的悲剧和喜剧、罗马的拟剧，乃至于中世纪的职业喜剧；罗马的拟剧对芭蕾中哑剧成分的形成起了重要的作用；最初的芭蕾动作语汇，则更是直接搬用了当时的宫廷舞会上的舞步，以及整理吸收了以种种形式流传下来的欧洲民间舞蹈”。此后，经过数代芭蕾舞教师、编导和演员不断的充实和发展，古典芭蕾技术技巧越来越丰富，直到19世纪20年代，脚尖技术开始被广泛采用，双人舞的托举技巧也开始逐渐发展起来，古典芭蕾技术的难度和表现力得到了很大的提高。芭蕾虽然起源于意大利，但却成型与法国，又在俄国达到鼎盛，最后从各国走向世界各地。在整个500多年的发展过程中，芭蕾先后经历了五大时期：早起芭蕾时期（启蒙主义时期）、浪漫芭蕾时期、古典芭蕾时期、现代芭蕾时期，最后是当代芭蕾时期。纵观其发展历史，我们不难看出它是那样的魅力无穷，以顽强的生命力活跃在世界舞坛。芭蕾在发展的萌芽时期是没有脚尖技术的，在历经了文艺复兴、古典主义、启蒙运动、浪漫主义、现实主义等较长的复杂发展之后，直到19世纪20年代，脚尖的精湛技艺才获得重大的发展，而今天的芭蕾在经过几百年的发展后形成了一套系统的、科学的、趋于完美的教学体系，并在这个基础上形成了世界公认的六大芭蕾学派：意大利学派、法兰西学派、俄罗斯学派、丹麦学派、英国学派和美国学派，这六大学派有共同的审美特征，但是，它们还有各自不同的文化背景、教育思想、风格特点和训练细节。由于各个芭蕾学派产生的时期有别，所以各个学派的相互影响无疑是存在的。芭蕾对于中国来讲是舶来品，它的发展在一定程度上是借鉴其他学派的风

关于芭蕾舞赏析

关于芭蕾舞赏析对于一位初学者而言，形体芭蕾的入门课程一般着重于提高学员的基本素质并调整他们的形体姿态。下面是整理的一些关于关于芭蕾舞赏析的资料，供你参考。一、芭蕾艺术赏析芭蕾(Ballet)，15世纪的意大利初次出现该词。广义上讲，它泛指各种舞蹈和舞蹈剧目。凡是以人体动作和姿态，表现戏剧故事内容，或是某种情绪心态的舞蹈演出，都可以称之为芭蕾。狭义上讲，它是古典芭蕾的略称，专指15世纪出现的，经三百年发展而成的，有严格的审美标准和技术规范的古典舞种。芭蕾产生于15世纪文艺复兴时期的意大利。最早出现在一种城邦君主炫耀财富，权利的歌舞演出中。比如说1489年出现大与舞会礼仪舞蹈近似的，是表现希腊神话故事的“席间芭蕾”，这是一种兼有朗诵，舞蹈，音乐，杂耍的综合表演形式。这种形式传入法国宫廷后，颇为流行。到1581年，则出现了奢华的长达5个小时的《皇后喜剧芭蕾》，这是第一部较为完整的芭蕾舞剧。芭蕾在吸收了古希腊舞蹈，古罗马的拟剧表演和意大利的职业喜剧，中世纪杂耍者的艺术，法国和意大利宫廷舞会的舞蹈以及欧洲各国的民族民间舞的营养后，接受了古典注意审美理想的规范。

18世纪以前，法国芭蕾多以歌剧中的插舞形式出现，或是单纯的技巧炫耀，没有独立的艺术地位。当启蒙主义运动兴起时，“自由，平等，博爱”的口号，艺术摹仿自然的思想引导芭蕾编导们，开始注重描述和表达“生而平等”的人的情感。在法国，宫廷芭蕾出现了内部的革命一些著名的表演家逐渐地抛弃了假面，假发，突出了细腻的表情，要求动作符合人物的形象，性格，也称形象芭蕾。这些都为情节芭蕾的产生和发展提供了必要的条件。随着西欧芭蕾再次顺应上层人士的消遣品味，变得空洞乏味，而走向衰落时，芭蕾却在俄国迎来了它自身最辉煌的时期。《睡美人》，《天鹅》的问世，无论舞台规模上，还是动作技巧，舞剧结构的完善上，都显示了古典芭蕾最为经典的形象和它的终结形态。与此同时，19世纪末的芭蕾艺术也因动作语言的高度程式化，陷入了僵化和陈腐，从而走向了全面的衰落。现代舞正是以反对芭蕾的墨守成规和束缚身心的传统为契机，爆发的一场身体解放运动。当然，来自于芭蕾内部的改革，也是这场运动的一个重要内力。福金，尼金斯基等芭蕾编导都吸收了东方和古代文化中营养，并加以变形，对外开，趾立的动作审美标准提出了挑战。佳吉列夫俄罗斯芭蕾舞团在欧洲与北美的演出，不仅复兴了这门从欧洲发源的艺术，而且全面地推动了美国芭蕾的发展，起到了播种的作用。在舞团中，本世纪最伟大的男芭蕾舞演员之一，尼金斯基则以《牧神的午后》，《春之祭》开创了现代芭蕾的先河。留守美国的俄国编导巴兰钦创造了无情节的纯芭蕾，以纯粹的人体形式美重新激发了人们

简述世界芭蕾五个时期的风格特点

简述世界芭蕾五大时期的风格特点摘要：芭蕾，法语Ballet的音译，素有“西方文明的结晶”、和“贵族艺术”的称谓，还有“高雅艺术”、“脚尖舞”的别称。世界芭蕾被划分为五大时期，分别是早期芭蕾、浪漫芭蕾、古典芭蕾、现代芭蕾、当代芭蕾。不同时期的芭蕾有其不同的风格特点。关键词：世界芭蕾五大时期风格特点正文：早期芭蕾风格特点早期芭蕾是指从1500年到1832年间的芭蕾。17世纪启蒙运动在法国掀起，对欧洲芭蕾产生了巨大的影响，芭蕾从歌剧的余兴节目中脱离出来，成为具有戏剧情节的一种艺术。这个时期的舞者，不像现在具有修长的肢体和灵巧动作，以及丰富多变的高难技艺，再加上当时舞者穿着沉重服装，表演时需要佩戴各色面具，从而与我们今天看到的芭蕾形象大不相同。在这期间，出现了“历史上第一部比较完整的芭蕾舞剧”——《皇后喜剧芭蕾》。这一巨作中，最吸引人眼球的事众神林立、香水喷涌、富丽堂皇、精美异常的花车以及坐在上面的智慧女神雅典娜。可以总结出，这一时期的芭蕾受封建思想约束较为严重，人们思想还不够开放，处于对神的深切崇拜之中，芭蕾的发展几乎完全是为贵族阶级服务的，发展不够全面。浪漫芭蕾风格特点浪漫芭蕾是指从1832年到1876年间的芭蕾。这一时期的芭蕾在舞剧题材上创造的是“童话神话”的取向；在审美观念上奠定的是“轻盈飘逸”的理想；在动作指向上确立的是“垂直向上”的习惯；在服装风格上形成的是“白色纱裙”的模式。因而“浪漫芭蕾”也称为“白裙芭蕾”。这一时期芭蕾的最大贡献是推出了后来成为芭蕾身体语言符号的经典技艺——脚尖舞。这一时期的代表作是被称为“芭蕾之冠”的《吉赛尔》，其中幽灵吉赛尔

