如何作曲、编曲
如何利用五线谱进行音乐创作和编曲
如何利用五线谱进行音乐创作和编曲音乐创作是一门充满创造力和想象力的艺术，而五线谱则是音乐创作和编曲过程中不可或缺的工具。
通过五线谱，作曲家和编曲家可以将自己的音乐构思转化为可视化的音符，从而更好地表达自己的创意和情感。
本文将探讨如何利用五线谱进行音乐创作和编曲的一些技巧和方法。
首先，了解五线谱的基本知识是非常重要的。
五线谱由五条平行的横线组成，每条线代表一个音符。
音符的高低由其在五线谱上的位置来表示，越高的音符越靠近谱表的上方。
此外，五线谱还包括音符的时值和节奏的表示方法。
掌握这些基本知识，可以帮助作曲家和编曲家更准确地表达自己的音乐创意。
其次，了解和运用音乐理论是进行音乐创作和编曲的关键。
音乐理论包括和弦、音阶、调式等方面的知识。
通过学习音乐理论，作曲家和编曲家可以更好地理解音乐的结构和规律，从而更有针对性地进行创作和编曲。
例如，掌握和弦进行的规律可以帮助作曲家在创作过程中更好地安排和弦的进行，从而达到更好的和声效果。
掌握音阶和调式的知识可以帮助编曲家在编曲过程中更好地运用不同的音色和音高，从而创造出更丰富多样的音乐效果。
另外，利用五线谱进行音乐创作和编曲还可以借助一些辅助工具和软件。
例如，有许多音乐软件可以帮助作曲家和编曲家将自己的音乐创意转化为五线谱，从而更方便地进行编辑和修改。
这些软件还提供了许多音乐素材和音色库，可以帮助作曲家和编曲家更快速地实现自己的创作目标。
此外，一些辅助工具如音乐节拍器、节拍器等也可以帮助作曲家和编曲家更好地把握音乐的节奏和节拍，从而创作出更富有动感和韵律感的音乐作品。
此外，音乐创作和编曲过程中的灵感和创意也是非常重要的。
五线谱只是一种工具，它可以帮助作曲家和编曲家将自己的创意转化为可视化的形式，但它并不能代替作曲家和编曲家的创造力和想象力。
因此，在进行音乐创作和编曲时，作曲家和编曲家应该注重培养自己的音乐素养和审美能力，不断开拓自己的音乐视野，从而能够创作出更具个性和独特性的音乐作品。
作曲与编曲教案 和声学与音乐创作技法
作曲与编曲教案和声学与音乐创作技法一、简介音乐作曲与编曲是音乐创作的重要组成部分，它涉及到和声学和音乐创作技法等方面的知识。
本教案将以这两个主题为中心，为学习者介绍相关的基本概念、原理和应用技巧。
二、和声学基础1. 调性与调性音乐调性是音乐的基本特征之一，调性音乐则是以调（tonality）为基础的音乐。
本节将介绍调的概念、调性体系以及调性音乐的基本原理。
2. 和声学基本要素和声学是研究音乐中声部相互关系和构成整体音韵的学科。
主要包括和弦、声部运动、和声进行等要素。
学习者将通过案例分析和练习，掌握这些基本要素在作曲与编曲中的应用技巧。
3. 和声学与情感表达和声学不仅仅是一种理论学科，它也与人的情感体验有着密切的关系。
本节将讲解和声学如何帮助音乐表达情感，并引导学习者尝试运用和声学知识创作具有情感共鸣的音乐作品。
三、音乐创作技法1. 曲式与形式曲式与形式是音乐创作中常用的组织结构形式。
学习者将学习和了解不同的曲式和形式，并通过实践练习，掌握如何运用它们在作曲与编曲中达到丰富多样的音乐效果。
2. 音乐表达手法音乐的表达效果除了和声学外，还有很多其他手法可以运用。
本节将介绍一些常用的音乐表达手法，如节奏、和弦进行、旋律发展等，帮助学习者拓展创作思路并提升音乐表达的能力。
3. 创新与实践音乐创作离不开创新和实践。
本节将引导学习者进行创新尝试，探索不同的创作方式和风格，并通过实践活动，锻炼创作能力和技巧。
四、教学方法1. 理论讲解教师将通过讲解和示范的方式，向学生介绍和声学和音乐创作技法的基本概念和原理。
2. 实例分析教师将选取具有代表性的音乐作品，与学生一起进行分析，剖析其中的和声学和创作技法的运用。
