谈西方“艺术歌曲”的起源
【音乐】欧美流行音乐发展史
欧美流行音乐发展史1️⃣ 起源与早期发展欧美流行音乐的根源可追溯至中世纪教堂的圣歌与民间音乐。
随着文艺复兴的到来，音乐开始融入更多的世俗元素，宫廷音乐与民间音乐的融合为后来的流行音乐奠定了基础。
19世纪末至20世纪初，随着录音技术的发展，音乐得以更广泛地传播，爵士乐在美国诞生，并迅速成为流行文化的代表，其即兴演奏和独特的节奏风格，为流行音乐注入了新的活力。
2️⃣ 黄金时代的辉煌20世纪20年代至50年代，欧美流行音乐迎来了它的黄金时代。
在这个时期，摇滚乐的前身——乡村音乐与蓝调音乐开始崭露头角。
猫王埃尔维斯·普雷斯利（Elvis Presley）的出现，标志着摇滚乐的正式崛起，他独特的嗓音和表演风格，彻底改变了流行音乐的面貌。
随后，比尔·哈利（Bill Haley）和他的“彗星们”（The Comets）以《摇滚绕地球》（Rock Around the Clock）一曲，将摇滚乐推向了全球。
此外，这个时代的流行音乐还见证了披头士乐队（The Beatles）和滚石乐队（The Rolling Stones）等摇滚巨星的诞生，他们的音乐不仅影响了整整一代人，也为后来的流行音乐风格如朋克、重金属等奠定了基础。
3️⃣ 多元化与现代流行进入20世纪70年代后，欧美流行音乐开始进入多元化发展阶段。
迪斯科音乐的兴起，以其强烈的节奏和电子音效，引领了新一轮的音乐潮流。
同时，朋克和新浪潮音乐的反叛精神，也为流行音乐注入了新的思想内涵。
80年代，随着合成器和电子音乐技术的普及，MTV的兴起，流行音乐变得更加视觉化和商业化。
迈克尔·杰克逊（Michael Jackson）的《颤栗》（Thriller）专辑，不仅创造了销售奇迹，也成为了音乐录影带艺术的巅峰之作。
90年代至今，嘻哈音乐、R\u0026B、电子舞曲等多种风格并行发展，互联网和社交媒体的出现，使得音乐创作和传播更加自由与便捷，粉丝经济和独立音乐人的崛起，进一步推动了流行音乐的多元化和创新。
文化艺术: 西方古典音乐的发展历程
文化艺术: 西方古典音乐的发展历程
1. 西方古典音乐的起源
西方古典音乐是指从中世纪开始，通过作曲家创作固定形式的音乐作品和使用各种乐器来演奏的一类音乐。
它起源于欧洲大陆，并在不同的时期和地区经历了许多变革和发展。
2. 中世纪与文艺复兴时期
在中世纪，教堂是音乐最重要的场所，宗教歌曲和合唱曲成为主要形式。
而随着文艺复兴时期的到来，人们开始对古代希腊和罗马文化进行研究，古代希腊理论开始影响音乐创作。
3. 巴洛克时期
巴洛克时期（17世纪后半至18世纪初）见证了欧洲文化与艺术的迅速发展。
巴赫、亨德尔等伟大作曲家活跃于这一时期，他们创造了许多具有高度复杂性和技术含量的作品。
4. 古典主义与浪漫主义
18世纪末至19世纪是古典主义与浪漫主义时期的交替。
古典主义音乐注重对称、均衡和逻辑，代表作家有莫扎特和海顿；而浪漫主义则强调个人感情和想象力，贝多芬是浪漫主义音乐的典型代表。
5. 前卫与现代音乐
20世纪见证了前卫音乐的出现，以及各种新颖的实验性作品。
现代音乐则追求创新和多样性，包括不同风格、技巧和结构形式。
6. 古典音乐在当今社会的地位
尽管现代流行音乐在当今社会非常受欢迎，但古典音乐仍然保持着一定的影响力并吸引大量的忠实拥护者。