论中西方芭蕾舞之异同

神似”与“形似” -- 论中西方芭蕾舞之异同芭蕾——始终给我优雅、高贵、脱俗的感觉，也一直渴望穿上白天鹅的芭蕾舞裙，在舞台上哪怕唯唯诺诺的演出一次也好，恨自己只会幻想，喜欢了这么久的芭蕾竟从没有真正的打算去了解她、探究她，如果不是因为老师布置了这个题目，我不知道这个问题会不会就这样被我拖进那如死水一潭的混沌生活中…… 此习作所有与芭蕾专业相关之文字全部选自《芭蕾舞及教学论研究》（李永明著?人民出版社出版）一书。我们开始吧—— 芭蕾（Ballet）是一门表演细腻、技艺精湛、魅力无穷、使人心旷神怡的艺术。它那优雅的舞姿、轻盈的跳跃以及富有韵味的脚尖旋转常常把人们带入梦幻般的艺术世界，她的高雅与美妙堪称人类文明进步的精华，被奉为“舞蹈艺术皇冠之珠”。芭蕾艺术从诞生至今已有500多年的历史了，早在文艺复兴时期的意大利，在人文主义思潮影响下的人们开始总是人体的价值和作用，再加上古罗马和古希腊古典文化遗产的深远影响，意大利成为文化复兴的发源地，从而推动了社会的经济、科学和文化的迅猛发展，尤尤其是在艺术上出现了前所未有的繁荣。芭蕾就是在这样的历史背景下，在古朴的民间舞基础上，从一种游戏性质的舞蹈开始，在意大利宫廷中逐渐形成了一种具有确定风格、舞步与技巧的艺术形式。“早期的芭蕾在萌芽时期，吸收了各种不同的养料，其中在戏剧结构和演出形式上，早起芭蕾借鉴了希腊的悲剧和喜剧、罗马的拟剧，乃至于中世纪的职业喜剧；罗马的拟剧对芭蕾中哑剧成分的形成起了重要的作用；最初的芭蕾动作语汇，则更是直接搬用了当时的宫廷舞会上的舞步，以及整理吸收了以

种种形式流传下来的欧洲民间舞蹈”。此后，经过数代芭蕾舞教师、编导和演员不断的充实和发展，古典芭蕾技术技巧越来越丰富，直到19世纪20年代，脚尖技术开始被广泛采用，双人舞的托举技巧也开始逐渐发展起来，古典芭蕾技术的难度和表现力得到了很大的提高。芭蕾虽然起源于意大利，但却成型与法国，又在俄国达到鼎盛，最后从各国走向世界各地。在整个500多年的发展过程中，芭蕾先后经历了五大时期：早起芭蕾时期（启蒙主义时期）、浪漫芭蕾时期、古典芭蕾时期、现代芭蕾时期，最后是当代芭蕾时期。纵观其发展历史，我们不难看出它是那样的魅力无穷，以顽强的生命力活跃在世界舞坛。芭蕾在发展的萌芽时期是没有脚尖技术的，在历经了文艺复兴、古典主义、启蒙运动、浪漫主义、现实主义等较长的复杂发展之后，直到19 世纪20年代，脚尖的精湛技艺才获得重大的发展，而今天的芭蕾在经过几百年的发展后形成了一套系统的、科学的、趋于完美的教学体系，并在这个基础上形成了世界公认的六大芭蕾学派：意大利学派、法兰西学派、俄罗斯学派、丹麦学派、英国学派和美国学派，这六大学派有共同的审美特征，但是，它们还有各自不同的文化背景、教育思想、风格特点和训练细节。由于各个芭蕾学派产生的时期有别，所以各个学派的相互影响无疑是存在的。芭蕾对于中国来讲是舶来品，它的发展在一定程度上是借鉴其他学派的风格特点发展而来的，对中国芭蕾影响最深的要数俄罗斯芭蕾学派，从上个世纪80 年代以后，世界其他国家和其他学派的芭蕾开始进入我国，为我国芭蕾的发展输入了新鲜的血液法国芭蕾的特点： 1、舞姿华丽优雅、动作轻盈纤细； 2、手型美丽柔和、技术高超潇洒； 3、舞艺高超，擅长戏剧表演；

