怎么区别现代艺术和当代艺术

浏览：471|更新：2014-07-22 15:46|标签：艺术

国内有一大批收藏当代艺术的藏家，由于对艺术史缺乏了解，受到知识结构的局限，误把现代艺术与当代艺术的概念混淆起来。

现代艺术主要表达方式是对古典主义的一种否定和反动，以惟我主义和个人主义的标新立异向固有的形式和既定的规范挑战。同时，现代艺术是印象主义之后西方形形色色艺术流派的总称。工业文明是西方现代主义艺术产生的历史背景，此时，民主政治已经实现(阶级斗争意识已经淡化)，宗教亦被抛弃(“上帝死了”，唯物主义取得了统治地位)，大力提高生产力、积极创造物质财富成为西方人最重要的生命课题。作为“现代艺术之父”，塞尚与前人的区别，亦即其革命性的创造，就在于他将西方艺术从宗教和政治的束缚中解放出来，不注重“画什么”，而将“怎样画”作为自己创作的主要目的，他追求的是“形式主义”的“纯艺术”，亦即“为艺术的艺术”(Art for art)。形式主义绘画听上去空洞无物，没有价值，但只要听听塞尚的那句名言“要用圆柱体、球体和锥体来描绘对象”，我们就知道塞尚的形式主义并非胡涂乱抹，随意而为，他的绘画带有几何学核物理学研究性质。以塞尚为起点，西方艺术家通过一步步将自然物象分解、重构和简化，最终创造了一种完全独立于客观世界的纯抽象艺术。

我们知道，天生具有二元论世界观的西方人在文化艺术的创造中从来没有按照单一的方向发展，西方现代主义艺术同样存在着相互对立的两条发展路线。在以塞尚为代表的形式主义艺术走向抽象的时候，另一位法国艺术家杜尚打出了观念主义的大旗。1913年，杜尚将一个现成的旧自行车轮“贴上艺术的标签”，宣称“什么都是艺术”，从此各种“反艺术的艺术”大行其道。观念主义的基本逻辑是，既然艺术作品出自艺术家的观念，那么观念本身就是艺术。就这样，沿着杜尚开创的观念主义道路，西方艺术家创造了各式各样的非架上艺术，以致推出了无形无象的纯概念艺术。

如果说塞尚的形式主义艺术追求的理性和秩序，那么，杜尚的观念主义艺术则期望的自由与平等，两者相反相成，共同组成了一部完整的西方现代主义艺术史。

可以总结出西方现代主义艺术的三个基本特征：

第一、形式化。自从塞尚打开了形式主义的大门，经由立体主义、未来主义的推进，至1910年左右包括康定斯基的抒情抽象、蒙德里安的几何抽象、库普卡的俄尔普斯主义、马列维奇的至上主义和塔特林的构成主义在内、形形色色的抽象主义艺术纷纷出笼。康定斯基宣称“数是一切抽象表现的终结”，由此可知，形式主义的实质是科学主义。

第二、观念化。在杜尚发明“现成品”艺术之后，沿着杜尚指引的这条“反美学”的观念主义之路，艺术家们创造了波普艺术、新现实主义、集成艺术、装置艺术、大地艺术、行为艺术、表演艺术和偶发艺术等五花八门的非架上艺术。观念主义者宣称，艺术来自人的观念，而观念是看不见的，因此，对于极端观念主义而言，艺术是头脑中看不见的思想。

第三、线性化。上述两条现代主义艺术道路分别按照单向直线进步的轨迹，以流派的次第递进、新旧更迭的模式向前延展。当塞尚的信徒画出空无一物的极少主义单色画的时候，当杜尚的追随者创作出取消物质载体的概念艺术的时候，这两条平行发展的现代主义之路殊途同

归，一同走到了尽头。在国内，许多绘画形式继续延续着西方现代主义的思路，把形态丑陋呆板、色彩媚艳苍白、趣味怪异庸俗，以及运用图式化的政治符号作为国内当代艺术的特征。并且，这些作品采用丑化人物、反讽政治的方式来表现中国的社会文化。其实它们不能真正反映中国的社会文化现实状况，也没有真正的文化反思意义，而多呈现出一种模式化、片面化、庸俗化的艺术形态。“丑陋”和“媚俗”假扮成一种当代的姿态，已成为国内“当代”绘画的时尚，并影响着国内当代绘画的主流审美思潮，影响着艺术市场的误判，不得不遗憾的说是一种最大的笑话及误区。

那么，我们该如何界定什么是当代艺术呢？首先要知道，当代艺术新篇章以经济全球化为背景，当代艺术不仅仅是艺术语言上的更新，更是价值取向上的巨变。作为世界历史的分水岭，1989年前后的全球文化有着完全不同的性质。经济全球化不仅打破了各国意识形态之间的壁垒，也摧毁了各民族文化之间的屏障，使得当代艺术变成了一个“去民族化”或“超民族主义”的舞台，并且朝着“同质化”的方向发展。正如斯塔拉布拉斯(Julian Stallabrass)在《当代艺术》一书中所言：“(在当代艺术中)现代主义线性、单向、白人和男性原则彻底崩溃了，取而代之的是一种多元、多向、彩虹般多色人种、由各种实践和语言组成的碎片般的复杂景观。”全球化带来了史无前例的无国界的当代艺术。换一句话说，当代艺术不再需要国家、民族或地域作定语。其次要知道，“普适主义”是当代艺术最重要的价值观。在现代主义和后现代主义时期，自由和平等只是在部分民族、国家和地域范围之内实行的社会生活法则，进入当代艺术时期，自由和平等将成为全人类共同信奉的价值观。

普适主义意味着人类突破了性别、家庭、氏族、阶级、民族、国家和种族等所有组成单位的拘囿，意味着个体和人类之间没有阻隔，意味着每个个体的彻底独立和彼此之间的完全平等。同时，技术革新是艺术发展的物质动力，西方艺术始终伴随着科学技术的进步不断演变，而20世纪90年代以来计算机和数字成像技术的突飞猛进大大改变并丰富了当代艺术的创作手段。当代艺术已经变成了可以同时作用于人的视觉、听觉、触觉和嗅觉等各种感官的“多觉艺术”。对审美的回归是当代艺术的总趋势，这一趋势显示了人类审美意识的永恒性和坚固性。杜尚的现成品装置艺术曾是反艺术、反美学的观念主义象征物，而在当代艺术中，包括装置艺术、表演艺术和影像艺术则获得了一种崭新而完善的美学形式。此时，“什么都是艺术”的口号不再有效，西方当代艺术家再也不会选择简陋粗糙的材料来制作装置作品，更不会像意大利贫穷艺术家那样用垃圾废品作为艺术创作的媒介。此时，“人人都是艺术家”的观念也已过时，除了材料的讲究，当代艺术家尤其重视作品的制作，各种新的创作方法、作品不仅具有引人入胜的魅力，甚至达到了美轮美奂的境地。