它被广泛应用于电影配乐、广告等领域，并成为了许多人愉悦心灵、发展个人品味和文化素养的重要途径。
以上是关于西方古典音乐发展历程的简要介绍。
由于篇幅限制，我们只能涵盖了一些重要时期和特点。
如果你有更多的兴趣，建议深入研究不同的作曲家、音乐流派和作品，以获得更全面的了解。
西方经典音乐赏析与历史
西方经典音乐赏析与历史西方经典音乐是世界上最为重要和广泛的音乐传统之一。
自文艺复兴时期开始，西方音乐从古典时期到浪漫主义时期再到现代音乐，以其独特的风格和表达方式，深深影响了世界音乐的发展。
本文将探讨西方经典音乐的发展历程以及几位重要的作曲家和他们的作品。
文艺复兴时期是西方经典音乐的起源。
在这一时期，音乐开始从教堂中解放出来，成为了一种独立的艺术形式。
意大利作曲家蒙特威尔第是文艺复兴时期最重要的音乐家之一。
他的作品《四季》以其丰富的情感表达和鲜明的音乐形式，备受赞赏。
此外，巴赫、贝多芬等作曲家也在这一时期崭露头角。
随着巴洛克音乐时期的到来，音乐表达方式变得更加华丽和复杂。
巴赫是巴洛克音乐时期最杰出的作曲家之一。
他的作品《赋格的艺术》以其结构严谨的复调技巧，被誉为西方音乐史上最伟大的作品之一。
同时，巴洛克时期还诞生了许多其他重要的作曲家，如亨德尔和Vivaldi。
古典时期是西方音乐发展的一个重要阶段。
在这个时期，音乐的结构和表达变得更加清晰和简洁。
奥地利作曲家海顿和莫扎特是古典音乐时期最重要的代表人物。
海顿的作品《创世纪》和《天鹅湖》以其富有激情和丰富的变化而闻名于世。
莫扎特的音乐作品则展现了他卓越的天赋和深刻的情感表达能力。
浪漫主义时期是西方经典音乐的高峰。
这一时期的音乐富有情感，具有强烈的个人表达。
贝多芬是浪漫主义音乐时期最具影响力的作曲家之一。
他的第九交响曲以其庞大的合唱部分而著名，被认为是音乐史上最伟大的作品之一。
此外，肖邦、舒伯特和柴可夫斯基等作曲家也为浪漫主义时期的音乐作出了重要贡献。
除了以上提到的作曲家之外，还有许多其他值得赏析的西方经典音乐作品。
比如莫扎特的歌剧《唐璜》，贝多芬的钢琴奏鸣曲，肖邦的钢琴曲集以及德彪西的《下午茶》等等。
这些作品都以其独特的音乐风格和技巧引发了广泛的赞赏和研究。
总结起来，西方经典音乐作为一种独特的音乐传统，凝结了众多作曲家的智慧和创作才华。
从文艺复兴时期到现代音乐，这一音乐形式不断发展和演变，影响了世界范围内的音乐创作。
音乐鉴赏：用历史的角度解读西方音乐发展史
音乐鉴赏：用历史的角度解读西方音乐发展史根据历史时期的变化，西方音乐大致可分为六个时期，分别是古希腊罗马音乐、中世纪音乐、巴洛克音乐、古典主义音乐、浪漫主义音乐、现代主义音乐。
这六个时期的音乐风格既有继承前人的踪影，又有推陈出新的特色。
接下来就跟大家科普一下西方音乐发展史吧！一、古希腊罗马音乐古希腊罗马时期是西方文明的发端，也是西方音乐的起源。
可见，音乐也是随着人类文明的进步，而逐渐出现在人们的生活当中的。
古希腊罗马音乐时期的时间约为公元前3200年至公元400年，在这期间的音乐，只能通过古籍文献得来，比如古希腊罗马时期的绘画、雕塑及少量流传下来的诗歌文学与哲学著作进行考证，是不能进行聆听的。
然而，单单从这个时期留存下来十余件乐谱来看，仍然能看到这个时期曾经存在的成就。