浅谈芭蕾的美学特征

浅谈芭蕾的美学特征摘要：古典芭蕾舞具有独特的审美特征，它的形体及动作姿态完全符合几何构图的科学性。用几何构图的抽象线条来设计动作姿势，是以古希腊文明为源头的西方舞蹈文化的一个重要特征。芭蕾舞是一种观赏性极强的视觉艺术，演员的一举一动都需要具有美感。本文从美学角度分析芭蕾舞的审美特征，了解、掌握其艺术规律，能够帮助我们欣赏和鉴别古典芭蕾舞艺术，对提高艺术素质和艺术修养有着重要意义。关键词：芭蕾舞，基本舞姿，美学特征古典芭蕾舞是一种系统、科学、规范的艺术，经过几百年的发展，它形成了一套科学、系统、完整、规范、严谨的训练体系，并且具有独特的审美特征，它的高雅与美妙称得上是人类文明进步的精华，其优雅的舞姿，轻盈的动作时常令人痴迷，产生如梦似幻的体验感觉，它的形体及动作姿态完全符合几何构图的科学性。用几何构图的抽象线条来设计动作姿势，是以古希腊文明为源头的西方舞蹈文化的一个重要特征。通常人们认为西方舞蹈强调人为的形式，而东方舞蹈则顺从自然的形式。但是我们发现在西方舞蹈形式的纯粹抽象中追求的“黄金分割比”也是符合“人体自然”的。古希腊人认为数学的原理是一切事物的原理，舞蹈作为人体的“动”，也是存在于数学意义上的一种平衡。这种平衡的基础便是被古希腊哲学家柏拉图誉为“黄金分割律”的0.618，又称为“黄金律”或“黄金比”：如头顶至脐与脐至脚底之比：臂宽与躯干之比：下肢长度与上肢长度之比：下肢长与身长之比;眼高与脸长之比;前额到鼻孔的距离与脸长之比等等。传统的芭蕾舞技术是是建立在外开、伸展、绷直的基础上的，它包括五种脚的位置和三个基本舞姿，在此基础上，最终归纳把它的审美标准归纳为“开、绷、直、立、轻、准、称、美”八个方面。芭蕾舞是一种观赏性极强的视觉艺术，演员的一举一动都需要具有美感，“开、绷、直、立、轻、准、称、美”八个方面都是其审美特征的要求与体现。最大限度地延长肢体的线条，扩大舞蹈动作的范围，增强表现力，同时也增强了身体的平衡能力和运动的灵活性;舞者只有将身体各部位“绷”直，才能使观众有延长肢体原有线条的视觉感，并且芭蕾是一种放射性的艺术，因此必须通过“绷”才能将肢体放射到舞台当中，在有限的空间内使能量聚集在肢体末梢部位，使舞姿更加舒展。通过“绷”还可以使肢体各部位的肌肉能量向身体的中垂线上凝聚，也只有通过绷才能使肌肉收紧，从而产生上升的动作态势。这也符合芭蕾曾在一段时期内追求“灵空”，呈现出舞姿轻盈飘逸的艺术魅力;“直”是指双腿膝盖伸直以及后背的垂直，也就是将身体垂直、拉长，使舞姿舒展、优雅，达到完美的长线条视觉造型;芭蕾中的“立”在直的基础上的升华，是芭蕾从形体美到动作美的整体概念。“立”具有一种延伸感，在脚力踩向地面的同时，脖子向上拉长，有着脚踩地头顶天的感觉。“立”会给人带来一种提升感觉，这种感觉能给人带来一种轻盈、敏捷、精神、高贵美的气质，而这些正是芭蕾所要的审美标准。芭蕾艺术共同的美学原则是“开、绷、直、立、轻、准、稳、美”8个字。“开、绷、直、立”这四大审美标准是基本;而“轻、准、稳、美”则是在“开、

芭蕾舞的训练特点

芭蕾舞的训练特点芭蕾舞的训练特点一、系统性特点古典芭蕾基训是经过美化和规范化了的动作系统,尽管动作的表现形式多动多样,但仍是具有严格的规范性和自身的程式,在训练中尤其强调有序、标准和系统。虽然在世界各国的古典芭蕾训练中呈现出不同的风格特征,但又可从中清晰地找到其共通之处,甚至规定的动作和规范的教材。这一特征亦决定了古典芭蕾基训的最重要的教学要求,即十分注重教学的循序渐进的、由易到难的过程。古典芭蕾基训是经过上百年的实践证明,可以在一定时间内提高学生基础性技术能力并满足其需要能力要求的。 (一)教材内容的系统性古典芭蕾基训本身的系统性决定了教材内容的层次性。每门学科教学内容都有自身的系统性、阶段性和层次性。我们人类的认识也是从初级到高级不断深入,并创新进而推动科学和事物的发展。从这个认识实践过程来讲,我们学科的教育在遵循学生可接受性原则的一前提下,就必定是分阶段、逐步提高的。学科的教材内容要符合训练的系统性不能简单的处理、形成零碎的、割裂的教学内容,应该真正做到培养学生的能力和素质。古典芭蕾基训就是这样一套完备的、系统的,经过实践检验过的教学体系。

同时芭蕾以一种规范化的、系统化的、科学化的艺术形式在世界各地传播和发展,从某种角度来说,这也就显示着其芭蕾教材具有一定的层次性和连续性,是符合人体肌肉和骨骼的发展运动规律,能够成为人体技术能力基础训练及提高的训练体系。在芭蕾教学中,每一个练习的动作都是精心设计的,课堂的教学条理清晰,动作组合层层递进,并且清楚、明确、有纲可循。 (二)训练的系统性古典芭蕾基训要求的原则和目的始终坚持和遵循一定的人体训练规律,组合的训练目的不仅要注意训练目的,还要考虑到其训练逻辑性,应该有计划性的根据学生的程度设定教学目标。初学芭蕾的学生的在教学上必须注意古典芭蕾的规范性之后,从简单的组合或者舞句开始学习,注重动作训练量的积累。而一位成熟的芭蕾舞者教学任务要在规范性的基础匕不断变化组合的动作,通过提高组合训练的难度来提高舞者自身专业的能力。另一方面,古典芭蕾基训的课堂教学内容和安排都是由学生和教师双方共同完成的。教学中教师根据学生的问题和能力来设定教学目标,以及学生如何能够自觉的参与教学中,形成一种积极主动的学习都是教学过程得以顺利进行、教学计划得到快速实现的重要因素。 (一)原地训练稳定性是古典芭蕾舞中各种基础知识之一,也是技术能力训练的基础。稳定性贯穿于每个动作、技巧、旋转、跳跃、空翻等等。

芭蕾舞姿浅谈

芭蕾舞姿浅谈浅谈芭蕾舞中舞姿的重要性摘要芭蕾是一门高雅、富有魅力的艺术，芭蕾是一种人体语言艺术，四肢、头部、面部表情及人体动作则是构成舞蹈语言的基本要素。完美的舞姿在舞蹈中是非常重要的，所以本文旨在对芭蕾舞蹈中舞姿的分析，说明舞姿对舞蹈的重要性。芭蕾舞蹈是以人的肢体作为表现工具的艺术，从古典芭蕾舞的开、绷、直、立及脚尖的躯干到手臂及背部的审美，它普遍为人们所接受。芭蕾舞中具有雕塑性造型、有节奏的运动、和谐的舞姿画面，都给人们以美的愉悦。透过这些所表现出来的人的生命不息的舞蹈运动，表现出来的芭蕾舞蹈着强烈的思想和感情，给人们以舞姿美的享受和审美教育。关键词：芭蕾舞；舞姿；艺术；审美；表现力引言芭蕾舞是高雅的，芭蕾舞是优雅的。它不仅是“舞蹈艺术皇冠上的明珠”，还是“西方文化的最重要结晶”。在芭蕾舞的“轻、高、快、稳”中，充分地体现了西方人、在社会、政治和经济文化发展中的一系列规范精神：它是坦率直接的、优雅克制的、精确有力的，同时又是极具审美意味的。在芭蕾舞中你可以看到骑士风度的完美展现，也能看到基督教的神圣地位等，芭蕾舞构建的这种完美基础，就需要每一种悠美而细腻的舞姿。舞姿在芭蕾舞的重要性不言而喻，是芭蕾舞者表演手段的唯一方法，没有一系列好的舞姿串联在整个舞蹈中，这支舞蹈就失去了它的灵魂。所以，本文通过对芭蕾舞的舞姿介绍，来说明舞姿在芭蕾舞蹈中的重要地位及意义。芭蕾不仅是一种舞蹈，它的本质是诗、是画、是情、是一部完美的交响乐章。朦胧的诗情，淡雅的画意，都能得到芭蕾舞完美的体现。因此，在芭蕾舞美学的殿堂中，像巴夫洛娃、乌兰诺娃和马卡洛娃这种善于表演《白天鹅双人舞》的明星舞姿翩翩，永远高居榜首。而那种只能完成《黑天鹅双人舞》的技巧明星，则只能屈居第二，即使芭蕾舞技巧32个“tour féneffé”引来雷鸣般的掌声也不能提高其审美的品位。在这一点充分的说明了芭蕾舞姿对于表演力的重要性。芭蕾舞，这种“线条运动”是一种“放射性艺术”，它要求芭蕾舞者四肢最大限度地打开，以轻盈的腾跃和身体向上为重要的舞蹈符号，成为抵抗地心吸引力从“必然王国到自由王国”的领导者，“追求彼界空灵的艺术”，指向精神的无限，达到灵魂和肉体的巧妙合一。