进入到21世纪，在科技迅猛发展的今天，西方的艺术家，哲学家、生态学家开始从各个角度对科学技术的进步带给人类和自然的伤害进行整体上的反思，艺术也开始了对自然和人类社会的反思和重新认识。当下人类审美也已经抵达历史沧桑后的回归期，无法局限在屑小的人事波澜，‘当代艺术’担任起了挽救自然和社会之责任。这也是当下全球艺术家共同面临的最大课题，在思考受伤地球再生的同时，从宗教、哲学、美学、数学、心理学、社会学的角度创作出新的艺术，用以表达当下人类社会的普遍价值，这便是真正意义的‘当代艺术’。当代艺术尚在路上，它的未来不可预知，唯一可以断定的是，它将随着时间的推移和人类的延续不断前进、不断更新。

鲁光宏

现代艺术与后现代艺术区别与联系

现代艺术的范围很广泛，用来指从19世纪末期到大约1970年代大部份的艺术作品。（较近期的艺术作品通常被称作当代艺术或后现代艺术。）艺术原本的目的在于写实地再现某个主体，然而摄影的发明让艺术的写实功能相形见绌，于是就出现了新的艺术路线。艺术家开始实验各种观看的方式、材料、观点等等，而通常作品都变得越来越抽象。现代艺术的概念与现代主义有很亲密的关连。 9世纪的发轫[编辑] 现代艺术是从西方开始的，最先是绘画和版画，然后在19世纪中期扩展到其他的视觉艺术上，如雕塑和建筑。到了19世纪末期，一些对现代艺术有重要影响的运动开始出现：以巴黎为中心的印象派，以及最初从德国开始的表现主义。现代艺术受到的影响来自很多方面：比如接触到东方的装饰性艺术，尤其是日本版画；J·M·W·透纳和欧仁·德拉克鲁瓦在颜色上的创新；还有像让-弗朗索瓦·米勒等画家的作品中可以看到有更多描述日常生活的主题。当时对艺术的普遍观念认为，艺术应该精确地描述事物，而且必须企图表现出其理想的样貌。因此当时最成功的画家如果不是接受委托，就是透过举办大型画展来进行创作。政府也会资助画家，并且定期举办展览。于是跳脱理想化与精确描述的艺术，就不只是一种艺术路线的改变，而是社会和经济状况造成的结果。这些新的运动并不必然将他们自己视为一种进步前卫或者个人艺术的解放。相反地，他们认为他们才是再现了所谓的真实与普世价值。印象派画家说人们并没有看到物体，而是看到那些物体反射出的光，因此画家必须在自然的光线下而非在画室中作画，并且捕捉那些光线带来的效果。印象派艺术家自己组成了一个团体来推广他们的作品，尽管内部关系有些紧张，他们还是能够集结起来举办了一些展览，然后他们的风格又被其他国家的艺术家所接纳。这些因素都促使大家相信这是一个“运动”。从建立起一套艺术方法、逐渐形成一股风潮、到最后获得国际性的接纳，这个过程将在每个现代艺术运动中不断被重复。 20世纪初期[编辑] 1901年-1906年，在法国巴黎，梵高、高更和塞尚的作品，首次大规模公开展览，20世纪的现代艺术发展，约始于1906年，20世纪的第一个十年中兴起的艺术运动有野兽派、立体主义、表现主义和未来主义。

哥特式艺术对现代艺术的影响

哥特式艺术对现代艺术的影响古典式哥特艺术与当代哥特艺术古典哥特式艺术开始于法国巴黎1140—1144年路易七世掌玺官苏热重修圣德尼教堂之时，而后才开始波及全欧洲。古典哥特式艺术在西方艺术史中占有十分独特的地位,它涉及到多极的评价,并且因为欧洲民族发展中的宗教、政治因素的影响,而呈现出持久的美学标准和审美原则的观念之争。当代哥特艺术设计伴随着哥特音乐的发展而出现,具有黑暗、死亡、阴郁、神秘的内涵和风格特征,体现出了深刻的艺术表现力。当代哥特艺术设计本身所具有的另类特质与商业文化的有机结合,体现出了独特的艺术价值。提到“哥特”一词,我们通常会联想到欧洲中世纪的哥特式建筑、雕刻、玻璃器皿、灯饰或者装饰画。而它最初用来指代德国古民族。美术史上的“哥特式艺术风格”指的是12至16世纪初期欧洲出现的一种以新型建筑为主的艺术,包括雕塑、绘画和工艺美术。18世纪末19世纪初,伴随着欧洲的浪漫主义运动的兴起,“哥特”一词又开始被认为是和黑暗、奇异、鬼魅相关联了。

阴郁、颓废、暴力、血腥、恐怖是哥特艺术带给世人的鲜明感受。哥特艺术与基督教的兴盛有着不可分割的联系。中世纪的欧洲在经历了几百年的黑暗之后，基督教文明逐渐臻于成熟。而主要服务于宗教的艺术，在这一时期有了长足的发展。在不同的艺术门类当中，哥特艺术的显现程度是不一样的。哥特艺术风格表现最为强烈的是建筑，其次是雕塑，再其次是绘画。这种情况的形成，是与当时欧洲艺术的表现技巧、材料技术、传统积淀等因素的影响密切相关的。中世纪早期的时候，哥特艺术多用于建筑。早期教堂大多是在罗马风格建筑形式的变体基础上兴建的，当然拜占庭除外，拜占庭的教堂采用了帆拱和鼓座的创新设计，使得教堂在穹项的高度、跨度、内部的采光等方面都比过去的罗马建筑要有进步。但是艺术是不断发展的，人们对于艺术的要求也是不断更新的。哥特式教堂在外部造型、建筑高度、室内空间、艺术形象等方面给人一种全新的感觉，其中尖拱、飞扶壁、彩色玻璃花窗、外部的高塔等成为其最为醒目的风格标志。这种风格标志强烈、不会与其他艺术语言混淆，最为浪漫地塑造出地面上的人们与天国的神灵相联系的实体形象，因而很快受到人们的欢迎。哥特式的雕塑是在中世纪雕塑的基础上发展起来的。我们现在来分辨哪一件雕塑属于哥特风格的作品，必然要和哥特式产生之前的雕塑艺术风格、以及哥特式消亡之后的各种雕塑风格同时对比才能知道。哥特式雕塑风格最为强烈的还是教堂建筑上的雕塑。因为在哥特式之前的中世纪风格的雕塑，都太拘泥于建筑构建的形态。譬如人形的柱子，人物形象就很呆板，比例失调不像真人，别扭得很。哥特式的人物雕塑虽然有的也存在比例失调的问题，但柱子上的人形雕塑已经比较接近真人形象了，而且雕塑也大多挡住了柱子，尽管雕塑有时就是柱子的一部分，但是柱前的人形雕塑与柱后面伸出来的柱头看上去已经是脱离的，就仿佛柱子是柱子、人是人一样。而之后的文艺复兴时期建筑上