其中，《伊利亚特》和《奥德赛》这两部存在于公元前8世纪的荷马史诗，不仅成为西方文学的起源，也极大的反映了古希腊罗马时期的音乐文化。
史诗既是文学作品又是音乐作品，它是通过职业弹唱艺人用一种叫基萨拉的乐器进行伴奏并吟唱出来。
基萨拉乐器二、中世纪音乐中世纪音乐的定义不像古希腊罗马音乐那么确切，大体是介于古代音乐与文艺复兴时期之间。
这一时期的音乐，受宗教影响颇为深刻，中世纪音乐具有极其强烈的宗教色彩，可以说，音乐创作的目的的就是为了宣传宗教信仰。
这一时期的音乐特点主要以激进为主，大部分都是是歌唱性的，旋律起伏较大，给人抑扬顿挫之感。
除了宗教音乐之外，这个时期还有民俗音乐，不仅具有音乐的节奏感和律动感，还能通过和弦的变化来表现情绪的变化。
这个时期，几乎已经出现了主调以及和声思维。
三、巴洛克音乐巴洛克其实是一种艺术形式，用来形容建筑、绘画等的风格特点。
由于这种艺术风格的盛行，于是我们便把这种风格盛行的时期称为巴洛克时期。
这个时期出现的音乐作品就是巴洛克音乐。
巴洛克音乐大致在17世纪成形，但其实在16世纪的中后期，就已经在意大利初露锋芒，直到18世纪才达到鼎盛时期。
【音乐】欧美流行音乐发展史
欧美流行音乐发展史1️⃣ 起源与早期发展欧美流行音乐的历史源远流长，其根源可追溯至中世纪教堂的宗教音乐和民间歌谣。
随着文艺复兴时期的到来，音乐开始逐渐世俗化，宫廷音乐和世俗歌曲逐渐兴起。
这一时期，复调音乐得到了极大的发展，为后来的流行音乐奠定了坚实的基础。
进入巴洛克时期，音乐风格更加华丽、复杂，作曲家如巴赫、亨德尔等人的作品成为了经典。
随后，古典主义时期到来，海顿、莫扎特、贝多芬等大师的出现，将音乐创作推向了新的高度，旋律优美、结构严谨成为这一时期的主要特征。
这些古典音乐作品虽然与现代流行音乐风格迥异，但它们为流行音乐提供了丰富的素材和灵感。
2️⃣ 浪漫主义与现代流行音乐的萌芽19世纪，浪漫主义音乐风靡欧洲，作曲家们追求个性表达和情感宣泄，音乐风格更加自由、奔放。
肖邦、李斯特等人的钢琴曲，以及瓦格纳、柏辽兹等人的交响乐，都展现出了浪漫主义的独特魅力。
这一时期的音乐创新，为后来的爵士乐、摇滚乐等流行音乐风格的形成提供了重要启示。
随着工业革命的推进，城市化的加速，音乐开始走向商业化。
19世纪末至20世纪初，美国的锡盘巷成为了流行音乐的摇篮，这里孕育了早期的爵士乐和蓝调音乐。
这些音乐风格以其独特的旋律、节奏和和声，迅速在欧美地区传播开来，成为了流行音乐的重要组成部分。
3️⃣ 现代流行音乐的多元化发展20世纪50年代，摇滚乐的兴起标志着流行音乐进入了一个新的时代。
以艾尔维斯·普雷斯利（猫王）和比尔·哈利为代表的摇滚歌手，以其激情四溢的表演和个性化的音乐风格，赢得了广大年轻人的喜爱。
随后，披头士乐队、滚石乐队等摇滚乐队的出现，更是将摇滚乐推向了巅峰。
与此同时，其他流行音乐风格也在不断发展壮大。
60年代的民谣运动，70年代的迪斯科热潮，80年代的电子音乐革命，以及90年代的嘻哈文化和R\u0026B音乐的兴起，都展现了流行音乐风格的多样性和包容性。
进入21世纪，流行音乐更加多元化，流行朋克、电子舞曲、乡村音乐、灵魂乐等各种风格并存，为听众提供了丰富的选择。
艺术歌曲的产生发展及艺术歌曲的特点
艺术歌曲欣赏一：讲述艺术歌曲的产生发展及艺术歌曲的特点艺术歌曲的产生发展：艺术歌曲起源于19世纪20年代的浪漫主义乐派,它的奠基者是奥地利作曲家舒伯特,他的音乐清新脱俗,摄人心魂,追求完美。