西方舞蹈系列之芭蕾舞的审美特征

西方舞蹈系列之芭蕾舞的审美特征芭蕾舞鞋通过20年来于海内外的学习与研究，我从古典芭蕾的种种审美理想和技术规范中，逐步整理并概括出了四句口诀，以便形象地说明先天的“条件”与后天的“能力”和“技术”，对于古典芭蕾舞者提出的、非常具体的审美标准——“三长一小一个高，二十公分顶重要，开、绷、直、立爹妈给，轻、高、快、稳师傅教。” “三长一小一个高”，是对古典芭蕾舞者从头到脚，整个身体条件的苛刻要求——“三长”指的是长胳膊、长腿儿、长脖子，“一小”指的是“小脑袋”，这首先是为整个身体必须取得的平衡提出的要求，然后，才有美可言，否则，在这种修长，甚至纤细，重心很高的肢体之上，是一个大大的脑袋，其稳定性必然较差，视觉效果则只能是不安全，甚至有滑稽感了，而芭蕾的贵族风范则会不翼而飞;“一个高”指的是“高脚背儿”，即俗称的“脚弓”需要高高地向前鼓出;这项“条件”的明确提出，也是因为在高位半脚尖和全脚尖的频繁起落中，只有脚背高的舞者，脚部才能通过脚尖鞋那块方寸之地的小平头，随时地“扣”住地面，确保身体能够迅速地找到平衡，然后，才有芭蕾的雍容华贵可言。需要补充说明的是，为了确保芭蕾女明星在脚尖鞋前的那块方寸

之地上随心所舞，游刃有余，芭蕾艺术对她脚尖鞋里的脚趾这种纯属隐私部位的长度，也不得不提出了苛求——最理想的，但纯属稀有的脚趾条件，应该是大拇趾、二拇趾和中趾一边儿长，这样，才能平均地分担整个身体的巨大重量，使得她在脚尖上作舞的难忍之痛能够减低到最大的限度;最糟糕的脚趾条件是二拇趾“一枝独秀”，因为单靠它孤军作战，是无论如何也无法支撑起洋洋大观的整个身体的重量的;比较常见的脚趾条件是大拇趾、二拇趾一边儿长，这种脚趾条件的女孩子通过长期艰苦的训练，尚有可能进入自如的状态。 “二十公分顶重要”，说的是芭蕾舞者的下肢，即腿部，必须比上身，即躯干，长出20公分来;所谓“腿部”，其长度应从裸足的后跟开始，一直量到臀线为止;而躯干的长度则应从尾椎开始，一直量到胸椎的最上一节;要求腿部长出20公分，是因为芭蕾的重心移动全要靠腿部来完成，因此，观众的视点自然会集中在腿部;再者，芭蕾的贵族气派需要通过腿部的挺拔向上来体现;此外，就“距离即美”的古典美学而言，楼下前排VIP座位上的观众采用的是仰视角度，如果腿部不够修长，容易产生“大腿如林”的肉欲，破坏古典芭蕾主张清心寡欲的基督教式理想;与此同时，楼上的观众采用的是俯视角度，如果腿部不够修长，则容易产生侏儒成群的丑陋，毁掉古典芭蕾轻盈飘逸的美感。西方舞蹈系列之芭蕾舞的审美特征日期：2012-01-09 16:01:24

浅谈古典芭蕾天鹅湖的艺术魅力

浅谈古典芭蕾《天鹅湖》的艺术魅力一、古典芭蕾的风格及审美特征本文是浅谈古典芭蕾《天鹅湖》的艺术魅力，在这之前，我们需要先了解什么是古典芭蕾，什么是古典芭蕾的风格及审美特征。芭蕾是一门富有魅力、令人心旷神怡的艺术，芭蕾的高雅和美妙使得芭蕾被人们奉为“舞蹈艺术皇冠之珠”。芭蕾优雅的舞姿，轻巧的跳跃和连续不断的脚尖旋转，常把人们带入梦幻般的艺术境界。芭蕾，欧洲古典舞蹈，由法语ballet音译而来。芭蕾舞孕育于意大利文艺复兴时期，十七世纪后半叶开始在法国发展流行并逐渐职业化，在不断革新中风靡世界。芭蕾舞最重要的一个特征即女演员表演时以脚尖点地，故又称脚尖舞。其代表作品有《天鹅湖》、《仙女》、《胡桃夹子》等。古典芭蕾作为芭蕾的重要流派，在芭蕾发展史中具有重要地位古典芭蕾(classic ballet)的历史约有五百年，是沿袭宫廷芭蕾的各种技法与表现方式，虽经过了不断地改变和革新，在19世纪形成的新流派。古典芭蕾依动作又可分为快舞与慢舞。快舞孕育于意大利,最大特色是跳跃与旋转,专指男舞者与女舞者随著迅速的音乐踊舞的舞蹈,所有活泼迅速而华丽的舞蹈均属之。慢舞孕育于法国, 是法国舞蹈的最大特征,舞者以缓慢的动作,或以单脚支立平衡身体,构成优雅曲线之舞步与舞姿等均称为慢舞,这种舞蹈充满了纤细的美感。古典芭蕾舞是很规范的艺术，具有独特的审美特征。传统的古典芭蕾舞的技术是建立在外开、伸展、绷直的基础上的，它包括5种脚的位置和3个基本舞姿，以及各种旋转、击腿和脚尖舞技巧。归纳起来就是“开、绷、直、立、轻、准、稳、美”8个方面。“开、绷、直、立”4大美学原则是欣赏芭蕾最基本的审美标准；“轻、准、稳、美”是在“开、绷、直、立”的基础上的更高要求，需要演员具有高超的技术素质和艺术修养。古典芭蕾的动作姿势具有由内向外发展，古典芭蕾动作的感觉是离心的、星射的，双臂和双腿从躯干突出向外伸长，形如从躯干飞离出去。芭蕾动作力量的运用也是由内向外的，力量发自腰部，继而向外展开至肩部、大腿部，在延伸到上臂、下臂、手、指尖、小腿、踝、脚背、脚尖并向外延伸。二、《天鹅湖》的艺术表现与内涵由彼得·伊里奇·柴可夫斯基作曲，列夫·伊万诺夫编导的不朽之作《天鹅湖》被誉为古典芭蕾舞剧的代表作是古典芭蕾舞剧的开篇鼻祖。《天鹅湖》是芭蕾艺术皇冠上一颗璀璨的明珠，是芭蕾历史上一部最伟大的杰作，也是世界各国芭蕾舞团演出场次最多、观众人数最多、影响范围最广的一部芭蕾舞剧。甚至在芭蕾爱好者心目中“《天鹅湖》是芭蕾舞，芭蕾舞就是《天鹅湖》。作为一部古典芭蕾舞剧的典范，《天鹅湖》的故事取材于俄罗斯古老的童话：被魔法师罗德伯特变成天鹅的奥杰塔公主，在湖边与王子齐格弗里德相遇，倾诉自己的不幸，告诉他，只有忠诚的爱情才能使她摆脱魔法师的控制，王子发誓永远爱她。在为王子挑选新娘的舞会上，魔法师化成武士，以外貌与奥杰塔相似的