从现代主义与后现代主义艺术

从现代主义到后现代主义艺术精神 “变化是生活的法则，现实是永远否定历史的。”西方艺术在漫长的发展过程中，包括各个时期的艺术思想和流派往往也是按照“否定之否定”的规律运转着。从文艺复兴之后17世纪的巴洛克到18世纪的洛可可以及古典风，继而到19世纪的自然主义、浪漫主义、写实主义、印象主义，再到现代主义、后现代主义，不难看出西方艺术在不断否定自我，同时也在发展自我。尤其从近代的现代主义到后现代主义的精神衍变，反映了人类对艺术的一种新的精神心理结构，使我们产生了对艺术新的思考。一、现代主义艺术的精神和特征西方艺术早在古希腊和文艺复兴时期就构建起了以客观、写实为特征的审美艺术精神。但是这种精神在19世纪70年代已经走到了尽头。西方资本主义的科技和生产力的充分发展，随之而来是社会矛盾的加剧，以及社会的剧烈变动，加之社会思潮的激烈动荡，必然深刻影响人们的精神世界，当然也引起了艺术语言的变化。在艺术领域，人们对传统形式的厌倦，以及审美情趣和审美格调的变化，都在不断冲击着古典传统和写实主义。客观写实的艺术风格终于在印象派这里终于演奏完了最后一个音符。印象主义画家塞尚被称为“现代艺术之”，现代艺术史就是从他开始写起的，然而这位老实巴交、不善言辞的法国人所发动的只是一场画布内的革命，他要批判的对象是西方传统绘画的写实主义。从后印象主义开始，具有主观和写意的艺术精神得到大大的发展。现代主义就是在这种强调个体和艺术自主的时代应运而生的。现代西方开放式的文化策略，诸如生活方式、宗教、哲学等在传统精神领域的破坏，都在艺术领域得到了深刻的体现。现代主义的精神主要体现在以下几个方面：第一、注重形式与风格。对以前的写实主义而言内容或题材至为重要，而到了现代内容或题材被忽略了，形式和风格突显出来，艺术家的创作语言得到了解放。例如达达主义杜尚的创作艺术就极富有革命性，他是一个彻底的思想家。杜尚告诉世人，当艺术家不必画画，不必做雕塑，因为世界和生活本身就是艺术，观念比作品更重要，艺术终究还存在一种过程和行为。第二、具象转向抽象。古典主义的艺术基石就是模仿的审美原则，解剖与透视的科学方法更使得这种“模仿” 发挥的淋漓尽致。然而，在现代西方艺术中，这种空间关系的客观性和真实性成为了被批判的对象。抽象被人们认为是极富表现力的艺术形式，艺术家们通过一步步将客观物象分解、重构、简化和抽象化，创造出了一种独立于客观自然的抽象主义艺术。加之对旧有空间形式的破坏，立体主义的毕加索就是典型的代表。第三、表现比再现更重要。古典艺术追求的是一种客观的外在美，而现代艺术则截然不同，它是与个人的主体性密切相关的，更钟情于个人的感受。例如凡高内心世界的痛苦体验，以及蒙克等表现主义艺术家对社会危机的回应，都表现在其绘画作品中。第四、创造高于审美。“美的失落”是现代西方艺术的一个重要问题，艺术家们在不断寻找着美的异点，他们在不断的否定这美也在创造着美。正是通过否认在那里能找到美这样的问题，去寻找美的答案，也正是这种艺术无关审美的看法，使人们看到了艺术的本质在于新奇与创新，艺术体系是不断革命的体系。艺术领域的不断创造也就意味这对历史的不断否定，按照欧文•豪的观点要为现代主义下个定义，必须用否定性的术语，把它当作一个“包蕴一切的否定词”。无论是形式语言、表现主题、还是审美功能，现代

现代艺术与后现代艺术的区别和联系

现代艺术与后现代艺术的区别和联系现代艺术的范围很广泛，用来指从19世纪末期到大约1970年代大部份的艺术作品。（较近期的艺术作品通常被称作当代艺术或后现代艺术。）艺术原本的目的在于写实地再现某个主体，然而摄影的发明让艺术的写实功能相形见绌，于是就出现了新的艺术路线。艺术家开始实验各种观看的方式、材料、观点等等，而通常作品都变得越来越抽象。现代艺术的概念与现代主义有很亲密的关连。 9世纪的发轫现代艺术是从西方开始的，最先是绘画和版画，然后在19世纪中期扩展到其他的视觉艺术上，如雕塑和建筑。到了19世纪末期，一些对现代艺术有重要影响的运动开始出现：以巴黎为中心的印象派，以及最初从德国开始的表现主义。现代艺术受到的影响来自很多方面：比如接触到东方的装饰性艺术，尤其是日本版画；J·M·W·透纳和欧仁·德拉克鲁瓦在颜色上的创新；还有像让-弗朗索瓦·米勒等画家的作品中可以看到有更多描述日常生活的主题。当时对艺术的普遍观念认为，艺术应该精确地描述事物，而且必须企图表现出其理想的样貌。因此当时最成功的画家如果不是接受委托，就是透过举办大型画展来进行创作。政府也会资助画家，并且定期举办展览。于是跳脱理想化与精确描述的艺术，就不只是一种艺术路线的改变，而是社会和经济状况造成的结果。这些新的运动并不必然将他们自己视为一种进步前卫或者个人艺术的解放。相反地，他们认为他们才是再现了所谓的真实与普世价值。印象派画家说人们并没有看到物体，而是看到那些物体反射出的光，因此画家必须在自然的光线下而非在画室中作画，并且捕捉那些光线带来的效果。印象派艺术家自己组成了一个团体来推广他们的作品，尽管内部关系有些紧张，他们还是能够集结起来举办了一些展览，然后他们的风格又被其他国家的艺术家所接纳。这些因素都促使大家相信这是一个“运动”。从建立起一套艺术方法、逐渐形成一股风潮、到最后获得国际性的接纳，这个过程将在每个现代艺术运动中不断被重复。 20世纪初期 1901年-1906年，在法国巴黎，梵高、高更和塞尚的作品，首次大规模公开展览，20世纪的现代艺术发展，约始于1906年，20世纪的第一个十年中兴起的艺术运动有野兽派、立体主义、表现主义和未来主义。

浅谈当代艺术与设计的关系

浅谈当代艺术与设计的关系在很长一段时间里，不仅普通人们对于艺术与设计有着模糊不清的概念，就连一些专门从事这一行业的人也不见得能很好的把握，也总是模棱两可，捉摸不定。通过学院举办的《当代艺术与设计座谈会》，邀请的嘉宾是今日美术馆的馆长——张子康先生（张子康，今日美术馆馆长。1989年7月毕业于河北师范大学美术系。1989年9月在《河北图书商报》任美术编辑。1992年5月在河北教育出版社文化编辑室工作。1998年9月——1999年7月进修于中央美术学院国画系山水画室助教研修班，现为今日美术馆馆长。今日美术馆是以“民营非企业”，2002年由今日集团董事长张宝全先生创建并首任馆长，2004年底由张子康先生接任。张子康先生还兼任《东方艺术》杂志主编。今日美术馆系中国加入WTO后第一个按照国际美术馆规范建设和运营的纯民间美术馆。今日美术馆无梁无柱全开放自由展览空间及恒温恒湿、自动展板、自动灯光、多媒体声光展示系统等，系中国美术馆最高硬件标准，同时也跻身于国际一流美术馆行列。今日美术馆现有和正在筹建的下属企业有：今日美术馆出版社（香港）、今日美术馆杂志、今日美术馆网站、中国当代美术家数字资料库、中国当代书法家数字资料库、今日美术馆拍卖公司、今日美术馆画廊以及今日美术馆画院、今日美术馆研究院、今日美术馆艺术产业联盟等综合艺术产业实体。今日美术馆在关注中国当代艺术和当代艺术流派及领军人物的同时，更注重对艺