3. 练习与创作学生将通过练习习得的知识，进行创作实践，并在班内进行展示和交流。
五、教学评估1. 口头测试教师将通过提问的方式，检测学生对于和声学和音乐创作技法的理解和掌握程度。
2. 创作作品评估学生将提交自己的作曲与编曲作品，教师将对其进行评估并给予反馈。
音乐行业的作曲创作的工作职责
音乐行业的作曲创作的工作职责在音乐行业中，作曲创作起着至关重要的作用。
作曲创作师们负责创作音乐作品，为乐队、歌手、电影、电视剧等娱乐项目提供原创音乐。
他们拥有丰富的音乐知识和创造力，能够将灵感转化为优美的旋律和令人难以忘怀的歌词。
本文将介绍音乐行业中作曲创作的工作职责。
一、创作音乐作品作曲创作师主要的工作职责就是创作音乐作品。
他们通过钢琴、吉他或音乐软件等工具，根据自己的灵感和客户需求，创作出独特的音乐作品。
在创作过程中，作曲创作师需要深入理解客户的要求，包括音乐风格、歌词主题等，以确保作品能够准确表达客户的意图。
二、编曲和編配作曲创作师在完成音乐创作后，还需要进行编曲和編配的工作。
编曲是将创作好的旋律进行翻译和转化，添加和弦、和声、乐器编排等，以丰富音乐作品的层次和韵味。
編配则是将作品中的乐器进行具体分配和编排，使得每个乐器都能够发挥其最佳效果。
通过编曲和編配，作曲创作师能够让音乐作品更加完整和精致。
三、与客户合作作曲创作师经常需要与客户合作，以确保创作出的音乐符合客户的需求。
他们可能要与歌手、乐队或制片人进行频繁的沟通，了解他们的音乐风格、意图和制作要求。
在与客户合作的过程中，作曲创作师需要具备良好的沟通和合作能力，以便能够准确理解客户的需求并提供专业的建议。
四、技术使用和研究在如今数字化的音乐制作时代，作曲创作师还需要熟练掌握各种音乐软件和音频工具。
他们需要了解如何使用这些工具来编辑、录制和混音音乐作品。
此外，作曲创作师还需要不断研究和学习最新的音乐技术和趋势，以保持自己的创作水平和竞争力。
五、演示和展示音乐作品作曲创作师通常需要制作演示音频或音乐视频，来展示自己的创作作品。
这些演示可以用来吸引潜在的客户或机会，促成合作或签约。
作曲创作师需要具备一定的音频编辑和制作技能，以确保演示作品的质量和吸引力。
六、音乐版权管理作曲创作师在创作音乐作品后也需要时刻关注音乐版权的问题。
他们需要了解版权法律和手续，并确保自己的作品得到适当的保护和授权。
音乐创作的过程与策略
音乐创作的过程与策略音乐创作是一门艺术，它融合了创造力、技巧和情感，通过声音表达出作曲家的内心世界。
音乐创作的过程是一个充满挑战和灵感的旅程，而策略则是实现创意的方法和手段。
本文将探讨音乐创作的过程与策略，希望能给读者一些启发和思考。
音乐创作的过程可以分为几个阶段：灵感、构思、创作、编曲和制作。
首先是灵感的来源。
灵感可能来自于生活、自然、情感或其他艺术形式。
作曲家可以通过观察周围的事物，体验情感，或者与其他艺术家合作来获取灵感。
例如，一位作曲家可以受到大自然的美丽景色启发，或者通过与一位诗人合作，从他的诗歌中获得灵感。
接下来是构思阶段。
在这个阶段，作曲家会思考音乐的结构、主题和情感表达。
他们可能会使用乐谱、琴键或其他方式来记录自己的构思。
这个阶段的关键是将灵感转化为具体的音乐构思，为创作奠定基础。
然后是创作阶段。
在这个阶段，作曲家会根据自己的构思开始创作音乐。
他们可能会使用乐器、计算机软件或其他音乐工具来创作。
创作的过程可能会涉及和弦、旋律、节奏、和声等元素的选择和组合。
作曲家可以通过试听、修改和重复来完善自己的创作。
创作完成后，接下来是编曲阶段。
在这个阶段，作曲家会为不同乐器或声部编写具体的音乐部分。
他们需要考虑如何将不同的声音组合在一起，创造出丰富的音乐效果。
