美术第八课教案

第8课所有的美术作品都一样重要吗——美术作品的意义与价值判断一、教材分析（一）教学目标从理论上说，任何美术作品一旦产生就不再属于艺术家，而是属于整个社会或观众，所以不同的美术作品在不同的社会和观众眼里就会有意义和价值上的差异。

我们在上一课里已经讲述了理解艺术家创作意图的重要性，本课要说明的是，艺术家的创作意图只是我们理解美术作品的一个方面，而不是惟一的，或者说它可以为我们理解美术作品提供某种参照，美术作品还需要我们观众给予我们自己的解释。

因此，本课的教学目的在于使学生认识到，美术作品的意义和价值既有绝对的一面，也有相对的一面。

主动参与是美术鉴赏的前提和保证，只有这样，我们才能提高美术鉴赏的能力，培养审美的眼睛。

（二）内容结构本课主要包括四个部分。

第一部分是从中国古代画家马远和夏圭的故事开始讲起的。

作为引子，这个部分指出了他们在中国美术史上的贡献，但明代皇帝却给出了不同的解释，由此说明美术鉴赏不仅要了解艺术家的意图，还有一个观众对其意义和价值的判断问题。

第二部分“美术作品的时代性与地域性”，讲述的是美术作品的意义和价值与其产生的时代和地域之间的关系，即它的产生受到了当时的时代和地域的限制，对它的理解也与其时代和地域密切相关。

这里主要举了罗中立的《父亲》这个例子。

这一点可以结合前一课讲述的艺术家的创作意图来理解。

第三部分“如何判断美术作品的意义和价值?”以西方历史上不同时期三位雕塑家创作的三个《大卫》为例，进一步说明美术作品的意义和价值与时代和地域之间的关系，由此指出美术作品的意义和价值有绝对的一面也有相对的一面。

这里还提出了艺术创新的问题，主要是从理解美术作品的意义和价值的完整性方面说的，由于这个问题更为复杂，所以就没有展开，只作为教学中的参考。

第四部分“如何看待美术作品意义与价值判断上的分歧?”是接着上面所说美术作品的意义和价值的相对的一面引出的问题。

这个部分着重强调的是个人感受和判断的重要性，并给出了判断美术作品的意义和价值的不同的角度和方法。

这些角度和方法告诉我们，美术作品的意义和价值不是一成不变的，而是可以有各种理解的层面，每一个层面都是美术作品的意义和价值的一部分，这种解释对于学生参与美术鉴赏的主动性具有积极的意义。

但同时也指出，尽管具有这些不同的角度和方法，但美术作品本身仍然是我们进行意义和价值判断的基础。

（三）教学的重点与难点本课教学的重点有两个方面：1.使学生了解美术作品的意义与价值与时代性和地域性有着密切的关系，即无论这种意义和价值的形成还是美术作品产生意义和价值的能力与范围都受到了其所处时代和地域的限制；2.使学生了解对美术作品的意义和价值的判断可以有不同的角度，即可以从不同的角度来看待和理解美术作品的意义与价值。

本课教学的难点在于，美术作品的意义和价值既有其绝对的一面又有其相对的一面，要准确判断一件美术作品的意义和价值就涉及到多方面的因素，在教学中要能精确地把握它们之间的关系并不容易，这是在教学中需要注意的。