他的歌曲创作一直影响着浪漫主义的作曲家,舒曼、勃拉姆斯、沃尔夫等人的歌曲可以说明这一点。
古诺、福列在欧洲也是有一定影响的法国作曲家,他们的作品流畅,简明,感情含蓄,富有想象力。
从另一个角度看，艺术歌曲的发展过程离不开声乐艺术的演变和不断的“美声”追求，这也是推动其整体进步的不可或缺的因素。
比如它最初是否是由阉人歌手演唱的，因为这种演唱只限在小范围的演出。
在法国，艺术歌曲是在沙龙里得到发展的，而在德国，它的演出常常是在市井、民众中进行的。
各地区和国家的演出对象和渠道不同，必然在艺术歌曲的整体创作上有不同的影响最终形成各种不同的风格。
剧场的革命是导致声乐改变的一个重要素，所以艺术歌曲的整体进步是与剧场的发展、声乐演唱艺术歌曲一般是指独唱歌曲，它不但有专业化、表现力丰富的旋律，而且伴奏写作精致，无论是前奏、伴奏、间奏或是尾奏，都具有很高的艺术性，成为作品整体中不可分割的有机组成部分。
早在12世纪，随着游吟艺人和法国南部吟唱诗人的崛起，情歌和叙事歌得到了发展，随之在14世纪和15世纪产生了德国恋诗歌手Minnesinger。
16世纪、17世纪出现了牧歌，这时期的创作对歌曲写作水平的提高起到了意义深远的影响。
德国的艺术歌曲发展是由哈斯勒和阿贝特创始，经过莫扎特、贝多芬，到使歌曲创作极为繁荣的舒伯特——他比任何作曲家都更多地将感情及戏剧性倾注到艺术歌曲这个形式里。
随着时间的推移，逐渐形成了具有代表性的德国艺术歌曲和法国艺术歌曲两大流派。
这些艺术歌曲虽然风格虽不相同，但都是取材于优秀的诗歌，加上精致的音乐旋律和完美的钢琴伴奏，形成一首首各具特色的精品。
到了19世纪，英国、西班牙、美国、俄国、匈牙利等国的作曲家们也创作了许多的艺术歌曲。
【音乐】欧美流行音乐发展史
欧美流行音乐发展史1️⃣ 爵士乐的萌芽与兴起欧美流行音乐的历史长河，源头可追溯至20世纪初的美国。
在那个时代，爵士乐如同一股清新的春风，吹拂着音乐界。
它起源于非洲裔美国人的社区，融合了蓝调、拉格泰姆等元素，以其即兴演奏、复杂节奏和独特的和声结构而著称。
路易斯·阿姆斯特朗、埃拉·费兹杰拉等爵士巨匠的出现，不仅推动了爵士乐的普及，更为后续流行音乐的发展奠定了坚实的基础。
2️⃣ 摇滚乐的诞生与风靡随着二战的结束，欧美社会迎来了前所未有的繁荣与变革，这为摇滚乐的诞生提供了肥沃的土壤。
20世纪50年代，比尔·哈利、艾尔维斯·普雷斯利（猫王）等艺术家以他们独特的嗓音、狂野的舞台风格和反叛的精神，引领了摇滚乐的潮流。
摇滚乐不仅继承了爵士乐的节奏感和蓝调的抒情性，更融入了电吉他的轰鸣、强烈的节拍和直接的歌词表达，迅速成为年轻人的文化符号，推动了音乐产业的革命性发展。
3️⃣ 流行音乐的多元化探索进入20世纪60至70年代，欧美流行音乐迎来了前所未有的多元化探索时期。
披头士乐队、滚石乐队等摇滚乐队在保持摇滚精神的同时，融入了古典、民谣、灵魂乐等多种音乐元素，开创了摇滚音乐的新纪元。
同时，迪斯科、朋克、新浪潮等音乐风格也应运而生，它们各自以独特的节奏、旋律和歌词内容，满足了不同听众的审美需求。
这一时期，音乐技术的飞速发展也为音乐创作提供了更多可能，如合成器的使用，为电子音乐的兴起埋下了伏笔。
