浅谈如何提高舞蹈“表演”能力
浅谈舞蹈表演的技术技巧训练
、
“ 情动 于 中 ” 的技术 保证 ，舞蹈 演 员通 过具 有 强烈 感染 力 的舞 蹈 光 （ 慢放 慢缩 、快 放快 缩 、慢放 快缩 、快 放慢 缩） 。 作 品去 表 现 生动 的情 感世 界 ，抒 发 和传 导舞 蹈 作 品的重 要情 感 。 ３ ． 眼神 捕捉能 力训练 ：艺术 来源于 生活 ，从 生活 中捕 捉眼神 ，
ቤተ መጻሕፍቲ ባይዱ
只 有舞 蹈 演 员用 自己的 真实情 感 去 体验 ，去 表 达舞 蹈作 品的喜 怒 从 内心 深处体 验眼神 表达是 眼睛训练 的有 力手段 。 “ 眼 灵精用 力， 哀 乐 的情 感 ，舞蹈 作 品才 具 有 生命 力 ，因此 ，要成 为 一个 成功 的 面状心 中生 ”，心与 眼应交 融一体 ，避免面 部表情脸 谱化 。 舞蹈 演 员 ，首 要 的就 是激 发舞 蹈 演 员的 内心 情感 ，每个 舞蹈 演 员 ４ ． 眼睛 同音 乐 、动 作相 结 合 的训练 ：羞 眼、 怒视 、 盲眼 、畏 都 必须 具 备通 过肢 体语 言 表达 人物 情 感 的能 力 ，并 且也 必须 具 备 惧 、焦 急 、 陌生寻 觅 、迷 眼等 。 使舞 台情 感具 有诗 情 画意 的色 彩 的 能力 。这 种心 理 素质 训练 是 着 三 、舞蹈 演 员观察 生 活和积 累生 活 的能 力训练 眼 于心 理 素质 、体 验技 巧 的一 种 内外 结合 的训练 ，并不 仅仅 是 单 艺术 源 于生 活 ，舞 蹈表 演 更不 可 能脱 离 生活 ， “ 千 人一 面 ” 纯 的 内部技 术训练 。 的艺 术创 造 是扼 杀 人们 精神 享 受 的杀手 锏 ，舞 蹈 演 员应 坚决 杜绝
用 小 品模式 来 练 习感情 ，则 可根 据舞 蹈 的特 点来 编排 ，将舞 蹈 动 作 与音 乐紧 密 结合 起 来 。这样 训 练 的好 处就 是 ，有助 于 实现 训 练
浅谈舞蹈表演
浅谈舞蹈表演舞蹈是表演艺术，是人体内在的爱与外在美的神韵的再现，也是天人合一的协奏曲。
舞蹈艺术是运用人肢体的舞动来传情达意的，情感到位才能赋予舞蹈作品以勃勃生机。
舞蹈演员只有将真挚的感情融入到每一个舞蹈动作之中，用心来舞动、以舞姿来传情，才能创造出一个感动人的情感世界，才能创造出真正美的舞蹈。
1 舞蹈表演是一门综合性很强的艺术舞蹈之所以美，原因之一是因为它包含并体现了人们的情感世界，只有将情感融入到每一个动作之中，才能赋予舞蹈以美感、赋予舞蹈以生命。
舞蹈艺术是将舞蹈动作作为主要艺术表现手段，一个好舞蹈能够表现语言文字或其他艺术表现手段所难以表现的人们内心的情感律动，包括细腻的情感、深刻的思想、鲜明的性格等，通过创作都能产生出鲜活的舞蹈形象，从而表达舞蹈作者、舞蹈编导和舞蹈演员内心的情感，反映出舞蹈者的思想。
说到底，舞蹈是人体反映心灵动态的艺术。
表演则包括“表”和“演”两层意思。
表，即情感从演员的外表上流露出来；演，即模仿。
这两句话直接地道出了“表演”二字的含义。
在舞蹈表演这个领域内，如何对待观众，追求什么样的创作状态，以什么样的心理状态进行表演，有着不同的表演观念和表演理论。
那么，舞蹈表演追求的是什么样的创作状态，到底应该建立什么样的表演观念呢？一个成熟的艺术品种，应从表演风格中让观众看到舞蹈者想要表达的思想。
2 舞蹈表演与情感世界舞蹈艺术是美的艺术，是善于抒情的艺术，是人们内心情感世界最动荡不安的时刻出现的一种形体活动，是以抒发内心情感为主的艺术样式，是情感世界到达“极致”的表现。