编曲是一个技术性的过程，需要作曲家具备音乐理论和技巧的知识。
最后是制作阶段。
在这个阶段，作曲家会使用录音设备、混音软件等工具来制作音乐的最终版本。
他们可以对录音进行编辑、混音和母带处理，以达到所期望的音乐效果。
制作阶段的关键是保持音乐的原创性和艺术性，同时充分利用现代技术的优势。
除了音乐创作的过程，策略也是实现创意的关键。
一种常见的策略是多样化的创作方法。
作曲家可以尝试不同的风格、形式和技巧，以拓宽自己的创作领域。
例如，他们可以尝试写一首流行歌曲、一首交响乐曲或一首爵士乐曲，以挑战自己的创作能力。
另一个策略是与他人合作。
音乐是一种社交艺术，与其他音乐家、词曲作者或制作人合作可以带来新的灵感和创意。
学会使用计算机辅助音乐创作软件进行音乐创作
学会使用计算机辅助音乐创作软件进行音乐创作在现代音乐创作的领域里，计算机辅助音乐创作软件的出现极大地方便了音乐人的创作过程。
通过这类软件，音乐人可以借助电脑智能化的工具，快速、高效地进行作曲、编曲、混音等音乐创作环节。
本文将介绍如何学会使用计算机辅助音乐创作软件进行音乐创作，并分享一些相关的经验和技巧。
一、选择合适的计算机辅助音乐创作软件1. 根据个人需求选择软件：市面上有许多种计算机辅助音乐创作软件，如Ableton Live、Logic Pro X、Cubase等，每一款软件都有其特点和适用场景。
根据自身的需求，选择一款适合自己的软件进行学习和使用。
二、了解软件界面和基本操作1. 界面布局：首先，熟悉软件的界面布局对于快速上手是非常重要的。
了解软件的各个面板的功能和位置，能够更好地进行操作。
2. 基本操作：学习软件的基本操作包括创建新的工程、导入音频文件、音频剪辑、切换界面等。
这些基本操作是日后进行音乐创作的基础。
三、学会使用各个功能模块1. 作曲：计算机辅助音乐创作软件可以提供多种方式进行作曲。
其中，使用虚拟乐器进行 MIDI 编曲是常见的方式之一。
选择合适的虚拟乐器，学会应用音色、节奏等元素进行作曲创作。
2. 编曲：根据个人的创作需求，学习和熟练应用软件提供的编曲功能，如添加和调整各种音轨、混音、添加音效等。
利用这些功能，可以实现多种音乐风格的编曲。
3. 和声处理：使用软件提供的和声处理功能，对音频进行处理，创造出更加丰富的和声效果。
了解和声处理的基本原理和技巧，能够让音乐作品更加和谐和具有个性化。
4. 音频混音：掌握音频混音的技巧是进行音乐创作的必备。
学习使用动态处理器、均衡器和混响等效果器进行音频处理，获得更好的音频效果。
四、尝试与专业音乐人合作和交流1. 加入音乐创作社区或音乐制作团队，与其他音乐人分享经验和技巧，互相学习提高。
2. 参加音乐作品比赛和展示活动，与更多的专业音乐人接触和交流，获取更多的创作灵感和经验。
高中音乐学习作曲与编曲的基础知识
高中音乐学习作曲与编曲的基础知识音乐作曲与编曲是音乐学习中非常重要的一部分，许多人对此感兴趣，但却缺乏一些基础知识。
本文将介绍高中阶段音乐学习中作曲与编曲的基础知识，帮助学习者更好地理解和运用这方面的技巧和方法。
一、作曲的基础知识作曲是创作音乐作品的过程，需要掌握音乐理论和基本的音乐元素。
以下是一些常见的音乐元素与技巧：1. 节奏：节奏是音乐中时间的组织方式。
了解如何使用不同的音符长度和间隔来创造出感染力和变化的节奏模式是作曲的基础。
2. 和声：和声是指多个音符同时或依次奏响时产生的音乐效果。
掌握和声规则和常用的和声进行，能够帮助作曲者构建和谐的音乐结构。
3. 曲式：曲式是音乐作品整体结构的安排和组织方式。
了解常见的曲式形式，如ABAB、ABA等，有助于作曲者构思和编写音乐作品。
4. 主题与变奏：主题是音乐作品的核心思想或基本音乐片段。
通过对主题的变奏和发展，可以创造出多样性和曲调的复杂性。
