细微之处见功夫——扬剧《白蛇传》服装设计的点滴体会
把握角色 塑造人物形象——我演《白蛇传》的几点体会
例如毕业大戏《 鲁迅》 中的祥林嫂 ， 封建礼教横加给她种种
迫 害与摧残 ， 不止被虐 待 、 被 迫再嫁 ， 人们还 嘲弄她 、 侮 辱
她、 唾弃她 ， 这一切的一切都使祥林嫂抬 不起 头 ， 所 以祥林 嫂 永远 都佝偻 着背 ， 不 仅仅是她 身份卑微 ， 也 是封建礼 教 压得她 拾不起头。 我认为要把握好人物 持有 的内外部节奏 ， 就要 处理好 以下几个问题 ： 节奏与人物性格的关系 。舞蹈演 员就必须
遇到青蛇精小青 ， 两人结伴 。 白素贞施展 法力 ， 巧施妙计与 许仙相 识 ． 并嫁与他 。婚后金 山寺和 尚法海对 许仙讲白素
代人创新成果 的汇聚 ， 今天的创新也将是凝 聚成明天的传
统。 戏剧表演艺 术的发展正是在遵循 旧传统与创造新传统 中， 不断延续 、 递进 ， 追随时代前进 ， 永不消歇 。 因此在塑造 白素贞这个人物角色时 。 我注重揭 示她内心感情深处的矛 盾冲突 ， 通过对 内心 活动的细腻 表现 来刻画人 物 ， 也 展示
剧 目所要表现的时代背景和人物的生活环境 。 《 白蛇传》 的 传说源远流长 ， 家喻户晓 。 是 中国四大 民间传说之一 。 自蛇
感不 仅带动着我 自己 ， 更 拉近了 周围的人 。 这种 贴近生活 的表演方式就具有感情上的穿透力 。
把握角色 ， 塑造 ＾ 物形象 ， 还耍注重把握好体现角色人物
的分寸。 我国戏曲表演经验昕说 ｉ 寅 要 揪
的也就
而形于 ” 说
里 。 演戏是“ 真真假假， 假假真真， 是真是假， 真
假难分” ， 演员一身艺 ， 千古一居 睛， 既是剧外人 ， 又是剧中人，
传在清代成熟盛行 ， 是中国民间集体创作的典范 。描述 的
谈戏曲服装设计创新三要义
谈戏曲服装设计创新三要义【摘要】面对戏曲如此博大精深的民族传统艺术，戏曲服装设计该由哪里入手进入设计程序？即切入点在何处？这恐怕是在戏曲服装设计时已开始思索的问题。
通过对传统戏曲服装的系统梳理，在掌握了戏曲表演基础的情况下，戏曲服装设计师迫切需要解决的是树立创新意识问题。
也就是说，创新意识是戏曲服装设计专业进入设计的切入点。
【关键词】戏曲；服装；设计；创新；要义一、可贵者胆“可贵者胆”是中国画艺术大师李可染的一句名言。
借用于戏曲服装创新，十分合适。
深谙传统真谛，而又敢于突破传统、发扬传统，确实是需要“胆”的。
这里说的“胆”，不是一般意义的“大胆”，它包含了两个层次的意义：一是胆量，二是驱动胆量的真知灼见。
戏曲服装设计专业所提倡的“胆”，准确说应叫做“胆识”——这是创新的第一要义。
“胆识”之可贵，从道理上人人都懂。
戏曲服装创新“可贵者胆”，这早已不是理论问题，而是一个实践问题。
当代的几乎所有实践家无不一致赞赏梅兰芳等早在80年前创制“新式古装”的壮举，称其胆识可贵；同时也注意到梅兰芳因后来体形趋胖，没有在“新式古装”上继续发展、转向对传统服装做精益求精改革的可贵的创新实践。
然而，后来者往往缺乏的恰恰是这种极可贵的胆识。
在现代剧服装上，囿于一种单一固定的创作模式（整体写实、局部装饰）已经有几十年了。
只有现实主义光辉，而缺乏现实主义与浪漫主义相结合的光辉。
许多很优秀的现代剧，舞台上展现的往往是与写实话剧别无二致的写实服装（有一定艺术加工，即经过装饰美化的生活化服装），人物不张嘴，俨然是写实话剧中的角色。