舞蹈艺术通过寻求和抓住了人的思想感情中最集中、最凝练、最动人、最优美的地方，以一个点进行加工、创造、深雕细刻，从而才提炼出生动的舞蹈形象。
也就是说，在构思舞蹈时，把深厚的感情、生动的形象、丰富的想象统一和融合起来，塑造出活灵活现的舞蹈形象，以唤起观众的心灵美感。
3 舞蹈表演的动作表现舞蹈表演是依靠表演者的动作来表现的艺术。
如何提高学生的舞蹈表演能力
培养节奏感： 准确把握音乐 节奏，使舞蹈 动作与音乐相
协调。
提高身体素质： 加强体能训练， 增强舞蹈表演 时的耐力和灵
活性。
02
舞蹈作品的选择与排练
适合学生的舞蹈作品
内容积极向上，能够激发学生的正能量。 难度适中，适合学生的身体条件和技能水平。 风格多样化，能够满足不同学生的兴趣和喜好。 注重学生的个体差异，能够根据学生的特点进行有针对性的指导。
克服紧张情绪的方法
深呼吸：通过深呼吸来放松身体和缓解紧张情绪 积极思考：用积极的心态去面对挑战，相信自己能够克服困难 充分准备：提前做好充分的准备，熟悉舞蹈动作和音乐节奏，减少表演时的紧张感 模拟练习：在模拟的表演场景中反复练习，提高适应性和自信心
自信心的培养与提升
了解自己的优 势与不足，客 观评价自己
与同行和前辈的交流与学习
参加行业交流活动，与同行分 享经验
参加舞蹈比赛和演出，展示自 己的才华并接受评价和建议
添加标题
添加标题
添加标题
添加标题
观摩优秀前辈的表演，学习他 们的技巧和风格
建立良好的师徒关系，向前辈 请教并得到指导
THANK YOU
汇报人：
训练方法：通过模拟练习、镜 子练习等来提高表情和眼神的 运用能力。
添加标题
添加标题
添加标题
添加标题
眼神：通过与观众的眼神交流， 增强表演的互动性和穿透力。
注意事项：避免过度夸张或僵 硬的表情和眼神，保持自然和 真实。
舞蹈动作的流畅性和协调性
基础训练：加强基本功和体能训练，提高动作的准确性和稳定性。 节奏感：培养良好的节奏感，使动作与音乐节拍相协调。 动作衔接：注重动作之间的衔接与过渡，使整个舞蹈流程更加流畅。 配合默契：加强团队成员之间的配合与沟通，提高整体协调性。
浅谈舞蹈技术技巧在舞蹈表演中的运用
浅谈舞蹈技术技巧在舞蹈表演中的运用舞蹈技术技巧在舞蹈表演中起着非常重要的作用。
舞蹈技术技巧能够帮助舞者更好地表达舞蹈作品的主题、情感和意境，提升舞蹈的艺术水平和观赏效果。
下面将从身体控制、柔韧度、力量和技巧四个方面来浅谈舞蹈技术技巧在舞蹈表演中的运用。
首先是身体控制。
舞蹈技术技巧要求舞者具备良好的身体控制能力，包括平衡、节奏感和身体协调性。
舞者需要通过训练来掌握身体的力量和平衡，使舞蹈动作看起来轻盈优雅。
在舞蹈表演中，良好的身体控制能够使舞者更好地掌控自己的身体，使舞蹈动作更加流畅自然，给观众带来更好的观赏体验。
其次是柔韧度。
柔韧度是指舞者的肌肉和关节的伸展程度和灵活性。
舞者需要通过训练来提高柔韧度，使舞蹈动作更富有变化和表现力。
柔韧度能够使舞者展示更多的身体线条和曲线，增加舞蹈的美感和艺术效果。
在舞蹈表演中，柔韧度的运用可以使舞蹈动作更加舒展自如，给观众带来视觉上的享受。
再次是力量。
舞蹈技术技巧要求舞者具备一定的力量，包括肌肉力量和爆发力。
肌肉力量可以使舞者更好地支撑和控制自己的身体，完成各种高难度的舞蹈动作。
爆发力可以让舞者在舞蹈表演中表现出更多的冲击力和速度感。
力量的运用可以使舞者的舞蹈动作更加有力量感和冲击力，给观众带来震撼和激动。
最后是技巧。
