N大恶俗业余摄影追求
摄影扫盲
单反扫盲摄影人的基本道德——永远别做一个让人讨厌的摄影人1、慎用闪光灯——永远不要在会议、舞台或者音乐会等这一类场合上使用闪光灯，原因是，你的闪光灯会影响到别人，你想拍照的时候，会影响台上人发挥，另外其他观众也在看。
其次，机顶闪光灯肯定不够用，因为有“闪光指数”这种东西！另外也破坏自己图片的光影。
对应办法，大光圈、提高ISO！2、抓拍。
当你突然发现一个很值得拍摄的情形的时候，不妨把这一刻记录下来，但当你的照片当中有人物的正面，或者以该人物作为主要构图对象的时候，应该得到当事人的许可，否则就就尽量不要发表，除非你是新闻记者。
（如果当事人不喜被人拍，不要偷拍，那是一种不尊重）好照片= 对相机的熟练调节 + 拍摄的角度 + 拍摄的时机 + 良好的构图 + 内在的思想 + 拍摄的经验（一）摄影的“立意”单反相机模仿人的视觉，你眼睛看到的东西，用单反相机准确还原成照片，传递给别人，使他们身临其境。
（我的个见）当我们端起相机准备拍照的时侯，问题就在眼前：你想拍什么?或者说想通过照片传达什么，是一个人物，一件事，还是某人某事? 摄影的表达如同写文章，在下笔之前你就必须为你的文章“立意”，创立一篇文章的中心思想。
也叫趣味中心。
确立一张照片的“立意”很重要，没有立意的照片等同一张“废片”。
看一张照片就如同在听一个“语无伦次”的人说话一样，你无法明白他到底想说什么。
一张照片只能用来说明一件事！如果我们试图在一张照片中表达许多问题，可以说是失败的。
构图时舍不得许多无用的元素，这也漂亮，那也有意思，许多漂亮的东西在一起，造成观察者的视觉游离，从而使得“立意”下降。
绘画构图是加法，简单的摄影构图是减法。
而真正的摄影构图是在不影响画面立意的前提下，尽可能的增加信息和元素。
一切都需视传达的目的而定（此如证件照或人物肖像类的特殊摄影除外）。
（二）基本知识1、正确的姿势握持相机．能有效的避免相机地抖动。
避免单手握持．双手握持时，一手握持相机手柄．一手用虎口握持镜头的变焦或对焦环．两手不要在一条直线上．而应形成一个夹角，相对更稳定。
在摄影圈里有什么有趣的梗摄影黑话解读怎样跟入门摄影师交流
在摄影圈里有什么有趣的梗摄影黑话解读怎样跟入门摄影师交流这一张图就包含着几个梗1.佳能相机因为拍出来的照片有些偏洋红色，拍出来的妹子显得比较好看，似乎自带磨皮效果，所以佳能是拍妹子的首要选择。
所以上面那张图基本是根据女生选择出的图。
所以佳能用户跟尼康用户也是天天打。
2.“毒德大学”这一名词也是一个梗，这个词的出现是来自大家的夸奖。
怎么夸呢？大家似乎有了一个模板：'毒！德味！大师之作！’学习了！毒的意思是中毒了，德味的来源是因为早期德国的镜头成像素质十分好，可以说是顶尖的代名词，所以德味应运而生。
3.跟'毒德大学’并列的还有一个词：“刀锐奶化”，这是什么意思呢？刀锐：焦内如刀割般锐利；奶化：焦外如奶油般化开。
就是说拍的图片对焦准确，景深处理合理。
'老法师’相信大家对这个词也不陌生，踏进摄影圈大家基本都这道老法师很多都是上了年纪的，但是这个理解不全面。
在摄影圈何谓'老法师’？大炮（长焦镜头）、公园、荷花、响亮且连续的快门声、xx协会，而'互相学习’则是他们的决战的信号。
锐利虚化和直出又是他们的信仰。
老法师基本待在一个圈子里，发片之后互相吹捧，信心爆棚。
当你去接触这个团体的时候，你会发现，咦？怎么这么热情，会有很多人指导你拍，但是你回来后发现这不是瞎指挥吗??总的来说'老法师’并不局限于年龄，很多都是器材挺好，作品一般。