对于此种角色创造与外部形象塑造分离的状况，就亟待在实践中敢于进行多样化的创新探索，寻求戏曲人物形式美的多种艺术表现。
二、所要者魂“所要者魂”，亦出自李可染画语，与“可贵者胆”一句相联，表达“胆”的指向。
魂者，中国画中所蕴涵的传统艺术神韵也。
借用到戏曲服装创新中来，也十分之贴切。
要求敢于创新，指向性就在于保持传统艺术神韵——这是创新的第二要义。
【最新精选】京剧白蛇传赏析
舍道绝修入红尘，聚散难消春梦好——京剧《白蛇传》赏析京剧，作为我国的国粹，是特定时空下的美丽产物,蕴含着我国200多年来浓厚的文化底蕴。
它起源于徽剧、昆曲和汉剧。
集徽剧的粗犷豪壮，昆曲的婉转秀美，汉剧的纯朴大方于一体，却超越了其中的任何一种。
清代时期，人民的审美生活上升到了最为极致的高度，它代表了最为自由的理想形式。
精致完美渴望自由的文人文化生活深深渗透到京剧文本及演出中,反过来京剧又影响了当时人们的生活。
曾有一个时期，文人们一直被压抑的人性、人情从礼教的束缚中喷薄而出，戏曲艺术家在京剧的创作中寻求人性的解放，表达对执着爱情的渴求。
《白蛇传》作为我国家喻户晓的四大民间爱情之一，白娘子和许仙凄婉动人的爱情故事已成千古绝唱，妇孺皆知。
《白蛇传》京剧剧本来源于明末《警世通言》，传说南宋绍兴年间，有一千年修炼的蛇妖化作美丽女子叫白素贞，及其侍女小青，在杭州西湖遇药店之王主管许宣邂逅相遇，同舟避雨，一见钟情，之后结为夫妻。
婚后，二人经历了诸多是非，白娘子却频频出现怪状，许仙总是不明白其中缘由。
寻妖而来的镇江金山寺高僧法海赠给许仙一个钵盂，让他用这个钵盂罩住他的妻子。
白、青二人被子罩后，显露原形，化成千年成道白蛇、青鱼。
法海于是带着钵盂，放在雷寺峰前，让人在上面砌成七级宝塔，名曰雷峰，永远将白蛇、青鱼镇于塔中。
千年修行的白蛇为爱不惜玉碎，足以感动天地。
许仙终为爱感化，勇敢抛弃封建礼教约束，真心接纳“蛇妖”，却最终由于法海的阻止没能让他们走到一起，然而在白蛇被压雷锋塔下的那一刻，他们的爱情就已经得到永生了。
虽然《白蛇传》的故事被改编成了许多剧种和影视作品，但京剧《白蛇传》却依旧有它独特的不可取代的魅力。
它带有浓厚的浪漫主义色彩，主旨是反对封建礼教，解放人性，追求“情至情真情深”。
《白蛇传》给予了爱情最高的礼赞。
爱情可以不顾世俗，超越生死，冲破礼教。
《白蛇传》可以说是一部有史诗格局的“爱情戏”，是中国浪漫文学传统中一座巍峨高峰。
中国戏曲之美——服饰篇
中国戏曲之美——服饰篇中国的戏曲与希腊悲剧和喜剧、印度梵剧并称为世界三大古老的戏剧文化，经过长期的发展演变，逐步形成了以“京剧、越剧、黄梅戏、评剧、豫剧”五大戏曲剧种为核心的中华戏曲百花苑。
中国戏曲是一门综合性舞台艺术，戏曲服饰在这门艺术中占有至关重要的地位。
从根本上说，戏曲服饰是从生活中来的，但戏曲服装与平常的生活服装有很大区别，是戏曲表演的艺术品。
作为装扮角色的重要工具，服饰在演员和角色之间起到了极其重要的作用。
在中国戏曲服饰中，服饰称“行头”，是从属于中国戏曲表演艺术中的戏曲服饰，是从生活中加工提炼而成的艺术化服饰，源于生活而又高于生活，在某种程度上类似于历史生活服饰又并非历史生活服饰。
中国戏曲服饰凭借服饰的艺术性，为戏中人物的塑造，剧情的发展，情感的表达提供了桥梁。
戏剧服饰的规定性是演员演戏时的穿戴要求，即演员或者角色在扮演舞台人物时所遵循的穿戴规则。
服饰穿戴规制严格，剧中各种人物角色其穿戴都有定例和规制，“宁穿破，不穿错”就是说戏曲服饰的规定性要求穿戴者与饰建立稳定的类型对应关系。