术市场的培育和发展，形成和国际知名美术馆、博物馆、画廊等艺术产业机构相适应的艺术运营模式，为当代艺术家及其艺术品提供一个面向世界的全开放式平台。今日美术馆开馆的《彩墨江山展》、《流行书风展》，其鲜明的学术性以及在美术史、书法史上的重大意义不仅受到国内外媒体及艺术机构的关注，也给中国美术界、书法界带来强烈震撼，促进了中国艺术流派的形成和发展。今日美术馆展览面积1800余平方米，展线长约1000余延米，其全开放自由空间和活动展板、活动灯光不仅能适应所有二维平面作品展览，同时更能适应雕塑、装置等三维空间作品展览。）听了他的讲解以及他和设计系的老师的讨论，我对于当代艺术与设计的关系有点心得体会：对于当代艺术与设计的关系的理解事实上它们是即有区别又有着千丝万缕割不断的联系的。在人类发展历史上，随着社会生产力的不断提升，艺术和设计在各自取得长足发展的同时，它们之间的关系相当微妙。当代艺术与设计的关系是辩证的，当代艺术的发展对于设计会有影响，反过来设计的发展也影响着艺术。一、当代艺术与设计的区别 1、当代艺术与设计的概念纯艺术和设计有很大的区别，一个是以形态思维为中心的，一个是以逻辑思维引导形态思维的，如果和在一起，在各种具体问题上的冲突将是没完没了的。包豪斯在魏玛时期曾经有过这方面的问题。格罗佩斯在1919年建立学院时，根据魏玛共和国政府要求，把早就在

现代主义艺术与古典传统艺术的主要区别是什么

现代主义艺术与古典传统艺术的主要区别是什么？西方20世纪的现代主义艺术的首要特征是与古典传统艺术观念、手法的背道而驰，并由此而生发出一系列自身的特征。西方美术的古典传统，奠基于古代希腊、罗马美术，经文艺复兴和17～19世纪的古典主义、新古典主义的发展而达到高度成熟，形成了完整的经典作品系列和艺术手法规范，这一知识系统就构成了所谓古典艺术的“学院派”体系。概括地看，西方艺术的古典传统以创造理想化的美为基本原则，以对客观形象进行主观典型化提炼为基本方法，讲究绘画语言的写实性和创造形式的规范化。因而古典艺术呈现出画面真实生动、形象高贵典雅、构图稳定合理、造型严谨明晰、色彩纯净明丽的审美特点。古典艺术的题材多表现传统神话、宗教、历史典故。相对于古典传统，现代主义是一个新的艺术创作观念和表现语言体系。它否定了古典的艺术原则，不认为艺术的主要目标是由对客观事物的模仿和共性理想美的显现相结合，而是强调艺术主要是主观创造的产物，是个性表现的产物。因此，它在画面面貌上表现为强烈的个性形式和表现性。因此，在现代派艺术家的作品中，以客观对象为原型的作品往往鲜明表现出了作者的艺术加工，如简化、变形、夸张、分解、组合等；而从主观意趣出发的作品，则更多地具有抽象构成、几何化处理等特点。现代主义的作品由于强调通过形式的创新性、“陌生化”来彰显创作者的艺术个性，因而一般较少使用主题性、情节性题材去表现具有社会意义的内容，而多是通过日常生活中随处可见的人、静物、风景等来创造具有视觉特点的艺术形象。【】摘自： https://www.360docs.net/doc/d515268231.html,/news_show/2005-11/20051129144243.htm 当代艺术的研究无论如何无法回避自毕加索那一时代所有的艺术巨匠，因为他们是古典艺术与当代（现代）艺术的分水岭。自从上一世际诞生毕加索巨匠后，当代艺术或者现代艺术在社会各个领域开始便引发人类的极大关注，前提是因为当代艺术（现代艺术）的美学特征与传统艺术的美学特征截然不同，这主要在审美的范围不一致。１．理解性：

浅析后现代主义艺术

浅析后现代主义艺术【摘要】后现代艺术是在二十世纪六七十年代逐渐蓬勃发展起来的一种新兴的艺术形式，在众多艺术家的参与和努力下壮大起来，从内容和形式上都突破了传统，一系列优秀的作品给我们带来全新的视觉审美和享受。“后现代主义”（Post modernism）一词，对于新一代设计师而言，并不陌生。然而，对于它的含意和概念却往往含糊不清。它涉及到艺术、设计、文学、语言、历史、政治、伦理、哲学等观念形态等诸多领域。【关键词】后现代主义艺术形象在人类艺术历史的长河中，历经了各种艺术思潮的变迁和转换，从浑厚气魄的古罗马艺术到追求完美、寻求比例谐和统一的希腊艺术，到欧洲文艺复兴时期以美为基础的理想艺术，到追求宏伟和朝向理性辉煌炫耀的古典主义艺术，到十九世纪的充满幻想和激情、直觉的浪漫主义艺术，到追求光线氛围视觉上细微变化的印象主义……随着时间的推移，来到二十世纪的近现代，人类的艺术又发生了天翻地覆的变化，全新的艺术形式出现了，它就是后现代主义艺术。它的种类繁多而又复杂，表现形式也是多种多样，包括大地艺术、涂鸦艺术、拼贴艺术、行为艺术等等。一、后现代主义艺术的环境背景在历经二战的灾难之后，在全球经济化的进程中信息开始迅速发展，新的科学技术不断涌现，后现代在文化上则表现为多元化、开放性和对传统的观念的反叛。设计领域中的后现代主义设计首先兴起于建筑界，而后迅速波及到其他设计领域。这时候后现代主义已经从一种特定的文化圈层中扩张出来，进入了人们的日常生活，成为了消费品。这个背景改变着人们的意识和生活形态，渗透到各个领域中去，作为引导时代潮流和走在时代前沿的艺术同样不能避免，很多艺术家不愿再回到人们以往熟悉的艺术样式上去了，这时候甚至连单纯的形式都显得复杂多余。后现代主义艺术就在这个含混复杂而又多变的氛围里诞生了，它既具有传统的魅力又富于新鲜的生机，再创并展现了新时代艺术的辉煌。二、后现代主义艺术的形象特征二十世纪六十年代现代主义艺术结束后，用绘画表达自己思想的艺术家观念上发生了很多变化。他们试图找回某些东西，比如形象、图像、叙事、诗意以及对传统的敬意，来平衡自己的艺术作品。“后现代主义设计”在设计实践上表现出复杂多样的特征，但没有一个占主导趋势的流派或思想。同时遵循人在设计生活中主导作用，具有个性化、散漫化、自由化、人性化的特征。在艺术媒介方面,后现代主义容纳了范围宽广的风格、主题和形式,从传统上