芭蕾艺术的美学原则

第三节芭蕾艺术的美学原则占典芭蕾舞是一种系统、科学、规范的艺术，经过几百年的发展，它形成了一套科学、系统、完整、规范、严谨的训练体系，并且具有独特的审美特征，它的形体及动作姿态完全符合几何构图的科学性。用几何构图的抽象线条来设计动作姿势，是以古希腊文明为源头的‘ 西方舞蹈文化的一个重要特征。通常人们认为西方舞蹈强调人为的形式，而东方舞蹈则顺从自然的形式。但是我们发现在西方舞蹈形式的纯粹抽象中追求的“黄金分割比”也是符合“人体自然”的。“古希腊人认为数学的原理是一切事物的原理，舞蹈作为人体的“动．”，也是存在于数学意义上的一种平衡。这种平衡的基础便是被古希腊哲学家柏拉图誉为“黄金分割律”的0．618。又称为“黄金律”或“黄金比”：如头顶至脐与脐至脚底之比：臂宽与躯干之比：下肢长度与上肢长度之比：下肢长与身长之比；眼高与脸长之比；前额到鼻孔的距离与脸长之比等等。”∞在此基础上，最终归纳把它的审美标准归纳为“开、绷、直、立、轻、准、称、美”八个方面。一、开、绷、直、立从1661年法国皇家舞蹈院成立时开始建立芭蕾舞的基础，例如四大美学原则中的外开就是在当时建立的，还有各大学派通用的五个脚的位置也是皇家舞蹈院制定并提出的。而传统的古典芭蕾技术是建立在开、绷、直、立的基础之上，它是一切芭蕾舞动作的基础，只有符合其美学原则，才能称的上是完美的古典芭蕾，下面将“开、绷、直、立”的美学原则进行分析阐述。 “开”就是指身体从肩、胸、胯、膝、跺5大关节向外打开，双脚向外打开180度，最大限度地延长肢体的线条，扩大舞蹈动作的范围，增强表现力，同时也增强了身体的平衡能力和运动的灵活性。舞者通过芭蕾系统的、科学的训练使身体可以达到非职业舞者所不及的境界，使身体理想化、完美化、职业化。正如美国著名舞蹈评论家珍妮·科恩指出：“芭蕾的。古典风格是以脚的五个位工为基础的动作。这五个位置中表现出外开的本质是指两腿以碗关节处向外旋转。表演时，在舞台有限的空问内炫耀和张扬贵族的气派。”回 “绷”是指将膝关节和踩关节绷直。“绷”也是芭蕾艺术中非常重要的审美特征之一，芭蕾是一种形体艺术，舞者只有将身体各部位“绷”直，才能使观众有延长肢体原有线条的视觉感，并且芭蕾是一种放射性的艺术，因此必须通过“绷”才能将肢体放射到舞台当中，在有限的空间内使能量聚集在肢体末梢部位，使舞姿更加舒展。例如做Battemt tendu时，脚跟推动脚背、脚尖向外擦出，擦到最远点一直到脚趾尖，同时仍然保持延伸的感觉；在做Battement tendu jete时，脚经过擦地离开地面踢向空中时，要用脚尖的力量带动腿踢出去，绷脚可以延长腿的长度。通过“绷”还可以使肢体各部位的肌肉能量向身体的中垂线上凝聚，也只有通过绷才能使肌肉收紧，从而产生上升的动作态势。这也符合芭蕾曾在一段时期内追求“灵空”，呈现出舞姿轻盈飘逸的艺术魅力， “直”是指双腿膝盖伸直以及后背的垂直，也就是将身体垂直、拉长，使舞姿舒展、优，达到完美的长线条视觉造型。同时芭蕾动作在舞台中的运动路线多呈直线形，这也与西人的思维方式有所相似之处，与中国舞的“拧、倾、圆、曲”的审美标准有很大的不同。如在旋转中，动作时除了全身收紧向上立起外，更重要的是颈、背、腰、臀垂直于地面，力量集中在人体的垂直中心轴上，只有这样才能使旋转运动起来，如果没有直立也就谈不中心轴，没有中心所有的旋转更是无从谈起。在对“直”的分析中我们会谈到芭蕾的贵族质，这与西方国家的审美思想及文化背景有着很大的联系，从精神气质的角度来看，要求