另外，判断美术作品的意义和价值的多种角度又容易使学生产生错觉，以为美术作品可以任意理解，这是错误的，需要教师在教学中注意给予纠正。

二、教学内容资料（一）作品分析晓雪山行图（中国画）马远（宋）马远祖籍河中（今山西省永济县），生于杭州，字遥父，号钦山。

他出生于绘画世家，到他已是第四代。

他在光宗、宁宗、理宗朝任画院祗侯、待诏。

和祖上一样，马远山水、人物、花鸟、杂画兼能，是一位全才画家，在画坛独步一时。

而成就最高、影响最大的，则是他的山水画，人称“马一角”，是因为他绘画的构图往往将实景置于画面的一角。

然而除了一角的特写，他也有全景山水，而且还充分发挥他全才的优势，其作品时而花鸟、山水结合，时而人物、山水结合，时而人物、花鸟、山水结合，极其丰富多变。

渔笛清幽（中国画）夏圭（宋）画史上历来都是“马夏”并称的，因为他们的画风的确十分相近。

所不同之处在于：马远矜贵些，夏圭率性些；马远画得紧一些，夏圭松野一些；另外，夏圭用墨更淋漓些。

夏圭略晚于马远，钱塘人，在宁宗、理宗朝为画院待诏。

他的年辈虽晚，声誉却不低，御前画院十人，夏圭居其一，与前辈名家苏汉臣、林椿、李迪、马远等享受同等待遇。

他早年的山水较多李唐痕迹，中年以后渐渐形成自己的风格。

在布局上，他爱将景物集中于一边，或下半边或左右侧，表现迷茫飘渺的空间意趣，人称“夏半边”。

晚年的风格更加简练豪纵。

正如董其昌指出的，夏圭还吸收了米家山水的墨法，他爱用泼墨湿晕，再秃笔焦墨点染。

笔法灵活多变，点、短线、小斧劈皴、大斧劈皴相间使用，使浓淡隐约，云气微茫。

父亲（油画，240厘米×160厘米，1980年，中国美术馆藏）罗中立罗中立（1948—），四川壁山县人。

1964年考入四川美术学院附中，毕业后，在四川大巴山生活了10年。

1978年考入四川美术学院，在学习期间创作了油画《父亲》。

他根据多年来在四川山区劳动、生活的感受，借鉴了西方现代派美术照相写实主义的手法，用巨幅领袖像的形式，刻画了一个勤劳、朴实、善良而又贫穷的老农形象。

他那古铜色的脸、长期的艰苦岁月造成的那条条车辙似的皱纹、柴耙似的双手以及缺牙的嘴巴，无不饱含着画家深沉的情感和对造成这一现实的深刻反思，从而激发起人们对现实，特别是对广大农民命运的深切关注。

正因为如此，这一作品公开展出后，立即引起了社会的强烈反响，是新中国成立以来影响最大的美术作品之一。

最后的晚餐（油画，365厘米×568厘米，1592—1594年，威尼斯圣乔尔乔·马乔列小教堂藏）丁托列托（意大利）丁托列托（1518—1594）被视为晚期文艺复兴的样式主义画家。

“丁托列托”并非他的本名，因为他出身染匠之家，故得此绰号（意为染色者）。

他是一位雄心勃勃的人，扬言要把提香的色彩和米开朗基罗的形体结合起来，成为最伟大的艺术大师。

为了取得独特的艺术效果，他在创作中总是选取别人很少采用的角度和构图，追求宏伟的气魄、强烈的戏剧性和突出的光感，忽视人物内在气质和性格的刻画，主要从画面效果出发。

《最后的晚餐》这个传统的圣经题材，在不同时期有很多画家都画过，丁托列托本人就先后画过七八幅之多。

早期丁托列托的一幅《最后的晚餐》，作于1547年，现藏威尼斯圣塔—玛库奥拉小教堂内。

但以1565—1594年期间完成的三幅最为著名（第一幅在圣特罗瓦佐教堂，第二幅在圣洛可公会，第三幅即此幅）。

就其构思的独特性来说，这幅画比所有其他几幅都要大胆。

在这里，虽然仍然采用倒挂飞旋的人体动作，画面还是那样充满着强烈的神话色彩，但耶稣与12门徒之间的关系，却极有节奏感。

富有运动感的斜角线构图、强烈的明暗对比法，给人以强烈的视觉和心理上的印象。

席上的12个人物被耶稣的一句话——“你们中间有一个人要出卖我”惊扰得神色慌张、表现不一的动态，加上左上角那种奇幻的天光与云雾相绕的光源，使这个场面具有一种神话般的舞台效果。