5. 调性：调性是音乐作品中的调的选择与运用。
了解不同调式的特点和调式间的转换方法，可以为作曲者提供更多的音乐创作可能性。
除了以上的基础知识，作曲者还应该根据自己的风格和创作意图，学习和熟悉各种乐器的特点和演奏技巧，以便更好地运用在音乐作品中。
二、编曲的基础知识编曲是将作曲的创作内容用乐器演奏所需的各种声部，并根据演奏范围和技巧的要求进行安排的过程。
以下是一些编曲的基础知识：1. 乐器：了解各种乐器的音域、音色和演奏特点，有助于根据需要选择和安排适合的声部。
2. 和声编写：根据不同乐器声部的特点，合理安排和组织和声，形成和谐的音乐效果。
3. 乐队编制：根据作品的要求，选择合适的乐队编制，安排各种乐器的声部和声域，达到音乐作品的整体平衡和完善。
4. 知音选择：根据作品风格和编曲目的，选择合适的知音，为作品注入特定的情感和表达方式。
5. 吉他和弦编写：如果涉及到吉他编写，作曲者需要学习和熟悉吉他和弦的构成和编写规则，以便在作品中运用。
如何使用AbletonLive进行音乐制作和编曲
如何使用AbletonLive进行音乐制作和编曲第一章：AbletonLive的功能概述AbletonLive是一款针对音乐制作和编曲而设计的软件，它拥有许多强大且专业的功能。
首先，它具备多轨道录音功能，可以让用户同时录制多个音轨。
其次，它支持实时演奏和即兴创作，能够将用户的灵感立即转化为音乐作品。
此外，AbletonLive还有强大的音频和MIDI效果处理功能，让用户能够根据自己的需求调整音频和乐器的声音。
第二章：AbletonLive的基本操作在使用AbletonLive进行音乐制作和编曲之前，首先需要了解一些基本操作。
在AbletonLive的用户界面中，主窗口被称为“Arrange View”，用于编辑和排列音轨。
另外还有一个“Session View”，用于实时演奏和录制音乐片段。
在排列音轨时，可以使用“Clip”来创建和编辑音乐片段，并将其拖放到“Arrange View”的合适位置。
另外，AbletonLive还支持使用VST虚拟乐器和效果器，用户可以通过拖放来添加并调整它们的参数。
第三章：使用AbletonLive进行录音AbletonLive是一款强大的录音工具，它支持多轨道录制和实时监视。
使用AbletonLive进行录音非常简单，只需点击“Add Track”按钮，选择需要录制的音轨类型（音频或MIDI），并在面板上调整输入设置，即可开始录制。
用户可以根据需要进行多次录制，并在之后进行编辑和调整。
第四章：使用AbletonLive进行编曲AbletonLive不仅提供了录音功能，还可以进行编曲和创作。
用户可以利用内置的MIDI虚拟乐器和效果器来制作音乐。
只需点击“Add Track”按钮，选择MIDI轨道，然后从列表中选择需要的乐器，即可开始进行编曲。
用户可以使用MIDI控制器或直接在软件上进行演奏，将自己的音乐理念转化为音乐作品。
同时，AbletonLive还提供了丰富的音频和MIDI效果处理工具，用户可以根据自己的需求添加和调整效果，使音乐更加丰富和独特。
音乐剧知识：现代音乐剧的作曲和编曲技巧
音乐剧知识：现代音乐剧的作曲和编曲技巧现代音乐剧是一种通过音乐和歌唱讲述故事的艺术形式。
它是由戏剧、音乐和舞蹈等艺术形式相结合而成，是当代流行文化的一种重要组成部分。
现代音乐剧的作曲和编曲技巧是其成功的重要因素之一。
本文将从作曲和编曲两个方面探讨现代音乐剧的技艺。
一、作曲技巧作曲是现代音乐剧制作的核心，作曲家要提供高品质的乐曲，以展现情节线索，塑造角色，增加情感元素。
作曲过程一般包括四个步骤：构思、创作、编排和改编。
1.构思构思是作曲的开始。