为什么被称为老法师，也是因为摄影观念的陈旧和拍摄技巧的单一（就像是一直在公园拍荷花，花草鱼鸟，各种一样的风景）人像三要素这个梗，那时候还是小白的我问起前辈：怎么才能拍好人像？前辈神秘的的告诉我：“想要拍好人像，有三大重点！总结起来就是人像三要素。
”我在思考不禁问道：“是哪三要素？设备吗？”前辈一脸郑重的告诉我：“是模特好看模特好看模特好看。
”还有人问糖水片是什么，其实就是美女，小清新，大光圈突出人物，没有什么内涵，所以被称为糖水片，但是还是挺好看的，适合大家去约拍。
摄影师的伦理道德观
摄影师的伦理道德观1 摄影师伦理道德观作为一名摄影师，不同专业、不同风格以及不同表现出的图像都会因需求而变化。
通过技术和创造力，摄影师从新探索着不断把自然风光结合到拍摄中，并确保每幅画面的有效性和艺术特性。
这就要求摄影师追求高尚的伦理道德标准，否则他们的作品将不能受到良好的体现，也不能被公众认可。
1.1 爱护自然爱护自然是摄影师伦理道德中最为重要的一点，因为有了自然环境，才会有更好的摄影作品。
因此，在拍摄时，摄影师非常重视自然环境的保护，不在摄影场所破坏植物、不污染空气、不破坏或损坏摄影地点的自然环境，使摄影地点仍能像最原始的时候一样。
1.2 遵守诚信“商业摄影师的职业操守遵循的最重要的准则是誠信”，摄影师应该做在摄影行业的人间诚信，以合法和安全的方式拍摄，堅持以真实提取形象。
因此在拍摄时要始终如一地保持艺术审美，不随意变造现实，并保留真实的情节和照片。
1.3 保护作品版权尊重版权是摄影行业最基本的伦理道德，而摄影师的伦理道德观也涉及版权问题。
摄影师应在符合适当的法律法规的前提下创作他们的作品，无论是单词图像都应有合法拥有者拥有权，并且有权知道其作品被用于何处，对于在记录文化方面遵循传统和文艺风格，而损害他人权益或职业利益时，应予以控制。
1.4 尊重主题拍照时，摄影师应该尊重拍摄主体，在不侵害他人名誉权、隐私权的情况下，把作品上传到互联网和公共媒体，给他人以正确的评价。
特别是拍摄色情、暴力、恐怖和政治观念的照片，要有责任感和心理准备，保护不同群体类型的拍摄，并避免偏激的拍摄，以保护社会秩序和文明礼节。
摄影师的伦理道德观不仅是专业技术，而且重庆文明礼仪，他们在拍摄过程中要让更多人看到自然环境中的奇迹，让更多摄影爱好者走进自然，从而让更多的人认识到环保概念，创造出越来越新颖、合理和美妙的摄影作品，这也是一个摄影师出发点与终结点，在拍摄之前和拍摄之后，摄影师必须始终遵守伦理道德，才能表现出更完美的摄影作品。
摄影师不想再犯的七宗罪
摄影师不想再犯的七宗罪来自：实用摄影技巧2013-11-22 13:18:22 | 阅读原文俗话说得好，吃一堑，长一智，有时候没有跌倒过，就不知道该怎么爬起来。
参考一些前辈的经验，或许能少走一些叉路，对于摄影来说也是这样的。
拥有25年拍摄经验的美国摄影师 Ibarionex Perello与大家分享他在摄影生涯中曾犯过的7大错误，这几条里面，你犯过哪几条呢？罪之一：买一堆用不到的器材大陆坊间流传这么一句话：「一台单反（单眼相机）穷三代。
」有这么严重吗？对于有器材狂热症的朋友来说，这句话可能就不夸张啰？即便已拥有一切基本的拍摄配备，仍总想再买些别的来「武装」自己，不管用不用得到，就算放在那里也赏心悦目。
除非是很多金、时间很多，并很会保养器材的朋友，不然在器材购买方面建议还是量力而行。
拥有25年拍摄经验的美国摄影师Ibarionex Perello表示，别盲目地追求所谓的画质，在选购器材时当思考它是否能为自己的创作带来更多的灵感或帮助。
且器物往往要不时地发挥用途，才能维持其正常的功能性，买了器材放在那里，不仅多花钱、占空间，也许要多花时间保养。
而这些花费还不如用在旅游上，还能增添新的摄影灵感。