画家别出心裁地把这顿“最后的晚餐”，摆设成呈透视纵向的角度，观者似乎就站在门口或场面一侧的高处来观看，一切人物的动作都是成组的、繁忙的、富有叙事性的。

据意大利美术史家瓦萨里评价丁托列托的画说：“他不只是工作速度快，他的作品残留下粗犷的笔触，使人看不出他的画是否已经完成。

”这决不是说，他的画有许多技法上的粗糙，而是他用笔触追索光与运动感的结果。

他偏爱用暖色系的色调，只是他的暖色不追求艳丽，暖色中的明暗是为了加强人物的心理因素。

这种画风后来也曾被19世纪的法国印象派所赏识，他们临摹他的画法来吸收这种光影的表现效果。

最后的晚餐（壁画，484厘米×880厘米，1495—1497年，米兰圣玛利亚·德拉格拉齐耶修道院藏）达·芬奇（意大利）列奥纳多·达·芬奇（1452—1519）是文艺复兴时期意大利最杰出的画家、科学家和发明家。

他一生完成的绘画作品不多，但几乎件件都是不朽之作。

他的作品自始至终具有鲜明的个人风格，并善于使艺术创作和科学探索结合起来，深沉、含蓄、富于理性。

他晚年潜心科学研究，死后留下大量笔记手稿及草图，从物理、数学以至生理解剖，几乎无所不包。

他的技术发明也遍及民用、军事、工程、机械各方面。

因此恩格斯称赞他：“不仅是大画家，而且也是大数学家、力学家和工程师，他在物理学的各种不同部门中都有重要的发现。

”壁画《最后的晚餐》是达·芬奇为米兰圣玛利亚·德拉格拉齐耶修道院饭厅而创作的。

它不是一般的灰面湿壁画，而是掺用了一些油彩，所以有的美术史书籍中不称它为壁画，而是标为“油性蛋剂颜料”。

由于这是一种不成熟的新的尝试，所以原画在16世纪时就已逐渐退色霉坏，加上后人保存不善，现在已很模糊。

目前有关方面正试图以现代科技加以修复，但进展缓慢。

《最后的晚餐》取材于基督教圣经中耶稣被他的12个门徒之一的犹大出卖的传说。

因耶稣在耶路撒冷被捕前，与他的圣徒共进了最后一次晚餐而得名。

这类题材的宗教画从中世纪到文艺复兴时期，不断有人创作，且形成了一套程式化的表现手法。

达·芬奇的这一作品则以它独到的匠心、卓越的构图、深刻的人物心理描写而成为不朽的杰作。

达·芬奇在这一作品中，紧紧抓住耶稣在与12门徒共进晚餐时，突然说出“你们当中有一个人要出卖我”以后，众门徒顿时显出各种不同神态的这个极富表现力的瞬间，着重刻画了各个人物的内心世界，表达了画家对善与恶、美与丑、崇高与卑鄙的鲜明爱憎，进而对人物的微妙的心理描写达到了空前的高度。

全画的构图十分完美：横幅的画面以耶稣为中心，组成严格对称的构图。

12个门徒之间彼此具有紧密的联系和各种不同的姿态，显得丰富而统一。

此外，在画面空间与背景的处理上，用透视法画出了深远的空间。

所有这些，使这一作品成为举世闻名的杰作。

大卫（青铜雕塑，高126厘米，1443—1444年，佛罗伦萨国立美术馆藏）多纳太罗（意大利）多纳太罗（1386—1466）是文艺复兴初期意大利最杰出的雕塑家、现实主义美术的重要开拓者之一。

《大卫》是他重要的作品，也是文艺复兴时期第一个全裸的人体雕刻。

它标志着希腊、罗马的人体美术传统又得到了恢复。

来自《圣经》传说中的大卫这一形象，是欧洲文艺复兴时期美术家经常表现的题材。

传说古代犹太人的国王大卫，在少年时就以甩石绝技击杀了巨人歌利亚，因而闻名。

多纳太罗的这一《大卫》，正是表现少年大卫杀死人后，用脚踩在巨人首级上，流露出胜利的喜悦和自豪的情景。

大卫的形象，不仅人体比例准确，而且体态优美、线条流畅，表现了多纳太罗塑造人体的高度技巧。

大卫（雕塑，高250厘米，1501—1504年，佛罗伦萨美术学院藏）米开朗基罗（意大利）米开朗基罗是继达·芬奇之后，又一位文艺复兴盛期的巨匠，他少年时代就进了著名的“美第奇花园”，在那里接受了艺术训练，并接触到大量收藏在那儿的古代艺术珍品。