芭蕾舞的8个特点

以芭蕾舞的基本动作作为训练内容，其健美力度是量般健身运动无法比拟的，开、蹦、直、立是芭蕾的四大要素，具有收缩肌肉纤维的功能，使身体各部位发展均衡，姿态优美挺拔，同时在悠扬的音乐伴奏下，让美丽得到直观又含蓄的展现。现代热舞也并非一味的激情、豪放，它舒缓放松的舞步，正是兼容了芭蕾的优雅！芭蕾舞最早起源于意大利，是从15世纪的贵族宫延演出演变来的，那时的题材古代传说为主，兼有舞蹈、哑剧、歌曲和朗诵表演，并有豪华的服饰布景和音乐伴奏。在法国路易十四时期，芭蕾得到了迅速发展，成立了第一所皇家舞蹈学院，对芭蕾训练进行了规范化的研究整理，确定了一套沿用至今的芭蕾舞动作体系。 1 “直”是指主力腿和动力腿的膝盖伸直，后背的垂直，换句话说就是把全身肌肉拉长，使芭蕾的舞姿达到舒展，长线条完美的视觉造型。这是古典芭蕾审美的根本标准之一。还有一种指芭蕾是直线艺术，在舞台中的运动路线多呈直线形，这也与西方国家的思维方式一致。这一点与中国的“圆、曲线”的审美标准有很大的不同。身体与地面垂直也是古典芭蕾技巧所必须的，如旋转技巧，动作时除了全身收紧向高空发射外，更重要的是颈、背、腰、臀垂直于地面，使力量集中在体内的中心线上，只有这样才能使你的旋转运动起来，否则所有的旋转无从谈起。

2 “立”是指身体要直立、挺拔，并把身体重心准确地放在两腿或一条腿的重心上其空间占有感像古典的宫殿似的傲然挺立和气宇轩昂。这和古典芭蕾发源于皇家宫廷的风格是一脉相成的，其目的在于显示皇家贵族气派，不是佣人和平民的风味。要求演员收腹，挺胸、重心上提，向高空层面发射使各种舞蹈动作和技巧准确的完成。是古典芭蕾审美的根本标准之一。 3 “轻”是指舞者动作轻盈、自如，如：跳跃动作，起跳和落地时加强身体的控制能力全身看起来很放松动作自如，特别是落地时，需要脚趾、脚掌、脚跟依次落地并微微下蹲，就象小猫脚上带有肉垫一样，没有声音。就像前苏联芭蕾大师乌兰罗娃所说的：“使舞姿轻巧的是跳舞匠、轻盈才是舞蹈家”。一名优秀的芭蕾舞蹈家即使在很累的情况下，也能很好的控制自己的身体和气息，总是把优美、轻盈的舞姿展现给观众。给人以美的视觉享受和心灵愉悦。 4 “准”是指准确完成每个动作和舞姿的规格要求，使动作运动路线和位置准确。有人做过实验，一名技术过硬的舞者在训练时，做了100次的Battement tendu（擦地）他的脚尖每次都擦至在一个点上，其路线也丝毫不差。即使技术性很强的动作也毫不例外。又如：空中转两圈（720度），舞蹈者五位脚起跳在空中保持良好的舞姿后，落地时还准确地落在五位上，在古典芭蕾中这一点显得格外重要，即使技术含量再高的动作，也要表现的准确无误，否则古典芭蕾的动作

古典芭蕾与现代芭蕾舞的区别

浅谈古典芭蕾舞与现代芭蕾舞这个学期我选修了舞蹈赏析，在课堂中，我们赏析了好多舞剧和不同的舞种，而《天鹅湖》这部古典的芭蕾舞剧，则使我产生了极大的兴趣。因此我找了一些关于芭蕾舞的资料认真的品读并欣赏了一些其他的芭蕾舞剧，所以我将阐述一些关于古典芭蕾舞和现代芭蕾舞之间的区别及精彩之处。下面我将从芭蕾舞起源、古典芭蕾与现代芭蕾的区别等方面进行我的阐述。一、芭蕾舞的起源芭蕾，欧洲古典舞蹈，由法语ballet音译而来。28.jpg芭蕾舞孕育于意大利文艺复兴时期，十七世纪后半叶开始在法国发展流行并逐渐职业化，在不断革新中风靡世界。芭蕾舞最重要的一个特征即女演员表演时以脚尖点地，故又称脚尖舞。其代表作品有《天鹅湖》、《仙女》、《胡桃夹子》等。对于古典芭蕾舞者,业界有一种非常具体的审美标准——“三长一小一个高，二十公分顶重要，开、绷、直、立爹妈给，轻、高、快、稳师傅教。” “三长一小一个高”，是对古典芭蕾舞者从头到脚，整个身体条件的苛刻要求——“三长”指的是长胳膊、长腿儿、长脖子，“一小”指的是“小脑袋”，这首先是为整个身体必须取得的平衡提出的要求，然后，才有美可言，否则，在这种修长，甚至纤细，重心很高的肢体之上，是一个大大的脑袋，其稳定性必然较差，视觉效果则只能是不安全，甚至有滑稽感了，而芭蕾的贵族风范则会不翼而飞; “一个高”指的是“高脚背儿”，即俗称的“脚弓”需要高高地向前鼓出;这项“条件”的明确提出，也是因为在高位半脚尖和全脚尖的频繁起落中，只有脚背高的舞者，脚部才能通过脚尖鞋那块方寸之地的小平头，随时地“扣”住地面，确保身体能够迅速地找到平衡，然后，才有芭蕾的雍容华贵可言。 “二十公分顶重要”，说的是芭蕾舞者的下肢，即腿部，必须比上身，即躯干，长出20公分来;所谓“腿部”，其长度应从裸足的后跟开始，一直量到臀线为止;而躯干的长度则应从尾椎开始，一直量到胸椎的最上一节;要求腿部长出20公分，是因为芭蕾的重心移动全要靠腿部来完成，因此，观众的视点自然会集中在腿部;再者，芭蕾的贵族气派需要通过腿部的挺拔向上来体现; 二、古典芭蕾舞与现代芭蕾舞的区分一般而言，人们以20世纪初发生的现代艺潮对芭蕾的影响为分界线。在此之前的以遵循芭蕾原有程序规范和风格特征的作品，无论是舞剧还是小型作品，都被认为是“古典芭蕾”。而近代产生的许多芭蕾作品，或在题材选择上有别于以往的选材范畴，或在形式上进行了发展创新，从生活中提炼了动作语言，或从其它姐妹舞种吸收借鉴了舞蹈语汇和表现手法，形成的独特风格的芭蕾样式，便被称为“现代芭蕾”。