舞蹈技术技巧要求舞者掌握各种舞蹈动作和技巧的要领和方法，包括转体、跳跃、步法等。
舞者需要通过反复练习和专业训练来掌握这些技巧。
技巧的运用可以使舞者的舞蹈动作更加精准和熟练，呈现出更高的舞蹈水平和艺术性。
舞蹈技巧的运用可以使舞者在舞蹈表演中完美呈现出各种复杂多变的动作和技巧，给观众带来愉悦和惊喜。
舞蹈技术技巧在舞蹈表演中的运用对于舞者和观众来说都是非常重要的。
良好的舞蹈技术技巧可以使舞者更好地表达舞蹈作品的主题和情感，提高舞蹈的艺术水平和观赏效果。
舞者们需要通过不断的锻炼和专业训练来提高自己的舞蹈技术技巧，不断进步和成长。
观众也需要更多地关注和欣赏舞蹈技术技巧的运用，发现其中的美和艺术魅力。
浅谈舞蹈表演的艺术性
浅谈舞蹈表演的艺术性舞蹈表演是一种高度艺术性的表现形式，它不仅表达了舞者的技巧水平，还要传达出舞者的思想以及情感。
艺术性就是从中体现出来的。
在今天的舞蹈表演中，艺术性成为了评价舞蹈的一个重要标准。
舞蹈是一种艺术形式，它探索身体语言与音乐之间的融合和互动，体现舞蹈的内涵和美感。
通过动作的力度、速度、节奏、形态，舞蹈展现出来的情感、思想，以及对音乐韵律的体现，让观众感受到身体的自由、美感、韵律和力量。
艺术性在舞蹈表演中的体现，包括以下几个方面：1．技术表现。
舞蹈表演的技术是非常重要的，只有舞者掌握了基本的技巧，才能够在表演时更好地表现出来。
技术的表现不仅是基于身体运动和速度的，还包括了表情和肢体语言等要素。
技术的精湛程度决定了舞蹈是否具有艺术性。
2．舞蹈内容。
舞蹈内容是舞蹈表演中非常重要的一个环节。
它包括了舞蹈的主题、编排、灯光、音乐、服装和表演形式等。
它必须具有一定的思想内涵和表达能力，才能让观众产生共鸣。
3．情感表现。
情感是舞蹈表演最关键也是最能体现艺术性的一个因素。
舞者通过动作表达出自己的情感，让观众感受到其中蕴含的情感表达与传达的思想，让观众产生共鸣与情感共鸣。
4．创新性。
舞蹈表演的创新性体现在创意和形式上，包括了舞蹈和音乐、服装以及道具等元素的组合，让观众感受到独特的想象和体验。
为了提升舞蹈表演的艺术性，舞者需要进行以下方面的磨练与提升：1.技术训练。
舞蹈表演的技术要精湛，才能够更好地表现出来所想要表达的意思。
只有将技术水平不断提高，才能够更好地展现舞蹈的艺术性。
2.感性悟性。
舞者需要有感性，才能够更好地表现出情感，传达舞蹈所想要表达的思想和感觉。
需要意识到内心和身体的表达与共鸣，掌握并加强自身的感知与情感传达技巧。
3.文化内涵。
舞蹈表演需要有文化内涵的支持，也就是表演者需要在表演前了解更多的背景资料，才能够更好地传达文化内涵，让观众对舞蹈更有共鸣。
4.自我创新。
舞蹈表演需要不断的创新，需要根据表演的特点，进行尝试和创新。
浅谈舞蹈艺术表现力的培养
浅谈舞蹈艺术表现力的培养作者：王丽娟来源：《文艺生活·中旬刊》2017年第07期摘要：舞蹈表现力是舞蹈艺术性的体现，它作为一个独立的表演艺术，无论是人物的塑造，情感表达，都需要一个高水平的艺术表达。
其中，身体表达，也是舞蹈学生发展艺术的表达。
人体各部分是一个工具，舞蹈表演，每个动作都有自己不同的特点和作用，协调与对方形成一个完整的统一表达，以此来培养学生的舞蹈表现力。
关键词：舞蹈艺术；表现力；培养中图分类号：G832 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2017）20-0092-01舞蹈表现力，即舞者用身体语言对内心情感进行诠释的一个过程，它涵盖舞蹈动作表现力和舞蹈情感表现力两个方面的要素。