4️⃣ 电子音乐与现代流行音乐的融合20世纪80年代以来，随着计算机技术和数字音频技术的不断进步，电子音乐逐渐成为欧美流行音乐的重要组成部分。
从早期的迪斯科、浩室音乐，到后来的嘻哈、R\u0026B，再到近年的电子舞曲、流行电子，电子音乐以其独特的音色、丰富的层次和强烈的节奏感，深受全球年轻人的喜爱。
同时，电子音乐与其他音乐风格的融合，如电子摇滚、电子流行等，也为流行音乐的发展开辟了新的道路。
欧洲艺术歌曲的形成与发展
欧洲艺术歌曲的形成与发展
欧洲艺术歌曲起源于16世纪意大利，最初为单声部的马德里加颂歌(Madrigal)。
这种类型的歌曲采用多音节字拼音来唱出诗歌的内涵，通常由多个歌手一起演唱，旋律和歌词具有很高的复杂性。
在德国，艺术歌曲的形成受到宗教改革和巴洛克音乐的影响。
巴赫、亨德尔等作曲家创作的圣诞节、复活节颂歌等作品，对欧洲艺术歌曲的发展具有重要的影响。
19世纪初，德国作曲家舒伯特、舒曼等创作了大量艺术歌曲，这些歌曲通常以钢琴伴奏为主，歌词多取材于民间诗歌、古典诗歌和戏剧中的台词。
这些歌曲旋律优美，词意深刻，成为欧洲艺术歌曲的代表。
20世纪以来，欧洲艺术歌曲的发展趋势多样，既有传统的音乐流派，也有新的音乐风格。
例如法国音乐剧，以爱情与浪漫为主题，将表演、音乐和文学融为一体；意大利歌剧则深受大众欢迎，重视情感的表现，演唱者的歌唱技巧要求极高。
总之，欧洲艺术歌曲是欧洲文化的精髓之一，具有丰富的历史和文化内涵。
它在音乐界占有重要地位，并影响到其他地区的音乐创作和发展。
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谈西方“艺术歌曲”的起源
摘要：艺术歌曲这一称谓不是从来就有的，而是在舒伯特时代才得以确立，它大多以伤感、严肃、深刻和感人的寓意见著。
从历史的承继性来看，它大致经过这么一个复杂而又漫长的发展与溶合的过程。
伴随着19世纪浪漫主义艺术思潮对各个方面的渗透，艺术歌曲终于以其独特的品格作为一种广为世人所认同与沿袭的音
乐体裁而被确立下来。
关键词：艺术歌曲；起源；舒伯特
中图分类号：j652文献标识码：ａ文章编号：1005-5312（2012）11-0077-01
一、恋诗歌手时期的世俗歌曲
虽然说，11、12世纪音乐活动常与教会礼拜仪式有着密切的联系。
然而，从近来出版的一系列有关中世纪日常世俗生活的零散资料汇编来看，各种形式的世俗音乐在这一时期实际上已十分活跃，只是缺乏专史性的文献记载。
那一时期的世俗音乐应数法国游吟诗人的歌曲最具成就。
在当时，宫廷贵族与骑士阶层完全沉醉于吟唱诗人及其艺术之中，一些帝王也包括在内。
此外，地位低下却又独具才华的诗人音乐家常常以一种依附于宫廷的职业诗人身份被吸纳进这一群体。
游吟诗人可以自己写诗作曲，甚至自己表演，但大多数情况下，他们会邀请一些处于社会底层的流浪艺人将作品展示于众。
这一时期世俗歌曲的旋律风格受教会和世俗的双重影响。
从音乐所选取的素材中，可以明显地看到宗教音乐对它的影响较为突出。
恋诗歌手时期的世俗歌曲基本上是以单声织体出现，常常加以乐器伴奏，曲调时常采用双拍子。
另外，用于创作世俗歌曲的诗句基本都是口授的，因此，游吟诗人大多是即兴表演。
乐曲的结构形式多姿多彩。
在选材方面，有抒情性的方言歌曲和颇富戏剧性的叙事歌。