▲像这样巨大的望远镜头，如果只是买来「观赏」用未免也太浪费了！罪之二：没跟客户沟通好就执行拍摄如果说买用不到的器材是浪费钱，那不跟客户沟通清楚就自行拍摄也是浪费钱的另一个举动。
这种情况下拍摄出来的结果也许会跟张张晃到的下场一样失败，毕竟拍出来的东西不是客户要的，难免面临重拍的命运，就算口才很好说服客户接受，也难保客户会不会扣钱之类的。
关于拍摄前的沟通，大可像合约签订那样白纸黑字写清楚，包括拍摄内容、风格类型、具体要求、交件时间、交件内容、图片授权、执行费用等细节，方便双方达成共识，保障双方权益。
▲良好的沟通对于商业摄影师来说也是很重要的。
（图片来源：Research Methodology）罪之三：不即时备份图档无论有多么忙碌，都别忽略档案备份的重要性。
摄影流派简介
新现实主义摄影又称新即物主义摄影或支配摄影.２０世纪２０年代出现的一个摄影流派，它的理论先驱是纯粹派摄影家斯特兰德，他称：“新即物主义乃是摄影的本质，并且也是摄影的产物和界限.”它的实际创始者也是纯粹派摄影家帕丘，他认为摄影的审美价值隐藏在自身的特性里，强调摄影艺术只有充分发挥自身的特性才能创造出美，“才能创造出可以自立的摄影，没有任何东西是从绘画所借用的”。
新现实主义摄影的艺术特点是在常见事物中去寻求美，用近摄、特写等手法，把被摄对象从整体中“分离”出来，突出地表现对象的某一细部，给予观众强烈的视觉印象.这一流派的艺术功绩是促使人们对充分发挥摄影自身的特性的研究和探索，把摄影从审美的虚幻世界中拉回现实生活中来.１９２５年前后，由于大口径的小型像机的出现，新现实主义摄影的表现领域又有所发展，产生了一些优秀作品.它的某些主张对后来出现的抽象主义摄影有一定的影响.这一派的著名摄影家有帕丘、桑德、勒斯基、黑葛、希尔夏等.抽象派摄影第一次世界大战后出现的一个摄影流派.该派摄影家受抽象绘画艺术的影响，否定造型艺术可以反映生活、表现艺术家审美感受的基本特性，宣称要把摄影“从摄影中解放出来”，他们力图使用“绝对抽象的语言”表现人类最真实、最有本质力量的潜意识世界，使被摄物体变成不能辨认的线条、斑点、形状的结合体，原来的被摄体只不过是借以随心所欲地产生表现摄影家想象和个性的“旋律”音乐.抽象派摄影的创始人泰尔博初期的作品，尚有一定程度的可辨认性.至１９１７年，摄影家科班用碎木片和玻璃片拍摄的《波尔多画报》就已完全不可辨认了.随后，抽象派画家康丁斯基、克勒等将显微摄影、Ｘ光摄影引进抽象派摄影，从而扩展了抽象派摄影的表现范围，建立了抽象派摄影的艺术体系，并风行于欧美等国.这一派的代表摄影家还有莫荷利纳基、史格特.芬宁格、夏德等.达达派摄影第一次世界大战期间出现于欧洲的一个摄影流派，“达达”，原为法国儿童语言中“小马”或“玩具马”的不连贯语汇.达达派摄影家的创作，大都是利用暗房技术进行剪辑加工，创造出某种虚幻的景象来表达自己的意念.在照片的画面中，直观形象已不再以其自身的意义存在，而只是某种意念构成的元素.如用剪辑的手法，使尼亚加拉大瀑布涌向纽约，制造世界末日的凄凉景象.由于达达派摄影作品不符合人们一般的审美观，1924年以后就逐渐衰没，但在其后出现的现代派摄影作品中仍可窥见其影响.这一派的著名摄影家有哈尔斯曼、纳基、摩根等.堪的派摄影第一次世界大战后兴起的一种反对绘画主义摄影的流派.这一流派的摄影家主张尊重摄影自身的特性，提倡拍摄时不摆布、不干涉被摄对象，抓取自然状态下被摄对象的瞬间情态，作品的艺术特色是客观、真实、自然、不事雕琢、形象生动且富有生活气息.堪的派摄影家大部分从事新闻摄影工作，大都崇尚人性世态的表现，但其美学思想和创作倾向较为复杂，有的为自然主义者，有的为写实主义者.堪的派摄影有两位杰出的代表人物.