近年来，随着教学理念的革新，教师逐渐改变传统以理论为主体的舞蹈教学模式，更加注重舞蹈本身的艺术特质，在日常教学过程中强调舞蹈编排的美感和艺术表现力。
笔者对培养学生舞蹈艺术表现力的相关策略进行分析，以期促进整体舞蹈教学水平的提升。
在舞蹈教学中注重培养学生的舞蹈艺术表现力，能够弥补传统舞蹈教学中存在的不足，有利于学生舞蹈表演水平的提高。
目前舞蹈教学过程中存在诸多不足，严重制约了学生表现力的提升。
教师要认识到舞蹈教学中存在的问题，着重培养学生的艺术修养和舞蹈理解能力，从根本上促进学生舞蹈艺术表现力的提升。
一、舞蹈表现力的重要性舞蹈作为形体动作艺术，有其特殊的表现形式。
就其语汇而言，大致可分为外部形体动作和内部情态两个部分。
外部形态动作指的是舞蹈的动律、动态、动力等可视性的外化形式；内部情态则指表演者内在的情绪、情感、意识等心理因素。
它们互相依存，同时又互相制约，二者缺一不可。
首先，一个好的舞蹈，除了有好的编导手法外，还必须在用规范动作展现舞蹈的风格、动律的同时，能够通过学生内心对舞蹈内容情绪的体验，用激情把舞蹈的美感充分表现出来，使观众在观赏到有情感的舞姿中，受到情绪的感染而得到一种美的享受和满足。
浅谈舞蹈基本功训练的方法和意义
浅谈舞蹈基本功训练的方法和意义一、舞蹈基本功训练的方法1. 身体柔韧性训练身体的柔韧性是舞蹈基本功中最为重要的一项。
只有具备良好的身体柔韧性，舞者才能完成复杂的舞蹈动作，并且在表演中展现出更具魅力的舞姿。
柔韧性训练主要通过拉伸训练来完成，可以进行分段拉伸、伸展操等一系列训练方法。
也可以借助一些辅助器械来进行柔韧性训练，比如拉力带、拉力绳等。
这些辅助器械可以帮助舞者更好地完成柔韧性训练，并且能够更有效地提高柔韧性水平。
2. 肌肉力量训练肌肉力量是支撑舞者完成各种舞蹈动作的基本条件。
只有具备足够的肌肉力量，舞者才能完成高难度的跳跃、转体等动作，并且在表演中保持稳定的姿势。
肌肉力量训练主要通过力量训练器械来完成，比如哑铃、杠铃、弹力绳等。
这些训练器械可以帮助舞者有目的地进行肌肉力量的锻炼，提高肌肉力量水平。
3. 舞蹈动作技巧训练舞蹈动作技巧训练是舞者学习舞蹈基本功的重要环节。
在舞蹈动作技巧训练中，舞者要学习各种舞蹈动作的基本步法、手势、转体等技巧，掌握舞蹈动作的要领。
只有掌握了舞蹈动作的技巧，舞者才能在表演中轻盈自如地完成各种动作。
舞蹈动作技巧训练主要通过分解动作、反复练习等方法来完成。
在这个过程中，舞者需要耐心、细心地进行反复练习，直至掌握舞蹈动作的要领。
4. 节奏感训练舞蹈的节奏感是舞者完成舞蹈动作的灵魂所在。
只有具备良好的节奏感，舞者才能在表演中完美地配合音乐，完成各种复杂的舞蹈节奏。
节奏感训练可以通过音乐节奏训练、舞蹈动作与音乐的配合训练等方法来完成。
在这个过程中，舞者需要不断地与音乐进行配合，逐渐提高自己的节奏感水平。
二、舞蹈基本功训练的意义1. 增强身体协调性舞蹈基本功训练能够增强舞者的身体协调性。
在训练过程中，舞者需要反复进行各种舞蹈动作的训练，这能够使得身体各部位的协调性得到提高。
通过基本功训练，舞者可以更加轻盈自如地完成各种舞蹈动作，展现出更具魅力的舞姿。
2. 提高表演水平舞蹈基本功训练也能够帮助舞者提高自己的表演水平。
浅谈舞蹈技术技巧在舞蹈表演中的运用
浅谈舞蹈技术技巧在舞蹈表演中的运用舞蹈是一门艺术，其表演涉及多方面的技巧和技术。