初始构想不必是一曲完整的音乐，也不必要完全符合音乐理论和结构规则。
它只需要是概念性的、抽象的想法，可以来自剧本、角色或某一瞬间内心情感的体验。
2.创作创作是作曲过程中的核心环节。
创作的关键是要与编剧、导演、编曲师和曲艺者紧密合作，充分了解角色的性格、生活、言行和内心情感，全面、深刻地描绘故事背景和场景，以期创作出有生命力、有感染力的音乐。
在创作中，要根据不同的角色、不同的情节线索、不同的情感变化，做出不同的音乐表现。
3.编排音乐的编排是根据剧情、音乐结构和演员演唱能力等，将音乐和歌剧作品进行合理的编排。
在编排中，要注意歌曲的过渡、曲调的转换、强弱节奏的变化以及音乐与舞蹈的结合等要素。
4.改编改编是作曲过程中的一项重要技巧。
它包括重新编写乐曲、合理安排各种音乐要素以及在演出中坚持根据演员演唱能力、角色和情节变化的需要进行调整的任务。
二、编曲技巧编曲是将作曲家作曲的乐曲加以改进和扩展，以使之更适合音乐剧的表现形式、演唱能力和场景需求。
要想做好编曲，必须具备先进的音乐知识和技巧，能够比较完整地理解作曲家的意图和创作特点，然后从多个角度进行剖析，细心斟酌，确定如何选择乐器、演唱风格、表现方式、节奏华丽度等。
1.乐器选择编曲师要对乐器具有深入的认识和理解，选择与曲风和场景相适应的乐器是成功编曲的重要环节。
不同的乐器在不同的音高、共分音区、音色、音质、音量、音表达和音运用上都有不同的特点。
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作曲的技巧！！！整理了一段时间！我再发一个有关作曲技巧的贴子！都是个人积累的一点儿经验！希望对大家有用！作曲之前，你们需要确定准备写的歌曲是几段体的！一段体，两段体，还是三段体！两段体和三段体比较常见，就不说了！一段体最典型的例子是：西部歌王王洛宾老先生的作品《在那遥远的地方》！1. 使用和弦加入经过音来作曲。
适用于先写和声进行，然后再加入旋律。
此类曲子的旋律与伴奏的和弦相对来说，非常和谐！旋律的和声走向特别明显！但是，一般篇幅比较短小！这时候，吉他的不同的速度和扫弦节奏，不同的分解和弦的指法。
强弱节拍的不同变化，我们可以感觉到不同的旋律的！会产生不同的创作灵感的！如: 李圣杰的<<痴心绝对>>的高潮部分(即副歌部分)的和弦音就非常的明显!还有,你可以唱一下陈慧娴的<<千千阙歌>>的前奏,旋律,间奏和尾奏来试着去体会一下!2. 使用纯粹的自然音阶来作曲。
适用于写长段的旋律！先写旋律，后写和声！如：大调自然音阶：1 2 3 4 5 6 7小调自然音阶：6 7 1 2 3 4 53. 使用各种特色音阶来作曲。
这一点，我要重点讲一下！我们可以使用各个国家，或者各个民族的特色音阶来作曲！如：a. 我国常用的五声音阶：大调五声音阶：1 2 3 5 6小调五声音阶：6 1 2 3 5b. 和声小调音阶：6 7 1 2 3 4 #5c. 大佛里吉亚音阶：1 b2 3 4 5 b6 b7 （Phrygian-Dominant）也有人把它叫做；弗拉门戈音阶！d. 自然音阶的各种不同的模式：伊奥尼亚模式： 1 2 3 4 5 6 7 （Ionian）也就是大调自然音阶！多里安模式: 2 3 4 5 6 7 1 ( Dorian )佛里吉亚模式：3 4 5 6 7 1 2 （Phrygian）利底亚模式：4 5 6 7 1 2 3 （Lydian）混合利底亚模式：5 6 7 1 2 3 4 （Mixolydian）爱奥尼亚模式： 6 7 1 2 3 4 5 （Aonian）也就是小调自然音阶！洛克里亚模式：7 1 2 3 4 5 6 （Locrian）以上自然音阶以不同的音作为开始，向下顺次排列的方式，叫做: 旋法调！e. 减音阶：1 2 b3 4 b5 b6 bb7(6) 7f. 