一位是德国的萨乐蒙，他创造了用小型相机运用现场光线抓拍人物形象的摄影技法，它拍摄的《罗马政治会议》由于真实、生动、朴实、自然而成该派的经典作品.另一位是法国摄影家布勒松，他提出的“决定性瞬间”的摄影理论在摄影界得到广泛的认同并具有深远影响.他的许多作品为一些国家级的博物馆收藏.这一派的著名摄影家还有美国的麦阿沃依、英国的戴摩尔、法国的哈夫门等.写实摄影摄影领域中的一种主要流派，是现实主义创作方法在摄影领域中的反映.写实摄影家在创作中恪守摄影的纪实性特点，认为摄影应该具有“与自然本身相等同”的忠实性，画面中的每一个细节只有具有准确性，方能发挥其他艺术媒介所不具有的感染力和说服力.写实摄影家主张摄影创作应该有所选择，对所反映的事物应该有艺术家自己的判断.他们崇尚艺术应该反映人生的观点，敢于正视现实.写实摄影家的创作大都取于社会生活，艺术风格质朴无华，但具有强烈的见证性和揭示力量.写实摄影人才辈出，作品繁多，以其强烈的现实性和深刻性著称于摄影史，对新闻摄影的影响尤为深远.这一派有较大影响的摄影家和作品有罗斯.芬赖关于克里米亚战争的战地摄影，威廉.杰克逊关于黄石奇观的摄影，雅各布.里斯关于纽约贫民窟的摄影以及英国勃兰德的《拾煤者》、美国刘易斯.海因的《美国宾夕法尼亚煤矿的童工》，美国罗伯特.卡帕《通敌的法国女人被剃光头游街》等.新纪实派摄影反写实主义的摄影流派.他们主张采取冷漠甚至敌对的态度来看待拍摄对象，与要求真实反映社会底层人民生活，并对人民的不幸遭遇给予深切同情的写实摄影的传统背道而驰.该派于２０世纪７０年代在美国兴起并流行.它所反映的题材主要是生活在社会各阶层的人群和畸形人，特别是中产阶级的日常生活.自然主义摄影摄影艺术流派之一.起源于１８９年摄影家埃默森发表的一篇题为《自然主义的摄影》的论文.埃默森抨击绘画主义摄影是支离破碎的摄影，提倡摄影家回到自然中去寻找创作灵感，认为只有最接近自然、酷似自然的艺术才是最高的艺术，没有一种艺术形式能比摄影更精确、细致、忠实地反映自然，“从感情上和心理上来说，摄影作品的效果就在于感光材料所记录下来的，没有经过修饰的镜头影像“。
摄影心得100心得体会5篇
摄影心得100心得体会5篇摄影心得100心得体会篇1去年这个时候我终于买了一部属于自己的数码单反相机，而告别了租借卡片相机来完成自己作品的时代，这是非常有历史性意义的。
在这一年的时间里，通过我的学习和摸索在摄影认识和观念上经历了多次的改变。
但是我对摄影的态度依然是不可动摇的。
通过宣传自己的摄影我结识了大量的摄影爱好者，他们欣赏我的作品这也是促进我不断完善自己摄影作品的动力源泉，在我来看摄影是一种表达自我的方式，大家认可我的作品同时也是对我个人的一个肯定，这点是极其重要的，再好的摄影最终目的是被人来欣赏和认可的，这应该是你创作摄影的首要意图!如果说没有光便失去色彩，摄影也将不存在，那么我认为相比之下没有比失去欣赏者更让摄影无地自容的地步了。
任何形式的艺术最终都是要被人去接纳和欣赏的。
达文西不会把“蒙娜丽莎”封存在自己充满艺术的精神世界中。
那么假设一天人类即将消失，或是你去了一片绝对不会产生文明的世界，若不是理想的根基还映衬在我们的内心中，有什么理由你仍还在创作只有自己才会欣赏的艺术呢?说到艺术，在摄影上一直有一个分歧已久的观念：摄影算不算艺术?我听到更多的回答是：“摄影不属于艺术”这样回答也是出自我现在的前辈和老师们。
在我看来，之所以这么说并不是没有道理的，尤其在数字摄影时代走进平民百姓的生活后，摄影这种看似艺术的行为被更多人都在运用。
什么是艺术?艺术是文化的精髓!什么是精髓?这个就不用在更多解释了。