现代、当代和全球语境下的艺术发展问题

现代、当代和全球语境下的艺术发展问题作者：暂无来源：《文苑·艺术汇》 2013年第5期编辑：程媛媛资料提供：中央美术学院美术馆汉斯.贝尔廷线性历史观的终结此行来中国，我发现广大读者对我的《艺术史的终结》这本书存在误读现象，在演讲中希望能予以澄清。首先要澄清的一点，人们经常把《艺术史的终结》跟阿瑟·C·丹托的一本名为《艺术的终结》的书混淆在一起。但这两本书的关键词一个是“艺术”的终结，一个是“艺术史”的终结，艺术史这个概念是19世纪出现的一种线性、进步的历史观建构，我反对这种普世性的价值观和叙事。我从来不认为有艺术的终结，我谈论的是个人史。对《艺术史的终结》的理解要从个人史开始，我给这本书命名的背景则是，艺术家费舍尔当年在蓬皮杜的展览中，声明“这就是我作为艺术家的时刻”，拒绝“装置艺术家”、“观念艺术家”等艺术史中的理论冠名。在我当选慕尼黑艺术史学会主席时，周围的人一直引发我去追随前任主席汉森·伍威尔的方法书写艺术史，因为前任主席实在太成功了。这件事让我很不高兴，并不是我不能接受周边的人对前任主席的崇拜，而是他们要我复制前任主席的做法让我不能接受。所以在就职演说上，我确定了一个题目—“艺术史的终结？”。之所以选择这样一个题目是因为我的头脑中出现了一个很具体的判断，对当代艺术的评论完全是一个线性的状态，所以并不是艺术要终结，而是我们思考、谈论艺术的叙事式的方式要终结。这个叙事通过对于具体艺术是什么，通过对于一种线性进步历史观的建构，提出了艺术史的概念，而对这样的概念我是反对的，我对艺术史概念所传达的一个线性进步史观代表的普世性的假设表示明确的质疑，所以这个导致我从头去思考一个问题，这样一种线性进步的艺术概念是怎么形成的。《艺术史的终结》出版之后，它所带来的影响和人们对这本书的误读也让我很不高兴，所以在那本书出版十年之后，我写了另外一本书—《现代主义之后的艺术》，讲的是完全不同，甚至相反方向的事情，我却赋予它同样的主题—“艺术史的终结”，并且不带问号。这书让我获得了当年的艺术进步奖，授予我这个奖项的理由并不是因为这本书多好，而是我给完全不同的两本书冠以了同样的题目。在这个过程里面，发生了很多事情，比如说出现了“全球化”和“全球化的发展”，艺术史也在改变，世界一直在改变，我的思考对象和思考的主体—“艺术”也是不断改变的，所以我的思考也跟着在变。线性历史观的终结不是艺术的终结，而是一种叙事方式的终结。米歇尔.康.阿克曼现代化？现代性？中国性？ 9 0年代我在莫斯科新特加博物馆看到马列维奇的《黑色的方块》被摆在地下室的角落里，而大展厅摆满的却是斯大林时代的革命主义、现实主义的大画时非常愤怒，但后来贝尔廷教授的书让我理解到，这完全是一个对艺术史的叙述。当时，当代艺术被认为是非常不重要的，次要的一个艺术的支流，它的作用就是限制现实主义，我估计你们对这种叙述比较熟，尽管你们现在还年轻。让我印象深刻的是19 85年之后，一些中国的年轻艺术家像“土匪”一样跑到国际当代艺术市场里去，把所有的东西抢走了，自己穿着。他们穿的很奇怪，很有意思，把一个女人的帽子和牛仔裤穿到一块，这个过程也都冠以“现代化”的名义。对他们来讲，这确实是非常彻底的解放的过程，不止是从革命主义、现实主义的框框中解放。但我认为更深刻的应该是艺术家对自己价值有一种彻底的理解，有一种彻底的变化，21世纪中国的艺术基本上只有一个对“现代化”的理解—救国，把中国从一个落后的、穷的、弱的国家变成一个强国。自八十年代后艺术开始转变，从革命现实主义关怀到对艺术家自身的关照。这时期有两个重要现象：一是中国开始反思它自己的传统，这种反对盲目仿造西方，不坚持艺术领域的现象，是全中国文化所有领域里面的一个现象；二是中国自己开始发展一个艺术市场，中国艺术的市场化过程和速度是有点不可思议的。如今在中国谈论“现代化”或“现代性”时，必须要结合中国的社会语境。中国学界出现了一个新概念—“中国性”，该概念试图避免所谓“现代性”的西方圈套，避免一律大叙事。我认为我们应该面对中国复杂的现实，重新回到对“现代性”的思考，思考什么是现代化的意义？什么是另一种现代性？

当代艺术的发展与思考

---------------------------------------------------------------最新资料推荐------------------------------------------------------ 当代艺术的发展与思考当代艺术的发展与思考本文中我将继《当代艺术研究》课程中对于当代艺术中的当代绘画艺术和实践的例子所引发的思考进行阐述。真正的自我是自主，自由的个体。自我应该是完整、稳定、独一无二的，并能独立行动，具有富有意义的意向和连贯统一的内心。这段话，自从我第一次听到后就被抄写下来贴在我的床边，每天我睁开眼睛时就能够看到，能够使我不断坚持执着的去做我自己，而不被任何外界的诱惑所干扰。通过了解许多当代的艺术家，使我从实际的例子中真正的去了解我的意义，从真正的意义上去理解人与自我。在西方绘画史上，伦勃朗是欧洲 17 世纪最伟大的画家之一，他的一生留下 600 多幅油画， 300 多幅蚀版画和 2019 多幅素描，几乎画了 100 多幅自画像，有他不同时期的真实写照，他对着镜子中描绘自己时的一笔一划间，无疑，是对自己的解读。梵高一生都在坚强的保留自我的艺术方式，留给世人的不光是艺术作品本身，还有创作过程中的坚持和自我的信念，这种在精神层面顽强的保持自己风格的例子还有很多很多。 80 年代‐90 年代在纽约举办过大量关于身份的展览，其中1989 年在巴黎蓬皮杜中心的展览大地魔术师。 1 / 6