戏剧服饰的规定性也侧重于人穿着服饰的行为，要求穿着行为必须符合规则，因为服饰的穿着规则是经过历代观众和演员共同努力才形成的约定俗成的共同认知，从而这也对戏剧服饰的穿戴提出了相应的要求。
如舞台角色刘备，关羽，张飞，他们因人物性格不同所着袍装颜色各不相同，通常是刘备穿黄色袍，关羽穿红色袍，张飞穿皂色袍。
整体形象鲜明，色彩对比强烈。
不仅丰富了人物性格，也装饰角色的个性形象，美化舞台。
特殊饰物的佩带也有一定的规定性。
戏剧服饰款式的规定性一般是由部件服饰规定性引起而以整套服饰的整体规定性表现。
戏曲服饰除了讲究大方面之外，还注重戏曲服饰的细节，冠饰、佩物都有等级之分。
在戏曲中有30多种盔头，但是只有在社会上有地位的人才有盔，如上层社会中女子所戴的鸡盔、凤冠等，百姓象征的巾，如扎巾、小生巾等。
当然，戏曲服饰穿戴规范并没有条文规定，只能在实际演出中进行分析研究，服装的款式、质料、花纹、色彩等在在穿戴规范中是交织在一起的，要根据剧中人物的社会地位、性格品质、生活环境等多方面来进行判定。
戏曲服饰元素在当代创意服装设计中的运用
戏曲服饰元素在当代创意服装设计中的运用戏曲服饰是中国传统文化的重要组成部分，它融合了中国古代的审美理念、礼仪制度和服饰风格，形成了独特的艺术形式。
在当代创意服装设计中，戏曲服饰元素的运用不仅能够传承和弘扬中国传统文化，还能够为现代服装注入新的灵感和创意。
戏曲服饰元素在当代创意服装设计中的应用可以体现出对传统文化的传承和尊重。
在现代社会中，因为文化的多元化和国际化，传统文化往往受到忽视和遗忘。
通过将戏曲服饰元素融入当代服装设计中，设计师既是在传承和保护传统文化，也是在向人们展示传统文化的魅力和独特之处。
设计师可以在服装上加入传统剪裁的元素、特殊的花纹和刺绣等，使得传统文化得到了传承和发扬。
戏曲服饰元素的运用可以为现代服装注入新的灵感和创意。
戏曲服饰元素通常具有浓郁的艺术感和戏剧性，这与现代服装设计的追求有很大的契合度。
设计师可以通过在服装上加入华丽的元素、丰富的层次和细节等，使得服装更加有质感和亮点。
戏曲服饰元素的运用也能够为服装注入一种独特的氛围和情感，让服装更加富有个性和张力。
戏曲服饰元素的运用可以丰富和扩展现代服装的表现形式。
传统戏曲服饰注重对人物角色性格和社会身份的刻画，通过服装的色彩、款式和配饰等来展现人物的特点和气质。
在当代创意服装设计中，设计师可以借鉴戏曲服饰的表现手法和设计理念，将服装设计成更加丰富多样的表达方式。
设计师可以通过服装的剪裁来展现人物的动感和身体的优美线条，或者通过服装的配饰来突出服装的主题和风格，使得服装具有更多的表现力和创意性。
戏曲服饰元素的运用可以为当代服装设计带来商机和市场竞争力。
中国传统文化在国内外都有很高的知名度和吸引力，通过将戏曲服饰元素融入当代服装设计中，设计师可以吸引更多的消费者和观众。
戏曲服饰元素的独特和创新也能够使得服装在市场上具有竞争力，获得更好的销售额和品牌影响力。
这对于服装设计师和服装品牌来说是一种商机和发展机遇，也是对传统文化的有效传播和推广。
中国传统戏曲中的服装设计
中国传统戏曲中的服装设计中国传统戏曲是中国文化的重要组成部分，其独特的服装设计在戏曲表演中扮演着重要的角色。
这些服装设计既具有时代的特征，又反映了人物的身份和个性。
本文将通过介绍京剧、豫剧和黄梅戏中的服装设计，展示中国传统戏曲中的服装之美。