很多人在搞摄影、在玩摄影，那么有谁创作出了代表文化的精髓呢?你是否能做到像海顿、贝多芬或是莫扎特等等那样可以通过自己创作的艺术能达到让你流芳千古的境界呢?如果不能，那么你创作的不属于艺术，如果在这个文化形式从事的人中能创作出文化精髓的比重是如此之小，那么也就不奇怪称这种文化形式是非艺术的了。
但，这些并不能代表我个人对摄影真正的看法，如果有人问我：“摄影算不算艺术?”我会说：“摄影是一种介于艺术和非艺术之间的文化形式，如果说它是非艺术的，就像我刚才说到这些一样，在这个文化形式行业中能创作出精髓的人群比重太少了，看似艺术的东西很多人在一生中都创作不出来，那它肯定就不太适合被赋予艺术的头衔。
她被誉为“摄影界的凡·高”，拍出人性中的丑恶与畸形
她被誉为“摄影界的凡·高”，拍出人性中的丑恶与畸形黛安娜·阿勃丝和她的代表作戴安·阿勃丝出生于1923年3月14日，是美国新纪实摄影最重要的旗手，美国第一个参加威尼斯艺术双年展的摄影家，她对社会主流人物和边缘人的两面性在视觉上做了深入探索，最后，在1971年自杀。
1971年1月26日，48岁的戴安·阿勃丝在自己家中吞了一把巴比妥盐酸，穿戴整齐地爬入浴缸中，用一把刀片切开了自己的双腕。
她留在日记本上最后的词语是“最后的晚餐”。
谁也不知道她何所指。
有人称她为“摄影界的文森特·凡高”。
她把穷人、畸形人、流浪汉、变性人、同性恋者、裸体主义者、智障患者作为自己（正常人）和社会（主流）的背面而进行的摄影探索，执拗地逼迫着我们不得不重新审视“正常”与“不正常”、“道德”与“不道德”、“公正”与“非公正”、“尊重”与“侵犯”这样一些根本问题。
她的摄影展在全球巡展，参观者达725万人次。
阿勃丝与孩子阿勃丝出生在一个百万富商之家，但她离开了这个家庭，靠拍摄时装为生，过着并不从容的日子。
从35岁起，她转而投入到对所谓社会边缘人的研究中，试图表达从20世纪60年代一直延续到70年代美国人的反叛倾向、精神错乱和理想破灭。
人生的谜语历史上第一位被攻击为不道德的摄影家，大概就是黛安娜·阿勃丝。
只要瞥过她的照片一眼，就很难抹去心中一股难以言喻的不快情绪。
她所拍摄的对象，大都是正常社会中所谓的畸形人——巨人、侏儒、低能儿、残障者、变性人……所拍摄的正常人，也是非常态的类型——双胞胎、三胞胎、天体营……无论正常或不正常的人，在她的镜头下都有一种极度变态的倾向：人物是丑陋的，表情是令人嫌恶的，穿着是极粗俗的，空间又充满着腐败的气息。
这些照片和美感是一点儿也产生不了关系。
阿勃丝的三张照片，第一次在纽约现代美术馆的联展中展出时，摄影部门的管理员必须每天一清早去擦掉人们吐在上面的口水。
西西人体模特摄影
西西人体模特摄影西西人体模特摄影——从禁忌到艺术的转变摄影艺术一直以来都是表达美的重要途径之一，而人体模特摄影更是其中的一种特殊表现形式。
西西人体模特摄影，作为西方摄影艺术领域中的一个独特流派，近年来在中国也逐渐兴起。
针对这一话题我将就其从禁忌到艺术的转变，从历史、社会和审美三个方面展开讨论。
首先，从历史的角度来看，人体模特摄影本来就在艺术中有着悠久的历史。
早在古希腊时期，雕塑就常以人的裸体为题材，被奉为艺术的极致表现。
在摄影发明之前，绘画也为裸体模特提供了丰富的表达手段。
这些传统表现形式的延续，为人体模特摄影的出现奠定了基础。
然而，人体模特摄影在现代社会中却一度被视为禁忌。
西方文化中，裸体一直以来都有着一定的争议性，多被视作是不伦之举。
这种观念在中世纪时期更为明显，教会对这种作品进行了审查和严厉打击。
这时期出现的人体模特摄影作品，多以宗教或神话题材为依托，通过模特的肖像来表达一种超越尘世的美感。
随着世俗化的进程，人们对于裸体艺术逐渐放宽了观念，而艺术家也开始大胆地将人体模特作为自己的创作主题。