它被视为对 1984 年在纽约现代艺术馆举办的轰动一时的展览20 世纪艺术中的原始主义：种族与现代的联系的回应，并且是中国艺术家走向世界的重要起点。对于世界，这是第一次西方与非西方艺术的平等对话，对于中国，这是第一次有中国艺术家和策展人参与的世界性展览。回顾大地魔术师。这是一次另类的现代艺术大展，是来自世界四面八方的现代艺术好汉们的展览，并非只有人们所熟悉的现代西方艺术。当然包括欧美著名的前卫艺术家们，此外还有来自北美的印地安人和纽约的另类或边缘性艺术家，当然这是此展览的特色之一，还有不少展出的艺术家们，连他们都不知道自己也是艺术家。其中三分之一是西方著名艺术家，三分之二则来自非西方，人们对他们都相当陌生，大都在其本土上生活与创作，或从事其他职业，他们在封闭或半开放的社会资讯里，大都不受外界（尤其是西方现代艺术）文艺潮流的影响，具有独特的本土艺术风格和特色，且从艺术家们的各别身份，就能了解其文化、传统、地理环境、气候、景观及人生哲理与态度的差异，从中就能理会他们别致的视觉造型语言，在人类本能里展现，并没有什么前卫、现代或新潮的问题困扰，诉求于个人的敏锐度和感性，比起各种迷惑人的名词来得更实在更真实。这些来自世界四面八方的艺术家们都带着各自的文化、传统、

浅谈后现代主义艺术的特征论文

浅谈后现代主义艺术的特征论文浅谈后现代主义艺术的特征全文如下：摘要：在哲学体系上，后现代主义力图反传统的哲学体系建设，无视常规的逻辑事物关系，标榜随意，无限制的自由发挥，把历史、艺术方方面面切得支离破碎，但有时又力图拼合新的意义。在艺术创作上，后现代主义一反传统的经典创作原理，任意为之，艺术似乎不再是纯粹的艺术，也不再高雅，似乎就是人们生边的生活，随处可见，经典艺术迅速被解构，取而代之的是艺术的生活化和无艺术性。卡尔--安德烈是当代美国艺术家，是极简主义艺术的代表人物之一。《矩形砖阵八》，通常被称为“砖堆”，是由卡尔?安德烈创作的最著名的一系列的极简主义雕塑之一。《矩形砖阵八》创作于1966年，1972年被伦敦泰特美术馆收藏。这个砖阵艺术品由一百二十块防火砖组成，这些砖块被安排在两层，形成一个六十点矩阵。整体上这个砖阵的八个部位系列的结构有相同的高度、质量和体积，在卡尔?安德烈看来它们都“等效”，尽管形状有些不同。由于后现代主义对传统分析的蔑视，在对艺术品的分析中形成了无中心意识和多元价值取向，由此带来的一个最直接的后果就是对作品评判价值的标准的模糊性甚至否定，人们也不再以传统的社会历史观点和人文态度去分析对待，思想的解放前所未有，各种反传统反经典的后现代主义艺术观取代了之前的人文主义传统观点。归结来看，后现代主义艺术主要有七大特征： 1.在创作形式上追求仿像摹仿，内容重复，复制，拼贴。传统艺术追求深刻的意义内涵，现代艺术标榜现代性和新颖的构思和质感，但后现代主义艺术却给人一种简单拼凑的无力之感，追求仿像摹仿，内容重复，复制，拼贴。画面的一切都走向表面，简单复制出一个新的画面，《矩形砖阵八》就是用一百二十块同样的砖块累积起来的一个长方体，可以将其分割成一百二十个等量的复制体，没有雕琢，没有粘和，没有文字图画，仅仅是整齐的堆砌在一起，可以说任何一个泥瓦匠都可以完成这种艺术品的创作，甚至做得更好，可为什么《矩形砖阵八》就可以称其为艺术品，其它却不是呢?原因在于《矩形砖阵八》是艺术形式上的复制与模仿，只为欣赏，不带有实用的功力主义色彩。 2.在审美展示上给人呈现出平面感，无深度感，意义消失。《矩形砖阵八》只是一堆还算放得整齐的砖块，最多就是一个长方体的几何造型，就是一个简析的平面化图像，没有意义，没有深度，不像《蒙娜丽莎》人们可以从她神秘的微笑中想象无穷的答案，它给我们的观赏不会带来深度的联想和思考，似乎它的存在就只是为了存在，没有太大的意义。恰好，这就是后现代主义所要表达的：平面感，无深度感，意义消失。

当代艺术整体发展趋势

1.注意审题 2.观点清晰 3.层次分明 4.备有论文浅谈当代艺术整体发展趋势人类社会进入21世纪,由于科技和经济的飞速发展,国际互联网和电子媒体的出现,全球化时代已经到来。在全球化的过程中,不同的国家、不同的民族和不同的文化都将面临着许多人类共同关注的问题。在艺术创作上, 世界各国的艺术家既深受自身文化传统的浸染和影响而表现出自身强烈的地域性特色,同时也处在国际文化大背景的交互作用当代性之中。因此,优秀的艺术作品也就是在深厚的文化传统基础之上,同时体现了我们时代的文化特征,以及艺术家个人独特的艺术语言的创新之作。什么是当代艺术？划分当代：比现代还现代，反现代，回归传统，其含义宽于现代，这就是当代。“当代艺术”在时间上指的是今天的艺术，在内涵上也主要指具有现代精神和具备现代语言的艺术。之所以现在的展览普遍用“当代艺术”的提法，是因为用“现代艺术”的名词容易与已有过的“现代派艺术”混淆，同时，“当代艺术”所体现的不仅有“现代性”，还有艺术家基于今日社会生活感受的“当代性”，艺术家置身的是今天的文化环境，面对的是今天的现实，他们的作品就必然反映出今天的时代特征。当代与现代相比，追求纯粹，提倡原则，引形式向上，以自我为中心，整体单调。“现代艺术”是西方20世纪以来的占主导地位的艺术形态。从20世纪初开始，出现了现代艺术，它的突出特征是在艺术形式上不再以写实的风格为主，而是体现艺术家个性的观念和形式语言，并且形成了许多艺术流派，一个时期以某种艺术流派为主导。如我们比较熟悉的立体派、未来派、超现实主义、抽象主义、波普艺术、照相写实主义，等等。当然，无论何种艺术形式，其所反映和表现的都是现代社会变化给人们带来的社会心理特征，都是艺术家对艺术表现形式的探索。其中的积极成果丰富了人们的审美经验，开拓了艺术的视觉表现空间。“当代艺术”所体现的不仅有“现代性”，还有艺术家基于今日社会生活感受的“当代性”，艺术家置身的是今天的文化环境，面对的是今天的现实，他们的作品就必然反映出今天的时代特征。当然，无论何种艺术形式，其所反映和表现的都是现代社会变化给人们带来的社会心理特征，都是艺术家对艺术表现形式的探索。其中的积极成果丰富了人们的审美经验，开拓了艺术的视觉表现空间。中国方力均、岳敏君、王广义、张晓刚四名画家是中国当代艺术市场具有代表性的艺术家。而当代艺术的特征为（一）不、善、非、多（二）多、大、世、平、新、娱。随着世界经济的不断发展，经济趋势呈现多元化，世界经济基本走势是:调整与改革成为世界潮流;各个国家和地区相互依存,相互协调,共同发展,长期共存,各种矛盾交错,合作与竞争并存,危机与繁荣交替。随着知识经济和信息化社会的到来，文化在社会发展中的作用大为增强，已成为综合国力竞争中的重要因素。社会生活的多样化、异质化，必然给人们的思想观念、价值取向带来影响，使人们思想活动的独立性、选择性、多变性、差异性明显增加。