舞蹈技术技巧在舞蹈表演中的运用对于舞者来说至关重要，它不仅能够提高舞者的舞蹈水平，也能够让舞蹈作品更加精彩和生动。
本文将从舞蹈的基本技术、舞蹈技术的提升和在舞蹈表演中的应用等方面进行探讨。
一、舞蹈的基本技术舞蹈的基本技术包括了姿势、动作、力度、节奏等方面的训练。
这些基本技术对于舞者来说是至关重要的，它们不仅是舞蹈的基础，也是舞者能够展现自己艺术魅力的前提。
首先是姿势，良好的姿势能够使舞者在表演中更加挺拔、优雅，同时也能够减少受伤的几率。
在舞蹈训练中，舞者需要通过反复训练来使自己的姿势更加标准，更加美观。
其次是动作，舞蹈的动作需要有一定的技巧和力度。
动作需要达到舞蹈作品所要求的效果，同时也需要具备一定的力度和灵活性。
这就需要舞者进行大量的练习，磨练自己的技术水平。
再者是节奏，舞蹈表演中的节奏感是非常重要的。
舞者需要根据音乐的节奏来进行舞蹈动作，使得舞蹈与音乐更加契合。
舞者需要在训练中加强对于节奏的感知和掌握。
舞蹈技术的提升是一个长期的过程，需要舞者通过不断的训练和实践来提高自己的舞蹈水平。
在舞蹈技术的提升过程中，舞者需要具备良好的耐心和毅力，同时也需要找到适合自己的训练方法和课程。
其次是多样的训练方式，舞者需要在训练中尝试不同的训练方式，比如拉丁舞、现代舞、芭蕾舞等，这样可以使自己的舞蹈技术更加全面。
同时也能够激发舞者的创造力和表现力。
再者是寻找好的老师和教练，好的老师和教练能够帮助舞者更好地了解自己的不足之处，并给予及时的指导和帮助。
在舞蹈技术的提升过程中，好的师承非常重要。
舞蹈技术技巧在舞蹈表演中的应用是非常重要的，它直接关系到舞蹈作品的质量和舞者的表现力。
在舞蹈表演中，舞蹈技术技巧不仅是为了展现自己的舞蹈水平，也是为了更好地诠释舞蹈作品，使观众能够更好地理解和欣赏舞蹈作品。
首先是舞者的形体和动作，良好的形体和动作是舞者在舞蹈表演中的基础。
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浅谈如何提高舞蹈“表演”能力摘要：演员表演舞蹈需要具备对舞台的掌控力，用身体去承载舞蹈，用心去感悟舞蹈，在二者的完美结合之下展现舞蹈的风格，从中也体现出一个舞者的表演能力。
关键词：舞蹈风格感悟
中图分类号：j712 文献标识码：a 文章编号：1006-026x（2012）08-0000-01
舞蹈表演是一个舞蹈作品创作中最重要的环节。
因为一个舞蹈作品创作的全过程，大致可分为两个阶段，艺术构思（创作阶段）和艺术传达（排练、演出阶段）。
前者是舞蹈作者的审美意向，后者是把审美意向体现为审美形象。
编导的内构形象与观众的内构形像，是通过演员的外构形像为媒介进行相互沟通的，编导与观众是在演员的表演上找到各自形象塑造的依托。
因此：舞蹈演员的表演在舞蹈作品的创作和传达过程既是舞蹈美的创作者，又是舞蹈形象赖以生存显现的物质材料，同时又是让观众获得美感享受的审美对象。
所以舞蹈表演是舞蹈美在传达过程中的中心环节。
表演中身、心的完美结合、统一，内心的情感表现与肢体展示的高度融合。
才能体现出它与其它艺术的不同。
舞蹈，是一种动态艺术，是以人的肢体动作为基础表达工具的一门表演性艺术。
舞蹈表演的物质材料是演员的肢体。
就是要一个具有丰富舞蹈表情能力和完成各种舞蹈技巧能力的身体。
训练有素的身体是从事舞蹈表演的前提条件。
古典舞基训、芭蕾舞基训，还
是现代舞的基训，都能为舞者的肢体能力打下坚实的基础，增强肢体协调性，为学习和掌握高、难技术技巧作铺垫，是通往舞蹈艺术殿堂的第一步台阶。