其中，叙事歌基本上都要求或建议展现两个甚至更多的角色，并呈现出一定的戏剧性。
在表演方式上还不时加入舞蹈及合唱队，场面也较为恢宏、壮观。
在南方，游吟诗人的作品基本上多以爱情生活为题材，尤以“宫廷之恋”最为风靡。
所谓“宫廷之恋”大概是指某一游吟诗人展露自己对令自己心仪的已婚贵妇的仰慕和爱
恋之情。
这种情感的表达在当时被认为是具有规范骑士典雅品性的作用。
除此之外，音乐内容还涉及政治和道德教化等方面。
与法国的游吟诗人相应，德语方言区的抒情歌曲便成为这一时代风靡的音乐形式。
在德意志地区，人们称这类歌曲为恋歌，同时称演唱这些歌曲的艺人为“恋诗歌手”。
12世纪和13世纪中所存的抒情诗歌文献主要是日耳曼恋诗，作品的内容大部分都是反映贵族骑士对女士所表达的崇敬之情。
恋诗歌手与游吟诗人的歌曲，彼此之间定会保留其共通和相似的地方，但与法国游吟诗人相比，恋诗歌手所表达的爱情主题更为抽象，甚至费解。
歌曲的旋律风格较为凝重、肃穆，或多或少地带
有某种神秘的宗教色彩。
此外，词曲配搭关系上，以分节歌的形式出现，并在其基础上开创了一种新的结构式样——巴体歌曲。
德语世俗歌曲相对于其他欧洲国家来说，显示出较为顽强的生命力。
直到16世纪，伴随着骑士阶层的衰败，取而代之的是新兴的市民阶层，尤其是他们当中古板的商人和手工艺者，这些也就是下面将要介绍的名歌手。
显然，名歌手与游吟诗人已是大不相同，与贵族的联系不那么密切，他们更多的是面向于中产阶级市民，并渐渐在城市手工业阶层的业余爱好者中获得支持与拥戴。
德意志的名歌手始于14世纪，16世纪时才得以蓬勃发展。
当时，名歌手行会制定了各种规则，如每周集会一次，成员要划分等级，升级还要通过考试。
而且行会中尚定有各种戒律清规，歌手不能自由发挥。
这群艺人往往具备一些专业才能，彼此之间已经有了对比，互相勉励或竞争。
他们的活动无形中推动了市民音乐的发展。
然而，任何一种举措都存在它的两面性。
也许是名歌手那繁复的规则抑制了其音乐的自然生动性。
渐渐地，歌曲的内容取材几乎只局限于《圣经》中。
二、文艺复兴时期的“里德”
文艺复兴时期，德意志复调歌曲被称之为里德，其中有单旋律的，也有三声部的，主要旋律大致安排在男高声部。
在当时，还出现了最早的里德曲集《洛查默歌集》。
而到了15世纪末、16世纪初时，德国作曲家们将本民族旋律素材与源自弗朗科——佛兰德的对
位法技巧巧妙地结合起来，形成了四声部里德。
这种里德通常都以一个熟悉的曲调为固定旋律，其余三个声部围绕它辅以复调织体。
16世纪60年代中叶，里德受到意大利牧歌和唯拉内拉的影响。
十四世纪，意大利牧歌的称谓来源于中世纪拉丁文中的matriale，它大概是指用本民族语言所作的诗歌。
牧歌所表现的内容较为丰富，如政治讽刺、道德寓意等，而更多的是田园诗与爱情诗。
它由二至五个三行诗节组成，而且每行诗节所吟唱的音乐相同，当时基本以二声部为主，紧接着是一首以不同节奏写成的利都奈罗。
从《带着小鸟》的曲谱中，可以看到此时的牧歌显示出一种新的音乐风格：流畅的上方声部、一个元音接一个元音的延长的用法已出现、高低声部之间经常平行，甚至是同音反复，避免声部交叉，音响相当协和。
这些都具有显著的意大利音乐风格特征，看不到任何法国的因素。
而到了1355年，法国音乐便开始影响意大利。
下面将要提及的便是充分体现这种变化的管风琴大师——弗朗切斯科·兰迪尼，他的作品以复调巴拉塔为主。