现代与后现代艺术的反思综述

关于现代与后现代艺术的论述现代主义艺术产生的外在动力启蒙运动（17、18世纪）造成的结果，伴随着第一次工业革命（18世纪60年代-19世纪40年代），科技的进步与发达，人们的生活、思想发生了巨大的变化。艺术变革的内在动力：艺术不是一个一成不变的东西，任何迷信“艺术”的永恒性或者以固定不变的概念来限定“艺术”的行为都是愚蠢的。“每一个时代的人都应当针对自己的生存环境与生存状态确立属于自己的艺术立场、价值观与视觉形式。”这种观点是现代主义出现以来的内在动力。现代主义艺术是标准化、中心地位、进步性、先进性、前卫性、先锋性、构成的统一体，现代主义是科学的，理性的，对技术坚定不移。它集中了后期象征主义、意向主义、表现主义、立体主义、未来主义、达达主义、超现实主义等。以波德莱克（1821-1862现代主义文学鼻祖）象征主义诗人的《恶魔花》奠定了文学基础，他反对美学理论，与马奈，左拉是好朋友，马奈与左拉受到他的影响创作出《草地的午餐》从而打破了传统美学，反美学从这里开始，存在主义（贝尔斯、海德尔特等）和现象学（胡塞尔）成为了现代主义哲学的基础。现象学认为意识的本质应该有一定的结构，意向性，对事物赋予的某种秩序和意义，他要求人们回到事物本质中去，反对对事物的表面的临摹，因此反对实证主义和经验主义。塞尚强调，事物并不是我们全部能感觉得到的，而是我们因我们的意识去构造生成的。塞尚在绘画本体上进行理解，用几何意念重构自然开启了现代美术基础，被称为现代绘画的鼻祖。他开创了发现事物“结构”。毕加索从塞尚那里得到了启示，1907《亚为农少女》开启欧洲立体派新纪元，主要在于对结构的探索与表现，把塞尚回到事物中的结构推向新的形式空间，因此体现反对美学，主张非传统的表现方式（完全抛弃了传统的法则：不模仿、没有透视。没有环境色的色彩规律），同时打破了绘画以视觉为基础的本质。 1909在意大利发起了未来主义（反学院、反文化、反逻辑）打破了材料上的限制，主要是因为工业革命的带来了前所未有的变化，机械时代的到来让他们看见了新荣耀，决定要开创适应了我们的现实性需要的艺术。将工业材料运用到了视觉艺术中代替造型，进步与新成为未来主义者们的追求，开始不断否定过去，“机器”与“速度”成为现代主义的代名词。进步代表了一切的思想观念的力量，这导致了，新旧的对立，传统与当下，过去与现在等等。现代主义的先锋或前卫表达了创新性。杜尚开始用机械的表达来创作，对事物的结构感悟，让人们看见了本质的结构。除了工业革命，还有欧洲先进的进化论和马克思主义在支撑着，它们宣扬事物是由低级进入高级，新东西必然代替旧的东西，现代主义艺术必然代替传统艺术，现代主义从这里找到了理论根据。杜尚开始用“现成品”艺术非理性证明他的达达主义，从新赋予事物的意义，置换位置的不同，导致了任何艺术家的作品都可以放到艺术馆、博物馆里，传统艺术就被无情的解构了，”泉”使杜尚成为现代艺术之父。文化工业和文化消费成为现代艺术的重要现象，文化工业成为争论的焦点之一,现代主义艺术受此影响开始逐渐地转型.文化工业与工业的发展紧密相联系，工业的进步使文化工业得以实现,文化工业是一种满足大众娱乐的消费品,受众者精神/视觉/心里等方面都得到了补偿.艺术家从中也能得到不菲的报酬,而艺术家的艺术品成为了没有思想/没有深度的消费产品.文化工业把艺术变为一种商品进行买卖. 文化工业的全面扩张导致了后现代主义的全面扩张,阿多诺提出

怎样区别现代艺术与当代艺术

怎样区别现代艺术与当代艺术国内有一大批收藏当代艺术的藏家，由于对艺术史缺乏了解，受到知识结构的局限，误把现代艺术与当代艺术的概念混淆起来。现代艺术主要表达方式是对古典主义的一种否定和反动，以惟我主义和个人主义的标新立异向固有的形式和既定的规范挑战。同时，现代艺术是印象主义之后西方形形色色艺术流派的总称。工业文明是西方现代主义艺术产生的历史背景，此时，民主政治已经实现(阶级斗争意识已经淡化)，宗教亦被抛弃(“上帝死了”，唯物主义取得了统治地位)，大力提高生产力、积极创造物质财富成为西方人最重要的生命课题。作为“现代

艺术之父”，塞尚与前人的区别，亦即其革命性的创造，就在于他将西方艺术从宗教和政治的束缚中解放出来，不注重“画什么”，而将“怎样画”作为自己创作的主要目的，他追求的是“形式主义”的“纯艺术”，亦即“为艺术的艺术”(Art for art)。形式主义绘画听上去空洞无物，没有价值，但只要听听塞尚的那句名言“要用圆柱体、球体和锥体来描绘对象”，我们就知道塞尚的形式主义并非胡涂乱抹，随意而为，他的绘画带有几何学核物理学研究性质。以塞尚为起点，西方艺术家通过一步步将自然物象分解、重构和简化，最终创造了一种完全独立于客观世界的纯抽象艺术。我们知道，天生具有二元论世界观的西方人在文化艺术的创造中从来没有按

照单一的方向发展，西方现代主义艺术同样存在着相互对立的两条发展路线。在以塞尚为代表的形式主义艺术走向抽象的时候，另一位法国艺术家杜尚打出了观念主义的大旗。1913年，杜尚将一个现成的旧自行车轮“贴上艺术的标签”，宣称“什么都是艺术”，从此各种“反艺术的艺术”大行其道。观念主义的基本逻辑是，既然艺术作品出自艺术家的观念，那么观念本身就是艺术。就这样，沿着杜尚开创的观念主义道路，西方艺术家创造了各式各样的非架上艺术，以致推出了无形无象的纯概念艺术。如果说塞尚的形式主义艺术追求的理性和秩序，那么，杜尚的观念主义艺术则期望的自由与平等，两者相