社会的发展也对西西人体模特摄影的兴起起到了推动作用。
二十世纪中叶以后，西方社会逐渐开明，思想解放和个人自由成为人们追求的方向。
在这样的大背景下，人们对于裸体艺术的接受度逐渐提高。
特别是在摄影技术的进步和相机的普及之后，人体模特摄影开始进入大众的视野。
西西人体模特摄影作为其中的一种流派，在这个社会背景下蓬勃发展起来。
摄影家们大胆创新，将人体的形态美和线条美拍摄得淋漓尽致，给观者呈现了多姿多彩的艺术世界。
另外，审美观念的改变也助力了西西人体模特摄影的兴起。
在众多摄影题材中，人体模特摄影因其独特的美感和视觉冲击力吸引了大量的关注。
传统的人体艺术多注重比例和和谐，追求美的完美表现。
而西西人体模特摄影则更多地注重对于人体轮廓的变异，通过形态和线条的突破展现出一种更为抽象的美感。
艺术家们运用光线、角度和构图等手法，将人体的姿态艺术化，创造出令人惊叹的视觉效果。
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N大恶俗业余摄影追求
——其实这个标题有点不准确；因为，这里总结的“N大”里，有些指标还真是那些专业的、靠摄影吃饭的人们需要非常认真地关注的。
但作为和我一样的把摄影纯粹当玩的业余爱好者来说，每每端起相机就自我感觉成了摄影专业人士的那种状态，真的已经臭大街了；而这种臭大街的状态里，往往都离不开这“N大”。
因此，特作一罗列的同时，给安上这么一个名称。
注：想到哪儿写到哪儿，排名不分先后。
一大俗：背景虚化
不知道啥时候开始，人们评价镜头的时候会说“焦外虚化漂亮”了；很多人于是一定要买一颗能够“虚化背景”的大光圈镜头，好让镜头里的美女从背景里凸现出来、而背景恨不得都是有颜色的雾。
——你让美女直接站在一块毛玻璃跟前拍，不好么？
现在的论坛里，放眼望去尽是那种一个清晰的大脑袋或者半身、背景则飘飘乎乎影影憧憧的美女照；为了得到浅景深而长焦200mm嫌短、光圈2.8嫌小，恨不得鼻尖清楚了鼻孔都得糊掉似的。
相反，前景背景都清晰、同时让肖像人物与周围环境共同组成一个和谐画面的片子却少而又少；“糖水片”凝聚了无数摄影爱好者的得意。
我当然不反对必要的背景虚化。
但如果只是做到背景虚化了、肖像凸现了就满足得不行，实在是遗憾的事情。
拍出一张背景虚化的肖像，对于随便一台单反配合一个大光圈或者长焦镜头来说都实在是太容易做到的事儿了；拿着这种片子跟小卡片机出来的比去、然后就特别得意、进而非常欣赏自己的“摄影水准”，只能说真是对摄影这事儿没啥追求。
想起许多网站组织的各种模特外拍活动。
无论去的什么环境、当时什么光线、周围什么布置，一概不论，拍起片来都只管把周围一切都虚了去、反正只是要“凸现”那张漂亮的脸蛋或者那截妖娆的身材。
何苦来呢；倒不如有些活动组织者的做法，一切都在某酒店里开个房就搞定，还一会儿乡村一会儿酒吧一会儿798的来回折腾干吗。
二大俗：锐
“锐！红圈镜头真锐！我的片儿怎么就那么肉？”——听着耳熟吧？
有多少人买回来一个镜头之后做的第一件事儿就是对着随便一个什么地方摁上几张然后倒到电脑上把照片放到100％仔细盯着每一个象素看它是不是够“锐”？然后又有多少人把别人用另一个镜头拍出来的片子拿来、同样是在屏幕上放到100％大小然后两者作比较？
得说，镜头当然有锐度指标，锐度当然有差别。
当然谁都希望自己拍出来的照片嗷嗷锐嗷嗷清晰。
可是，咱们不妨想象一下，那些摄影史上的传世之作假如锐度都下降了20％，是不是就不值一提了？你拍出来的照片若是锐度猛涨了一倍，so what？
什么时候开始的，怎么大家伙儿都那么乐于当一个“职业器材裁判”了？我们买了器材，不是准备去摄影的么？