简述古典芭蕾舞的审美特征

简述古典芭蕾舞的审美特征《吉赛尔》（Giselle）浪漫主义芭蕾舞剧的代表作，得到了“芭蕾之冠”的赞美。这部舞剧第一次使芭蕾的女主角同时面临表演技能和舞蹈技巧两个方面的严峻挑战。舞剧是既富传奇性，又具世俗性的爱情悲剧，从中可以看到浪漫主义的两个侧面，光明与黑暗、生存与死亡。在第一幕中充满田园风光，第二幕又以超自然的想像展开各种舞蹈，特别是众幽灵的女子群舞更成为典范之作。一个半世纪以来，著名的芭蕾女演员都以演出《吉赛尔》做为最高的艺术追求。《吉赛尔》是法国浪漫芭蕾舞剧的悲剧代表作、颠峰之作和中期代表作，1841 年6月28日由巴黎歌剧院芭蕾舞团首演于该剧院，编剧V.D.圣-乔治、T.戈捷和J.科拉利，作曲A.亚当，编导科拉利和佩罗，村姑吉赛尔由格里希扮演，伯爵阿尔布雷希特由L.佩蒂帕扮演，女鬼王米尔达则由A.迪米拉特扮演。亚当的创作灵感来自于德国诗人海涅《妖精的故事》。中世纪的德国有个古老传说:“有一位喜爱跳舞的少女，在要结婚前不幸去世了，到了冥界后变成了舞蹈妖精名叫“薇丽”，每到夜里会从坟中出来，诱惑年轻人并邀其狂舞而死。”亚当根据这样的情节为背景，创作了异于以往风格的芭蕾音乐。故事的舞台背景是发生在中世纪的欧洲，莱茵河畔的一个小村庄。清澈见底的村姑吉赛尔与微服出访的伯爵阿尔布雷希特一见钟情，双双堕入情网。可门第的悬殊只能使这场玫瑰梦化作泡影，并导致吉赛尔当场心碎而死。阿尔布雷希特和单恋吉赛尔的看林人希拉利昂均陷入了无法解脱的自责之中，并不约而同地去给吉赛尔上坟。坟场上，欧洲的民间传说中那些因被负心男人抛弃而屈死的女鬼们列队出场，并对所有到场的男人都格杀勿论，方法则是让他们疯狂地跳舞，直到最后一口气，以发泄自己的满腹冤屈。不过，在吉赛尔的虔诚护佑下，阿尔布雷希特免遭一死，而希拉利昂则成了牺牲品。因为这是首出舞剧，芭蕾舞者除了要在舞台上展现高超技术之外，还要同步呈现戏剧表演技巧。特别在第一幕的末半，吉赛儿因为听到自己心爱的男友已经订婚了，这真相并且在众人面前被拆穿，吉赛儿心里无法承受这打击，群舞者也必须同步表现戏剧内容。由无法接受到气馁、回忆过去点点滴滴、惊慌真相、到惊吓气绝身亡，在原始故事铺陈中，吉赛儿被设定为有心脏病，这一点在第一幕的丰收场景中有刻意的表演出来。

简述古典芭蕾舞的审美特征

少年易学老难成，一寸光阴不可轻- 百度文库简述古典芭蕾舞的审美特征《吉赛尔》（Giselle）浪漫主义芭蕾舞剧的代表作，得到了“芭蕾之冠”的赞美。这部舞剧第一次使芭蕾的女主角同时面临表演技能和舞蹈技巧两个方面的严峻挑战。舞剧是既富传奇性，又具世俗性的爱情悲剧，从中可以看到浪漫主义的两个侧面，光明与黑暗、生存与死亡。在第一幕中充满田园风光，第二幕又以超自然的想像展开各种舞蹈，特别是众幽灵的女子群舞更成为典范之作。一个半世纪以来，著名的芭蕾女演员都以演出《吉赛尔》做为最高的艺术追求。《吉赛尔》是法国浪漫芭蕾舞剧的悲剧代表作、颠峰之作和中期代表作，1841 年6月28日由巴黎歌剧院芭蕾舞团首演于该剧院，编剧V.D.圣-乔治、T.戈捷和J.科拉利，作曲A.亚当，编导科拉利和佩罗，村姑吉赛尔由格里希扮演，伯爵阿尔布雷希特由L.佩蒂帕扮演，女鬼王米尔达则由A.迪米拉特扮演。亚当的创作灵感来自于德国诗人海涅《妖精的故事》。中世纪的德国有个古老传说:“有一位喜爱跳舞的少女，在要结婚前不幸去世了，到了冥界后变成了舞蹈妖精名叫“薇丽”，每到夜里会从坟中出来，诱惑年轻人并邀其狂舞而死。”亚当根据这样的情节为背景，创作了异于以往风格的芭蕾音乐。故事的舞台背景是发生在中世纪的欧洲，莱茵河畔的一个小村庄。清澈见底的村姑吉赛尔与微服出访的伯爵阿尔布雷希特一见钟情，双双堕入情网。可门第的悬殊只能使这场玫瑰梦化作泡影，并导致吉赛尔当场心碎而死。阿尔布雷希特和单恋吉赛尔的看林人希拉利昂均陷入了无法解脱的自责之中，并不约而同地去给吉赛尔上坟。坟场上，欧洲的民间传说中那些因被负心男人抛弃而屈死的女鬼们列队出场，并对所有到场的男人都格杀勿论，方法则是让他们疯狂地跳舞，直到最后一口气，以发泄自己的满腹冤屈。不过，在吉赛尔的虔诚护佑下，阿尔布雷希特免遭一死，而希拉利昂则成了牺牲品。因为这是首出舞剧，芭蕾舞者除了要在舞台上展现高超技术之外，还要同步呈现戏剧表演技巧。特别在第一幕的末半，吉赛儿因为听到自己心爱的男友已经订婚了，这真相并且在众人面前被拆穿，吉赛儿心里无法承受这打击，群舞者也必须同步表现戏剧内容。由无法接受到气馁、回忆过去点点滴滴、惊慌真相、到惊吓气绝身亡，在原始故事铺陈中，吉赛儿被设定为有心脏病，这一点在第一幕的丰收场景中有刻意的表演出来。 1

浅谈古典芭蕾的审美特征

浅谈古典芭蕾的审美特征芭蕾的历史最早的起源可追溯到欧洲17世纪文艺复兴鼎盛时期的意大利宫廷，在18世纪的法国得到极大发展舞蹈风格日臻完美，在19世纪的末期，在俄罗斯进入最繁荣的时期，古典芭蕾正是民间经沿袭宫廷芭蕾的各种技法与表现方式,在将近400年的时间里不断地改变和革新，最终在在19世纪形成的新流派芭蕾舞，至今已成为世界各国都努力发展的一种艺术形式。古典芭蕾舞的形成经历了不同的风格时期，按照舞蹈风格分类主要可分为浪漫派和古典派，浪漫派在十七八世纪风靡一时，主要代表作为舞剧《吉赛尔》，而古典派则在19世纪达到了古典芭蕾发展史的黄金时期，这一时期的代表作是至今仍为芭蕾舞经典的《天鹅湖》，两者较明显的差别在于舞者所穿的舞衣之不同,古典派的舞衣为纱质的短裙，舞鞋质地较软;而浪漫派的舞裙长及膝与踝之间,舞鞋为硬式,便于舞者跐立，因此，古典派的舞蹈风格更加符合人体结构，能够在更大程度上发挥舞者姿态的美感，这也是古典派较之浪漫派风格更为成熟的原因之一。除此之外,古典芭蕾动作又可分为快舞与慢舞。快舞最大特色是跳跃与旋转,专指男舞者与女舞者随著迅速的音乐踊舞的舞蹈的舞蹈活泼迅速而华丽。慢舞中舞者以缓慢的动作,或以单脚支立平衡身体,构成优雅曲线之舞步与舞姿，这种舞蹈充满了纤细的美感。古典芭蕾舞是很规范的艺术，具有这些独特的审美特征，芭蕾是一门