浅谈对当代艺术的看法

浅谈对当代艺术的看法尹佳当代艺术的定义什么是当代艺术，在讨论这问题之前是必须先要弄清楚的概念。“当代艺术”它在时间上指的是今天的艺术，在内涵上也主要指那些有现代精神和具备现代语言的艺术。之所以现在的展览普遍冠以“当代艺术”的提法，是因为用“现代艺术”的名词容易与“现代派艺术”这个概念混淆，同时，“当代艺术”所体现的不仅有“现代性”，还有艺术家基于今日社会生活感受的“当代性”，艺术家所置身的是当代的语境，面对的是今天的现实，他们的作品就必然反映出今天的时代特征。现代向当代的过度，变化的主要契机是“二战”引起的人对生存价值的思考。在西方国家的学者习惯把“二战”结束看作为现代艺术与当代艺术在时间上的分水岭，然后依据文化取向和美学诉求的异同，而将19世纪中期到二战前的艺术称为“现代主义艺术”，其后的则称为“后现代主义艺术”或“当代艺术”。从严格的意义上，西方学术界则将1969年举办的“当态度成为形式”展览视为当代艺术的起点，因为正是这个展览强调了：无论是作品、观念，还是过程、状态、信息等艺术形式，最终都是为了表达艺术家的立场和态度。从此，艺术家对现今状况所作的意识判断，成为当代艺术展开工作的基础，“当代艺术”一词正式出现。当代艺术在中国的发展在中国，“现代主义艺术”和“当代艺术”这两个概念其实并没有被明确定义过。面对各种艺术现象，结论也不一致。最典型的观点主要三种：一种是将上世纪80年代的艺术看作是“现代艺术”，将上世纪90年代的艺术理解为“当代艺术”；第二种观点是将过去三十年出现的实验艺术看作为“当代艺术”；第三种则以艺术现象和艺术风格为依据，认为“当代艺术”涵盖了政治波普、新生代、泼皮艺术、卡通艺术等。这几种结论无法统一的现状，是由中国艺术本身短暂的发展历史的现实条件所决定的。当代艺术特别在意艺术作品在它所处的时代所产生的积极作用。这样一来，“当代性”不仅是当代艺术的价值核心，也意味着当代

现代艺术各个流派资料

现代艺术各个流派现代艺术的范围很广泛，用来指从19世纪末期到大约1970年代大部份的艺术作品。（较近期的艺术作品通常被称作当代艺术或后现代艺术。）艺术原本的目的在于写实地再现某个主体，然而摄影的发明让艺术的写实功能相形见绌，于是就出现了新的艺术路线。艺术家开始实验各种观看的方式、材料、观点等等，而通常作品都变得越来越抽象。现代艺术的概念与现代主义有很亲密的关连。现代艺术是从西方开始的，最先是绘画和版画，然后在19世纪中期扩展到其他的视觉艺术上，如雕塑和建筑。到了19世纪末期，一些对现代艺术有重要影响的运动开始出现：以巴黎为中心的印象派，以及最初从德国开始的表现主义。现代艺术受到的影响来自很多方面：比如接触到东方的装饰性艺术，尤其是日本版画；透纳和德拉克鲁瓦在颜色上的创新；还有像让-弗朗索瓦·米勒等画家的作品中可以看到有更多描述日常生活的主题。当时对艺术的普遍观念认为，艺术应该精确地描述事物，而且必须企图表现出其理想的样貌。因此当时最成功的画家如果不是接受委托，就是透过举办大型画展来进行创作。政府也会资助画家，并且定期举办展览。

于是跳脱理想化与精确描述的艺术，就不只是一种艺术路线的改变，而是社会和经济状况造成的结果。这些新的运动并不必然将他们自己视为一种进步前卫或者个人艺术的解放。相反地，他们认为他们才是再现了所谓的真实与普世价值。印象派画家说人们并没有看到物体，而是看到那些物体反射出的光，因此画家必须在自然的光线下而非在画室中作画，并且捕捉那些光线带来的效果。印象派艺术家自己组成了一个团体来推广他们的作品，尽管内部关系有些紧张，他们还是能够集结起来举办了一些展览，然后他们的风格又被其他国家的艺术家所接纳。这些因素都促使大家相信这是一个“运动”。从建立起一套艺术方法、逐渐形成一股风潮、到最后获得国际性的接纳，这个过程将在每个现代艺术运动中不断被重复。 1901年-1906年，在法国巴黎，梵高、高更和塞尚的作品，首次大规模公开展览，20世纪的现代艺术发展，约始于1906年，20世纪的第一个十年中兴起的艺术运动有野兽派、立体主义、表现主义和未来主义。第一次世界大战造成了这一阶段的终止，不过也因此开始了一些反战运动，比如达达主义和杜尚的作品以及超现实主义。另外像风格派和包浩斯学派也影响到日后关于艺术、建筑、设计和艺术教育之间关连的发展。

后现代艺术对传统形态美术的挑战

后现代艺术对传统形态美术的挑战关于后现代艺术的判定，任何单一的、片面的概念都不足以涵盖其丰富性与多样性。后现代艺术自60年代兴起以来，对传统形态美术以及现代艺术的创作形式、创作方法和传统艺术概念自身，都进行了更深层意义的思考。它是对传统形态美术的否定和终结，是对艺术的观念、形式、意义等多层面价值的重新认定。并且，它一改现代艺术的种种束缚和制约，将艺术家的创造力和想象力发挥到极致，将形式感和观念性彻底升华。后现代艺术在与传统形态美术的碰撞中，割裂了其固有的审美价值和意义，将作品所表现出的观念性特征作为评判标淮是后现代艺术的突出特点。以杜尚、波伊斯、安迪·沃霍尔领军的后现代艺术，对传统形态美术的颠橙是且右茧命桂的，他们在实际上排除了艺术具有革命性的，他们在实际上排除了艺术创作以及通过艺术形象显示的美感，把艺术限定在了形态学的范畴之内。因此，传统形态美术(包括现实主义、浪漫主义和古典主义等)以及现代艺术都不无例外的在后现代的话语体系中被消解。从某种意义上说，作品的艺术性和美感已经不再是艺术创作追寻的终极目标，观念性的置入与表达成为后现代艺术创作的潮流，正如杜尚解释那件被后现代艺术奉若经典的现成品小便器《泉》时所说:“一件普通生活用具，予以它新的标题，使人们从新的角度去看它，这样，它原有的实用意义就丧失殆尽，却获得出了一个新内容。”这段被视为后现代艺术观念性宣言的文字昭告了一个时代的开始:传统艺术创作中惯有的对形式、美感的推崇被终结，进而把观念性置于艺术创作终极目标的地位，进一步颠覆了以往艺术创作的神圣与崇高。正是由于这种彻底的颠覆，使人们对几千年来形成的对传统形态美术的固有认知产生质疑，甚至引发了“艺术濒于死亡”的惊呼。后现代艺术对传统形态美术的挑战首先体现在对艺术创作形式的突破。后现代艺术将固有的现成品挪用而来，改变其原有的物质属性并赋予其艺术性的价值判断。正如1969年在瑞士伯思市立美术馆举办的一个展览目录上所写:“今日美术的主要特征，不是造型，也非空间构成，而是人，艺术家的行为，成为主要的主题和内涵。在此次的美展上，他们所期望的是人们把其艺术的过程当成为作品。”这种后现代艺术的观念性主张试图抛弃艺术的实体性创作，使用实物、照片、语言等方法赋予人们所熟知的现成品以艺术内涵。杜尚的《泉》、孔苏斯的《一把和三把椅子》就是最好的例证。传统形态美术给我们提供艺术审美的样式，而后现代艺术却提供给我们艺术审美的思考。这体现为艺术家改变了面对艺术的态度和创作艺术的思想。当.这种对现成品的挪用随着艺术观念的变化而逐渐被认同，所有被古典、传统奉为经典的标准都成为了后