京剧是中国传统戏曲中最为著名的一种，其服装设计以色彩鲜艳、富有装饰性的特点闻名。
在京剧中，戏装和妆容都极具戏剧性和象征意义。
首先，京剧中的戏装通常由五色剧服、黄花袄、黄马褂和花白蟒袍组成。
五色剧服代表着不同的身份，如红色代表勇猛，黑色代表正直等等。
而黄花袄和黄马褂则是京剧中的标志性服装，经常出现在皇帝或官员等高位人物身上，象征着威严和权力。
此外，京剧中的妆容也十分讲究，不同的脸谱色彩代表了不同性格特征，如红色代表勇猛，白色代表痴呆等等。
这些丰富多彩的服装设计让观众一眼就能辨认出角色的身份和性格特征。
豫剧是河南省地方戏曲中的代表性剧种，其服装设计以简约、古朴为特点。
豫剧中的服装设计注重体现人物的情感和思想内涵。
在豫剧中，男性演员的服装通常由戴口巾、穿夹脚裤、披黑单、扎红鞋等组成，寓意着朴素的乡村生活和农民的形象。
女性演员的服装则更加多样，有嫁衣、年衣、巧裙、妆茧包、妆壶囊等。
这些服装设计不仅展示了农村女性的质朴和美丽，同时也突显了剧情的发展和角色的情感。
黄梅戏是湖北省地方戏曲中的重要剧种，其服装设计独具特色，充满了江南的浪漫和柔美。
黄梅戏中的服装设计注重色彩的搭配和细节的处理。
男性演员的服装通常由宽松长袍、配以蓝色或黑色的真丝裤等组成。
女性演员的服装则以宽袖、蓬裙和大领子为主，通常由绸缎、彩色纱等材料制成。
服装上的刺绣和螺钿装饰更是让服装变得华丽而精致。
这些服装设计使观众能够感受到江南的美丽和柔情，与黄梅戏的唱腔相得益彰。
总而言之，中国传统戏曲中的服装设计丰富多样，每个剧种都有其独特之处。
无论是京剧的艳丽和戏剧性，豫剧的朴素和淳朴，还是黄梅戏的浪漫和柔美，都展示了中国传统戏曲中服装之美。
漫谈戏曲中的水袖技法与表演
漫谈戏曲中的水袖技法与表演戏曲服装来源于生活，但不是对生活的简单模仿和照搬，而是经过了艺术加工和处理，它比生活更夸张，更鲜明，更能表现出剧中人物的社会地位。
水袖，是传统服装的一个组成部分，它起源于古代真实的生活。
演员为了借助水袖来表演，先在袖口上加块白布作为水袖，后来发展成为白绸子更增添了美感，在演出中起着极为重要的作用。
其特点，以虚拟的动作传神，以夸张方法取胜，以节奏鲜明见长。
从角色、行当的划分到身段的表演，历代戏曲演员设计了许多优美的水袖动作与技巧，给人们留下了不可磨灭的印象。
一、借水袖动作表现人物情水袖功是非常重要的。
许多繁复的身段都要水袖配合来表演。
但真实生活中，人绝没有随时舞动袖子的道理。
舞水袖是一种艺术手段。
艺术又是生活的加工、夸张与美化。
在戏曲舞台上，当表现人物情感的时候，有重点地舞动水袖，往往不仅给人以美的享受，而且加强了表现力，使人印象深刻。
由于表演者明确了此剧，此时此地用此水袖动作的目地性，绝不是为炫耀自己的水袖功，而是服从于剧中人物的需要，用来表达思想感情而打动观众的。
一些艺术家们借助水袖动作来表现人物情感收到了很好的效果，也为我们今后的人物刻画起到了很好的借鉴作用。
京剧大师梅兰芳在《贵妃醉酒》中，就运用了投袖、拂袖、抖袖等多种水袖动作表现杨玉环的幽怨、凄婉之情。
穿带水袖的服装，一举一动都与全身动作，舞台部位以及音乐节奏等有着密切关系。
用得好，有助于人物刻画，为表演生色，否则，成为累赘，起不到好的作用。
程砚秋的水袖表演功夫精深，曾经总结出一套水袖表演动作要领，被后辈演员奉为圭枭。
他在电影《荒山泪》中饰演张慧珠，就有近百种水袖动作达到炉火纯青的地步。
尚小云演《乾坤福寿镜》在“失子惊疯”一折里，胡氏寻子不着，精神失常，他就使用了转袖、抓袖、抛袖等多种水袖技巧，精妙绝伦，美不胜收，把人物的规定情感表达得入木三分。