富有魅力、让人心旷神怡的艺术。它的高雅与美妙，那优雅的舞姿，轻巧跳跃，和连续不断的脚尖旋转常常把人带人梦幻般的艺术境界。传统的古典芭蕾的技术是建立在外开、伸展、绷直的基础上的，它包括5种脚的位置和3个基本舞姿，以及各种旋转、击腿和脚尖。了解这几点对我们欣赏古典芭蕾有很大的帮助，专业芭蕾舞者常常把它归纳为“开、绷、直、立、轻、准、稳、美”8个方面。“开、绷、直、立”4大美学原则是欣赏芭蕾最基本的审美标准;而“轻、准、稳、美”是在“开、绷、直、立”的基础上的更高要求，需要演员具有高超的技术素质和艺术修养，是每个芭蕾舞演员的基本要求，也是演员需要付出大量的汗水才能掌握的技术。而我们则主要讨论“开，绷，准，稳，美”这五大要素。 “开”就是指舞者不分男女，均需肩、胸、胯、膝、躁5大关节部位左右对称的外开，特别是两脚向外180度展开，最大限度延长舞蹈者的肢体线条，扩大舞蹈动作的运动范围，增强艺术表现力，同时也增强身体的平衡能力和运动的灵活性。著名舞蹈评论家珍妮?科恩指出:“芭蕾的古典风格是以脚的五个位置为基础的动作。这5个位置中表现出外开的本质是指两腿以髓关节处向外旋转。表演时，在舞台这样的有限的空间内炫耀和张扬贵族的气派。”贵族气度不仅是芭蕾四百年历史内涵的重要体现，也是审美标准的重要组成部分，通过系统的科学的训练使身体达到非职业舞者所不能的境界，使身体理想化、职业化。 “绷”是指舞者跺部脚背的绷直。绷直的训练主要是通过名为

古典芭蕾舞教学训练方法的特点

古典芭蕾舞教学训练方法的特点古典芭蕾舞教学训练方法的特点一、系统性特点古典芭蕾基训是经过美化和规范化了的动作系统,尽管动作的表现形式多动多样,但仍是具有严格的规范性和自身的程式,在训练中尤其强调有序、标准和系统。虽然在世界各国的古典芭蕾训练中呈现出不同的风格特征,但又可从中清晰地找到其共通之处,甚至规定的动作和规范的教材。这一特征亦决定了古典芭蕾基训的最重要的教学要求,即十分注重教学的循序渐进的、由易到难的过程。古典芭蕾基训是经过上百年的实践证明,可以在一定时间内提高学生基础性技术能力并满足其需要能力要求的。 (一)教材内容的系统性古典芭蕾基训本身的系统性决定了教材内容的层次性。每门学科教学内容都有自身的系统性、阶段性和层次性。我们人类的认识也是从初级到高级不断深入,并创新进而推动科学和事物的发展。从这个认识实践过程来讲,我们学科的教育在遵循学生可接受性原则的一前提下,就必定是分阶段、逐步提高的。学科的教材内容要符合训练的系统性不能简单的处理、形成零碎的、割裂的教学内容,应该真正做到培养学生的能力和素质。古典芭蕾基训就是这样一套完备的、系统的,经过实践检验过的教学体系。同时芭蕾以一种规范化的、系统化的、科学化的艺术形式在世界各地传播和发展,从某种角度来说,这也就显示着其芭蕾教材具有一定的层次性和连续性,是符合人体肌肉和骨骼的发展运动规律,能够成为人体技术能力基础训练及提高的训练体系。在芭蕾教学中,每一个练习的动作都是精心设计的,课堂的教学条理清晰,动作组合层层递进,并且清楚、明确、有纲可循。 (二)训练的系统性

古典芭蕾基训要求的原则和目的始终坚持和遵循一定的人体训练规律,组合的训练目的不仅要注意训练目的,还要考虑到其训练逻辑性,应该有计划性的根据学生的程度设定教学目标。初学芭蕾的学生的在教学上必须注意古典芭蕾的规范性之后,从简单的组合或者舞句开始学习,注重动作训练量的积累。而一位成熟的芭蕾舞者教学任务要在规范性的基础匕不断变化组合的动作,通过提高组合训练的难度来提高舞者自身专业的能力。另一方面,古典芭蕾基训的课堂教学内容和安排都是由学生和教师双方共同完成的。教学中教师根据学生的问题和能力来设定教学目标,以及学生如何能够自觉的参与教学中,形成一种积极主动的学习都是教学过程得以顺利进行、教学计划得到快速实现的重要因素。二、科学性特点古典芭蕾的科学性主要体现在其形成了一套“科学、完整、系统、规范、严谨”的训练体系,另一方面,它至今还在不断发展和完善。 (一)原地训练稳定性是古典芭蕾舞中各种基础知识之一,也是技术能力训练的基础。稳定性贯穿于每个动作、技巧、旋转、跳跃、空翻等等。相反,通过反复练习难度较高的技术技巧,稳定程度也会不断增强。稳定性也是比较综合性的概念,主要包括重心掌控能力和动作平衡呈现两个方面。在古典芭蕾基训中,对于人体重心的训练是最为显着的特点之一。例如:从古典芭蕾基训中最简单的站位来看,从一位到五位都要求全脚放平地面,力量要均匀,脚趾不能抓地而要或者松开放长,倒脚亦是大忌。这时人体的重心要放在脚跟部位并保持住向下踩向地面,舞者的头部向上拨起,而正常人的在站立时重心是放在脚心部位的,从这点上,我们看出舞蹈演员芭蕾基训中的重心要求与正常人的自然重心是有所区别的。舞蹈演员在脚位练习时由于双腿保持外开,上身保持直立姿态同时重心就必须在脚跟部位。这种直立状态中的重心训练也是芭蕾基训区别于其它训练体系的重要的特点。 (二)移动训练