半-全减音阶：1 b2 b3 3 b5 5 6 b7g. 全音音阶：1 2 3 #4 #5 #6h. 布鲁斯音阶： 1 b3 4 b5 5 b7 ( Blues )i. 混合布鲁斯音阶： 1 b3 3 4 b5 5 b7j. 大利底亚音阶： 1 2 3 #4 5 6 b7 ( Lydian-Dominant )k. 超级洛克里亚音阶： 1 b2 b3 b4 b5 b6 b7 （Super-Locrian）l. 印度音阶: 1 2 3 4 5 b6 b7 （Hindu）m. 吉普赛音阶：1 b3 #4 5 b6 b7 （Gypsy）n. 匈牙利音阶：1 #2 3 #4 5 6 b7 （Hungarian）o. 匈牙利小调音阶：1 2 b3 #4 5 b6 7 （Hungarian Minor）p. 旋律大调音阶: 1 2 3 4 5 b6 7 1 b7 b6 5 4 3 2 1 q. 旋律小调音阶： 6 7 1 2 3 #4 #5 6 5 4 3 2 1 7 6 r. 日本音阶：1 3 4 6 7s. 俄罗斯音阶： 6 (b7) 7 1 2 3 4 (#4) 5 (#5)t. 爵士小调音阶： 1 2 b3 4 5 6 7u. 阿拉伯音阶： 1 b2 3 4 5 b6 b7v. 拿波里大音阶： 1 b2 b3 4 5 6 7w. 拿波里小音阶： 1 b2 b3 4 5 b6 7x. 东方音阶： 1 b2 3 4 b5 6 b7其实，简单地说，就是在你作的自然音阶旋律中，你随时准备即兴的加入一个或者若干个变化音，也就是半音！可以升高半音，或者降低半音！看你自己的喜好了！4. 借助各种乐器的音阶特点来作曲。
如：云南乐器葫芦丝，巴乌只有一个8度加一个音，所以作曲的时候，最好要考虑到这个乐器的音域！再如：新疆乐器独他尔，是弹拨类乐器，有两个尼龙弦，作曲的时候就可以加入很多的圆滑音等！5. 模仿说话读音高低的方式作曲。
也就是说,在你读歌词的时候,读出歌词的抑扬顿挫，旋律的高低起伏和汉字读音的高低起伏一致。
如同唱着说话一样! 根据汉语拼音的四个声调来作曲。
适用于先有歌词，后有曲。
模仿读音作曲的秘诀!秘诀,两个字: 好听!随你们的心情去写!具体地说:汉字有四种读音:阴平,阳平,上声,去声。
其中“上”字读音为第三声！如用于为歌词谱曲的话：比方说：第一个字后面的字为阴平，也就是第一声，则谱曲时这个字上面的旋律音可与前面的第一个字同高，当然也可高或者可低！如第二个字为阳平，也就是汉语拼音的第二声，则谱曲时这个字上面的旋律音可比前面的第一个字稍高！如第二个字为上声，也就是汉语拼音的第三声，则谱曲时这个字上面的旋律音可比前面的第一个字稍低！如第二个字为去声，也就是汉语拼音的第四声，则谱曲时这个字上面的旋律音可比前面的第一个字稍高或者稍低！这只是我自己理解出来的一般规律而已，仅供参考！你们作曲的时候完全可以打破在这个框框！或者部分利用这种方法！以上所说的，音高的比较，不是固定的，也不是规定的！只是我为了让你们方便理解，自己编出来的！希望它能对你们有所帮助！！！如：梁朝伟的<<一天一点爱恋>>陈晓东的《心有独钟》迪克牛仔的《梦醒时分》孙燕姿的<<开始懂了>>庾澄庆的<<情非得以>>周惠的<<约定>>杨坤的<<无所谓>>阿杜的<<他一定很爱你>>Beyond的<<喜欢你>>,<<交织千颗心>>等的歌词及旋律对应的就非常的明显！再补充说明一下:像这种模仿说话的方式作曲,最典型的歌手是:任贤齐如他的<<心太软>>,<<很受伤>>等等歌曲,有好多都是!老狼<<同桌的你>>,<<来自我心>>等等好多!朴树<<白桦林>>,<<那些花儿>>,<<在希望的田野上>>,<>等等!许巍有好多!如<<故乡>>等,我就不一一列举了!太多了!