这是一种多以双声部织体形式出现的乐曲，第二声部有时是声乐，也有可能是器乐。
当然，还有三声部的情况。
在三个声部中，它们可以声乐演唱，也可以由乐器演奏其中两个声部，其中，也会出现器乐线条与声乐同步，或是与其构成对位。
在兰迪尼的作品中，始终呈现上方声部比下方声部更为华丽的特征，而且全是声乐二声部的巴拉塔，由此可见，它还具有浓烈的意大利早期牧歌的风格。
而真正把意大利风格与里德融合在一起的是佛兰德作曲家奥兰德·德·拉索。
从他作品中可看出，在展现里德风格的同时，又带有牧歌的影子。
除了采用德国传统的固定声部作曲方式外，在谱曲时，还注意到突出歌词的朗诵音调。
三、19世纪初的艺术歌曲
德奥的艺术歌曲最初受到法国尚松的影响，到18世纪下半叶19世纪初，来自英国浪漫诗人的抒情短诗，以及苏格兰民间歌谣和叙事诗歌，也在某种程度上给德奥日尔曼语系的国家原有的独唱歌曲传统施加作用。
19世纪的艺术歌曲都与诗作相连，曲调接近诗歌朗诵的自然语调，而为了突出抑扬顿挫的音调，大部分会配以简单的钢琴伴奏织体。
1818年，作曲家勒伟所作的叙事曲对艺术歌曲有相当大的促进，开始较多地考虑到发挥音乐本体的表现力。
无疑，这些都为一个登峰造极的时代的到来，奠定了厚实的基础。
直至奥地利作曲家舒伯特的艺术歌曲诞生之时，它无疑是总揽前人抒情歌曲创作的全部成就，并通过它那不乏创造性的艺术手段，将这一抒情音乐形式发挥到了极至。
可以说，作为一种新的音乐体裁的成就者，舒伯特的艺术歌曲是此前类似抒情歌曲的集大成者。
舒伯特创作了600多首艺术歌曲，歌词选自约翰·沃尔夫冈·歌德的诗有67首，弗里德里希·封·席勒的41首，亨利希·海涅的6首，还有象莎士比亚等著名诗人的诗作。
此外，他还为一些适于自己心境的作品谱曲。
舒伯特的声乐套曲《美丽的磨房女》和《冬
之旅》便是这样的例子。
同时，为朋友的诗作谱曲更是理所当然。
歌词的内容相当广泛，有热爱大自然的（《致春天》、《听，云雀》）、有赞美艺术和爱情的（《致音乐》、《谁是西尔维亚》），也有抒发内心郁闷的、音乐意境十分凄美的（《幻影》）。
舒伯特的歌曲形式通常分三类：分节歌、通体歌、变化分节歌。
虽然说，传统意义上的德意志抒情歌曲（或者是民间抒情歌曲）最常采用的形式是分节歌的，但在舒伯特的作品中，他已经扩宽了这种限制，更多的是以变化分节歌的形式出现，也就是包括多段歌词，而每段歌词都唱同一曲调。
如《冬之旅》中的《晚安》就是一首变化分节歌。
该乐曲由三部分组成，第二部分是在第一部分的基础上略作调整，而第三部分是以变奏的方式发展来的，这个变奏只是通过改变调号来完成。
通体歌指的是作品自始至终都采用不同的歌词和曲调，结构往往较为自由，呈多阶段性。
它更多地用于富有戏剧性的艺术歌曲之中，因为，它要通过各种音乐要素将戏剧中的不同角色、情节表现出来。
同时，通过钢琴织体来营造各种氛围。
19世纪的艺术歌曲更多地表现出音乐与文学的关联，可以说舒伯特所创作的作品正是这一体裁杰出代表。
参考文献：
[1]于润洋著.西方音乐通史.上海音乐出版社，2003年.
[2]蔡良玉著.西方音乐文化.人民音乐出版社，1999年.
[3][德]弗里德里希·迪克曼著.孙劲松译.舒伯特.中国广播电视出版社.
[4][英]克里斯托弗·h·吉布斯著.秦立彦译.舒伯特传.广西师范大学出版社.。