二、活用水袖技巧于表演之中关于水袖的具体技法有多种多样，程砚秋先生曾总结十个字，为“勾、挑、撑、冲、拨、扬、掸、甩、打、抖”。
浅谈戏曲服装设计的创新
浅谈戏曲服装设计的创新戏曲服装设计是中国传统文化的重要组成部分，既是中国古老戏曲艺术的表现形式，也是中国文化的瑰宝。
而随着社会的发展和时代的进步，戏曲服装设计也在不断创新变革，使得戏曲艺术更加富有时代感和吸引力。
本文将从历史演变、材质选取和造型设计等方面，浅谈戏曲服装设计的创新。
戏曲服装设计的创新从历史演变中得以展现。
戏曲服装是一种具有浓厚历史积淀的艺术形式，它承载着古人的智慧和审美观念。
在中国的古代戏曲中，服装设计受到传统礼仪和宫廷文化的影响，注重表达人物身份、性格特点和情感状态。
随着时代的变迁，戏曲服装的设计也随之演变，从古代宫廷服饰到现代时尚元素的融合，展现了戏曲服装设计的创新和多样性。
戏曲服装设计的创新体现在材质选取上。
传统的戏曲服装大多使用丝绸、绸缎等传统面料制作，色彩鲜艳且光泽度高，给人一种华贵高贵的感觉。
而现代戏曲服装设计则更加注重材质的研究和创新，不仅选用传统的丝绸面料，还引入了更多的织物材质，如化纤、纱布、厚纸等。
这些新材料的运用不仅增加了戏曲服装的廓形感和层次感，还使戏曲服装更加轻盈、易于携带和保养，提高了戏曲演员的表演舞台的便捷性。
戏曲服装设计的创新表现在造型设计上。
传统的戏曲服装以立体剪裁和刺绣褶皱为特点，注重服装的线条流畅、造型华丽以及细节的精致。
而现代戏曲服装设计在传承传统基础上，更加注重服装的流线型设计和舞台效果。
在武打戏中，服装设计师会根据演员的角色特点和舞蹈动作的需求，采用宽松的剪裁和特殊的布料，以提高演员的运动自由度和视觉冲击力。
而在古装剧中，服装设计师会注重元素和艺术表达的结合，运用现代设计手法，使服装更富时尚感，更能迎合当代观众的审美需求。
戏曲服装设计的创新是与时俱进的，它在传承传统的基础上，不断吸取新的元素和技术，以适应时代的需求和观众的审美。
戏曲服装设计的创新不仅体现在历史演变、材质选取和造型设计等方面，还包括服装的功能性和符号意义的创新。
通过不断探索和尝试，戏曲服装设计定能焕发出新的生机和魅力，为戏曲艺术的发展做出更大的贡献。
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细微之处见功夫——扬剧《白蛇传》服装设计的点滴体会刘素兰
【摘要】《白蛇传》的故事,在许多剧种都有演绎,京昆扬淮锡,江苏的各地方剧种都曾搬演过全剧或相关折子戏。
扬剧《白蛇传》是扬剧华派创始人华素琴老师的代表作之一,自从50年代省扬剧团成立之初全剧首演过后,在扬剧观众中有着极其深刻的影响,许多脍炙人口的唱段,
【期刊名称】《剧影月报》
【年(卷),期】2012(000)002
【总页数】1页(P122-122)
【关键词】《白蛇传》;扬剧;服装设计;地方剧种;50年代;折子戏;代表作;创始人【作者】刘素兰
【作者单位】不详
【正文语种】中文
【中图分类】J821
《白蛇传》是我国最优秀的大型神话剧之一，几乎全国各大、小剧种都拥有各自的版本，每个不同的剧种演出时，大多是各有特色。
作为优秀经典传统剧目，《白蛇传》传颂着经久不衰的爱情传奇。
《白蛇传》的故事，在江苏的各地方剧种都曾搬演过全剧或相关折子戏。
扬剧《白蛇传》是扬剧华派创始人华素琴老师的代表作之一，自从50年代省扬剧团成立之