三大俗：全幅
呜嚷呜嚷的声音在说着，“全幅是硬道理”，“非全幅只是过渡产品”、“全幅才是
真正的未来”。
这都不用我怎么证明了，不管蜂鸟无忌这种“专业”网站、还是新浪搜狐这些“业余”网站都这么说。
可事实是什么样呢？
1，现在非全幅DSLR的销量、保有量都已经远远比全幅的要多得多，并且现在仍然是每售出一台全幅相机、同时就售出N十台非全幅相机的形势；
2，绝大多数摄影入门者的第一台单反都会选择非全幅，未来非全幅将必然占据绝对多数的拥有用户；
3，各厂家（以尼康、佳能为首）都在致力于研发专门应用于非全幅相机的镜头并且逐年都有专用镜头上市；……
就上面这几条原因，咱们用脚趾头想想：凭什么说非全幅“只是过渡产品”？——相反，我倒是觉得，那些焦段只在全幅上合用的反而可能成为过渡产品，除非它只专为全幅设计、并且已经设定了不高的销量期望值。
好。
那么咱们再琢磨琢磨：咱们为什么要全幅？
1，焦段更合适？不必了，已经有的镜头都已经差不多能涵盖；即使有的不那么如意，各厂家现在也都正拼命赶工给非全幅开发设计呢，那将是他们赚钱的未来。
2，画质更好？拉倒吧。
您还停留在“拍照片的最主要目的是在电脑屏幕上放到100％大看着仍然清晰无比”的“境界”里？您还没想明白你为什么要拍照？更何况画质这东西怎么讨论呢，假设5DII>50D>450D的公式成立，请问
(5DII－50D)÷50D×100％＝？（50D－450D）÷450D×100％＝？
3，“出片”需求？……不是我怎么矫情哦，至少我个人认为，在无忌和蜂鸟里泡着的网友们、真正有“作品”被用于期刊杂志报纸海报宣传单页等等有印刷需求的“一对多”用途的，恐怕不到1％。
更何况，多少300D都出过足以印跨版的漂亮照片；何况，最近一张iPhone拍摄的“飞机坠落河面”被登上了全世界报纸的头版？……不就是在网上发一个“边长不得超过1000象素/文件不得大于200K”么，用得着的是什么“片”？
四大俗：机身、镜头，金属感（塑料感）
这是我最不能理解的事儿了。
一个多月之前我刚刚出掉了两位数的机器、换成了一台三位数的机器（我是佳能用户），出掉了金属镜桶的变焦镜头、换成了全塑料的18-55IS；并且认真声明这决不是因为本人经济能力遭遇困难（事实上很新的东西当二手卖很赔的）或者对摄影的爱好激情下降。
原因很简单，在画质完全够我用的基础上，我需要轻巧。
当然我做得有点过分。
甚至，我把最初买的那个庞大的“专业”的摄影包从此闲置，买回来一个怎么看都不象“摄影包”的小挎包。
为什么会觉得金属机身就好、塑料机身就是“玩具”乃至“拖鞋”？相机是用来砸钉子、敲核桃，还是用来打坏蛋？或者就是随时准备着要把相机从二楼扔下去再捡回来？不知道为什么咱们总是那么容易有那种“传统”观念，不是沉甸甸的东西就不觉得“料足”、“货真价实”，越重就代表越好哦？
当然话还得说回来。
金属的确经事儿，比如摔打、比如热胀冷缩系数、比如防电磁辐射、比如耐久。
但我们买的是相机，不是榔头。
即使三位数的机器、乃至卡片机（家用DC），只要不摔不打，也都没听说过因为使用塑料外壳而导致照片质量下降（事实上三
位数的“入门”单反在关键部位零部件也同样是金属材料）。
现在的工程塑料已经足够好。
同志们，金属机身当然是成本更高的、手感更沉的、用着更经事儿的（塑料机身小心点儿用可以使30年，金属机身小心点儿用可以使200年，呵呵）。
但是，本着够用的出发点、更本着摄影是为了拍照片的目的，追求器材的“金属感”实在是意义不大的。
两位数的机器比三位数的机器强的地方，我认为就属这“金属机身”来得没啥意义。
当然，追求“金属机身”的后果就是行囊的沉重。
本人反正是体力有限得很，呵呵。