郑钧<<回到拉萨>>,<<商品社会>>等,也有好多!另外,你们也可以注意一下歌手汪峰的<<花火>>,<<在雨中>>等歌曲!总之,所有让你们第一次听的时候,会让你们感觉到是在向你说话或是聊天,谈心的歌曲,都是这样创作的!多数的校园歌曲都是这样的！最典型的例子还有:像老朋友倾诉般的唱歌好听的歌手:蔡琴<<恰似你的温柔>>,<<你的眼神>>等!有时,可以是模仿各种语气和情绪来作曲!如喜欢呐喊和呼唤的歌手:张惠妹<<给我感觉>>,<<剪爱>>等!还有好多非常优秀的歌手的很多歌都是这样的!如:周惠,王菲,那英......齐秦,羽泉,迪克牛仔......太多了说不完了!为什么有一些的歌曲听起来特别舒服,就是因为它们是用模仿说话的方式作曲的,所以就有了一种近似半说唱的一种音乐!这种音乐有大部分还是很好听的! 大多数的校园民谣音乐都是这样作曲的。
如：老狼，朴树，许巍等。
另外有一些说唱歌手,他们就完全是唱着说了!他们根本就不会作曲!只需要节奏感好就可以了!当然还要比较贫嘴!嘴皮子一定要特别的溜!当然不能所有的事情都一棒子给打死!也有极少的说唱歌手和他们的音乐是不错的!6. 用音阶模进的方法作曲。
音阶模进: 也就是,音阶构成的旋律按照同一个规律和模式,来做音阶的上行,或者下行!也就是后面的旋律模仿前面的旋律！比如说:上行: 1234 2345 3456 4567 5671(最后一个1比第一个1高八度!)171 212 323 434 545 656 767(第一个7为低音,其余音为中音!)1671 2712 3123 4234 5345 6456 7567 1(前面两个小段的6和7为低音,其余为中音区的音,最后一个1为高音!)注意: 每一小段的第一个音阶在做音阶的上行!而每一个小段内部的构成方式与其他小段的构成方式一样!下行: 4324 3213 2172 1761 7657 6546 5(从第三段开始,7,6,5,4为低音,其余音为中音!)6316 5275 4164 3753(前3小段的1,2,3为高音,其余音为中音!)注意: 每一小段的第一个音阶在做音阶的下行!而每一个小段内部的构成方式与其他小段的构成方式一样!详细说明一下！如: 1671 2712 3123 4234 5---(其中6和7两个音为低音)）我们来仔细分析一下这一段音符的结构:我们暂且把每一个音符看作是1/16音符,则每4个音符是1拍,那么每拍的第一个音依次为:1 2 3 4 5音在依次升高!就好像是在上楼梯,走台阶,一级一级地向上进!当然,也可以两级两级地进!只要写出来的歌曲的旋律好听就可以!我们再来分析每一小节:16711到6是3度音程,6到7是2度音程,7到1是2度音程!27122到7是3度音程,7到1是2度音程,1到2是2度音程!31233到1是3度音程,1到2是2度音程,2到3是2度音程!以下同理!可以看出,它们的结构是一样的!也就是说它们是按照同一个模式来进行音阶的升高!当然,和上楼梯一样,你也可以下楼梯!如: 4132 3721 2617 1576 （从第二小节开始,567为低音)!好了,我也该上楼了! 5楼食堂有人叫我吃饭了!我跳,我跳,我跳跳跳!我跳两级,下一级,我再下一级,我再下!1321 7217 6176 5765 ......(第2小节开始,765为低音)!哎?我怎么越来越往下,我本来在3楼办公,怎么跑1楼来了 :(7. 反复。
作曲的时候经常会用到一些旋律的反复,歌曲唱起来才会朗朗上口,很容易被人们一下子就把歌的旋律记住!这样的歌常常是很好听的!如很多歌的高潮部分,也就是副歌部分,就经常用到反复的!当然,主歌里也经常用到的!可以是部分旋律反复,也可以是整个一个乐句段全都反复,按情况而定!反复旋律,这个概念,大家都能够看的懂,所以暂时就不举具体的实例了!8. 环绕。