初全剧首演过后，在扬剧观众中有着极其深刻的影响，许多脍炙人口的唱段，不仅为扬剧戏迷们所热爱，也是扬剧演员的必修唱段。
然而，《白蛇传》全剧已有50
多年未曾在南京舞台上演。
2011年，江苏省扬剧团复排华派名剧《白蛇传》，我有幸担当了该剧的服装设计。
虽说对《白蛇传》的剧情并不陌生，但真正要进入创作阶段仅凭对故事的了解显然是远远不够的。
我觉得我所面临的“挑战”是如何让这美丽传说中的主人翁更加“美丽”，更为贴近剧情、贴近人物。
熟读剧本后，我对剧情的发展脉络和人物心理节奏做了分析，初步形成了我对该剧服装的设计与运用的构想。
《白蛇传》剧中人物的传统的装扮，已形成了一定之规和观众的认同度，我必须在尊重传统的基础上使她更“美丽”。
首先要使自己的设计理念有一个清晰的定位，那就是在尊重传统的基础上局部出新，在细微之处下功夫。
在了解了整个舞美设计方案和每一场灯光的基本色调后，我对该剧的传统服饰进行分析研究。
确立了使之既不脱离传统又达到了出新目的的效果。
如第一场“游湖”中，女主人翁白素贞怀着对人间美好生活的憧憬，从峨眉山不远千里来到西湖，传统服饰是白绣花披、百褶裙，人物显得端庄淡雅。
我给白素贞的设计是，一件粉红内衬，外加一层超薄白纱。
此时的粉红不仅是美丽的象征，更映衬出主人翁此时此景此境对美好生活的追求与爱情向往。
在一幅美丽的西湖大画面中，一叶轻舟荡漾在湖面上，远远看去真可谓“万绿丛中一点红”，何等美哉！飘逸的白纱，行动之间，婉如天仙下凡；粉红内衬凸显女主人的心境……
二是从细微入手，让服装更具装饰化。
当然这种装饰不是单纯的追求美，必须符合人物和规定情景。
在“断桥”一场中的白素贞，我设计在“腰包裙”的底边绣了一圈小花，它的图案和“对襟披”的图案是相对应的。
当裙子展开时像一只忧伤的蝴蝶，更加衬托出此时的白素贞凄凉和无助。
再就是“斗篷”在传统戏剧服装中是常用的服装，无论什么行当在规定情境下都可以应用。
集合我对剧情的理解，此次在
“白”剧中我为白素贞设计了长、中、短三款“斗篷”，结合元服装的色彩，以白色为基调，分别应用在“水斗”、“合钵”、“毁塔”三场戏中。
“水斗”一场中“短斗篷”的运用，更显主人翁为追求自由、爱情和幸福而战的决心，此时的白素贞尤显得英姿飒爽；“合钵”一场中白素贞初为人母，终因产后体力不支，终被法海所擒。
一件“中斗篷”的运用，不仅交代了特定的情景，对演员的表演和情节交代，起到了帮助作用，同时有意无意间对观众理解剧情也给予了很好交代和提示；为扬剧观众津津乐道的是《白蛇传》有一个“大团圆”的美好结局，这也正好迎合了最广大观众的审美情趣和对生活的美好愿望，剧中修炼成功的“青蛇”搬来天兵天将，轰倒“雷峰塔”，使压在塔下十余年的白素贞重见天日，正义终于战胜邪恶，历经磨难的白素贞最终夫妻得以团圆，母子得以相见。
此时我给白素贞又设计了一款“长斗篷”。
当“雷峰塔”轰然倒下，从废墟中慢慢升起的是裹着一袭白底粉花大斗篷女主人翁，此时的她在舞台光影效果的映衬下，亭亭玉立，虽饱经风霜，仍光彩照人。
此时，加上舞台服装对粉色的再次运用，与第一场“游湖”相呼应，给人以好事多磨、邪不压正，以及爱情美丽、生活美满的象征和寓意。
使我感到欣慰的是“白”剧的服装设计，得到导演和观众普遍认可。
通过对“白”剧人物服装设计运用的实践，让我体会到了“艺海无涯勤作舟”的深刻内涵，我理解的“勤”就在于勤奋、勤思、勤于实践。
在今后的艺术道路上只有更加勤奋的学习，勇于实践，不断攀登新的高峰。