舞蹈训练刚开始时，即要求学习者的身体从自然、松驰的状态中，有意识地使肌体、肌肉向里收缩，向上延伸。
譬如，芭蕾基训的要领：开、绷、直、立四个字，可以说是精辟地阐释了个中意义。
通过肌肉的“外旋上拉”，形成躯体的直立感、挺拔感，这是从事舞蹈艺术最基本的形象条件。
对舞台的掌控能力。
舞蹈训练及舞台实践，深深地体会到从事舞蹈表演是需要经过“收紧——放松”这样一个过程的。
而这一过程，也正是舞者自身的素质与表现力能否得到质的转变与提高的重要过程。
而顺畅地、有节律地呼吸，就是将呼吸从生理的需求上升为心理的支配与运用，能够有效地柔软躯体，令舞者的动姿点、线兼顾，有如行云流水，衔接自然，并可根据作品情节发展的需要，控制或推动情绪变化，达到内与外、心与形、气与身的高度统一（即形神兼备），从而淋漓尽致地表现作品的思想内涵。
因此，我们可以通过加强对呼吸的训练，从气息入手，来增强舞蹈表演能力。
谈到气息训练，应首推中国古典舞的身韵。
古典舞身韵的八个地面训练元素——提、沉、冲、靠、含、腆、仰、旁提，全面地综合了身体躯干的训练方式。
此外，在我国丰富的民族民间舞蹈的训练体系中，还有着许许多多别具特色的形态气息训练方法。
常接触的例如：朝鲜族、藏族、蒙古族等，它们的要求和特点各有不同，各有独到、
精彩之处，具有极大的训练价值和借鉴作用。
长久地加以练习，能使学员深入地了解到呼吸的运行过程，丰富躯体的变化，从而进行科学和规律的自我调节，起到增强身体动作的表现力、提高肢体动作的协调性、节约体能的作用。
身体是舞蹈的物质载体，而舞者的内在情感投射则是使舞蹈表演的内核。
如何使之融为一体，涉及到演员对编导意图的理解诠释、对舞蹈风格的把握和内在感受力等方面。
演员必须准确领悟编导意图，因为对编导意图以及作品人物内心世界的理解程度如何，直接影响着演员对作品的诠释和表现，也决定着作品的成败。
编导的创作意图必须经由演员的舞台表演来实现。
演员对作品的理解越深入、到位，作品的呈现就会越完美。
舞蹈风格的掌握。
无论是舶来的芭蕾舞、踢踏舞、街舞还是国内的民族民间舞，由于发展时代的差异、生活的地域不同、民情民俗和宗教信仰各异，因而舞蹈风格存在很大区别，而风格的不同又造就了舞蹈手法、表现形式和视觉感官效果的多样性，这就要求演员在表现作品的过程中必须准确把握舞蹈的风格特点。
就是要把握好特定舞蹈的基本体态和基本风格。
用心感悟。
培养良好的内在感受（感觉）力可不是一朝一夕之功，它要求舞蹈演员持续不断地艺术锤炼和积累，让自己的身心全部融入角色、体验角色，形成良好的艺术情感和自我想象，才能产生良好的舞蹈感觉。
舞蹈表演始终伴随着演员在对作品理解基础上的二度创作过程。
演员是使舞蹈呈现在舞台上最重要环节，将自己
的理解与情感溶入其中，找出与之相符的特定的动作感觉，，塑造出作品中人物的形象。
只有不断的再创造才能使作品常演常新。
同时也需要演员具备必须的艺术修养、文化底蕴和审美情调。
要具备和掌握各种艺术知识。
舞蹈是一种以动作表演为主要手段的综合性表演艺术和音乐、绘画、诗歌等其它艺术门类有着紧密不可分的关系。
舞蹈艺术在不断发展的过程中，各艺术门类间相互影响相互借鉴的现象，无论是在创作领域，还是在舞蹈表演方面，早已屡见不鲜。
因而，我们应学会在众多的艺术资源中汲取自身所需的养分，广纳博采，不断提高自身素质，将具有强烈感染力和表现力的艺术作品或艺术形象呈现到观众面前。
这也是演员和艺术家的差别所在——不是肢体在跳舞，而是心灵在舞蹈。
在追求艺术理想的同时体现自身的艺术价值，让自己在艺术的天地间更为自由地翱翔！。